美术鉴赏总复习资料（妥善保存） 1.美术根据其艺术门类可分为：绘画、雕塑、建筑、设计（工艺）、摄影、书法（篆刻）等六大门类。 美术又叫造型艺术，分为绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术。《捣练图》和《拾穗》同样以女性劳动为题材，但是一个是贵族妇女的优雅的劳动场景，另一个是三个贫困妇女的弯腰拾麦穗的情景，让人产生同情。 2.美术鉴赏的对象是美术作品，美术鉴赏的过程是从感受、归类、分析和判断到体验、想象、评价；美术鉴赏的目的是获得审美享受，并理解美术作品和美术现象，美术鉴赏的本质特征是综合的审美活动。美术鉴赏中“鉴”是甄别、归类，“赏”是欣赏，“鉴”是为“赏”服务的。 3.雕塑分为：圆雕、浮雕、透雕。 4.美术的社会功能认识功能、教育功能、审美功能。 5.美术按其语言方式或美术类型分为具象艺术，意象艺术，抽象艺术。 6.具象艺术的特点是首先是它的视觉真实性、客观性，第二特点是艺术形象的典型性，第三特点就是情节性，又称叙事性。 7.《韩熙载夜宴图》共分为五个部分，分别是听乐、观舞、休息、轻吹、送别。 8.具象艺术的功能是记录功能、社会干预功能。 9.具象艺术一般分为肖像作品、主题性作品。 10..抽象艺术的一个特点是分析性，即把艺术的各种语言词汇分析、抽离、孤立，并加以夸大，甚至绝对化，抽象艺术的艺术美表现在形式与色彩、构图与笔触、材料与肌理、空间与透视、光影与运动方面。 11.美术的基本语言元素是点、线、面、色。 12.美术的语言表达手段有：西方绘画的是明暗、空间、透视、构图、肌理；中国的绘画中是笔墨、章法、皴法、等 13.艺术家的主观能动性在意象艺术中发挥了决定性的作用。意象艺术，更多的融入创作者的思想。 14.抽象艺术主要是在20世纪才逐步开始的，有冷抽象（蒙德里安《红、黑、黄、蓝构成》）和热抽象（《即兴之31》康定斯基）。 18.美术形象既是指一件美术作品中个别的、具体的、完整的艺术形象，也是指一件美术作品中由这个个别的、具体的、完整的艺术形象所形成的综合的、整体的艺术形象。 19.什么是形式美 “形式”一词有两个含义：一是指形体、形态，即个别事物呈现出来的样子；二是指形体、形态借助（语言手段）和(语言规则)呈现出来的整体的艺术形象。 形式美主要包括：a语言元素（点、线、面、色）及其所构成的形态变化（这个是产生美术作品的形式美的基础）；b语言手段（明暗、空间、透视、构图、肌理）及其所构成的审美意象；c语言规则（变化与统一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏于韵律）及其构成的审美关系。 20. 山水有三远：(自山下而仰山颠)，谓之高远；(自山前而窥山后)，谓之深远；(自近山而望远山)，谓之平远。高远之色清明，深远之色重晖，平远之色有明有晦。高远之势突兀，深远之意重叠，平远之意冲融，而缥缥缈缈。
中国画是中华民族独有的绘画形式，是中华民族的独创。它以我国所特有的绢、宣纸、毛笔和墨，绘景抒情形成独特艺术风格，屹立于世界艺术之林，是前人给我们留下的丰厚遗产。随着时代的发展中国画在村料与表现内容上也具有新的发展。它具有独特的艺术魅力，它是世界文化中的一朵奇葩，对世界文化产生了深刻的影响和独特贡献。下面，我谈谈我对中国画的认识和理解。 国画在世界美术领域中自成体系。大致可分为；人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置；取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点透视。有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装潢之。人物画从晚周至汉魏、六朝渐趋成熟。山水、花卉、鸟兽画等至隋唐之际始独立形成画科。五代、两宋流派竞出，水墨画随之盛行，山水画蔚成大科。文人画在宋代已有发展，而至元代大兴，画风趋向写意；明清和近代续有发展，日益侧重达意畅神。在魏晋、南北朝、唐代和明清等时期，先后受到佛教艺术和西方绘画艺术的影响。中国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”，强调融化物我，创制意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。由于书画同源，以及两者在达意抒情上都和骨法用笔、线条运行有着紧密的联结，因此绘画同书法、篆刻相互影响，形成了显著的艺术特征。作画之工具材料为我国特制的笔、墨、纸、砚和绢素。近现代的中国画在继承传统和吸收外来技法上，有所突破和发展。 中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。 中国画追求的最高境界是绘画作品的意境之美和笔墨之美。追求意境，这和中国诗词的发展息息相关。“大漠孤烟直，长河落日圆”从这句诗中让人看到一幅壮丽的画。同样一幅画也是一首诗，是作者内心的渲泄。祝允明说过“绘事不难于写形而难于得意，得真意而点出之则万物之理，挽于尺素间矣，不其难哉。”创意难，意在何处?意在反映万事万物里所包含的某种道理，所以中国绘画特别强调画家对客观对象的主观能动精神，倘若画家在其作品中真的把握住客观对象的本质，则绘画的境界即显出很高的审美特征。 中国画与西洋画最大不同在于我们用线条来表现，它的每一点每一笔都有表现力。一代宗师潘天涛所绘的画中，可看到许多线条组合的画面，几乎每一点每一线都可成为一张精彩的画，使人百看不厌。虚实问题对于中国也比西洋画重要。中国画的“虚”为留白，西洋画则仍为色彩。从一定程度上讲，留白比填色更难。这一切的种种都是前人留给我们的丰厚遗产，我们应为此感到骄傲。 中国画按内容分，主要有人物画、山水画、花鸟画三大类。 战国时，中国已经有了比较成熟的人物画，唐朝时达到了顶峰。著名的人物画家有顾恺之、吴道子等。 山水画是表现山川美景的画种。它产生于秦代，隋唐时成为独立的画种，宋代达到了很高的水平。著名的山水画家有李思训、王维、唐寅等。 花鸟画画的是自然界中的花卉、鸟兽、鱼虫。南北朝时出现了花鸟画，宋代走向成熟。著名的花鸟画家有擅长画花鸟的朱耷、擅长画竹子的郑燮、擅长画鱼虾的齐白石等。 中国画按画法分，主要有工笔画和写意画。工笔画的特点是按照事物原来的样子，一笔一笔画得非常细致，尤其注重细节的描绘；写意画是一种概括、夸张的画法，要求用简单的笔墨画出事物的神韵，虽然笔墨简单，但意趣生动，表现力特别强。
日本浮世绘版画艺术 日本浮世绘版画艺术 浮世绘版画在日本的兴起 浮世绘是十七世纪初期，日本德川时代(1603-1867)，随着风土文化的发展而兴起的一种民间版画艺术。它的渊源虽然来自原有的“大和绘”，但是它与"大和绘"完全是两种不同的艺术。“大和绘”是专供贵族鉴赏和在上层社会中盛行的一种带有浓厚装饰性的艺术;而浮世绘是表现民间日常生活和情趣的一种艺术形式。当时著名画家菱川师宣所作的《吉原夜宴之料理》生动的生活场面体现了一种民间艺术的兴起，并且受到了人们的爱戴。浮世绘最初以“美人绘”和“役者 绘”(戏剧人物画)为主要题材，后来逐渐出现了以相扑、风景、花鸟以及历史故事等为题材的作品。画面的着色，开始只有黑白两色，逐步发展为简单彩色，最后成为多色的“锦绘”。浮世绘绘画 由于著名的菱川师宣(1618—1694)的影响，出版业中心遂转移到江户，而且本来附属于原文的插图，也获得了艺术上的独立地位。师宣在一生事业里所出版的许多带有插图的
书籍，都是图优于文，而且画者也自豪地署上自己的名字，不像过去所有作插绘者那样一贯用匿名的方法。这些“绘本” 的插图大部分都是在吉原的花街柳巷中所扮演的爱情场面; 因此他同时代的画家都称此种艺术为“浮世绘”《屏风之后》。值得玩味的是师宣自己在画上署名时，总在他名字前加以“大和绘师”几个字，由此明确地表示出他渴望创造一种反映当时人民生活及精神实质的纯日本型的绘画，并且摆脱受到中国传统感染的各因袭画派。这一理想终于在西川佑信的一篇关于绘画的论文上得到发挥，这可以说就是浮世绘的美学基础。伊东深水作品 师宣的成就大部分归功于他风格上所具有的魅力。他利用了最新技术上的改进，使他的印刷版画在质量上毫不逊于绘画本身。那美妙而正确的线条，体现出他所作女性形象的一切典雅风姿，并且由于非常巧妙地交互应用着黑白两种色调，他获得了简单但鲜明而动人的效果。他的艺术为版画的独树一帜开辟了道路;这乃是插图画得到自由发展后的合理 结果。师宣所成套生产的插图版画，很快的就代替了所谓真正绘画的地位。这种新艺术的风格及其技术，在日本印刷界最初繁荣期间迅速获得进展。例如鸟居清信和他的儿子清倍及清信二代等都发展了师宣的艺术风格，而且特别强调其线条和类型化作风，尤其当他们描绘歌舞伎演员像时更是如此。
日本音乐鉴赏论文 日本民族音乐的概况 日本的民族音乐系统称为邦乐，它的种类和体裁繁多。都市传统音乐是近代日本音乐的主流,我们在观看日本电影和电视剧时常常会听到一种具有独特东洋韵味的音乐，它们的旋律多数是取材于日本都市的传统音乐.我国和日本在两千多年以前就开始音乐文化的交流，我国在隋唐传入日本的乐器及曲谱同样对日本形成很大的影响，其中最有影响的应该算筝和琴。十三弦的筝是在唐代传入日本的，一并流传过去的还有民间的许多筝独奏曲，这些被日本人民欣然接受，后经过几代人的努力，形成了具有日本民族风格的琴乐。日本与国外的音乐文化交流源远流长，日本急速汲取欧美音乐文化，日本音乐进入近现代发展阶段从而形成延续至今的“邦乐”（传统音乐）与“洋乐”并存的局面。 日本民族音乐的风格 基本特征日本传统音乐的显著特点是声乐曲占绝大多数，并且多数跟戏剧等其他艺术结合在一起。歌声优美、音乐华丽、节奏性强。 都市传统音乐，它们的旋律多数是取材于日本都市的传统音乐，而都节（市）音阶则是构成这种典型日本味儿旋律的基础：都节音阶它虽然也是一种5 声音阶，但与中国和东方许多民族常用的无半音5 声音阶不同，包含了两个小2 度（半音）音程，这种特殊的5 声音阶便成为构成通常人们所熟悉的日本音乐风格的最基本要素。日本音乐的曲调常用do、mi、fa、ra、xi五音，而中国民乐则常用宫、商、角、徵、羽五音，这使得中国民族音乐充满了富丽堂皇之感，而日本民族音乐则蕴含了浓浓的物伤情结。《春痕》这首日本歌曲就洋溢着这样一种凄美的情调。虽然它并非日本传统五音所作，但在唱法上颇像古老的和歌，所以依然流露出地道的日本风格实上，在那个武士专权的年代，男人女人们用别在腰间的利剑和色彩绚烂的和服演出着浮世绘上的美丽画面。男人们的生命犹如樱花般绚丽，他们绽放得那样精彩，但却随时要准备为武士道精神而献身。女人们则是寻找樱树庇护的人，她们的美德是羞涩和服从，非常内敛，但却忠诚。但就是这样两种完全不同的人类，却是彼此照应，互相思念着的。古老的日本民谣大多数使用羽调式的民谣音阶，民谣音阶它分布于日本本土的广大地区，《拉网小调》就是用这种民谣音阶。而大多数在近代已都市化了的民谣则用都节音阶，例如著名的《樱花》就是这类民谣的典型。 节奏方面分为固定节拍的节奏（基本上是二拍子）和散板节奏。演唱、演奏方法上有其独特性，并且重视音色的细微变化。日本民谣按节奏可以分为两大类。一类是固定节奏，民谣几乎都是2 拍子的，与中国民歌相似，但日本民谣独特之处在于它们的绝大多数都是弱拍起唱的，两拍子为一小节，两小节为一个动机，四小节构成一个乐句。另一类是自由节奏的民谣，没有固定的节奏循环，各个音的长短和各个乐句的长度都可以自由处理，它们往往有丰富的装饰音和长的拖腔，曲终时以旋律下行轻轻地结束，给人以终止感。 日本民族音乐的种类 在日本的音乐中影响范围较大最具代表性的三类，都市传统音乐，宫廷雅乐和民谣,前两类属古典音乐，后一类属民间音乐。 （一）都市传统音乐 都市传统音乐主要包括各种以三味线（三弦）和筝伴奏的长歌、短歌，以三味线为主要
【中国传统绘画中的“诗境”】诗中画境 【内容摘要】在我国的文学艺术领域中，中国画中的诗画结合占有很重要的作用，其独特魅力就在于它不仅满足感官的审美价值，更满足心理需要的精神价值。中国画的诗画结合有多种形式，一般广义地认识是画上的题诗与画面中诗意的描述与传达，而诗画结合的核心在于意境、情趣上的一律。因此，艺术家在超越景象的束缚和理发认识的局限后，才能寻求个体精神的自由无限，真正达到诗画结合、天然超俗的境界。在中国画创作中“画中有诗”有两个层次含意：一是在画面的形式上诗文与画结合。画家用书法将题画、诗文书写在画面上恰当部位，成为画中构图的一个构成部分。“画中有诗”另外一层含意是画境的诗意，是指画家创造的艺术形象中饱含着诗的意趣，这正是画家努力求得的境界，谓之“画中有诗”。纵观画史上的历代大家所作之图，皆充满诗意。中国传统绘画从王维开始在理论和实践上都作了许多关于诗与画融合的积极探索，它从最早的画上题诗到北宋的先诗后画、以诗作画，到文人画的由画生诗，及后来的在传统画论中大量出现的以诗的品评鉴赏标准引入画，最终以作诗的思维方式来作画，达到了诗与画的终极合一，从而形成了中国诗画结合的特殊审美特征。【关键词】画中有诗?诗境【引言】北宋时期，以苏轼为代表的文坛宿将在理论和实践上都作了许多积极的探索。在苏轼对王维于《书摩诘蓝田烟雨图》中对他诗画艺术成就有了一句经典评价：“味摩诘之诗，诗中有画，观摩诘之画，画中有诗。”可见他画山水追求的是神似，在山水里渗入了自己的思想感情，表现了诗的情韵和意趣。诗与画虽为两种不同的
艺术形式，但在审美意蕴上有密切的关系，因此中国画的深邃的审美意蕴往往被称为“诗境”。“诗境”在中国画艺术表现形式上又蕴涵于笔墨与审美心态同构的复杂关系中。在王维的绘画艺术之中，有一种异常明显的“诗化”倾向。画论讲究“画中有诗”这已几乎成为定论。“画中有诗”可以说是中国古代绘画精神的最好表现，也是中国绘画艺术的最高境界。因此，考察分析画中有诗中的“诗境”，对于全面地理解苏轼的这一命题有一定的必要性。一、“画中有诗”的含义“画中有诗”不是狭义地认为画中题诗，而应理解为“画中有诗意，画中有诗情”，具体地讲是指富有诗的意境或意境富有诗意的绘画，这类绘画虽然没有诗歌文字作为绘画的参照依据，但画的立意、笔法、形象、色彩所汇成的画面，具有浓郁的诗意和诗情，即“画中有诗”。北宋著名画家郭熙，从来也没有人称他为诗人，可在苏轼看来，他所画的《秋山平远图》是“此间有句无人识，送于襄阳孟浩然”，可见他能在郭熙的画中悟出“此中有孟浩然”，既孟浩然式的清淡超远的诗句。苏轼认为这种就是画中意境和情趣的结合。他认识到了“画中有诗”的妙处，并明确地以此作为自己的绘画准则，他追求的是一种意境，借诗思以兴画意，借诗境以为画境。境与思偕，性与画会，心手相应，乃实现了“无形画”向“有形画”的转变。故画境如诗境。二、“画中有诗”的文化渊源中国的艺术观就是建立在这“天人合一”基础 上的“心物感应”论。张璪论画心得时说：“外师造化，中得心源”。创作主体以心灵映射万象，用心灵节奏去契合宇宙间的生命韵律，应物斯感，人与自然共同显现着宇宙的大道与真美。因此，“诗者，天地之心”，“言之文也，天地之心”，绘画是“天地圣人之意也”，“以一管之笔，拟太
从画家菩多川歌麻吕看日本“浮世绘＂艺术 马竞竟（安徽大学艺术学院安徽舍肥２３００３９） 摘要：喜多川歌麻吕生活于１８世纪来的日本江户．是位关注美女绘画的“浮世绘”画师，绘制了蔓女形态和神态，折射出江户时期的风土人情。“浮世绘”制作工艺复杂。在绘画技法、色彩运用和印刷技术上不断突破，在原有版刻技术上推陈创新。“浮世绘”以其新颖的特点，成为当时西方美术界注目的焦点。预示着西方传统绘画的变革，引发了西方传统绘画对未来发展的思考。现今的“浮世绘”艺术资料更为学者专家提供了具有历史价值的研究依据。 关键词：线描；大首绘；浮世绘；印象派 日本文化的发展既保持了本土特色，又融合了外来文明。美国人类学家本尼迪克特在《菊与刀》?中说过：“日本民族是个充满矛盾，令人谜惑的民族”。“浮世绘”开始主要是绘制江户、吉原的青楼风俗画和歌舞伎俳优的人物画，表现了对当时庶民生活的关心，其后期也有描绘花、鸟自然风景等绘画内容的出现。本文就同时期画家喜多川歌麻吕的个案为切入点，论述“浮世绘”艺术的相关问题。 一、喜多川歌麻吕和他的美女“大首绘” １８世纪末期Ｈ本封建社会的晚期，在江户生活着一位。浮世绘”画师喜多川歌麻吕（１７５３—１８０６年），他学习“狩野派”，后又受到鸟居清长、北尾重政的影响。喜多川歌麻吕曾师从于擅画人物闻名的鸟山关根，鸟山关根对喜多川歌麻吕画的《爬虫集》衷心赞誉：“喜多川歌麻吕懂得用心体会生活。他擅用超凡脱俗的技法，对其风格的理解也很深入。在这本书中收集了大量自然界中的爬虫，以及一些用心灵去创作的作品。当他还是个孩子时，喜多川歌麻吕就能很好地感知周围的世界，他把蟋蟀和蚱蜢放在手掌上全神贯注地观察，而他捕捉它们的样子则非常有趣”。１ 他专注观察美女相貌，扑捉其神态．描绘形体、衣裳之美以及美女的情怀，创造出美入“大首绘”的绘画形式。近距离描画半身像，突出人物表情和手势，展示描绘对象的个性，被誉为“歌麻吕之美”。２如《忍恋》‘川岸女郎》，描写女人头像和特写人物面部表情，反映高贵典雅的气质。但他晚年的美人画，一改往日绘画对象，画美人纤细的形体美、曲线美，使感性支配整个画面，如《蚊帐内外》。喜多川歌麻吕的“大首绘”是古典式“浮世绘”美人画风格，对版画“浮世绘”的发展产生了影响。 二、“浮世绘”的概述 “浮世绘”的字面意思为“虚浮的世界绘画”。“浮世”来自佛教用语，指瞬息即逝的尘世，日本语言中的“浮世”一直就含有暗指艳事与放荡生活之意。“浮世绘”就是反映町人大众生活和风俗为主题的日本式版画，以美人画、歌舞伎俳优画和风俗画居多。 当时“浮世绘”画派非常显赫，而被此画派所驱逐、排斥的画师很多都转向“浮世绘”的发展。随着“浮世绘”艺术的发展，出现不少著名画师：菱ＪＩＩ师宣是创始人，揭开黄金时代序幕的是铃木春信，美人绘大师鸟居清长与喜多川歌磨，戏剧绘巨匠东洲斋写乐，还有写实派大师葛饰北斋，以及将风景绘技巧推向项峰的歌川广重等名师，他们被称为“六大浮世绘师”。 “浮世绘”的特点是以木版印刷，基础的技术是雕版印刷，它是通过佛教和小说传入日本的。最早的版画仅有单一墨色印的画（墨摺绘），分黑白两色，而有色彩的是再用手绘上去的，又称“肉笔绘”。最早的小说插图就是这样。但不久出现了赤版，以红为主色的“红绘”，以胶和黑色染料形成的“漆绘”。到１８世纪４０年代初期，红刷绘在开始还有红色和绿色搭配，在后来的２０年里，色彩逐渐增加，发明了真正的锦绘，在日本绘画史上揭开“浮世绘”五彩斑斓的新面貌。 “浮世绘”是版画的～种，由原画师、雕版师、刷版师三者分工协力完成。原画师将原图完成后，由雕版师在木板上雕刻出图形，再由刷版师在版上上色，将图案转印到纸上。详细来说，“浮世绘”的制作过程分为五个步骤：１．绘制原图；２．雕刻墨板；３．选定色彩；４．雕刻色板；５．刷版。总之，制作“浮世绘”的工匠们在二百余年的时间里发展出相当复杂的印刷技术，正是经过这些繁琐的技术，才让我们看到色彩绚烂、工艺精细的“浮世绘”版画。 三、浮世绘的对后世的影响 １９世纪初，荷兰的一位商人从低廉的产品包装纸上首次注意到“浮世绘”的图案，这些色彩丰富，造型洋溢着东方风情的图案越来越受到西方的关注，经过收藏、寻找，“浮世绘”呈现出特异的色调与丰姿，人们对线条勾勒、色彩平涂的“浮世绘”作品大为称赞，“浮世绘”历经三百余年，影响深及欧亚各地，具有很高的艺术价值。 在世界美术史中，“浮世绘”版画是对当时欧洲画坛产生巨大的震动和影响。１８１２年，即喜多川歌麻吕死去仅第６年，他的作品就出现在巴黎。１９世纪后半期，“浮世绘”被大量传入西方，呈现在眼前的是流畅优雅的线条、明快鲜艳的色彩和二维的空间构成。十九世纪欧洲从古典主义到印象主义诸流派大师都无不受到此种画风的启发，当时西方的前卫画家。如马奈、惠斯勒、德加、莫奈、劳特累克、凡高、高更、克里木特、博纳尔、毕加索、马蒂斯等人都从“浮世绘”中获得前所未有的视觉冲击和各种有意义的启迪，如：无影平涂的色彩价值，取材日常生活的艺术态度，自由而机智的构图，对瞬息万变的自然的把握。同时“浮世绘”的出现也是恰逢时机，自摄影技术出现以来，人们在短时间里拍出的照片远远比著名画家的写实主义绘画作品更加写实，强调写实的西方传统绘画似乎也面临着命运的转折甚至消亡，不可否认“浮世绘”的出现给西方绘画的发展方向带来更深一层的思考。 因为对日本艺术的崇拜，西欧产生了日本主义热潮，它推动着从印象主义到后印象主义的绘画运动，并且在西方现代主义文化的发展中发挥着广泛的影响。 例如：梵高所绘的图１《唐基老爹》中 有许多“浮世绘”画作（１８８７年）。 印象派大师如德加等也受到“浮世绘” 的感染，他模仿当时日本的出口商品的包装 的风格创作了不少绘画。近现代西方人体绘 画艺术借鉴了日本“浮世绘”主题和技法， 这是积极的方面，同时具备艺术审美价值。 值得注意的是，梵高可能是众画家中受 “浮世绘”影响最深的人。１８８５年梵高到安 特卫普时开始接触“浮世绘”，梵高临摹过 多幅“浮世绘”，并将“浮世绘”的元素融 入他之后的作品中，如图２名作《星夜》中 的涡卷图案即被认为参考了葛饰北斋的《神 奈川冲浪里》。 “浮世绘”是日本江户时代发展的产 物，对历史研究也具有借鉴作用。通过它， 我们应该竭力展现历史最真实的一面，“浮 世绘”艺术的各类题材和灵动的想象都来源于德川幕府统治的年代，随着“浮世绘”的一步步发展和蜕变，其背后潜在着庶民社会力量的发展和新阶级矛盾的激烈争斗。“浮世绘”是应商人市民等大众需要而出现的绘画形式，因此它的兴起和流行并不引人注意，但在其风行的背后，与当时幕府封建政权相对立的新兴阶层也在逐渐成长，“浮世绘”反映出大众与众不同的需求方向和品味层次，待新阶级成熟后，将掀起一场新的社会政治变革。 １１ ５ 万方数据
中国诗与中国画 【中国诗与中国画】 我们在欣赏中国画的的时候，经常看到有画家本人或他人在上面题的诗，而诗的内容多是感叹诗的意境，有的诗写的位置在画面上，所以也就成了画的一部分，而与画完整统一起来。中国诗书画自古是相辅相成的，诗有“题画诗”，画 也有“诗画谱”，笔者藏有一部明代“集雅斋”雕版《唐诗画谱》，都是依照诗境而作的画，其中不乏名家手笔，但几乎都有一个共性，那就是太过于写实，纤毫丝缕都要表现到，其结果是破坏了诗的意境之美，少了深幽，辽远，剥夺了读者想象的空间。 对于诗画问题的研究，是中西方艺术家所共同感兴趣的，“诗中有画，画中有诗”便是诗画相生的论断。中国诗与画皆 重写意，而不求一笔一画的写实。中国画追求的是“传神”与“意似”而在中国画众多的表现“意”的手法，有一种最为常见的方法，我们称它为“诗境入画”通过表现画中的某一特定的 景象，创造一种富有诗情的境界，这种以诗境入画的表意，在人物、山水、花鸟画中，都可以看到。另外，还有一种表“意”，画家是运用了象征、借喻、拟人等等方法，所以这类 表意其寄寓性和曲折性是很强的。六朝时王微在他的《叙画》
中所说：“望秋云神飞扬，临春风思浩荡。”就是强调绘画应该以诗情为境，而在北宋晚期的苏轼更提出“诗画本一律。”他认为诗和画在艺术表现上都具有这种共性，也就是都具有表“意”的共性。但要认识本质则必须从区别入手，我们写诗，必须要知道诗的本质，这可以通过诗与近邻的艺术形式作比较方能表现出来。那么诗和画在意境上有何共性呢？首先是“意境”上的相同。画要注重“虚与实”的结合，诗也不例外。我们这里举个例子：这原是一则笑话段子，说某地社区举办了一个由家庭妇女参与的业余诗歌创作班，老师出了一道题，要求每个学员写段文字，表现一种十分浪漫的情境。许多学员都写了灯光摇曳的晚会，华丽绝伦的服装，优美的音乐，美酒佳肴……而只有一位学员写道：星期天的清晨，丈夫出差了，孩子们去了姥姥家……。乍一看，这段文字没什么特别之处，但仔细一回味，我们发现，里面有令人惊奇的想象的空间- 意境。我们设想一下，假如是周一的早晨，做母亲的还不为孩子上学，丈夫上班忙得不亦乐乎？而此时不同，清晨，独自一人，少了家务的烦恼和凌乱，心可以静静地想自己的心事，那或许是很久以前的一次邂逅？抑或是一次让人措手不及的一见钟情？清晨的阳光温暖而清新，空气中似有似无地飘着淡淡的薄荷的味道？总之，这段文字提供给我们的信息是十分值得回味的。要说这段文字的成功之处，那就是想象的空间十分广阔。相比之下，那些描写灯红酒绿，
教学目标中国画与西洋画 知识目标：了解中国画与西洋画的区别。 能力目标：培养学生的自读能力，学会交流互助的学习方法。 提高阅读说明文的能力。 德情目标：培养学生的质疑精神；提高学生的审美情趣。 教学重点如何阅读一篇说明文；运用比较法欣赏绘画作品。 教学难点个性阅读——品评环节。 教学准备课件素材（视频、动画、图片、音乐） 教学流程 〖第一环节——导入〗直接引入法，运用两幅画：水墨画和油画 素材：水墨画（或动画）油画（静物） 开门见山法：让学生们判断哪一幅是中国画？哪一幅是西洋画？ 从颜色和背景观察其不同点。 提示：中国画有留白，西洋画重视背景。 色彩方面：中国画较单调，直接是黑白两色；西洋画色彩丰富，接近实物的颜色。 总结：个性差异：中国人含蓄而西方人个性张扬 【开门见山直接导入，结构完整，内容之间容易衔接，易于引入情景，节省时间】 〖导语〗中国画与西洋画还有哪些不同之处？今天我们就跟随著名的漫画家、散文家、翻译家、艺术教育家丰子恺先生走近“中国画”与“西洋画”，绘画艺术博大精深，一节课时间我们只能浮光掠影稍作了解。 请大家打开书91页我们来共同学习16课（自读课文）。 〖第二环节——阅读〗 一、阅读的基本技能。 探究问题1：从《中国画与西洋画》这个题目中，我们能获取哪些信息？（确定文体）提示：从文体的角度来考虑。 ①文体——说明文——这篇文章属于什么体裁？ ②说明对象——中国画、西洋画 一般的说明文说明对象只有一个，而这篇文章却是2个，如果你是作者，你会采用哪种说明方法为文章最主要的说明方法？ ③作比较——最主要的说明方法 （作比较作用：比较是揭示事物本质的一种基本的方法，可以就其共同点来比，可以就其不同点来比。） 探讨问题2：确定了文体，阅读说明文应该从哪些方面入手？
《走进后印象主义绘画》教案 授课学校：华东师大附属枫泾中学 授课教师：杨传祝 授课班级：高二年级美术创新班 授课地点：7号楼二楼教室1 教学目的： 1、知识与技能：学生能认知后印象主义绘画出现原因及其主要艺术特点，以及主要代表画 家各自绘画的作品特色，同时学生能以技法、造型、色彩、内容等审美手段鉴赏后印象主义绘画作品。 2、过程方法：学生课前资料查阅，教师课堂上对作品的讲解与分析，学生间讨论思考，使 学生能运用课上的知识对作品感受赏析，最后上升为学生独立的作品审美分析。 3、情感态度价值观：通过对后印象主义绘画的学习，使学生了解绘画风格的多样性，开阔 了绘画的审美视野，提高了学生对绘画作品的主观表达与情感表达的理解。 教学重点：学习后印象主义画派的艺术特点。 教学难点：明确塞尚、高更、凡高的各自艺术特点。 教学过程： 一、新课导入： “世界上,现在只有一个真正的画家---那就是我!”，教师询问学生:西方美术史上哪位画家敢如此大胆说出？答案是：保罗.塞尚，由塞尚引出后印象主义画派。 二、讲授新课： 学生欣赏比较：后印象主义绘画和以前的绘画有什么不同？ 1、后印象主义绘画出现的条件（困境与机遇）： （1）印象派之前的画家对描绘对象达到了技法娴熟，形象非常逼真，使后来的画家在写实上难以逾越。 （2）1839年照相机的出现与冲击。 （3）19世纪70年代第二次工业革命出现，化学工业推动颜料品质和数量的提高，物理学中对光学理论的深入研究使画家产生对颜色观察的理性分析。 （4）日本浮世绘版画的影响与启发。 2、后印象主义绘画的出现。 （1）后印象主义：那些早期学印象派方法，但不满足印象派对自然的客观描绘，而是从各自不同的角度探讨艺术表现的本质，强调表现主观感受的画家们，被1910年英国艺术理论家罗杰.弗莱称为“后印象派”,其主要画家代表为塞尚、高更、凡高等等。 （2）画家及代表作品赏析： ①、A.塞尚简介B.作品赏析：《苹果与橘子》、《夫人像》、《圣维克多山》。 ②、A.高更简介B.作品赏析：《自画像》、《塔希提少女》、《我们从哪里来？我们是谁？我 们往哪里去？》。 ③、A.凡高简介B.作品赏析：《凡高自画像》、《向日葵》、《吃土豆的人》、《阿尔的卧室》、 《星月夜》、《有乌鸦的麦田》、《加歇医生像》。 3、鉴赏三位画家的代表作，教师提问：三位画家最大绘画特点的不同是什么？学生运用已 有的知识鉴赏并思考回答。
戴敦邦唐诗宋词（诗意国画42幅） 戴敦邦是蜚声海内外的中国画大家，也是深受读书人喜爱的插图艺术名家。他早年曾任文艺出版社装帧设计师，插图艺术自然当行。后调任大学教授绘画，出版界仍对他紧追不舍。上海古籍出版社近日出版的《戴敦邦古典文学名著画集》，荟萃其1970至1997年间如题代表作一百六十余帧。内中逾半曾发表者，即为古典名著珍藏本、大型辞书、诗词集等所绘画页。就这一点而言，此画册不啻是戴氏国画艺术的专题展览，实也是对发展高品位插图艺术的一种示范和促进。 画集中的作品，皆取材于中国古典文学宝库，上自神话盘古开天辟地，中及唐诗宋词，下逮元明清戏曲小说。形式有组画、独幅画、长联、屏条等。按戴先生的说法，集内之作，是他“以绘画形式演绎的（文学名著）读后感”；“常言‘诗贵含蓄’。诗句若一览无余，不如无诗，然若无诗，也便失却含蓄的载体。诗画一理，画虽较诗直观形象，同样亦尚蕴藉耐看。古典文学名著拥有广泛读者，而不同时代、不同经历的读者，对作品的理解和联想，千差万别。吾之‘读后感’，既欲发表自己体会，又不欲妨碍观者的各自理解和想象”（见画集《序》）。此言堪为书籍插图艺术的金石之论。 1, 木兰花令——黄庭坚 青壶乃似壶中谪。万象光辉森宴席。红尘闹处便休休,不是个中无皂白。
歌烦舞倦朱成碧。春草池塘凌谢客。共君商略老生涯,归种玉田秧白石。 2，金陵酒肆留别——李白 风吹柳花满店香，吴姬压酒唤客尝。金陵子弟来相送，欲行不行各尽觞。
请君试问东流水，别意与之谁短长。 3, 拟恨赋——李白 晨登太山，一望蒿里。松楸骨寒，草宿坟毁。浮生可嗟，大运同此。 于是仆本壮夫，慷慨不歇，仰思前贤，饮恨而殁。 昔如汉祖龙跃，群雄竞奔，提剑叱咤，指麾中原，哀驰渤解，西漂昆仓。断蛇奋怒，扫清国步，握瑶图而倏升，登紫坛而雄顾。一朝长辞，天下
中国画与西洋画的区别 东西洋文化，根本不同。故艺术的表现亦异。大概东洋艺术重主观，西洋艺术重客观。东洋艺术为诗的，西洋艺术为剧的。故在绘画上，中国画重神韵，西洋画重形似。两者比较起来，有下列的五个异点： (一)中国画盛用线条，西洋画线条都不显著。线条大都不是物象所原有的，是画家用以代表两物象的境界的。例如中国画中，描一条蛋形线表示人的脸孔，其实人脸孔的周围并无此线，此线是脸与背景的界线。又如画一曲尺形线表示人的鼻头，其实鼻头上也并无此线，此线是鼻与脸的界线。又如山水、花卉等，实物上都没有线，而画家盛用线条。山水中的线条特名为“皴法”。人物中的线条特名为“衣褶”。都是艰深的研究工夫。西洋画就不然，只有各物的界，界上并不描线。所以西洋画很像实物，而中国画不像实物，一望而知其为画。盖中国书画同源，作画同写字一样，随意挥洒，披露胸怀。19世纪末，西洋人看见中国画中线条的飞舞，非常赞慕，便模仿起来，即成为“后期印象派”。但后期印象派以前的西洋画，都是线条不显著的。 (二)中国画不注重透视法，西洋画极注重透视法。透视法，就是在平面上表现立体物。西洋画力求肖似真物，故非常讲究透视法。试看西洋画中的市街、房屋、家具、器物等，形体都很正确，竞同真物一样。若是描走廊的光景，竞可在数寸的地方表出
数丈的距离来。若是描正面的(站在铁路中央眺望的) 铁路，竞可在数寸的地方表出数里的距离来。中国画就不然，不欢喜画市街、房屋、家具、器物等立体相很显著的东西，而欢喜写云、山、树、瀑布等远望如天然平面物的东西。偶然描房屋器物，亦不讲究透视法，而任意表现。例如画庭院深深的光景，则曲廊洞房，尽行表示，好似飞到半空中时所望见的；且又不是一时间所见，却是飞来飞去，飞上飞下，几次所看见的。故中国画的手卷，山水连绵数丈，好像是火车中所见的。中国画的立幅，山水重重叠叠，好像是飞机中所看见的。因为中国人作画同作诗一样，想到那里，画到那里，不能受透视法的拘束。所以中国画中有时透视法会弄错。但这弄错并无大碍。我们不可用西洋画的法则来批评中国画。 (三)中国人物画不讲解剖学，西洋人物画很重解剖学。解剖学，就是人体骨骼筋肉的表现形状的研究。西洋人作人物画，必先研究解剖学。这解剖学英名曰anatomy for art students，即艺术解剖学。其所以异于生理解剖学者，生理解剖学讲人体各部的构造与作用，艺术解剖学则专讲表现形状。但也须记诵骨骼筋肉的名称，及其形状的种种变态，是一种艰苦的学问。但西洋画家必须学习。因为西洋画注重写实，必须描得同真的人体一样。但中国人物画家从来不需要这种学问。中国人画人物，目的只在表出人物的姿态的特点，却不讲人物各部的尺寸与比例。故中国画中的男子，相貌奇古，身首不称。女子则蛾眉樱唇，削肩细腰。倘把这些人物的衣服脱掉，其形可怕。但这非但无妨，却是中国
浮世绘·日本江户时代的绘画艺术 浮世绘，也就是日本的风俗画，版画。它是日本江户时代(1603～1867年间，也叫德川幕府时代)兴起的一种独特民族特色的艺术奇葩，是典型的花街柳巷艺术。主要描绘人们日常生活、风景、和演剧。浮世绘常被认为专指彩色印刷的木版画（日语称为锦绘），但事实上也有手绘的作品。在亚洲和世界艺术中，它呈现出特异的色调与丰姿，历经三百余年，影响深及欧亚各地，十九世纪欧洲从古典主义到印象主义诸流派大师也无不受到此种画风的启发，因此．浮世绘具有很高的艺术价值。 ! H# O4 d( j% N) q " w% D: A. u" a" J2 ]. a! l 浮世绘的艺术，初期原为肉笔浮世绘，即画家们用笔墨色彩所作的绘画，而非木刻印制的绘画。肉笔的浮世绘，盛行于京都和大板，这个画派的开始，是带有装饰性的。它为华贵的建筑作壁画，装饰室内的屏风。在绘画的内容上，有浓郁的本土气息，有四季风景、各地名胜，尤其善于表现女性美，有很高的写实技巧，为社会所欣赏。这些大和绘师的技术成就，代代相传，遂为其后的浮世绘艺术，开导了先路。 ' b+ d3 B1 k; I9 B ; T) s6 _) K6 U. Z 江户时代是日本封建社会的晚期，它和我国的清代相吻合。由于经济的增长，城市里首先产生一种“町人文化”(即市民文化)．由于市民文化迅速得到发展，作者云起，需要量扩大，大量印制，以供需求。从而使肉笔浮世绘进入版画浮世绘阶段。浮世绘版画的印刷技巧，初为单纯的墨摺本，以后发展有丹绘和漆绘，用彩笔添入的。真正的套色版画锦绘，在公元1643年至公元1765年前后出现，浮世绘的印刷技术，达到一个高潮，如锦绣万花，绚烂多彩，代表了日本民族在艺术上的高度成就。 2 F8 E! @) |$ w$ L/ ~" \+ } 7 O& H8 [" I2 Z 浮世绘的题材极其广泛，有社会时事、民间传说、历史掌故、戏曲场景和古典名著图绘，有些画家还专事描绘妇女生活，记录战争事件或抒写山川景物……它几乎是江户时代人民生活的百科全书，而所有这些题材的基调则是体现新兴市民的思想感情。一些追求自由恋爱和讽刺封建礼教的作品在民间流布极广。 A! S) R+ Z% R8 B5 r$ o( Q + n6 o- a1 m8 {, ^$ A 浮世绘木刻归纳起来大致有两种形式：“绘本”和“一枚绘”。所谓“绘本”，即是插图画本。它在江户初期是以古典小说的插图为开端，后来陆续出现通俗的插图读物，到万治年间，随着市民小说的产生，这种木刻绘本更加迅速发展。民间画师菱川师宣便是这种“绘本”的创始人。 8 o' U) A" I: u, |: z
齐白石国画诗境论 博宝艺术网https://www.doczj.com/doc/d95272186.html, 来源:博宝艺术家网2011-02-23 09:32:01作者:博宝艺术家 齐白石齐白石国画诗境论 中国文化是诗性文化。孔子说“不学诗，无以言。”可见“诗”这种文化产品在中国艺术中占有的特殊地位。中国古代为什么没有《圣经》却有《诗经》，这种以诗为“经”，是华夏独有的文化现象。从春秋的诗经到战国的楚辞，到汉魏的乐府，从唐诗到宋词再到元曲，诗这种形式虽然千变万化，却始终占据中国艺术的主导地位，并渗透到其他艺术形式之中。精通多国语言的辜鸿铭指出：“汉语是一种心灵的语言、一种诗的语言，它具有诗意和韵味，这便是为什么即使是古代的中国人的一封散文体短信，读起来也像一首诗的缘故”。汉语词汇具有多义性、模糊性特点，语法上具有灵活性、随意性特点，在语音上还具音乐性特点。作为一种语言艺术，诗是远离逻辑思考和理性判断的艺术形式，其赋、比、兴的“兴”字，学者们至今也说不透。究其原因，这种诗性的智慧，既不是简单的感官享受，也不是纯粹的理性思维，而是介于二者之间，只可意会而难于言传。这一特点恰恰有利于形象性表达和艺术性思维，说明汉民族的语言与艺术有着天然亲和的关系。这一独特的表达和思维方式的存在，说明中国人自古以来，就以一种诗性的感受和态度对待世界，以诗性的语言表达情感。从这一意义上可以毫不夸张地说，传统的中国是一个“诗的国度”。中 国画具有诗的特点，诗的意境，诗的追求，也就是理所当然的事。 一、诗画合璧优秀传统概述中 （一）、诗画合璧的形成、发展与成熟 国画与中国诗历来有千丝万缕的联系。苏东坡有：“味摩诘之诗，诗中有画。观摩诘之画，画中有诗。”“少陵翰墨无形画，韩干丹青不语诗”之说。还有很多类似的说法，录出与同道共享。张彦远说：“诗画异名而同体。”孔武仲说：“文者无形之画，画者有形之文。二者异迹而同趣。”郭熙说：“诗是无形画，画是有形诗。”钱熃说：“终朝诵公有声画，却来看此无声诗。”黄庭坚说：“诗成无象之画，画出无声之诗。”周孚说：“东坡戏作有声画。”石涛说：“可知画即诗中意，诗非画里禅乎?”汤来贺说：“善诗者句中有图绘焉，善绘者图中有风韵也。”张可中说：“诗为有韵之画，画乃无韵之诗。”还有人说：“诗是诗人心中的画，画是画家心中的诗。”“画是凝固的诗，诗是流动的画。”“诗是诗人用文字写出来的画，画是画家用笔墨画出来的诗。”“画是诗的脸面，诗是画的神韵。”连古希腊亦有人说：“诗为能言画，画是静默诗。”被称为“希腊的伏尔泰”的西摩尼德斯就有名言：“诗是有声画，画是无声诗。”达?芬奇对于诗歌与绘画下了这样一个结论：“画是哑巴诗，诗是盲人画” 徐复观在分析诗画合璧的历程时指出：首先，题画诗的出现，开创了诗画在构成形式上的结合。其次，以诗意作画开创了诗和画在意和景层次上的结合。第三，以诗的意境作画，以画的意境作诗，诗画在精神上相融合、相启发，实现了在意境层次上的融合。有人研究认为江淹的《雪山赞四首》，是我国最
教材简析 《中国画与西洋画》是朝鲜族中学高中汉语第四册（高二下学期，第一版新教材）第四单元最后一篇（自读课文），是一篇说明文。本文篇幅较短，结构清晰，准确、平实；采用比较说明，展现了中国画与西洋画的特征，揭示了二者的本质区别。 根据本课特点结合学生需要，加入了拓展欣赏，挖掘绘画艺术中文化内涵，丰富内容。 学生分析 高中理科班学生比较聪明，虽然阅读水平不高，对阅读的基本技能掌握的也是一知半解，只要能调动他们得积极性，他们很快就会学会并掌握阅读的基本技能，是汉语课要完成的一个重要的任务。 学生知识面广而杂，汉语课应跳出束缚，有针对性的拓展，既能激发学生学习的兴趣，又能开阔学生眼界，丰富学生的情感。 让学生认识到艺术重要性，有意识地提高艺术修养，提高生活的质量。 设计理念 中遵循服务学生的原则。 阅读中尊重学生个体差异，促进个性发展，同时注重培养学生质疑精神。 开发教学资源，拓宽学生视野，提高学生审美情趣。 教学目标 知识目标：了解中国画与西洋画的区别。 能力目标：培养学生的自读能力，学会交流互助的学习方法。 提高阅读说明文的能力。 德情目标：培养学生的质疑精神；提高学生的审美情趣。 教学重点 如何阅读一篇说明文；运用比较法欣赏绘画作品。 教学难点
个性阅读——品评环节。 教学准备（视频、动画、、音乐） 教学流程 〖第一环节——导入〗 直接引入法，运用两幅画：水墨画和油画 ：水墨画（或动画）油画（静物） 开门见山法：让学生们判断哪一幅是中国画？哪一幅是西洋画？ 从颜色和背景观察其不同点。 提示：中国画有留白，西洋画重视背景。 色彩方面：中国画较单调，直接是黑白两色；西洋画色彩丰富，接近实物的颜色。 总结：个性差异：中国人含蓄而西方人个性张扬 【开门见山直接导入，结构完整，内容之间容易衔接，易于引入情景，节省时间】 〖导语〗中国画与西洋画还有哪些不同之处？今天我们就跟随着名的漫画家、家、翻译家、艺术教育家丰子恺先生走近“中国画”与“西洋画”，绘画艺术博大精深，一节课时间我们只能浮光掠影稍作了解。 请大家打开书91页我们来共同学习16课（自读课文）。 〖第二环节——阅读〗 一、阅读的基本技能。 探究问题1：从《中国画与西洋画》这个题目中，我们能获取哪些信息？（确定文体）提示：从文体的角度来考虑。
诗中有画，画中有诗----中国山水画欣赏 教材分析： 初中美术课本第十三册中，学生已经接触了中国画的学习，通过鸟语花香这一单元对花鸟画的学习，学生们已经初步掌握了中国画注重笔墨以及以物言志的特点，为本单元诗情画意的山水画的学习奠定了基础。所以在这一课中，我侧重于培养学生对中国山水画意境美的体会。以学生熟悉的本土画家的笔下风光为切入点，引导学生去深入探究古人寄情山水的情怀。体会中国山水画“诗中有画”，“画中有诗”的意境。 一、教学目标： 1、学习并掌握山水画在涵义、历史发展和构成上的基本知识。 2、通过对课堂情境的创设，使学生理解中国画“诗中有画”，“画中有诗”的特点，培养学生的形象思维和创造能力，继承和发扬中国画的优良传统。 二、教学重、难点设计： 1、重点：本课以欣赏分析为主，让学生了解中国山水画的意境美，体会“诗中有画”，“画中有诗”的艺术氛围，所以，我把山水画的意境感知作为本课的重点。 2、难点：课堂教学过程中，学生个体在思维灵动上的取向与难以把握，是本课在意境感知与深入教学上的难点所在。 三、教具准备： 学生：国画工具，收集并预读有关课文以古诗。
教师：多媒体课件，国画作品等。 四、课时安排：本单元总课时为四课时，此课为第一课时。 五、教学设计：一、引入 谈话导入：大家平时喜欢出去旅游吗？ 老师第一次到瑞安，你们能否向老师推荐几处瑞安值得一游的去处？学生答。好的，大家推荐的地方老师有机会一定会去看看！ 今天老师也向大家推荐一个老师最喜欢的一个地方--乐清雁荡山风景区，希望大家有空能去老师那里看看！ 导游法：引导学生随着课件中的图片，游览雁荡风光，师讲解。师：雁荡山是全国十大名山之一，是首批国家重点风景名胜区，素有“寰中绝胜”、“海上名山”之誉。史称“东南第一山”。 灵峰、灵岩、大龙湫精华荟萃，被称为“雁荡三绝”。 灵峰灵岩奇峰林立、古木参天，最有趣的是，一景多变，移步换形。比如现在看到的这个合掌峰，就是灵峰最著名的景观，随着日出日暮这座合掌峰会逐渐变换成夫妻峰、雄鹰峰等，雁荡体现出了山水多变的特点。 现在大家看到的是被誉为“天下第一瀑”的大龙湫，上下落差190米，随着季节雨水的变换，呈现不同的风貌。杜牧诗中说道：五丈以上尚是水，十丈以下全为烟，水云烟雾难分。图中的为雨过之后大龙湫，如银河倒挂。 来到雁荡大家可以随着当年徐侠客的足迹，在雁荡观景品茶、赏画吟诗，体会诗情画意的山水之美。