你绝对不能错过的40幅公共艺术画作
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在世界许多地方，公共场所艺术品以不同方式丰富着我们的生活。这些艺术品向给社区传递重要信息，增强人们的环境意识，促使人们以不同方式对待环境。这里我们对创造艺术作品的艺术家以及拍摄这些艺术品的摄影师表示敬意。——丽安娜·伯登·赛德尔
▲1．10月13日，在德国柏林，街头艺术家“Sokar uno”正在一栋住宅楼上做壁画，这副壁画是“城市国家”艺术工程的一部分。（路透社/ Fabrizio Bensch）
▲2．11月6日，在布宜诺斯艾利斯的圣马丁广场，第四“黎巴嫩共和国”学校学生创作的雕塑作品“宣言（"Manifiesta）”作为“室外展览”作品之一展出。这些学生自称“地球卫士”，来自几所技术和艺术高中学校。他们全部使用废塑料制作雕塑。学生们受到艺术家埃德加尔多·罗德里格兹（Edgardo Rodriguez）的指导，旨在反思人类制造的废物的影响，传递关爱地球的信息。（法新社/盖蒂图片社/Daniel Garcia）
▲3．10月16日，在厄瓜多尔首都基多圣罗克市场的外面，艺术家阿尔罗瓦·阿尔瓦多（Alvaro Cordova）在画一幅代表厄瓜多尔本土文化的壁画。阿尔瓦多的作品参加了该市艺术基金ConArte组织的壁画比赛。（美联社/ Dolores Ochoa）
▲4．在洛杉矶韩国城Dan Sung Sa饭店的上方，挂着一幅巨幅画，画上韩国国旗两面分别是朝鲜前领导人金正日（左二）和韩国前总统金大中（右二）。画的下方有副画着一对翅膀的壁画，一位女子从这张壁画前走过。（路透社/(Lucy Nicholson）
▲5．9月4日，在台湾台北桃园海军基地举行的桃园大地艺术节上，一位女孩在荷兰艺术家弗洛伦泰因·霍夫曼（Florentijn Hofman）最新作品——只25米大的白兔前玩。去年霍夫曼的大黄鸭曾在这里吸引了数百万参观者，艺术节组织者希望这只白兔取得同样的效果。（盖蒂图片社/ Ashley Pon）
▲6．9月25日，在马萨诸塞州的梅德福，一位男子从一张壁画前走过，画上写着“希望和平”的字样。（《波士顿环球邮报》员工/ Jessica Rinaldi）
▲7．11月2日，一位妇女伸手触摸作为民主运动象征的微型纸伞，这些纸伞是占领旺角部分地区的抗议者留下的。（路透社/ Damir Sagolj）
▲8．10月24日，在纽约的布鲁克林，一位记者在关闭的格特（Gutter）保龄球馆旁画有壁画的墙壁前打电话。格雷格·斯宾森（Craig Spencer）大夫在检测出埃博拉阳性进入贝尔维尤医院接受隔离之前，曾在这里打过保龄球。（法新社/盖蒂图片社/ Jewel Samad）
▲9．在柏林的柏林画廊，前来提供帮助的人正在建造名为“厨房纪念碑”社会工程的活动式雕塑。该画廊邀请人们参加在泡沫型帐篷中举行的研讨会、讲座和美食活动。（欧洲图片社/ Maurizio Gambarini）
▲10．9月27日，在旧金山的恶魔岛（Alcatraz）上，一位参观者从中国艺术家的作品“随风”旁边走过。这件建在前联邦监狱的风筝形艺术品旨在对比自由与限制。（法新社/盖蒂图片社/ Noah Berger）
▲11．9月19日，在伦敦塔，一只乌鸦飞过题为“献血漫过的土地和红色的海洋”的艺术品。这件作品仍在制作中，定
于11月11日完成，纪念英国参加一战首日100周年。这件作品由陶瓷艺术家保罗·康明斯（Paul Cummins）制作的888，246个陶瓷罂栗花组成，背景由舞台设计师汤姆·派珀设计。（路透社/ Russell Boyce）
▲12．10月10日，波兰罗兹“光动节”开幕之夜流光溢彩的建筑物。（欧洲图片社/ Grzegorz Michalowski）
▲13．在马萨诸塞州东波士顿的码头，节前，艺术家利兹·拉曼奇（Liz LaManche）在画代表英国的纹身设计图案。许多国家及文化在这里得到展示，英国是其中之一。（《波士顿环球报》员工/ Joanne Rathe）
▲14．10月31日，在墨西哥南部格雷罗州的蒂斯特拉镇，学生们在这间屋子上装上一幅壁画，要求政府对Ayotzinapa 教师培训学院41名学生失踪事件声张正义。9月26日，在Iguala，41名学生在与警察和蒙面人发生冲突后失踪。图中，一位男子离开这间屋子。（路透社/ Daniel Becerril）
▲15．10月26日，在悉尼的塔玛拉玛海滩，逛海滩的人们或行走或坐在一间巨型煎锅形状的雕塑周围。这件作品是Andrew Hankin创作的，题为“我们在这里烧菜”，是“海边
雕塑”展的一部分。今年是这种免费临时户外展览的第18个年头，展览作品在悉尼著名的邦迪与塔玛拉玛海滩之间展出，延伸长达2千米。（路透社/ David Gray）
▲16．在巴西里约热内卢的“艺术里约国家艺术节”上，人们从墨西哥艺术家Damian Ortega创作的名为“11件铁件”的艺术品旁边走过。（美联社/ Silvia Izquierdo）
▲17．10月2日，在利比里亚首都蒙罗维亚，一位男子从一张埃博拉宣传画旁边走过。这种传染病已经造成西非4800人死亡。（盖蒂图片社/ John Moore）
▲18．在英格兰东北部滨海纽比金（Newbiggin-by-the-Sea）海岸之外，平静的北海拍打着艺术家肖恩·赫纳利（Sean Henery）创作的题为“夫妇”的艺术作品。（记者协会经由美联社/Owen Humphreys）
▲19．10月28日，在德国柏林的“东部画廊”，游客在一幅俄国斯画家Dmitri Vrubel创作的壁画前停步，壁画上苏联前领导人勃列日涅夫与东德前领导人埃里希·昂纳克在亲吻。东部画廊长1.3千米，为原柏林墙的一部分，现在成为有名的旅游胜地。（盖蒂图片社/ Sean Gallup）
▲20．9月18日，巴西艺术家Eduardo Srur创作真人尺寸的人体模型站立在被严重污染的巴西圣保罗皮涅鲁斯河上。Srur说他的这件作品是警告人们重视这座城市河流的污染问题。（美联社/ Andre Penner）
▲21．10月28日，在布基纳法索首都瓦加杜古国家广场，一名抗议者从壁画的墙上跳下。数万名民众在布基纳法索首都举行游行，要求布莱斯·孔波雷放弃旨在改变任期延长自己统治举行公决的计划。（路透社/ Joe Penney）
▲22．9月26日，在美国加登格罗夫，因吸毒职业受挫的前奥兰治高中、南加州大学及美国国家橄榄球联盟前卫托德·马林奥维奇（Todd Marinovich）在宝石剧院侧墙上画壁画。（《奥兰治县记事》通过美联社/ Kevin Sullivan）
▲23．9月3日，荷兰艺术家弗洛伦泰因·霍夫曼(Florentijn Hofman)创作的巨型木河马漂浮在伦敦泰晤士河上。这个名为“泰晤士河马”的雕塑长21米，作为“完全泰晤士”节展品展出。（法新社/盖蒂图片社/Jack Taylor）
▲24．9月3日，在北京的展览上，一位中国女孩试图与彩
俑握手。这些彩俑是中国著名兵马俑的仿制品。（盖蒂图片社/ Kevin Frayer）
▲25．10月21日，伦敦，一位工人坐在一张画板前打电话，画板后面是正在进行施工的建筑工地。（路透社/ Suzanne Plunkett）
▲26．10月9日，柏林“灯光节”开幕前夕，人们聚集在一起观看流光溢彩的柏林大教堂，技术人员在做灯光测试。每年一度的灯节上。许多著名大楼和地标建筑物都成了灯光装置的画板。（法新社/盖蒂图片社/ Odd Anderson）
▲27．9月24日，在北京的一个购物中心，一位妇女从“北京设计周”上展示的艺术作品旁走过，她用手挡住太阳光。（美联社/ Andy Wong）
▲28．10月17日，在布拉格举行的“信号节”上，人们走在名为“池子”的装置上。国际及当地艺术家将在布拉格街上展示新技术及照明设计的主要趋势。（法新社/盖蒂图片社/ Michal Cizek）
▲29．为美化波士顿杜威广场公园的绿道墙（Greenway
Wall），一组带着安全装置的壁画艺术家在一台80英尺长直杆、50英尺链式起重机上工作，对最新壁画做最后的修饰。（《波士顿环球报》职员/ David L. Ryan）
▲30．9月4日，在英格兰中部查茨沃思庄举行的“超越极限”销售展览中，德文郡公爵和公爵夫人从美国艺术家爱丽丝·艾科克创作的题为“Hoop-La（呼啦）”的雕塑中间走过。（路透社/ Darren Staples）
▲31．10月22日，西班牙巴塞罗那举行的反对政府削减教育开支的示威活动进入第二天。图中，学生们举着班斯基（Bansky）设计的标语，上面画着一个女孩和一只写有“教育”字样的气球。（法新社/盖蒂图片社/ Quique Garcia）
▲32．8月8日，在纳塔尔街头，“大街绅士”舞蹈团成员在进行“身体超越”的街头表演。（路透社/ Nuno Guimaraes）
▲33．10月18日在麦纳麦以西的Jidhafs村，在支持沙特什叶派学者Nimar Al Nimar的抗议中，一位手拿燃烧瓶的抗议者站在当地高中的墙壁前，墙壁上画着手持蜡烛的学生。（路透社/ Hamad I Mohammed）
▲34．9月25日，在法国卡昂的卡昂博物纪念馆外，工人们正在安装由美国艺术家Seward Johnson创作的雕塑作品——“无条件投降”。（路透社/ Stephane Mahe）
▲35．9月13日，德国科斯塔涅维察（Kostanjevica ob Krki）遭受洪灾袭击。图中，两位男子划着小船从一幅壁画旁边通过。（Kostanjevica ob Krki）（路透社/ Srdjan Zivulovic）
▲36．9月15日，德国科隆“2014年世界影像博览会”开幕之日，参观者在科隆教堂前拍摄全景照片。（欧洲图片社/ Oliver Berg）
▲37．10月9日，在南非约翰内斯堡，一位步行者从刚刚画成的壁画前走过。（美联社/ Denis Farrell）
▲38．9月18日，意大利罗马，一位街头艺术家试图吸引过路者的注意。（美联社/ Andrew Medichini）
▲39．9月18日，在菲律宾首都马尼拉，一个小贩在画着爱因斯坦的壁画前整理出售的蔬菜。（法新社/盖蒂图片社/ Noel Celis）
▲40．10月23日，美国亚特兰大，25岁的安妮·麦卡锡用完午餐，在回办公室的路上穿过废品箱艺术设置。这个题为“典故”的艺术设置是由伊戈尔·考森斯基（Igor Korsunskiy）创作的。作为“2014年提升艺术”一部分，10个废品箱被放置在城市中心区，作为临时艺术画廊。（美联社/ David Goldman）
0 基本原则 0.1 与中阶文艺青年保持距离，尤其在阅读书目、谈吐方面。 0.2 适当打破中阶文艺青年的阅读忌讳（可能暴露中阶文艺青年真实身份的东西，也许恰恰能保护高阶ZB活动，自行鉴别）。 0.3 可经常暴露自己不懂的东西，必要的时候，懂也要装不懂。 0.4 着眼点从作家转向作品。 0.5 保持身体和头脑的灵活。 0.6 要在文学之外有所作为。 1 阅读 1.1 轻视国别、性别、时代和风格，但须明白： 1.1.1 法语文学是最适宜的，德语文学要充分重视，日本极少有好作品，韩国没有文学，中国近代可以阅读、当代作品不主动接触…… 1.1.2 女性作者很少有出色的，但有极少数是极其出色的。 1.1.3 本世纪的作品大多数不如以前的，但有例外。 1.1.4 轻视所有文学奖项，倘若有对己有利的作品，可忽视其获奖的事实。 1.1.5 顽固地将一部分哲学著作视为文学作品。 1.2 善于寻找文学传承的源头，最早的通常是最好的 1.2.1 圣经必须通读。 1.2.2 古希腊诗歌、戏剧及其他文本必须熟悉。 1.2.3 喜欢莫泊桑不如喜欢福楼拜，喜欢卡佛不如喜欢海明威，喜欢穆齐尔不如喜欢 马赫。 1.2.4 认真学习最重要作家的通信集、文论、演讲稿。 1.3 在一个作家的作品里必须作出取舍 1.3.1 歌德最好的作品是《威廉?麦斯特》而不是《少年维特的烦恼》。 1.3.2 读福楼拜要先从《萨朗波》开始，《情感教育》、《布瓦尔和佩居榭》、《圣 安东的诱惑》可以读，但要持一定的保留态度，《包法力夫人》要读，但它太时髦，要偶尔批评它。 1.3.3 以重视《九故事》的同等力度去轻视《麦田里的守望者》，效果明显。 1.3.4 阅读卡夫卡的长篇和短篇，但不谈论它们。 1.3.5 读普希金的诗和小说，说服自己喜欢它们。 1.3.6 从总体上喜欢乔伊斯，但更喜欢《都柏林人》和《青年艺术家的画像》。 1.3.7 阅读纪德的作品，从中挑出《人间食粮》作为床头书。 1.3.8 喜欢尼采，特别是《查拉斯图拉如是说》。 1.4 广泛重视诗歌（部分因为诗歌在眼下不时髦，部分因为必须承认诗歌和小说有关联） 1.4.1 对国内诗坛的流变保持不关心。 1.4.2 阅读五个世纪以前的诗歌是安全和有益的。 1.4.3 阅读特朗斯特罗姆、麦克利什、布罗茨基、特拉克尔、米沃什、阿米亥、赫尔
题目：毕加索一生爱过许多女人，其中女艺术家多拉.玛尔曾经被毕加索爱过，然而又被抛弃。她曾直面毕加索本人说：“作为艺术家，你可能非常杰出，但是就是道德而言，你却一文不值！”毕加索反驳道：“良心上的问题只是自己的问题，与别人没有关系。” 你同意毕加索关于艺术与道德的观点吗？简述理由 艺术家本人的人品和艺品（艺术作品的价值）有一致性吗？按照中国的传统观点，人品=艺品，人品好，艺品也自然好；有人则认为，人品不等于艺品，认为两者之间没有必然联系。你是怎么认为的？ 答：首先，我不同意毕加索的这种说法，原因如下： 毕加索认为良心上的问题只是自己的事情，与别人没有关系。这首先就是一种形而上学的观点，他否认了事物之间的普遍联系。人作为一种社会性的动物，当他降生到这个世界的那一刻起就已经注定了他要和这个世界上的很多人和事物发生千丝万缕的联系，即使是你一个小小的决定都可能影响到别人的人生，这和“蝴蝶效应”的道理是相通的，一只小小蝴蝶的影响力尚且如此，更何况一个有着丰富情感和改变世界能力的人了，而且毕加索当时就已经在社会上拥有很大的名气，是一个具有相当影响力的人物，怎么可以说他自己的道德问题与别人无关呢，最多只能说是他并不在乎自己良心上的问题给别人造成的影响，仅此而已。 对于艺术家的人品和艺品，我认为两者之间并不存在绝对的一致性。在中国的传统观念中，一般认为一个人的艺品是由他的人品所决定的，正如古文中提到的那样：“其文拙而其心正，则正心能补文字之不足；其心不正其笔妙，则不正能陷妙笔入俗贱。文，皮毛之技艺，心，乃人之根本.。舍本而逐末，概今日做文者之大哀！”，文章写得不好没有关系，只要你心性正直就能弥补文章上的缺陷，
29 浅析文征明的山水画艺术特色 李晓/ 陈炜济南大学美术学院2015级硕士研究生/ 济南大学美术学院 摘要：文征明是明中期著名的画家，是明四家之一。文征明书法成就颇高，擅长山水、人物、花鸟多种题材，尤以山水画见长，将文人画的发展推向高峰。他注重师法古人，更注重师造化，以此形成了自己独特的山水画风格。本文通过分析文征明所处的社会、家庭环境等因素，探究文征明独特山水画风格的形成过程。 关键词：文征明；山水画；青绿 一、影响文征明艺术发展的因素 明代山水画的发展主要继承了宋元山水，明初戴进开创的浙派山水画师法宋代画家马远、夏圭，绘画以南宋的院体画风格为主，皴法主要为大斧劈皴，线条厚重。明中期在苏州兴起的吴门画派以沈周、文征明为代表，推崇北宋的山水画，师法董源、巨然。明晚期兴起以董其昌为首的松江派，师法董源、巨然、倪瓒、黄公望，与吴门画派的绘画风格联系密切。 作为吴门画派的代表人物，文征明并不似其他画家一样幼年成才。王世贞《文先生传》中说：“先生八九岁，语犹不甚了了”[]，他七岁才能站立，八九岁语言不顺畅，行动迟缓。文征明九岁时，其父文林就让他跟随吴宽学习古文，后来跟随父亲读书，十九岁因书法较差岁试三等。文征明因此下定决心苦练书法，大量临摹智永的《千字文》，每日临摹十本才肯睡觉，二十岁师从沈周习画，二十二岁拜李应祯为师父研习书法。文征明曾任翰林待诏，但日常工作只是给嘉靖皇帝讲解经传史鉴，这对文征明来说既感觉无所作为又被琐事影响，不能专心画画。五十七岁时，文征明决定告别仕途退隐山林，回到老家苏州过起了闲适、安逸的生活。 二、文征明各时期的山水画特点 文征明精通人物、山水、花鸟等各种题材，其中他的山水画数量最多。文征明的山水画题材大多是家乡的自然风光，于山水画中饱含对家乡的眷恋。文征明山水画风韵独特，十分注重水墨和色彩的运用。文征明成就最高的是青绿山水和水墨山水，如《万壑争流图》、《绿荫长话图》。 （1）早年绘画风格-古朴文雅 江南水乡秀丽的风景影响着文征明的绘画特点，他的青绿山水文雅且毫无匠气，《烟江叠嶂图》是文征明早期山水画的代表作。这幅山水画采用平远的构图方法，描绘了烟峦起伏的景色，用强劲有力的线条表现山石树木，对于山川细心描绘，设色浅淡，很少使用浓墨。 文征明早期山水画中的人物和树石都取法赵孟頫，除此之外还学习黄公望、倪瓒、王蒙等画家山水画中浓密的苔点。文征明的山水画多是描绘具体的生活环境，在自然中提取景色描绘。因此在他的山水画中，大都有人物的存在，这也使得他的山水画多了一丝雅趣。 （2）中年绘画风格-色彩奔放 文征明中年时期绘画风格在设色上有所改变，不再是浅设色，而是更加浓郁，随着练习的日益精进，笔法更加老辣，画面体现着文人气韵，这个时期的代表作品是《惠山茶会图》。画面中文人雅士品茶吟诗，有人在林中散步，有人在亭中赏画，整体作品风格青绿重色，在画山石树木中融入了书法用笔，以行书的中锋笔法晕染，偶时用侧峰，对山石用石绿染色，对树干用赭石和藤黄晕染；画面中的人物采用工笔的形式，树石的形态勾勒细致，树木分布有高低、疏密之分，主次呼应，整幅画高雅精致、情景交融。 这种青绿画法是在赵孟頫、钱选的山水风格上的创新之作，装饰意味浓厚，对所描绘对象如松树、山石以写实的手法层次清晰，较少用皴擦，多反复渲染，色彩厚重。 （3）晚年绘画风格-率真野逸 文征明晚年的山水画更具内涵和深意，在构图上愈加复杂，用笔放松自如，表达内心感受的作品较多。他晚年的代表作品是《绿荫长话图》，这幅画中两人坐在绿荫树下闲聊，树旁的小路向山间隐去，耸立的松柏线条干枯淡雅，山石的勾勒细腻结实，在构图上具有深远和高远的特点。这幅图与青绿山水相比很少渲染，树木的用笔凝练，山石放松概括，近景的古树刻画精细，皴法细腻再加以晕染，中景的古松皴擦出了斑驳的树干，茂密的松针用利落有劲的线条显得整个古松越发挺拔。
最新英语专业全英原创毕业论文，都是近期写作 1 Emerson’s Ideas on Nature and Social Harmony 2 大学英语课堂教学师生互动建构浅析 3 An Analysis of Vampire Image in Fevre Dream by George Martin 4 从合作原则分析《老友记》中的人物性格刻画 5 英语法律文本翻译原则 6 从《祝福》的英译本谈文化空缺词的翻译 7 简奥斯丁的女权主义在《理智与情感》中的体现 8 英汉天气词汇的隐喻用法 9 《洛丽塔》的精神生态解读 10 从生态批评的角度解读《查特莱夫人的情人》 11 说谎的语用顺应性分析 12 Bertha Is Jane:A Psychological Analysis of Charlotte Bronte’s Jane Eyre 13 达尔文主义视角下的《卡斯特桥市长》 14 A Comparative Study on the Celebrations of Traditional Chinese and Western Festivals 15 试探吸血鬼文化的起源 16 《西风颂》两个汉译版本的文体分析 17 The Application of Corpus in Teaching Oral English 18 《喜福会》中的象征主义 19 中英广告中的双关语探析 20 桑德拉?希斯内罗丝《芒果街上的小屋》中女主人公的人物形象分析 21 口译中的语用失误分析 22 中英文颜色词的文化内涵及翻译 23 跨文化交际在宝洁公司营销战略中的应用 24 A Comparison of the English Color Terms 25 论内莉丁恩在《呼啸山庄》中的作用 26 A Study of Nonverbal Communication 27 英语中的性别歧视 28 中国菜单的英译 29 简奥斯汀对英国小说的贡献——以《傲慢与偏见》为例 30 从爱情观的转变谈《飘》中斯嘉丽的成长历程 31 中西方礼貌用语对比分析 32 从数字的联想意义研究中西文化的差异 33 从《嘉莉妹妹》分析西奥多?莱塞对人性欲望的理解 34 高中英语听力课中的文化教学 35 从跨文化的角度研究故事影片名字的英汉翻译 36 经贸英语中的缩略语现象及其应用 37 《夜色温柔》男主人公迪克的精神变化研究 38 数字的文化内涵及数字的翻译 39 Scarlett的人物形象分析 40 从中西思维方式的差异看《梦》及其英译本中主语的确定 41 商务谈判策略研究 42 从文化角度看林语堂的《吾国与吾民》
1.明前期宫廷山水画（“浙派”） 院体与浙派山水的杰出代表是戴进与吴伟，极大了左右了院内外的职业画家的艺术追求，作为职业画家，他们不仅在艺术风格上有所区别，而且生平际遇也有所不同。(1)戴进:A.山水画:a.措景丰富，多生活实感，构图剪裁精当而境象恢弘，造型明快而富于质感，笔墨劲健而法度谨严，格调洒脱而清爽隽逸。b.山水实境中安排有情节的人物活动，粗看有气势，可“卧游”，细看又有情味，实质上是以山水为主的山水人物画:《春游晚归图》。B.追随其画风者极多，而以其籍贯，称这一派为“浙派”。(2)吴伟:A.山水画:a.用水更多，气魄更大，布景造型更简括整体，画山石用斧劈皴，横涂直抹，似若随意。 b.画中有较大人物，与山水结合，给人以简劲放纵，水墨淋漓，气势磅礴又不流于粗俗的印象，其实 是以山水为衬景的人物山水画:《柳下读书图》《梅下抚琴图》.B.以其籍贯将这派称之为“江夏派”。 2.明中期文人画与“吴门四家” “吴门四家”:沈周，文徵明，唐寅，仇英:<1>吴门派画家大多属于诗书画三绝的文人名士，他们淡于仕进，优游林下，以诗文书画自娱。<2>继承尚意趣，精笔墨，饶“士气”的元人绘画传统，致力于宁静典雅，蕴藉风流的艺术风格，体现自得其乐的精神生活，是他们山水花鸟花的普遍特点。(1)吴门派兴于沈周，成于文徵明，是吴门派文人画的最突出的代表:A.他们以山水见长，山水画中以水墨以及水墨淡着色的作品更引人注意，并且有粗细两种面目。B.多描写江南风光或文人园林，凭借诗书画三位一体抒写情怀。<1>沈周:A.山水画:a.以粗笔为多，早期笔墨严谨细秀，晚年笔丰墨健，浑厚沉郁。b.作品构图平稳，境界宁静优雅，洋溢平和怡悦的气氛.c.尤能在温雅恬静的情调里表达恢弘的胸襟，丰富的想象与蓬勃的生命力，作品反映的审美情趣和笔墨意韵，代表了明代文人画的美学追求。B.粗笔作品《夜坐图》，细笔作品《庐山高图》:开创以山水画象征人品的表现手法。<2>文徵明:A.山水画:a. 以细笔为主要面目。b.作品情调娴静典雅，布景层叠而上缺少纵深空间表现，追求平面感.c.笔墨干枯中见秀润，设色清丽雅洁，有一股“士气”充溢其间，抒情意味更胜。B.细笔作品《绿荫清话图》《真赏斋图》。C.沈周与文徵明的花鸟画风格也有差异:a.沈周的花鸟画以水墨写意见长:《枯树八哥图》。 b.文徵明多画竹兰，优美秀雅，清润天然:《湘君湘夫人图》。(2)唐寅和仇英代表了融合院体与文人画 风的另外两种类型:A.体现了滥觞于此时的文人画家职业化与职业画家文人化。B.他们与沈，文有四个方面的不同:a.均出身下层社会.b.均以画为业.c.师承相近.d.均擅画人物。<1>唐寅:A.修养广博，才华横溢，题材范围宽广，形成以“院体”工细为主而兼具文人画笔墨的意趣与风格，尤能通过诗书画结合阐发不同寻常的立意。B.仕女画:富有时代特色，创造了细腰纤瘦，眼眉细小，樱桃小口，下巴尖尖的艺术形象。C.山水画:状物真实，抒情自然，作风沉郁潇洒:《落霞孤鹜图》。D.花鸟画:用水墨随意点染，更具秀逸，清新之趣:《古槎鸲鹆图》。<4>仇英:A.文化修养不博，画上只题名款，绘画题材较窄，专画传统题材，尤擅工笔重彩人物与青绿山水，在精丽秀美中闪现妍雅温润，是一种雅俗共赏的风格。 B.工笔人物画:《秋源猎骑图》《桃源仙境图》把青绿山水与工笔人物结合。 C.小写意人物画:《松溪高 士图》《蕉下弹琴图》。 3.明后期写意花鸟画（“白阳青藤”“勾花点叶体”） 明代中叶，在画史上并称为“白阳青藤”的陈淳，徐渭把写意花鸟画发展推向了新的阶段。(1)陈淳:A. 号白阳山人，写意花鸟造型写实精当，严于剪裁.B.意境安适宁静，笔墨自由如意,也时作草书题诗，配合画意.C.画法已呈放逸，表达感情显得逸宕:《秋葵图》《山茶水仙图》。(2)周之冕:A.所画花卉，勾染点簇，设色鲜雅，逼真而富生意.B.画法兼工带写，以勾勒法画花朵，以墨色点染枝叶，被称为勾花点叶体:《芙蓉鸭图》。(3)徐渭:A.完成了水墨写意花鸟画变革的大家，号青藤，一生坎坷，形成狂傲不羁的个性。B.花鸟画:a.大胆变革，极具创造力，赋予花卉以强烈的主观感情，直抒愤世嫉俗，激荡难平之情，具有震撼人心的艺术感染力。b.擅以狂草般的笔法纵情挥洒，泼墨淋漓，在“似与不似之间” 的花木形象中着眼生韵的体现.c.把中国写意花鸟画推向强烈抒写内心情感的极高境界，把在生宣纸上充分发挥并随意控制笔墨的表现力提高到前所未有的水平，成为中国写意花鸟画发展中的里程碑:《杂
纸浆画 （一）导入：今天我要和同学们一起学习画画了，我们之前学习过哪些材料啊？ （二）教学开展： （知识回顾）1、欣赏若干作品，发掘和以前的画用的材料有哪些不一样，同时看看画面和色彩处理。（让学生思考1-2分钟）请学生回答，再教师小结进而引入概念什么是纸浆画？顾名思义用纸做为主要的材料所制作出来的作品。 （课堂互动）2、教师提问：我们没有彩色纸浆怎么办呢？---------自己制作，增强动手能力。 （行为习惯教育）3、和学生一起制作纸浆，注意教室地面、桌面保持清洁。 （探求新知）4、提问：你发现碎纸屑拌入颜料后发生了什么变化？为什么会发生变化的？白色的纸泥变成彩色的了，穿上了彩衣。是因为纸泥里面添加了彩色的颜料进去。染成了各种颜色。 (三)纸浆画的制作过程： 1）在色卡纸或者其他材料上先画好外轮廓。 2）将准备好的碎纸屑拌上浆糊，并调入所需的颜色，作为纸浆等待备用。 3）用镊子取出纸浆粘贴在事先准备好的色卡纸或者是其他的材料上。 （四）制作的过程中要注意的事项：
A 注意色彩的搭配，冷暖色和明暗色的处理。 B纸浆不要过多，粘时不要过厚；纸浆要覆盖整个画面。 C 粘贴的过程中一定要让纸浆和底板充分粘接，以避免干后作品的脱落. D 粘贴的过程中不要将纸浆表面压平，从而失去纸浆本身的表面肌理效果。 E 粘贴的过程中各种颜色之间的衔接一定要严实，使各色纸浆相互形成一个整体。 F 粘贴的过程中各色纸浆容易混色，所以每做完一种颜色后应该清洗工具。 （五）纸浆画的特点及教学意义： 纸浆质地柔软，可塑性强。安全无毒，无过于复杂的制作过程，原材料随处可见。学生在学习制作的同时老师不必为安全而担忧，学生找到童趣的同时通过纸浆画的课程学生的手，脑，眼，都得到了锻炼，纸泥、浆画装饰感很强，学生做完的作品完全可以挂到家里做为装饰画和艺术品为自己的房间或者以后的幼儿园添彩。也使学生对多种工具表达的探索兴趣有了抛砖引玉的积极作用。 （六）优秀作品欣赏。 （七）（巩固提高）学生创作阶段：下面时间请同学们从以下内容中选一个物体或者自创图稿，用纸浆表现成画稿。如：小草莓、西瓜、太阳花、苹果、梨、香蕉、茄子、胡萝卜、蝴蝶、七星瓢虫、棒棒糖、彩色气球、樱桃、葡萄、等等。
论工匠与艺术家的差别 摘要：工匠和艺术家都是艺术工作者，两者在某些方面是相通的，但是又在内在本质方面有着差别。艺术家就好像是发明家，而工匠则是制造者。工匠和艺术家都可以完成艺术作品，但是他们的艺术作品在艺术价值和艺术品位方面还是有很大差别的。因为艺术家的天性是创造，而工匠的习性是复制。而创造凭借的是想象，加之以自己的理解和感受；而复制则是模式的照搬照抄，或者纯粹的重复。我认为艺术家是具备工匠娴熟技艺的基础上，又具有丰富想象力和创造力。 关键词：艺术家；工匠；创造；复制 一、发明家与制造者 首先，我认为工匠与艺术家最大的区别在于一个是“制造者”，另一个是“发明家”。他们完成艺术品的思路方法是不同的，艺术家是凭借自己的想象力创造作品，而工匠是依靠自己的娴熟技艺复制作品。因此，他们本质的差别就是创造与复制的区别。 艺术家指具有较高的审美能力和娴熟的创造技巧并从事艺术创作劳动而有一定成就的艺术工作者；既包括在艺术领域里以艺术创作作为自己专门职业的人，也包括在自己职业之外从事艺术创作的人。是一个原于自然，发于心灵的艺术作品创作者。工匠则是具备工艺专长的从事艺术制造劳动的匠人。 艺术家日常工作中注重创造，以创造为原则。技术和技巧作为一种工具被使用，在运用的过程中，技巧技术也不断变化和翻新。但凡艺术家都是技术技巧的创造者，他们能成就大业和他娴熟技艺分不开，更和他对技巧的创造相关联。而工匠则就不同，更多的是教条机械的工作，他们总是缺乏创造的勇气，工作就是重复过去的经验，热衷于客体的再现甚于表现，描摹成分多于提取锤炼的成分。 艺术家是进行艺术创作的主体。作为创作主体所具有的构成因素中，发达的审美感受能力、创造性的想象、丰富的情感和娴熟的艺术表现技巧是艺术家的主要内涵。丰富的生活经验和对生活的敏锐而深刻的洞察力是艺术家必须具有的素质。对人生的严肃态度、对人类命运的巨大责任感是艺术家的主要道德品格。艺术天赋对于艺术家来说，也是十分重要的。成功的艺术家总是具有某种突出的艺术天赋，就某些艺术种类如绘画、舞蹈、音乐艺术来说，创作主体艺术天赋的重要性显得尤为突出。而工匠是经过长时间的反复训练，已达到技艺娴熟的程度，工匠不一定要具备丰富的创造能力，他们追求的是复制能力的精湛，工艺技术的娴熟。 二、文化的差异 工匠则是模式的照搬，而艺术家创造凭借的是想象。艺术想象是一种智慧能量的消耗。故那些不同凡响的石破天惊之作，皆出于那些智慧过人的艺术家之手。它们所透露的审美信息和艺术韵味总是让人只能意会，不能言传；知其奥妙，却妙不可言。就如自古以来虽有无数的人画过女人的微笑，却只有达芬奇的《蒙娜丽莎》让人折服不已，谈论不尽。究其奥秘，盖因它的作者是个多才多艺、学识渊博的“巨人”。他的大脑不仅属于绘画，而且也属于天文地理数理化，这些综合的成分使他的大脑成了经年多汁的“泡菜坛子”，从那里面出来的菜都是鲜美的！大脑“灵犀”里有了多种元素的储备，就容易“触类旁通”或融会贯通；有
【标题】浅谈山水画学习的心得体会 【作者】罗礼洪 【关键词】山水画学习方法写生艺术 【指导老师】陈文安 【专业】美术学 【正文】 引言 中国山水画从古到今流传几千年，有着悠久的历史。中国山水画至今流芳百世，山水画的技法千奇百怪，变化多端。应从实践中去理解、去学习，实践是检验真理的唯一标准。只有写生才能形象地、真实而具体地深入认识客观世界丰富和提高形象思维。写生是对客观事物的认识、认识再认识、不断深化的过程。在写生的过程去学技法和规律，掌握一般规律，这样才能更好的提高自己审美观、价值观、人生观。当然艺术决不是某一种事物的图解和说明，它是艺术家在深入生活中得到了深刻的认识和强烈的感受。艺术也是要求对生活进行高度集中和概括，要求典型化、理想化、从而创造出比现实更美好，更富有诗意，更理想的艺术境界，创造出革命时代新的意境。 美术是创造性的工作，真正搞好是不容易的。路子要走正；还要下很大的苦功夫。“生而知之，不学而能”是没有用的，只有学而知之。对学画的人来说，天份是有高低区别，但也只是学习上有快慢之分，绘画本身应该说是很难的，因为它不仅是门学问，同时还要有很高的技能。因此我认为要了解很多学术知识。首先了解绘画基本功如下： 一、学习山水画的基本功至少有三个方面的要求 1、是一般的造型能力。绘画语言是以可视形象反映客观事物，造型能力不好等于没有绘画语言，造型能力，指对形象、轮廓、明暗、层次、透视等的描绘能力。即对客观事物的刻划要准确，提高一般的造型能力，是艺术发展首要的前提。 怎样对待素描？我认为学中国画，山水画学点素描是可以的，或者说是必要的，素描是研究形象的科学，它概括了绘画语言的基本法则和规律，素描的唯一目的，就是准确的反映客观形象。客观描绘的准确性、体面、明暗、层次。光线的科学道理，对中国画的发展只有好处，没有坏处，我们的一些前辈画家。特别是徐悲鸿把西洋素描的科学方法引进中国，对中国绘画的发展起了很大促进作用，这是近代美术史上的一大功绩，我想这是任何人都不能否认的。有人说：学中国画的学了素描有碍民族风格的发展，我是不同意这样的看法，我学素描时间比较短，我曾有补习素描的打算，假若我的素描修养能再多些，对中国画创作会带来更大的好处，说西洋素描会影响发展民族风格，这是一种浅见。缺乏民族风格关键在于对民族传统的各个方面没有进行深入的研究，没有把自己民族的东西放在主要地位，而不在于学了素描。实践是检验真理的唯一标准，徐悲鸿先生在欧洲学习素描功力最深，造诣也最高，后来他画了大量的中国画，能说他失去民族风格了吗？我看不光没有失去，反而是促进了中国民族绘画艺术的发展，使民族风格发出了新的光彩，中国是一个有高度发达的传统文化的国家，在中国美术史上，一些外来的文化传入，中国都有能力吸收消化，都曾变成为有益有滋养，促
艺术家的情感因素与艺术创作的关系 确实，情感一方面构成了美的真正中心，而另一方面美术创中所选定的视觉对象须不仅仅是美术家自己所意识到和受感动的，而且还必须对其内在意味加以自己彻底的情感体会。因情绪的肤浅往往导致作品的空无物，而理想的画面则应该一种情感的凝缩。所以，也有那些真正使创作本身也甚为所动的感体验，才能成为震撼或抚慰者心灵的内在力量。 正如贝多芬的名言：有发自内心才能进入内心， 大致上说，人感情除了大家所熟悉的怒哀乐之外，还有很多同艺世界关系密切的情，如：孤独、惆怅、悲壮、压、空旷、崇高、庄严、神圣、寒、淡远、宁静、清和敬畏等。 英国唯美主义、提倡“艺术至”论的代表人物王尔德曾说：“伦敦一直有，可是谁也没有见到雾，对不了解。直到艺术创造了雾，才开始存在。”当莫奈在英国出他画笔下的伦敦时，国人却犯疑惑了：我们身处其中的雾都”果真是画家笔的那般面目吗?那些很灰或珠灰雾气怎么一到法兰西人的中就变成一片紫红了呢?然而，英国的观者疑惑地走出展览时，他们无异于经历了一体验最直接的真理的快感，因为己头上的雾气真有某种红的色调!莫奈的情感体验和艺术造，就这样使伦敦的市民乎是唤了一种眼光来看自己城市。而前苏联作家巴乌斯托夫在看了列维坦的《拉基米尔道路》一画后他第一次看见了俄斯阴天的五光十色。 人是有情感的，艺术家在塑造形时，就必须把他对于各种生活现的认
识情感凝聚在形身上。否则形象的艺术染力就是零。艺术作品的形象必须艺术化了的形象，其中渗了浓厚的情感因素，且能引发艺术欣赏与之产生相应的共鸣。对何事物、对任何美丽的风、人物，画家不溶入自己真实情感，不溶进对该事物理解和态度。不想用自己所熟的表现形式予以表现的话，我认为是不会创作出令人满意的作品。偶创作出来也是空洞乏味。不给人以美感或联想，或给予人以迪。也不会有任何意义作品也就没有了价值。 艺术家是人类审美精产品的创造者，是有独立人格的丰富情感的人，并主要运用独特的思维和技能去表现类丰富的感情。艺是真实情感的表现性形式。表现不仅是表达，而且是一种有意识的、思的活动，正因为它是这样的一种动，它才是一种创活动，它所创造的不仅是形式。本身就是一种人类自由的形式体现。艺术家的情感因素与艺创作之间是紧密联系的，没有丰富情感因素不会有好的艺术作的。 有意的活动是有目的的活动。艺术创作目的性，艺术作品存在的目性是什么呢?答案十分重要是同情。所谓同情，就是我的情与别人的情感统一，或者人的情感与我的情感统一。艺家追求同情。同情作为一种神的需要，是人类自身发展更高层上的需要。如果艺术家并未体到某种情感，他就不有表现的冲动，从而也不会有艺术创作活动。在这意义上同情是艺术的生命。 瑞士心理学家荣格认“艺术家由于受不可止的创作激情的驱使，必然要不一切地去完成他的作，从而导致其个人生活的破坏，此，艺术家的生活即使不说是悲性的，至少也是极度不幸的”凡高是天才，是狂，
浅谈中国山水画 【摘要】中国山水画是中国人情思中最为厚重的沉淀。 游山玩水的大陆文化意识，以山为德、水为性的内在修为意识，咫尺天涯的视错觉意识，一直成为山水画演绎的中轴主线。从山水画中，我们可以集中体味中国画的意境、格调、气韵和色调。再没有那一个画科能像山水画那样给国人以更多的情感。若说与他人谈经辩道，山水画便是民族的底蕴、古典的底气、人的性情。 【关键词】山水画中国底蕴文化古典 一、中国山水画的起源 中国山水画的起源可追溯到三国时代，顾恺之的《画云台山记》中所叙述的《云台山图》证实了我国不但有山水画，而且起源于三国。顾恺之，字长康，江苏无锡人，精于人像、佛像、禽兽、山水等，博学多才，艺术造诣很高，素有才绝、画绝、痴绝之称，他的《论画》极大的促进了隋代以后我国山水画的发展，而后而后宗炳的《画山水序》王微的《叙画》，进一步的证实了我国的山水画的由来，且证实了山水画的素材来源于真山真水的写生，绝非人为臆造。
---《洛神赋图》之一，东晋著名画家顾恺之绘制(宋摹) 二、中国山水画的独立 隋朝的时候，由于政教的关系，因此绘画受到重视。隋朝绘画扔以人物或神仙故事为主，但山水画已发 展成独立的画科。展子 虔与董伯仁齐名，与东 晋顾恺之、南朝陆探微 及南朝梁张僧繇并称 前唐四大画家。展子虔历经北齐、北周与隋朝，曾在隋朝任朝散大夫，后任帐内都督。画过佛教画《法华经变》，风俗画《长安车马人物图》，但均没有传世。其山水画《游春图》，用勾勒刷法，著大青绿。空间透视安排合理，注意远近关系和山树人物的比例，能够于《游春图》-展子虔
咫尺之中，具备千里之趣。这证明了隋朝的山水画已经彻底解决“人大于山，水不容泛”的空间处理问题，成为卷轴山水画兴起的代表作。 二、中国山水画的成熟 唐代是我国历史上最强盛的时期，随着政治、经济、军事、教育、体育、音乐、外交……的发展，山水画教育开始设科，学画的人越来越多，王维、李思训、李明道、吴道子、阎立木、张萱、张燥邓等是最有名望的画家。大诗人王维曾任尚书右承、安史之乱后隐居于陕西蓝田辋川。其材艺双全能诗能画。诗歌以山水见长名扬史册，绘画尤长水墨，他的《雪溪图》、《孟浩然马上吟诗图》、《雪山图》、《辋川图》等。被宋代苏轼赞为：“诗中有画，画中有诗。”成为后世文人追求的最高境界。李思训出身于唐宗，他不仅是当代最有名的大画家，而且是屡建奇功的右武卫大将军。他受展子虔的影响，从形式上推动了山水画的主体，继承了六朝和隋代的山水画的技法。他的艺术实践使唐代的山水画得到了发展，也感染了许多精专山水画家。其子李昭道就是一位举足轻重的人物。他父子的青绿山水画同水
小议沈周山水画构图艺术 沈周是明代吴门画派前期的领军人物，和文徵明，唐寅，仇英被列为明代四大家之一，对文徵明和唐寅的绘画艺术，都有着重要的影响。他终生不仕，一生优游林下，淡泊名利。在绘画艺术上，取得了巨大的成就。明代画评家李日华曾经记述：沈周以临摹各家画风开始，中年独宗黄公望，晚年则“醉心”吴镇，并着意模仿。沈周师法过各家风格，但是并不墨守成规，是一个勇于创新，勇于打破成规的画家。在山水画的构图方面，画家的创新性更是表现得淋漓尽致，令人耳目一新。画家不墨守山水画构图的既有形式，总是能另辟蹊径，创作出一幅幅新意焕发的作品。本文即以沈周的山水画作品为例，赏析其山水画构图艺术。一．倒影式构图 本文所谓倒影式构图，是指沈周的一种极具巧思的构图形式，画家在画面中，使得画面的上半部和下半部相对应，就像是将上半部的物象成为下半部的倒影。这种构图形式是画家在早期比较喜爱的构图形式之一，体现了画家的对构图形式富有创意的开拓。 这幅《柳荫垂钓图》（见图1）表现的是画家们经常表现的文人树下垂钓的场景，构图简洁疏朗，意境清新，极富形式感。画面前景是呈三角形的石块，与远景最近处的三角形山石相呼应，而一个文人坐在岸边的平台上，这个平台也和远景处的平台相对应。近景倒“L”形的柳树，更是和远景中正“L”形的山体得到恰到好处的对应。这是一幅物象简单的图画，表现的主题也极为寻常，但是，画家巧妙的构思和匠心独运的安排景物的能力，使之成为一幅别具特色的倒映式山水，令人暗暗叫绝。 沈周的另一幅山水巨作《策杖图》（见图2）也是倒影式构图的绝佳范例。这幅画表现了一位文人策杖行走在山水间的小路上，整幅画大气开阔，气脉贯通，但是远景处山脊扭曲的走势给人一种不安定感。在构图上，这幅画以中景的近似于长方形的水面为中心，对近景和远景做了一个巧妙的倒影式表现。画面近景出有一条河流，自左下向左上方流去，这个走势与远景处由右下向右上方流去的河流相呼应。近景左边宽阔的石台，与远景处右边的高台地相呼应。近景右边弯曲的石堆和远景左边弯曲的山脊相呼应，似乎只是尺码不同，方向相反的石头。近景处几近水平的小径和远景中几近水平的石堆相互呼应。而近景和远景是通过八棵树木相联系沟通，统一在一个和谐的画面中。此图比上文中提到的《柳荫垂钓图》物象更为复杂，但是经过画家精心布局，繁而不乱，同样是有条不紊，和谐的倒影式构图。 二．截景式构图 截景式构图，并非沈周首创，在以前的册页和卷轴中，画家们也经常采用这种构图形式。但是，沈周将这种构图发挥的淋漓尽致，开拓了山水画的构图形式。这种截景式构图，就好像电影中的特写镜头，切除不必要的内容，将画家所要着重表现的内容进行放大，从而拉近画面和观者的距离。 《千人石夜游图》（见图3）描述了画家某一次的游览经历。千人石是虎丘的中心，虎丘位于苏州城西北七里处，被誉为吴中第一名胜，是明清两代文人士大夫们送别宴会等雅集活动的首选之地。成化十五年四月，沈周行经虎丘，由于夜色已晚，就夜泊山下。沈周面对月色笼罩下的虎丘，不禁想去看看夜色朦胧下的虎丘适合景象。于是他走下船头，经过了一个个名胜景点，到达虎丘中心的千人石。这时候的虎丘，没有了白天的喧嚣，月色清明，境界开阔，让画家思绪飞扬，心灵得到了某种涤荡。后来，画家就根据记忆画下了千人石夜游
1论述艺术家从事艺术创作所应具备的修养和能力 艺术家的修养主要体现在以下几点： （1）先进的世界观和审美观。 进步的世界观好审美倾向决定着艺术家正确的创作目的与创作动机，影响着艺术作品的格调和品味。艺术家只有具备正确而深刻的思想见解和审美倾向，才能站在浩瀚的社会生活中敏锐地扑捉住艺术创作所需要的具有本质特征的素材，才能站在时代的高度观察历史好现实，从而把握和揭示社会生活的本质和规律，创作出具有生命力的艺术作品。 （2）广博的知识。 艺术家应具有广博的知识及合理的知识结构，人类社会的各类学科和知识都是相通的，艺术家掌握的知识越多，越广泛，越能够从更高、更宽泛及相互联系的角度把握社会和人生，使他们的作品具有更广泛，更全面的艺术表现力。许多伟大的巨著被人们称之为社会的百科全书（如《红楼梦》、《人间戏剧》等），作者若无广博的知识是绝难创作出来的。 （3）深邃的思想。 伟大的艺术家往往也是思想家，他对人生和社会有着独特的认识和精辟的见解。能否具有深邃的思想，是衡量一个艺术家修养与素质高下的重要尺度。艺术作品蕴含的思想深度往往同艺术家本人的思想高度成正比的，只有思想深刻、高瞻远瞩、独具慧眼的艺术家才可能发现常人所未见的真理，给人以深刻的思想启示。 艺术家必须具备专门的艺术技能。掌握某一具体艺术种类的创作技巧，熟练运用这门艺术独特的艺术语言，才能创造出供人们欣赏的艺术作品。例如，音乐家必须掌握旋律，节奏和声，复调等表现方法，电影艺术家必须掌握镜头，画面，音响，色彩等电影语言，画家必须掌握构图，造型，调色等艺术手段。 艺术家是专门从事艺术生产的创造者的总称。艺术家应当具备艺术的天赋和艺术的才能掌握专门的艺术技能和技巧，具有丰富的情感和艺术的修养，能够通过自己的创造性劳动来满足人们的精神需要。作为一种特殊的精神生产，艺术生产既不同于其他形式的精神生产，更不同于人类的物质生产，它具有自己独特的规律和特征。正是这些独特的规律和特征，使得作为艺术生产创造者的艺术家其能力和修养须具备有自身的个性化特点。 第一、艺术家必须具有专门的艺术技能，熟悉并掌握某一具体艺术种类的艺术语言和专业技巧。 我个人认为这是作艺术家最基本的条件，也是培养艺术家其他各项能力和修养的基础。艺术生产是一种特殊的精神生产，它与物质生产也有相似之处，这就是通过劳动者创造出“产品”来，对于艺术生产来讲，就是要创造艺术作品或艺术形象。这就要求艺术家应当具有艺术表现的技巧和艺术传达的能力。专业知识是艺术家的立足之本，没有扎实的专业基础，艺术创造无从谈起，谈何成为艺术家？以我们管乐为例，我的专业是单簧管，如果我想成为一名艺术家，要创作一首单簧管乐曲，首先我要懂得单簧管的技能，或者起码要知道乐器的发音规律和配器法，这样才能称的上是在搞艺术创作。不仅音乐如此，各个艺术种类的艺术家都需要专门的艺术技能和技巧，熟悉和掌握并熟练的运用该门艺术独特的艺术语言。并且掌握熟练的艺术技能和艺术技巧，将意味着一个经过长时间刻苦训练和艰苦探索的历程。 第二、艺术家须具备敏锐的感受，丰富的情感和生动的想象能力。 由于艺术生产是一种特殊的精神生产，它的突出特点是把艺术家强烈的主观因素渗透到艺术创作之中，并且“物化”为艺术作品和艺术形象。因此，艺术家在艺术创作中占有核心地位，艺术家的内在精神世界显得尤其重要和突出。艺术家自身的感受、情感、思想、心境、愿望等因素，对艺术创作都有着至关重要的意义。也正因为如此艺术家必须具有超出常人的敏锐感受力，异于常人的丰富情感，强于常人的艺术想象力。此时，我们在此学习音乐、研究艺术，就是要在音乐的环境中培养自己这种不同于常人的感受力，加之每天的专业练习，对于
陕西教师资格考试之美术学科—浅谈中国山水画的发展 中国画自古就分为人物、山水、花鸟三大科，中国山水画是以山川自然景观为主要描写对象的中国画。形成于魏晋南北朝时期，但当时尚未从人物画中完全分离。在隋唐时期开始独立，五代、北宋时趋于成熟，成为中国画的重要画科。接下来中公资深讲师就带领大家一起来梳理一下中国山水画的发展历程。 一、起源——秦汉时期 秦汉时期实现了全中国的统一，宫殿壁画的大量涌现，促进了绘画的发展。这时虽未出现山水画，但出现了表现山水的图画，如东汉时期的山西平陆枣园汉墓壁画《山水图》。 二、起兴——魏晋南北朝 魏晋南北朝时期，由于长期乱战，社会动荡不安，使得社会普遍流行着消极悲观的情绪，名士们纷纷寄情山水以逃避现实，大量的山水诗、田园画的出现促使山水画的生成。从东晋画家顾恺之在《论画》中云：“凡画，人最难，次山水，次狗马，……。”看出此时的山水画已经与人物画相提并论，并且已初步从人物画的陪衬中独立出来，他的人物画《洛神赋图》卷中的部分配景山水中可以看到峰、石、云、水、树的表现，领略到当时山水画的大致形貌。此时的山水画理论也已经基本成熟，而且讨论了空间的表现，奠定了中国山水画的理论基础。第一次将山水搬上了中国美术的表现舞台，他的《画云台山记》可算山水画论的开山之作。 在南北朝后期山水画逐渐发展成独立画科，并出现了戴逵、宗炳、萧绎等以山水画著名的画家。宗炳所著《画山水序》，是最早的山水画理论文章。 三、全盛——隋唐 隋唐结束了战乱状态，进入中国历史上的全盛时期。山水画在南北朝时所显现的独立趋势，入隋以后渐渐明朗。初、盛唐之际，山水画已脱离人物故事而成独立的画科，到盛唐时，出现了画法工致、赋色浓丽和笔迹豪放、水墨减淡等不同流派，山水画由此启立门户，形成中国古代绘画独特的发展体系。 山水画的发展，首先表现在隋唐兴建的大量宫廷和台阁上，他们在设计依山傍水的建筑时，先要绘画大量山水背景，从而促使了山水画的进步。这时期出现了展子虔、李思训、王维、张璪等一大批山水画大师。现存最早的山水画作品，是隋代展子虔的《游春图》，反映了隋代或初唐青绿山水画的面目，开创了青绿山水画的端绪，并且初步探讨了“咫尺千里”的透视观。《游春图》以青绿勾填法描写山川、人物，尚无皴法，树木直接用粉点染，体现出朴拙而真切地描绘自然景色的能力，展示出山水画已由六朝以来的萌芽状态而趋向成熟，山水画就是从这里开始正式走上了蓬勃发展的道路。 唐代的山水画具有划时代意义，具体表现为青绿和水墨两种不同风格的建立。一派是青绿山水，“大小李将军”——以李思训及其儿子李昭道为代表。二李的画法是以墨笔勾勒轮
第一单元美术家是怎样创作的 一、教材分析 在六年级上的教材里我们知道了评定一幅画的好坏，“像”与“不像”并不是唯一的标准，在六年级下的教材里我们又了解了美术欣赏中一个比较重要的知识点即构图的基本知识，在本册教材中，我们着眼于从画家绘画创作的角度介绍美术家们是如何创作的。 本单元的重点在于： ●了解画家的创作过程； ●理解绘画艺术创作的两种基本手法：即表现性绘画与再现性绘画； ●了解艺术创作与现实生活之间的关系。 让学生对这些问题的认识深入人心，而不枯燥、乏味。倘若有学生能回忆“像”与“不像”中的某些提法，那可谓有恍大悟之感。再对比、讨论有关画片，加上教师的讲解、分析，应当说美术欣赏中的障碍就减少大半了。而二期课改要求的深入浅出，融会贯通，我们基本做到了。 本单元涉及的名作互相之间用对比的方式列出，请老师们讲解分析时抓住“对比”这个杠杆，让学生讨论时也强调“对比”，既可以免去概念混淆，又可以加深印象。 本单元所选的名画较多为近现代作品，教师可根据实际情况，加选其他名画，另外可多请学生介绍一些作品。 建议老师在课堂上多用分析讲解起头，接着提问，请学生讨论。各组选派代表作其他小节介绍的方式完成课堂教学。本单元的难点：要求学生尝试用所学过的术语、知识“像个专家”一样地对大师作品进行欣赏分析，让这件看起来不易的事，变得自然而然。 二、单元教学目标 知识与技能：了解美术家绘画创作的基本过程，知道美术家如何获得灵感、 如何构思、选材和用什么方式表现；理解表现性绘画与再现 性绘画是绘画艺术创作的两种基本手法。 过程与方法：通过查找有关资料，分析、体验和小组讨论等方式，了解美 术家的创作过程。或通过临摹、写生和画自画像等美术活动 的体验，加深对美术创作的风格、主题和表现手法等方面的 理解。 情感态度与价值观：了解艺术创作与现实生活之间的关系，即艺术创作来源于现 实生活，但又不拘泥于现实生活，是美术家个性的创造；理 解表现性绘画与再现性绘画的不同审美特征。 三、单元知识结构 （1）基本知识结构
沈周的绘画世界 （美术学院美术学专业2010届李婷） 中文摘要：吴门画派的人数及及其在中国绘画史上的影响是任何一个画派所不能比拟的，其画风基本上构成了明清三百年来绘画发展的主旋律，在中国美术史上有着极为重要的地位。沈周作为吴门画派的开创者，其在中国绘画史上的地位也是至关重要的。本文旨在通过对沈周生平、绘画发展历程及其对后世影响的简单梳理，构建出沈周绘画世界的基本轮廓。 英文摘要： 关键词：沈周吴门画派山水画 一部中国绘画的历史，犹如一首抑扬顿挫的进行曲，时而奔放高昂，时而清婉平蓄，随着时代政治、经济、文化的发展而不断改变着风格面貌。明代的吴门画派则是这首行进曲中的高潮。吴门画派的人数及影响是任何一个画派所不能比拟的，其画风基本上构成了明清三百年来绘画发展的主旋律，在中国美术史上有着极为重要的地位。沈周即是这个画派的开创者。 一，沈周生平 沈周，字启南，号石田、煮石生，晚号白石翁。宣德二年（1427）十一月二十一日出生于苏州府长洲县（即今江苏省吴县）相城里。自小聪明过人，长于记忆，其知识深广，经史子集、医学卜卦、传奇小说，乃至佛教、老庄之学无不涉猎，尤以诗文、绘画著称于世，称为明代最大的诗画家。其绘画方面：山水、人物、花鸟均有很高成就，影响了文征明、唐寅等吴门一大批画人，明代的绘画由于他而进入了全盛时代。其卓越的艺术成就和贡献，确立了他在中国美术史上的崇高地位。 每一位艺术大师的成功，均有着一定的有利因素。在沈周的成功之路
上，天资和勤奋是主要的，但社会与家庭环境的影响也是十分重要的。首先引导沈周步入绘画艺术殿堂的就是其家庭。 沈周出身于书画世家。他的曾祖父沈良琛与“元四家”之一的王蒙交谊。他的祖父沈澄也爱好诗文书画，时常邀苏州的文人到相城宅第西庄雅集。沈周的父亲沈恒吉，工诗善画，他的老师是杜琼。他的伯父沈贞吉也“雅善山水”，师从山水画家沈遇，两兄弟画山水“并列神品”。在这样的家庭环境的熏陶下，沈周从小就喜欢看父亲和伯父作画，也随沈遇学画。后来又随苏州山水画名家杜琼学画。家学的另一重要影响是沈周的父亲恒吉与伯父贞吉还一起跟从翰林检讨陈继学习诗文。陈继的儿子陈宽，因与沈家为世交，成了沈周的老师。陈宽学问渊博，擅画山水，山水师承于祖父陈惟允和黄公望、王蒙。他的教导对沈周的诗文迅速提高有很大影响。 除杜琼、沈遇外，沈周在山水画上的重要业师是刘珏。刘珏与沈周父、伯父为年轻时代的朋友，曾一起从学于陈继。刘珏还常与沈周兄弟一起出游，吟诗作画。沈周非常欣赏刘珏的山水画，他在刘珏的多幅作品上题过诗。沈周的山水画倾向“元四家”，主要取法王蒙、吴镇，喜以游历山水生活为题作画，与刘珏的影响有莫大的关系。 成化三年，沈周在相城旧宅附近构筑了一处别墅，四处遍种竹林，环境十分优雅，因而取名为“有竹居”，在这里，他开始过着悠然自得的隐居生活。在此优雅僻静之地，他既可以“自作朝云与暮烟”尽情创作山水画，又可与友人雅集，诗文书画交酬唱和。他的一些巨幅山水画名作，如《庐山高图》、《崇山修竹图》等，就作于此间。 二，沈周的绘画历程