外国美术鉴赏
第二课古典艺术的发源地——希腊、罗马艺术
1、希腊、罗马美术在雕刻和建筑方面的突出成就
希腊：(1)雕塑：“持矛者”是古希腊古典时期人像雕刻的标准像，即最美的人体高度相当于7个头长，古希腊艺术与建筑总在追寻怎样的比例才是最美的，从而出现了“黄金分割”，“米洛斯的阿芙罗狄特”这座雕像融会了古希腊雕刻崇高和优美的风格，“拭垢者”这座雕像确立了一种人体比例的新标准为8：1，令人的身材更修长秀美，伸出的手臂拓展了三维空间，使雕像具有多个视点。（2）建筑：古希腊的多立克柱式、爱奥尼亚柱式和科林斯柱式奠定了西方古典建筑的基础；帕特农神庙的设计采用了严格的比例关系，正立面完全符合黄金分割原理，在台阶的建造和柱子的设计上运用“视觉矫正”
的方法。
罗马：（1）雕塑：古罗马的雕塑受古代希腊影响很大，纪念性的雕塑比较常见，“奥莱略骑马像”是现存的唯一罗马帝国纪念碑性质的帝王骑马像，其成为后来欧洲名人骑马像的范本，“弗拉维时期的妇女像”发卷采用了钻孔技术，后来艺术家用这种方法来雕刻瞳孔。（2）建筑：罗马人的建筑成就突出表现在公共市政建设和纪念性建筑上，“万神庙”体现了罗马人崭新的空间意识，大角斗场有着从下到上，由粗壮到轻盈柱式变化，达到整体立面的均衡和谐。凯旋门和记功柱也对后人的影响极为深远。
2、古代希腊、罗马以人体为美的审美风尚，美术作品在社会风尚和审美取向上的特征。
古代希腊、古罗马人们认为人体是美的，他们在追求美的过程中产生出了人体7：1的黄金比例，甚至到罗马时期的8:1的人体比例，更加修长秀美。反映了其对健壮的身躯、雄强的体魄的兴趣，希腊时期绘画作品“猎鹿”利用明暗的变化来表现人体和动物的结构，以色调为主的风格代替了以线条为主的风格。罗马人和希腊人的艺术观念不同，罗马人把现实中的君主当作神来崇拜，产生大量的君主雕像，古罗马肖像画在色彩的运用，以暗影来创造三维空间幻觉，水平相高，人物的现实感，明显强烈的世俗感，反映活生生的形象。
3、作品赏析：掷铁饼者、米洛斯的阿芙罗狄特、帕特农神庙、罗马大角斗场。
（1）米隆的雕刻作品，这件作品伸出的手，拓展了三维空间，有人认为作者是“第一位使真实的形象更加扩展的雕塑家”，人物动态生动，肌肉等人体身体结构结实准确。
（2）是现存的许多个名为维纳斯雕像中最著名的一座，融会了古希腊雕刻崇高与优美的两种风格，罗丹称它为“古代的神品”。
（3）著名的雅典卫城的主体性建筑，由于神庙的膜拜仪式是在神庙外举行，所以希腊人对神庙的外观与装饰都十分讲究，其外观比例都经过严格测量，正立面完全符合黄金分割原理。
（4）角斗场分四层，下三层每层都采用不同的柱式，一层比一层轻巧，华丽，各层之间用三道水平檐口，紧紧箍住整个建筑，显得非常坚固稳定，其所创造的中心是表演区，四周是观众席的这种建
筑形制，在体育建筑中一直沿用至今。
第四课“巨人”辈出——欧洲文艺复兴美术
1、欧洲文艺复兴时期的美术及其代表画家、代表作品的艺术成就。
主要代表有意大利的（1）达芬奇、（2）米开朗基罗、（3）拉斐尔（4）尼德兰的扬·凡·埃克(5)德国的丢勒。
（1）达芬奇的著名作品是“最后的晚餐”、“蒙娜丽莎”奠定了他在世界美术史上的重要地位。“最”
不仅创造了全新的表现形式，而且赋予这一宗教故事以新的思想意义，即表明画家对善与恶，
美与丑，崇高与卑鄙的鲜明爱憎，具有了更为普遍的现实意义。“蒙”体现了当时对人和人性
的重视的人文主义精神，具有鲜明的时代特色，背景运用透视法，形成一种纵深的感觉，意味
着欧洲的风景画即将成熟。
（2）米开朗基罗的著名作品是“大卫”和“摩西”还有“创世纪”，“大卫”体现了高度的人体造型技巧，一直是人们学习人体造型的范本。“摩西”表现出摩西的威严和力量，复杂的衣纹和质
感的处理，双臂肌肉和静脉的刻画，给人活生生的感觉。”“创”是对人类创造力的歌颂，体现
了鲜明的人文主义思想，是米对宗教传说的再创造。
（3）拉斐尔的著名作品是“花园中的圣母”、“雅典学院”等，拉创作的一系列圣母像，体现了古典艺术所追求的理想美，成为西方古典美术女性美的典型。
（4）扬·凡·埃克发明了油画颜料的新配方，“根特祭坛画”就是运用其发明的这种油画新技术创作而成，“阿尔诺非尼夫妇像”是其具有重大创新意义的肖像画，画作不仅极其写实，而且充
满象征意味，是客观人物和现实环境的写生描绘。
（5）丢勒的著名作品是“四使徒”，画中的四使徒，代表了四种性格，乐观、冷静、暴躁和犹豫，人物形体和空间感十分明确，黑色背景使人物形象更为突出。
2、作品赏析：“最后的晚餐”、“蒙娜丽莎”、“大卫”、“摩西”、“椅中圣母”、“雅典学院”
“椅中圣母”：圣母是指基督教的创始者耶稣的母亲玛利亚，是基督教美术中经常表现的人物。中世纪以来，为了强调圣母的神圣、庄严，绘画和雕塑中的圣母往往是毫无生气的偶像，而拉斐尔笔下的圣母，宗教气息十分淡薄，圣母成了美丽、健康、和蔼可亲的人间母亲的形象，以至后人将拉斐尔的圣母作为美丽女性的代名词。
“雅典学院”：描绘了以古希腊著名哲学家柏拉图及其弟子亚里士多德为中心的五十多名各方面的著名学者，以此歌颂人类对智慧和真理的追求，赞美人的创造力。
第六课追求生活的真实——欧洲现实主义美术
1、19世纪欧洲现实主义美术的主要特点。
对过去热衷表现的神话和历史题材不感兴趣，热衷于表现现实生活，并表达自己对现实的思考，反对主观
臆造，强调客观地表现对象，不管原来的美丑标准，关心和同情下层劳动人民，通过刻画他们的艰辛而贫困的生活，揭示社会的不公和虚伪。
2、现实主义美术的主要代表艺术家和代表作品。
主要代表艺术家：（1）库尔贝、（2）米勒、（3）杜米埃、（4）罗丹
（1）“画室”、“奥尔南的葬礼”、“打石工”；（2）“拾穗”、“晚钟”；（3）“令人讨厌的人”、“查理·菲力浦”；（4）“青铜时代”、“地狱之门”、“思想者”、“加莱义民”、“思”、“吻”、“巴尔扎克像”。
3、作品赏析：“打石工”、“拾穗”、“思想者”
“打石工”：这是画家根据散步时亲眼看到的情景邀请这两个工人到画室来做模特，面对真人而完成的，意在表现他亲眼目睹的工人的贫困。画家故意不画工人的面部，意在表现这一些不被人重视的平民，他们就这样默默无闻地度过了一生。
“拾穗”：从此画中不难看出画家对劳动甘苦的体验和对粮食的珍惜，虽然看不到三位拾穗妇女的脸部表情，但从她们专注的神态，使人体会到一种崇高，晴朗的天空和金黄色的麦地，统一在一种柔和，宁静的气氛之中。
“思想者”：表现的是一个象征性的人物，后来象征着作者自己或人类的思想本身。蜷曲的身体像一张弯弓，蕴藏着巨大的力量，但他如今却被一种更大的无形的力量钳制得不能动弹，让人感到他不仅是用脑思考，而且全身的每块肌肉，每条神经都处在紧张的思考之中。
第七课从传统走向现代——印象派与后印象派
1、印象派与后印象派的艺术成就、代表画家、代表作品以及绘画特点。
印象派进一步扩大了绘画表现的题材，改变了传统的创作思维和方法，开创了新的色彩画法，使美术家能更自由地进行艺术创造，成为欧洲传统绘画向现代绘画转变的重要过渡。后印象在此基础上完成了西方绘画向现代绘画的转变。
代表画家：莫奈、马奈、雷诺阿、德加、塞尚、凡高、高更
莫奈: “印象·日出”是著名的代表作。马奈：“弗利·贝尔热酒吧”。雷诺阿：“红磨坊街的舞会”。德加：“舞台上的舞女”。塞尚：“有苹果和桃子的静物”。凡高：“自画像”；高更：“海边”
特点:印象派画家以全新的观点看待和描绘客观对象的光色关系，突破了传统的固有色的观念，而用一种新的油画技法描绘不断变化着的色彩感受，极大地提高了画面上的色彩的明度和纯度，开辟了西方油画运用色彩的新天地。
2、作品赏析：“印象·日出”、“弗利·贝尔热酒吧”、“舞台上的舞女”、“有苹果和桃子的静物”、“自画像”、“海边”。
“印象·日出”：这是莫奈描绘法国勒阿弗港口日出时的一幅风景画。初升的太阳改变了一切景物的颜色，将它们都笼罩在一片朦胧之中。这是一种只能持续几分钟的独特景象，而莫奈却敏锐地捕捉到并准确地描
绘出来。
“弗利·贝尔热酒吧”：画中背景是从女侍者身后的大镜子中映照出的巴黎著名夜总会嘈杂的情景，富有表现力的黑色与明丽的色彩相配合，表现出夜总会特有的欢快而又光怪陆离的气氛，处在画面正中的女侍者孤独而略带忧郁的神态与之形成鲜明对比。
“舞台上的舞女”：不仅以新颖的构图和明快的色彩给人以深刻的印象，而且以高度的写实能力，将飞逝之中的舞蹈之美生动地呈现在观众面前。
“有苹果和桃子的静物”：物象真实的形体和色彩并不是最主要的，重要的是画出画家对它们的感受，例如，桌上的水罐十分饱满，似乎它本身就有一种力量，窗帘堂皇地低垂着，形似瀑布的餐布，其明亮的色彩使桌上的物体显得更突出。
“自画像”：画像画于他在阿尔经历了一次严重的精神崩溃，住进了圣雷米救济院之后，这时他情绪比较稳定，这从画像中镇定、刚毅的面容可以感受得到，在一片冷色调的银灰，银绿和蓝色和谐背景之下，作者的头颅犹如一团燃烧的火焰，如果不看笔法的不同，背景和人物之间的分解几乎无法区分，笔法呈旋卷状的背景是作者躁动不安的心情的反映，眼睛下那一小片令人注目的绿色，把观众的注意力引到了作者那双目光坚定，但又因饱受疾病折磨而显得十分压抑的双眼，把肖像画的情感表达发挥到极致。
“海边”：这是高更居住在塔西提岛时创作的一幅反映当地原始部族生活的风俗画。一根大的树干将画面划分成对比色的两部分，树干一边有两名裸体女子正准备跳入海中，远处的一位男子暗示着在塔西提岛不存在普通社会常有的女子洗澡，男子应该回避的意识，整个画面简介而又极具装饰性。
第八课新的探索——现代绘画、雕塑和工业设计
1、外国现代绘画、现代雕塑的新变化和新特点。
所谓现代主义艺术思潮、其主要特点是，企图突破以至完全摆脱或否定西方绘画注重写实的传统，强调表现画家的主观情感和艺术形式的探索。野兽派、表现派、立体派、未来派、达达派、超现实主义和抽象派等影响比较大的流派，都可归入现代主义或现代派绘画范畴，后现代主义美术基本倾向是反现代主义，最突出的特点是，企图打破艺术和非艺术的界限，反对艺术个性和艺术风格，主张平民化，广泛运用大众传播媒介等，波普艺术、照相写实主义、新达达派等属于这一范畴。西方现代雕塑与传统雕塑相比，有着天壤之别，它不仅表现在绘画中的许多流派，在雕塑中也有反映，而且打破了雕塑的传统观念，在雕塑语言的运用、雕塑与环境的结合、雕塑与科技的结合等方面，都发生了极大的变化。
2、工业设计的含义。
工业设计是20世纪初日益发展起来的现代美术中的一个新的领域。它与社会经济发展和人民生活质量的提高有着密切的关系。在手工业时代，产品的制造与设计很难分开。工业革命后，随着机器生产的迅速发展，为了适应生产的需要，产品在投入生产以前，需要进行专门的设计。除了产品技术性能的设计外，为增加产品在市场的竞争力，还需要对产品的造型和外观进行艺术设计，以满足人们对工业的精神需要。因
此西方发达国家十分重视产品的艺术设计。以讲究产品的实用（使用方便、舒适、安全等）和美观相统一的产品设计在上世纪得到了迅速的发展，实现了艺术与生产、艺术与科技的新的结合。
3、作品赏析：“马蒂斯夫人有绿条的肖像”、“呐喊”、“哭泣的女人”、“记忆的永恒”。
“马蒂斯夫人有绿条的肖像”：马蒂斯是野兽派绘画的代表人物，他为妻子画的这幅肖像，不顾客观对象真实的色彩关系，全凭主观情感运用色彩来表现对象，连脸部中间的一条明暗交界线，也是用绿色线条来表现，以此分成冷暖两个色调。
“呐喊”：蒙克是表现派的先驱者，此画充分体现了表现派绘画的特点——鲜明而又具有象征意味的色彩和夸张的形象，作者对此画有一段明确的说明，“一天傍晚，我沿着一条小路散步，路的一边是城市，我的下方是狭湾。这时夕阳西下，云彩被染成血红色，我觉得似有一声尖叫从大自然中穿越，我几乎听到了那叫声，是这些色彩在尖声叫喊”。
“哭泣的女人”：画中的女人曾是毕加索的情人，因他与她感情不和，以此表示对她的憎恨。刺眼的黄色和绿色，病态的白色，以及令人心烦的红色，加上立体派的造型和女人两眼汪汪的眼泪，都让人感到这是幅无法引起愉悦和美感的绘画，但他表现了作者强烈的主观情感。
“记忆的永恒”：作者达利，此画中的三只像软绵绵的面饼一样的表及其停滞的时间暗示着永恒。这种非现实的描绘固然令人费解，但从开拓绘画的表现领域，尤其是发挥人的想象力方面具有一定的积极作用。第九课科技和艺术的新结合——现代建筑
1、现代建筑的主要特点。
从艺术欣赏的角度来讲，，它的主要特点首先表现在重视建筑的功能，强调建筑形式要服从功能的需要。其次重视建筑的空间，重视建筑与环境的有机结合。第三，积极采用新材料，新技术和新结构，实现了科技与艺术的新结合。
2作品赏析：“流水别墅”、“悉尼歌剧院”、“德绍‘包豪斯’校舍”
“流水别墅”：又称“落水山庄”，设计师充分考虑到它所处的环境特点，特别是那股自然生成的小瀑布，使整个建筑与周围的环境取得了有机的结合，同时，赖特利用钢筋混凝土结构的悬挑能力，将别墅每层的楼板向外悬伸出来，并使它与那一道道横墙与几条竖向的石墙组成一幅纵横交错、富有变化的建筑构图，使这一建筑的造型显得十分新颖别致。
“悉尼歌剧院”：其是一座大型综合性文化艺术演出中心，包括音乐大厅、歌剧大厅、剧场、排演厅、展览场地和图书馆等多项设施。它位于悉尼港内三面临水的突出地段上。与周围的环境结合得和谐、巧妙。因而备受人们喜爱，成为现代知名度最高的建筑之一。
“德绍‘包豪斯’校舍”：此建筑成功地体现了建筑形式服从建筑功能的现代建筑思想。这个学校根据不同的功能，组合成了一个既明确划分区域，又便于联系的建筑群体，形成了一个与西方传统建筑很不相同的、不对称、不规则的建筑平面。整个建筑的形体通过大小，高低和各不相同的形式与方向形成纵横错落、
变化丰富的效果。它不使用任何传统的附加装饰，而是突出现代建筑本身的结构美和材料美，并且巧妙地把窗格、雨罩、挑出的阳台、栏杆、玻璃墙面组织起来，通过虚实、轻重、纵横等各种对比手法，获得简洁清新、活泼生动的构图效果和前所未有的建筑形象。
外国美术鉴赏第三课心灵的慰藉和寄托--宗教建筑 授课教师：普兰店市第二中学于强 授课年级：高中一年级 课型：新授 课时：1课时 教学目标： 1．知识和技能：对宗教的性质有一些感性的认识 2．过程和方法：进一步学习欣赏建筑艺术的方法 3．情感、态度和价值观：了解并感受宗教建筑的历史文化价值，正确对待宗教艺术。 重点： 1．进一步学习欣赏建筑艺术的方法，着重了解建筑是如何体现一定的思想观念，以及三大宗教建筑的主要特征。 2．帮助学生树立正确对待宗教艺术的态度和价值观。 难点： 解决对宗教的认识，以及与宗教建筑相关的历史文化知识。 教具资料：多媒体、图片、课件等。 教学过程与内容： 一、导入：回顾中国的宫殿建筑--故宫建筑群和天坛，它的形式是为王权服务的。这一讲，我们来赏析为宗教服务的建筑--宗教建筑。 世界三大宗教--佛教、基督教和伊斯兰教，其影响深远。宗教对于一时还找不到正确出路的广大人民群众，是一种重要的精神支柱，它寄托着人们的理想和
幻想。在世界三大宗教盛行的年代里，世界各国建造了一大批宗教建筑。 二、结合课件讲授新课： 1．佛教建筑概述：佛教的概况。 结合教材中的讲述，介绍印度《桑奇大塔》和《婆罗浮屠》。 引导学生与中国佛塔进行比较，归纳、总结特色：对称，多种造型手法的综合运用等。并了解建筑是如何体现一定的思想观念。 2．基督教建筑 概述：基督教的概况；基督教的教堂集欧洲中世纪美术制大成。它先后创造了拜占庭式、罗马式和哥特式三种建筑风格。其中哥特式教堂建筑式西方建筑史上的一个高峰。哥特式建筑的代表作：《夏特尔主教堂》、《兰斯主教堂》和《科隆主教堂》。学生围绕这几个代表作欣赏，分组讨论：哥特式建筑的特点是什么？ 讨论指出：哥特式建筑的总体风格特点是：空灵、纤瘦、高耸、尖峭。它们直接反映了中世纪新的结构技术和浓厚的宗教意识。尖峭的形式，是尖券、尖拱技术的结晶；高耸的墙体，则包含着斜撑技术、扶壁技术的功绩。而那空灵的意境和垂直向上的形态，则是基督教精神内涵的最确切的表述。高而直、空灵、虚幻的形象，似乎直指上苍，启示人们脱离这个苦难、充满罪恶的世界，而奔赴“天国乐土”。（课件展示） 这种风格所表述的这些宗教意识以及所显示的技术成就，我们可以从两个方面具体地感受到。首先是外部造型。哥特式建筑特别是教堂，外观的基本特征是高而直，其典型构图是一对高耸的尖塔，中间夹着中厅的山墙，在山墙檐头的栏杆、大门洞上设置了一列布有雕像的凹龛，把整个立面横联系起来，在中央的栏杆和凹龛之间是象征天堂的圆形玫瑰窗。西立面作为教堂的入口，有三座门洞，
第三课心灵的慰藉和寄托——宗教建筑 教学目标： 1、知识和技能：对宗教的性质有一些感性的认识。 2、过程和方法：进一步学习欣赏建筑艺术的方法。 3、情感、态度和价值观：了解并感受宗教建筑的历史文化价值，正确对待宗教艺术。 教学重点与难点： 重点：1、进一步学习欣赏建筑艺术的方法，着重了解建筑是如何体现一定的思想观念，以及三大宗教建筑的主要特征。 2、帮助学生树立正确对待宗教艺术的态度和价值观。 难点：解决对宗教的认识，以及与宗教建筑相关的历史文化知识。 教法选择：举例法、讲解法。 学法选择：讨论法。 教学准备：多媒体课件、图片等。 课时：1课时 教学过程： （一）导入： 回顾中国的宫殿建筑——故宫建筑群和天坛，它的形式是为王权服务的。这一讲，我们来赏析为宗教服务的建筑——宗教建筑。 （板书课题: 心灵的慰藉和寄托——宗教建筑） 世界三大宗教——佛教、基督教和伊斯兰教，其影响深远。宗教对于一时还找不到正确出路的广大人民群众，是一种重要的精神支柱，它寄托着人们的理想和幻想。在世界三大宗教盛行的年代里，世界各国建造了一大批宗教建筑。 （二）结合课件讲授新课： 1、佛教建筑 概述：佛教的概况。 结合教材中的讲述，介绍印度《桑奇大塔》和《婆罗浮屠》。 引导学生与中国佛塔进行比较，归纳、总结特色：对称、多种造型手法的综合运用等。并了解建筑是如何体现一定的思想观念。 2、基督教建筑 概述：基督教的概况。基督教的教堂集欧洲中世纪美术制大成。它先后创造了拜占庭式、罗马式和哥特式三种建筑风格。其中哥特式教堂建筑式西方建筑史上的一个高峰。 哥特式建筑的代表作：《夏特尔主教堂》、《兰斯主教堂》和《科隆主教堂》。 学生围绕这几个代表作欣赏，分组讨论：哥特式建筑的特点是什么？
国外美术鉴赏 黄嘉羽 2009110161 经过了一个学期的学习，我渐渐的学会了怎么样去欣赏国外美术。掌握了比较科学、正确的方法，才能使我自己的欣赏能力、审美水平得到不断的提高。 关于美术欣赏的方法，这又是一个比较复杂的问题。因为美术欣赏是一种再创造的过程，同时各种类型的美术作品，又有时代、地域、价值取向、艺术形象等等差异。要说有什么方法吗？的确很难一概而论。但是，美术欣赏是一种审美活动，也是一种通过艺术形象去认识客观世界的思维活动。因此它也就必然遵循人类认识活动的一般规律，有一个由浅入深，由表及里，由不全面到全面的过程，即从感性认识到理性认识到，又由理性认识到感性认识不断循环往复不断深化的过程。我们只有在不断的欣赏实践与理解、思考的过程式中，才能真正理解到美术欣赏的真谛。 美术作品是视觉艺术，它要求人们用眼睛去欣赏。 当我们看一幅画时，首先总是会被画面上的内容、情景、形象、色彩这些冲击我们视觉的东西所吸引。美术欣赏与美术创作，颇有相似之处。画家在写生时，对对象的第一印象是十分重要的。在美术欣赏中，观赏者在观赏作品时最初的直观感受，往往是获得美感的重要基础。由于最初的直观感受是一种未受干扰的、整体的把握，因此是新鲜的、生动的，甚至是比较准确的。然而，直观感受是因人而异的，由于观赏者的水平不同而存在高、低的差别。重视直观感受在美术欣赏中的作用，也就是是要求我们不断提高自己的生活和审美术经验，丰富自己的文化知识和艺术修养。 对于那些我们所说的“看不懂”的东西，事实上你也许有点意会却难以述说。这种现象说明美术欣赏是一个复杂的心理活动过程，不具备一定的欣赏知识和方法，仅仅凭个人的直觉来欣赏美术作品很难以上升到“欣赏”的境界。 因此，在欣赏美术作品前，我们有必要掌握一些美术欣赏的方法，具备一定的艺术理论基础知识，认识论告诉我们，只有了解的东西，我们才能更深刻地感受它。 就欣赏某一幅具体作品而言，最初的直观感受固然十分重要，但它毕竟是一种感觉而已，属于欣赏的初级阶段，还有待由表及里、由感性到理性的深化，这就有赖于采用分析的方法。因此，在欣赏美术作品前，我们有必要掌握一些美术欣赏的方式方法，具备一定的艺术理论基础知识。只有了解作者的生平、所属流派、风格特征、创作背景以及相关的美术知识，才能使自己的感觉、联想朝着合理、正确的方向，深入形象的内涵，从一般的观赏升华为纯正的审美活动。认识论告诉我们，只有理解了的东西，我们才能更深刻地感受它。总之，美术欣赏水平的提高需要不断丰富自己的美术知识，积累审美经验和重视全面提高文化艺术素养。 在美术创作中，画家通过形象思维创造艺术形象，是用形象来感染人、打动人的。在美术界欣赏中也离不开形象思维。美术欣赏包含量着观赏者从对作品形象的直观感受为开端，经过自己的联想、补充和再创造的过程。我们欣赏一件美术作品，多少年后，作品的题目、目内容和故事可能被遗忘了，但画面形象却不易忘却。这就是说，在美术欣赏中理性的分析是必要的，但最终仍需回到对艺术形象的感觉上去——经过理解后更鲜明、更生动、更深刻的感觉。这也是在美术欣赏中，还要运用综合的方法，既不能满足于最初的直观感受，也不能停留在理性的分析上，而是要把感性与理性统一起来，达到更高层次的审美境界。 我自己比较喜欢的作品是《威伦道夫的维纳斯》。这是一尊很小的高仅11厘米的女性裸体雕像，据考证，这是旧石器时代晚期属于奥瑞纳文化时期的作品，距今两万年左右。这尊女性裸体雕像的体积虽然很小，但却以肥胖、成熟而有力的形态，显示了宏伟的纪念
西方美术鉴赏论文——浅谈印象画派 内容摘要： 印象画派(Impressionism)是传统绘画向现代绘画的过渡，是传统艺术和现代艺术的分水岭，标志着新艺术的开始。印象派在色彩表现上打破了“固有色”概念，科学客观分析色彩关系，创立了全新的色彩体系。印象派对我国的美术教育产生了极其深远的影响 印象派绘画(Impressionism)是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制。其代表作品中，马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出的印象》、凡高的《向日葵》等更是鼎鼎大名。 关键词： 印象派绘画现代绘画传统绘画 内容：
印象主义是19世纪后期产生于法国的一种艺术思潮和流派。印象派画家在艺术特色上从构图、造型、色彩、笔触以及主观精神的表现上都和之前的古典主义的艺术特色有着明显的区别。他们重写生，重实践，并走出画室，描绘外光和大自然的瞬息变化，用奔放的笔触和没有调和的颜色在画布上直接糅合，形成冷暖色调强烈的新画风。印象派绘画以莫奈的《日出的印象》最初被人讥笑而得名，却在短短的一二十年中跃然成为一场世人瞩目的艺术运动。在1874年巴黎的第一届印象派画展，被认为是印象派绘画团体诞生的标志。该画展向世人宣告，这是一群画家们不懈努力所展示的作品，他们的作品摆脱了由世俗等级制度和固步自封的艺术团体强加于其上的传统桎梏的束缚，同美术史上的任何一场运动相比，印象主义及其关联的画家具有更为神秘的特性，他们起初为公众所不理解，被评论家责难，大多数作品被社会拒绝。可是，他们不气馁，并矢志不渝地朝向自己认定的目标前行。他们并不知道，正是他们开创了西方绘画史的新纪元，也正是以他们的画展为起点，“印象派”从法国开始影响整个欧洲，成为西方现代绘画的起点。 一、印象派的构图 印象派画家几乎都强调那种偶然一瞥，力求从一种全新的角度去审视对象，例如从晚会包厢里俯视舞台，从某一个角落侧视大厅，从头顶上仰视一群舞女，都是以前传统绘画里没有的。传统艺术主要关注神话、战争和历史题材，讲究构图的舞台戏剧化效果，场面宏大富有文学性。而印象派的构图突破旧的固有模式，多作架上小品，并根
构图是造型艺术的形式结构。“它是指画家在有限的空间或平面里，对自己所要表现的形象进行组织，或形象在画面中占有的位置和空间所形成的画面分割，从而形成整个空间或平面的特定结构”。绘画的过程分为构图、造型和用色三个部分。同时，构图所涉及的范围有骨架、位置、边框三个要素。构图作为艺术表现的手段，通过对骨架、位置和边框三个外部元素的经营，建设成为一个视觉空间，体现了美感,进而表达了内容。构图对于另外两个形式要素——造型和用色，具有调配、组合和统率的能力。构图处理的布局，决定造型和用色的基调，从而决定整个画面艺术处理的基调。这种基调可以是对客观世界采取重视的态度，也可以是对客观世界采取改变的态度，或者强调揭示客观世界的真谛——对客观世界进行准确无误的选择取舍、概括归纳、提炼升华，是建立在对客观世界——大自然和人类社会生活内在规律的准确而深刻认识上、画家自身主观世界的思索和感动的基础上。因此，构图对造型和用色的统帅作用，使它在绘画艺术的形、色要素中居于“重要”的位置。 构图包括的范围很宽：绘画、雕塑、工艺美术、电影和摄影的画面、舞台设计、建筑艺术等。有书记载曰：“构图是画面上物象的组合、配置和整顿。”构图首要任务就是安排所要表现的各种对象的位置，不同的布局产生不同的感觉。利用点、线、面和空间在安排上的变化，把人们的视线引向画面的某一个地方，以达到突出这个地方物象的目的。 构图应该以表现主题思想为核心，是作者思想感性和艺术表现形
式的统一，是艺术水准的直接体现，由于艺术家的风格与表现主题思想的多样性，所以每幅画的构图形式又各有特点，但同时也有一定的规律可循。常见的有平行水平、平行垂直、平行斜线、对角线、辐射线、十字架、S形、V形、三角形、螺旋线、圆形等。事实上，在绘画过程中，单纯运用某一种构图形式是很少的，常需要在同一画面中运用几种视觉功能，在综合运用的同时，又总要以某一种构图形式为主，这就形成一件作品构图的基本形式感。根据画面的主题思想和要求，需要采取各种不同的布局方式，这一选择应取决于作品内容所反映出来的主要倾向。 下面我选择些许画作，做简单分析： 《格日尼卡》——毕加索 毕加索1937年创作完成的《格日尼卡》,是其最着名的代表作品之一。乍一看去,画面显得有些杂乱,但仔细观察后会发现,画面中女人、骏马、公牛、孩子等形象的安排,都是画家精心构思的。画家将画面中光线较亮的图案相互交叠,正好形成中间的等到三角形。三角形的中轴线,恰好将这幅长条形的画面分割成两个方形。这种巧妙的构图方式,使画面中一个个经过夸张变形又充满动感的形象,在杂乱中表现的统一有序。同时在众多的形象中,画家又很好地表现出了画面的重点。由此可以看出画家深厚的绘画功力。 《最后的晚餐》——达?芬奇 达·芬奇所作的《最后的晚餐》，一排人和桌子形成平行水平线，在构图中造成向两边展开的感觉。这种视觉的引导使十二个弟子的不
. 维纳斯的诞生 波提切利（1445～1510），15世纪佛罗伦萨画派最后一位大师。原名亚历山大·代·菲利普，波提切利是他的艺名。他的宗教画人文主义思想明显，充满世俗精神，他大量采用教会反对的异教题材，大胆地画全裸的人物，对以后绘画的影响很大。《春》和《维纳斯的诞生》是最能体现他绘画风格的代表性作品。 名称：《维纳斯的诞生》 作者：波提切利 创作时间：约1485～1486 年 尺寸：172.5 ×278.5cm 类别：布面蛋彩 收藏：意大利,佛罗伦萨，乌菲兹美术馆 古希腊和古罗马神话中的维纳斯（古希腊神话中叫阿芙罗狄特），在传说中是代表爱与美的女神。据希腊神话描述，她诞生于爱琴海的波涛之中，并且一生下来就已成年，既不必经历懵懂无知的童年，也无需面对死亡将至的暮年，实际上是人类所追求的永恒美的象征。波提切利的《维纳斯的诞生》就是根据这个传说创作的。他以特有的清冷、大胆的笔触，赋予了维纳斯一种空灵、出尘的诗意美。 画面所表现的是西西里岛的一个美丽的传说：一片漂亮的大贝壳漂浮在碧波荡漾的海面上，上面站着纯洁而美丽的维纳斯，画面的左上方，长着翅膀的风神正鼓起双唇轻轻地将贝壳吹到岸边，等候在岸边身着华丽服装的时辰女神正准备把一件缀满鲜花的红色披风披到她裸露的身上。娇艳的玫瑰花瓣从高处纷纷飘落，更给优美的画面增添了诗情画意。维纳斯身材修长，容貌秀美，双眼凝视着远方，眼神充满着幻想、迷惘与哀伤。 她微曲右腿，身体向右微微倾斜，一头金色长发被海风轻轻吹散。她的皮肤光洁剔透，散发出青春的气息，美丽的面庞略显出某种淡淡的迷惘。尤其是那双纯真无邪的眼睛，笼罩着一种脉脉的忧郁和哀怨，反映出她刚刚来到这个世界时的无助和迷茫。维纳斯的脖子和双手显得长了一些，但是这更增加了她的优雅和风韵。 因为没有受到庄严的宗教气氛的约束，所以这幅画显得生动活泼，整个画面虚幻、飘逸、恬静优美、不落俗套。画家秀逸流畅、色彩绚丽的艺术风格可见一斑。波提切利通过自己神奇的画笔把画中人物形体的起伏变化和衣褶的卷曲通过线条表现得淋漓尽致，不愧为文艺复兴早期最伟大的线条大师。 这幅画的绘画风格在当时颇为与众不同，不是通过明暗法来表现人体造型，而是通过轮廓线，使得人体有浅浮雕的感觉，并且极适合装饰之用。 如有侵权请联系告知删除，感谢你们的配合！ 精品
第一课大河之源——史前美术和古埃及美术 教学目标： 1、通过欣赏，感受、认识和评述外国古代艺术，使学生了解史外及古埃及，西亚，墨西哥美术的悠久历史，艺术成就和艺术特点。用历史唯物主义的观点去客观评价。懂得美术鉴赏的基本方法，能运用美术术语描述，评价艺术作品。 2、过程和方法 利用教材，图片，网络等收集相关资料信息，并加以整合。 3、情感，态度和价值观 能激发学生参与欣赏活动的兴趣，并能联系文化情境认识美术作品。 教学重点与难点： 1、以艺术的起源问题分析史前美术的创作意图。 2、古埃及有多方面的艺术成就与其文化情境。 教法选择：讲述、展示、比较 学法选择：收集筛选、分析整理、合作探究 教学准备：课件 课时：1课时 教学过程： 导入：人类常常把远古的原始社会，比做人类的童年，非常巧的是存留到现代的最早的两处原始时代的岩画，也首先是给几个孩子在无意中发现的。 十九世纪末，一位西班牙工程师象往常一样在一个山洞中勘察，跟随他身旁的小女儿突然惊叫：“牛！牛！”，原来，洞顶和墙上画满了红色、黑色、黄色和暗红色的野牛、野猪等动物。这就是闻名于世的《阿尔塔米拉洞穴岩画》。 1940年的一天，法国南都的几个孩子，钻进一个曲折而又狭窄的山洞寻找一条走失的小狗。结果发现山洞隧道通向一个岩石的大厅，在长达180米的大厅和隧道的洞壁，洞顶上，也是画满了野牛等动物形象，于是隐藏了一两万年的《拉斯科洞穴岩画》与人重逢了。 这些岩画所表现出来的娴熟的技巧以及绘画者的观察力和表现力，比现代人也不逊色，但学术界一般认为，创作这些岩画的动机并非为了观赏，而是一种与原始巫术和宗教有密切联系的行为。 (看图片分析，从内容、形式、形象、色彩等方面切入并讨论) 史前雕刻最着名的有法国劳塞尔执牛角的女祼浮雕和奥地利维林多夫的女祼石雕像，大约产生于三万年以前，这些雕像竭力夸张突出的是人的性特征，比如胸、腹、腿，不刻画五官，实际用途是作为当时女性崇拜或生殖崇拜的偶像。 这些我们今天所能看见的人类最早的具有一定审美价值的作品，对于创作的原始人来说，其主要价值却并不在其审美属性而在其实用功利属性上。
高三美术教案-外国美术鉴赏 目录 第一课大河之源——史前美术和古埃及美术 (1) 第二课西方古典艺术的发源地——希腊、罗马美术 (4) 第三课心灵的慰藉和寄托——宗教建筑 (8) 第四课“巨人”辈出——文艺复兴美术 (11) 第五课对客观世界的主观表达——走进意象艺术 (16) 第六课传统与革新——从巴洛克风格到浪漫主义 (23) 第七课美术作品可以什么都不像吗——走进抽象艺术 (34) 第八课漂亮是美术鉴赏的标准吗——艺术美和形式美 (41) 第九课从传统走向现代——印象派与后印象派 (46) 第十课是什么使美术作品如此的千姿百态分析理解美术作品的创作意图 (51) 第十一课所有的美术作品都一样重要吗——美术作品的意义与价值判断 (58)
第一课大河之源——史前美术和古埃及美术 教学目标： 1、通过欣赏，感受、认识和评述外国古代艺术，使学生了解史外及古埃及，西亚，墨西哥美术的悠久历史，艺术成就和艺术特点。用历史唯物主义的观点去客观评价。懂得美术鉴赏的基本方法，能运用美术术语描述，评价艺术作品。 2、过程和方法 利用教材，图片，网络等收集相关资料信息，并加以整合。 3、情感，态度和价值观 能激发学生参与欣赏活动的兴趣，并能联系文化情境认识美术作品。 教学重点与难点： 1、以艺术的起源问题分析史前美术的创作意图。 2、古埃及有多方面的艺术成就与其文化情境。 教法选择：讲述、展示、比较 学法选择：收集筛选、分析整理、合作探究 教学准备：课件 课时：1课时 教学过程： 导入：人类常常把远古的原始社会，比做人类的童年，非常巧的是存留到现代的最早的两处原始时代的岩画，也首先是给几个孩子在无意中发现的。 十九世纪末，一位西班牙工程师象往常一样在一个山洞中勘察，跟随他身旁的小女儿突然惊叫：“牛！牛！”，原来，洞顶和墙上画满了红色、黑色、黄色和暗红色的野牛、野猪等动物。这就是闻名于世的《阿尔塔米拉洞穴岩画》。 1940年的一天，法国南都的几个孩子，钻进一个曲折而又狭窄的山洞寻找一条走失的小狗。结果发现山洞隧道通向一个岩石的大厅，在长达180米的大厅和隧道的洞壁，洞顶上，也是画满了野牛等动物形象，于是隐藏了一两万年的《拉斯科洞穴岩画》与人重逢了。 这些岩画所表现出来的娴熟的技巧以及绘画者的观察力和表现力，比现代人也不逊色，但学术界一般认为，创作这些岩画的
《外国美术鉴赏》教学大纲 课程名称：外国美术鉴赏 学分/总学时：2/36 一、课程的性质、目的和任务 本课程主要介绍史前美术、古代美术、欧洲中世纪美术、欧洲文艺复兴时期美术、巴洛克和洛可可时期、18世纪欧洲美术、19世纪欧洲及美国美术、20世纪美术的概况、流派及发展，介绍不同历史时期美术存在的时代文化背景、审美特征，代表作品、代表人物、及其艺术风格、艺术成就和影响，并关注到每个时期美术发展在历史长河中的地位、意义与审美价值。本课程具体的目的要求在于使学生较为系统地了解外国美术史的基础知识，对若干历史时期美术发展的审美特征、对重要的美术流派、代表人物的艺术思想和其具体的代表作品能够进行较为深入的评价，从而较为科学清晰地梳理出一条外国美术史发展的线索。通过系统学习比较全面地把握对外国美术史的发展流变的学习，增强美术史学的素养，为美术创作和美术理论研究打下坚实的基础。 二、学习本课程学生应掌握的前设课程知识 无 三、学时分配 四、课程内容和基本要求 第一章史前美术 1、关于艺术的起源
2、旧石器时代美术 3、新石器时代美术 第二章古代美术 1、古代埃及、两河流域美术 2、古代希腊、罗马美术 3、古代亚洲、非洲、美洲美术 第三章欧洲中世纪美术 1、早期基督教美术 2、拜占庭美术 3、早期中世纪美术 4、罗马式美术 5、哥特式美术 第四章欧洲文艺复兴时期美术 1、意大利早期文艺复兴时期美术 2、北方文艺复兴时期美术 第五章 17、18世纪欧洲美术 1、巴洛克、洛可可美术 2、新古典主义美术 3、浪漫主义美术 4、现实主义美术 5、印象主义美术 6、后印象主义美术 第六章19世纪欧洲美术及美国美术
《拾穗者》的欣赏 ———— 让·弗朗索瓦·米勒我喜欢美术，尽管我不是学美术的。在业余生活中，多半时间我会看一些艺术品，总觉得这样可以陶冶自己的情操，净化自己的心灵。学习完《外国美术作品赏析》这门选修课后，让我对外国的艺术品又有了更深一层的认识。欣赏艺术品时，有些艺术品初看并不美，但是愈欣赏愈觉得动人；有些艺术品初见很美，但愈看愈乏味，那就是因为前者比后者多了一份内在美。美愈深沉，愈耐人寻味，愈有永久的魅力。在欣赏外国美术的时候，我深有体会，我找到了美术的灵魂，那是一种深沉的美，是一种活着的灵魂。 我个人比较喜欢让·弗朗索瓦·米勒的作品。米勒是一位擅长表现农民生活的画家。米勒的艺术，就像法国农民一样，具有质朴无华的特色。在他那单纯朴素的画面中，蕴含着真正的美和诗意。尽管他笔下的农民大多衣饰简朴，粗手笨脚，但却永远具有一种独特的魅力。 代表作品：《播种者》（1850）、《牧羊女》（1852）、《拾穗》（1857）、《晚钟》（1859）、《扶锄的男子》（1863）、《喂食》(1872)、《春》(1873)等等. 摘要：让·弗朗索瓦·米勒 Jean-Francois Millet 〔1814-1875年〕，是法国近代绘画史上最受人民爱戴的画家。他那纯朴亲切的艺术语言，尤其被广大法国农民所喜爱。他出身于农民世家，幼年时便显露出绘画的天才，受到老师的鼓励而立志学习绘画。米勒在巴黎的时候贫困潦倒，亡妻的打击和穷困压得他透不过气来。为了生存，他用素描去换鞋子穿，用油画去换床睡觉，还曾为接生婆画招牌去换点钱，为了迎合资产者的感官刺激，他还画过庸俗低级的裸女。有一次他听到人们议论他说：“这就是那个除了画下流裸体、别的什么也不会画的米勒。”这使他伤透了心。从此他下决心不再迎合任何人了，坚决走自己的艺术道路。米勒说“艺术的使命是一种爱的使命”，也许这便是米勒艺术的精髓。 关键字：田园美景农民政治意图 1849年，35岁的米勒举家迁往巴黎郊区的巴比松，在那里度过他的余生。他将风景画的新突破带入到人物画里，致力于观察田野、大地，以及在上面辛勤劳作、繁衍生息的人，尽量捕捉他在乡间的所见所闻，哪怕是别人眼中极微小琐碎的事物，米勒也富于感情地把它表现出来，铭记在心并强烈地传达给别人。据说站在米勒作品面前，多情的人会闻到野草和土地的气息，夹杂着牛粪的味道，会对着画面上一个土疙瘩掉眼
2019-2020年高三美术外国美术鉴赏第2课西方古典艺术的发源地—— 希腊、罗马美术 教学目标： 1、了解希腊和罗马雕塑、建筑的突出成就、重要地位及对西方美术的影响。 2、初步掌握欣赏西方雕塑、古建筑的基本方法。提高学生的艺术鉴赏能力。 3、初步了解西方古典美术的艺术风格和艺术传统。 教学重难点： 掌握古希腊人物雕塑的写实与理想化的结合，追求和谐的理想美。难点：古希腊的历史背景和审美取向。 课时：1课时 教学过程： 一、导入课题：xx年希腊雅典奥运视频材料引出课题。 二、讲授新课： （一）学生讨论： ①、希腊的地理环境。②、希腊的气候。 学生发表自己的观点。 A、引导学生仔细观察，自己寻找并发现问题。 B、引导学生分组展开讨论。 教师肯定学生的观点，并讲授希腊的地理环境。 知识要点： ①、三面环海，一面临山。温和的气候条件。为希腊人们进行体育锻炼提供了条件。 ②、大理石的盛产，为希腊雕塑提供了材料的保证。 课件：播放舒缓的背景音乐。学生展开讨论。 （二）历史背景： 1、了解古希腊的历史史实、神话传说。 2、阐述自己的观点。 （1）引导学生了解有关希腊的历史实。 （2）知识点： 古希腊人：实行奴隶制民主政治；艺术是生活的一部分；他们从事体育运动。 播放课件：展示有关的图片。 ◆播放背景音乐。 （三）感知作品： 1、学生观察分析代表作品： 2、学生讨论作品的特点和造型特色，并发表自己的看法。
3、理解雕塑的造型美、原始意义，理想与现实结合。 （1）教师引导学生仔细观察雕塑作品：《拳击者像》、《掷铁饼者》、《胜利女神》、《维纳斯》。 （2）形成对作品的感知。 ◆知识要点：建筑与雕塑的融合；理想与写实的结合；美学观念：“和谐的理想美”。 ◆展示图片：《三女神》、《掷铁饼者》、《胜利女神》、《维纳斯》。 （四）分析作品：网 1、雕塑作品分析： （1）学生观察分析作品：《拳击者像》、《掷铁饼者》、《维纳斯》。 （2）学生分析讨论作品，比较雕塑作品间有何艺术特色。 （3）学生发表交流自己的观点。分析古希腊人的审美取向。 （4）掌握雕塑人神合一、现实与理想的结合。感悟作品的健美、庄重、和谐。 A、教师引导学生观察古典时期的雕塑作品：《拳击者像》、《掷铁饼者》等。 《拳击者像》：造型生动，赋予了内在人体的生命。 《掷铁饼者》：体育运动在艺术上的体现。迅速变化的运动感。 《维纳斯》：感受自然与理想的优美与崇高。 B、引导组织学生进行讨论，并对作品间进行比较。 知识点： ①、古典时期是造型艺术全盛时期。 ②、美术成就主要是：建筑、雕塑。 ③、艺术风格特点：现实与理想化的结合。纯真而高尚的人体美。建筑与雕塑的融合。 展示图片：《拳击者像》《掷铁饼者》《维纳斯》 2、建筑作品分析： 学生分析作品，感受古希腊人对建筑的严格比例，追求庄重和谐统一的效果。 1、引导学生分析《帕特农神庙》 知识点：多立克柱式，比例匀称，饱满挺拔。 展示作品：《帕特农神庙》 （五）体验作品： 1、学生根据自己的理解进行体验活动。 2、学生谈感受。 教师引导学生以各种形式体验作品。 体验要求：形式不限，重在感受雕塑作品的艺术美，表达自己对作品的理解。展示作品，播放背景音乐。 （六）知识延伸：
哀悼基督 画家简介 乔托·迪·邦多内（约1267～1337），14世纪意大利最著名的画家，罗伦萨画派的创始人，意大利文艺复兴的伟大先驱之一，他是第一个以自然的笔调和戏剧性的人物造型，来描绘装饰性宗教画的画家,他的艺术是中世纪与文艺复兴的分水岭，他开始探索写实的技巧：画面的三维空间，立体感的圆形人体。他提出的问题如：戏剧性情节的构图、人物的表情神态、人与环境背景的关系，画面的空间层次，物体的体积感、质感、明暗关系等对文艺复兴艺术的发展产生了巨大影响。代表作有《哀悼基督》、《犹大之吻》、《逃往埃及》 佛罗伦萨画派 佛罗伦萨画派是13～16 世纪在意大利佛罗伦萨活动的艺术家所形成的绘画流派，是文艺复兴的主力军，也是文艺复兴时期最重要的画派。其特点以人文主义思想为旗帜，突破了中世纪绘画平面化的特点，开始大胆运用透视法则、明暗对比等多种手法进行创作。前期以乔托、马萨乔等为代表，盛期出现了达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等大师。 名称：《哀悼基督》 作者：乔托·迪·邦多内 创作时间：1303～1305 年 尺寸：183 ×198cm 类别：湿壁画 收藏：意大利，帕多瓦，斯克罗维克礼拜堂 《哀悼基督》是画家为意大利帕多瓦的斯克罗维克礼拜堂所作的大型装饰壁画之一。斯克罗维克礼拜堂，位于意大利北部，是一位商人为其放高利贷的父亲赎罪而建的。 描绘了圣母玛利亚及众人围绕着从十字架下解下的基督遗体，哀悼基督死亡的场景。画面以左下角的基督与圣母为中心展开，采用自然而又强烈的效果让圣母的脸靠近基督，并借由灰色岩石上的斜线以及众人同方向的视线、肢体表情，引导观者视线落在死亡基督及日夜哀伤母亲的头部。基督四肢僵硬、苍白，圣母悲痛地把他搂在怀里，母亲痛苦欲绝的表情和基督冰冷僵硬的尸体形成了强烈的视觉冲击力，让人禁不住潸然泪下。 位于构图中心的圣约翰，在绝望和愤怒中向后伸展着双臂，动作夸张而极富张力。两个神情哀伤的女圣徒用手轻轻地握着基督带着钉痕的手和脚，沉浸在巨大的悲痛中。 周边的圣徒都神情凝重地注视着基督，有的掩面哭泣，有的举手致哀，有的默默无语……愈加衬托出了整个场面气氛的悲凄。画的上面，阴暗的天空中，回旋着赶来哀悼的天使，他们形态各异的造型和撕心裂肺的哭喊神态，把哀悼基督的痛苦表达得无以复加，任何人都会被这种场面打动。画家以高超的画技和写实主义手法，给我们一种无比的真实感。仿佛不自觉中，我们也经历了基督受难的场景，我们也成了其中悲愤和痛苦的一员。 从表现手法看，画家开始在平面中探索透视手法的运用，以及它的表达形式和空间效果，从而使画中人物显得
第四课“巨人”辈出——文艺复兴美术 教学目标： 1、能认识和研究文艺复兴时期欧洲美术的突出成就。 2、了解和研究意大利“三杰”、尼德兰画家扬·凡·埃克、德国画家阿尔布莱希特·丢勒的艺术风格。 3、认识和了解本课所列举外国美术作品的画种、题材、作品内涵、造型技法、艺术风格等方面的特点、感受，体验并评述外国美术作品的基本形式美感。 教学重点和难点： 研究和挖掘文艺复兴时期欧洲美术作品的艺术风格，从作品内容和形式两个方面去欣赏意大利“三杰”、尼德兰画家扬·凡·埃克、德国画家阿尔布莱希特·丢勒的美术作品。 课时：2课时 教学准备：课件 教学过程仪征市精诚高级中学211400： 一、交流感受 1、学生回答外国美术作品的多种形式。 师：同学们，你平时看过外国哪些美术作品？研究过哪些外国美术作品？ 学生回答，出示课前准备的各种形式的外国美术作品。 2、学生回答、教师归纳并板书：“外国美术作品可分为：壁画、雕刻、板上油画等多种形式，你最喜欢看哪种形式的美术作品呢？今天，我们一起来欣赏外国文艺复兴时期欧洲一些名人名作。恩格斯在评价欧洲文艺复兴这个伟大的历史时代说过这样一段著名的话：‘这是一次人类从来没有经历过的最伟大的进步的变革，是一个需要巨人而且产生了巨人——在思维能力、热情和性格方面，在多才多艺和学识渊博方面的巨人的时代。’” ［板书］第四课：“巨人”辈出——文艺复兴美术 二、学生欣赏外国美术作品，教师鼓励学生大胆发表个人的看法。 1、达·芬奇（1452年－1519年）是文艺复兴时期杰出的艺术家，发明家和科学家，他的两幅最著名的壁画《最后的晚餐》和肖像画《蒙娜丽莎》奠定了他在世界美术上的重要地位。 （1）《最后的晚餐》（壁画，484×880cm，1495年－1497年米兰圣马利亚·格拉契修道院）（参见P177页样画）这是一幅取材于基督教圣经中关于耶酥被他的十二门徒之一犹大出卖的宗教故事，是欧洲中世纪流行的绘画题材。 这幅画以怎样的表现形式？人物的姿态和心理反应是什么？为什么要这样构图？采用一种什么透视法？你对这幅壁画总体感受是什么？ 学生回答，教师归纳并板书：“人物姿态各自不同”、“心理反应当然也不同，善与恶、美与丑、崇高与卑鄙、爱憎鲜明，犹大与众不同”、“体现多样统一构图原则方法”、“表现文艺复兴时期发明的平行透视法”。 （2）《蒙娜丽莎》（板上油画，53×77cm，1503年－1506年巴黎卢浮宫藏） 这幅被称为“神秘的蒙娜丽莎”的世界名画，画中人物画的是谁，说法不一，永远是后人讨论的重要话题，我们无法说清，而蒙娜丽莎身后的背景，出色运用的透视法则以及表现人文精神绘画手法是我们永远讨论的重要话题。（让学生自由组合，交换自己赏画的感受） 学生回答、教师归纳并板书：“梦幻般的风景”、“成角与平行透视相结合的方法”、“蒙娜丽莎的微笑和她耐人寻味的形象体现了时代特色的人文精神”。 教师小结：达·芬奇的作品深沉、含蓄、富于理性，犹如深不可测的大海 2、米开朗基罗·波那罗帝（1475年－1564年）是文艺复兴时期杰出的雕刻家、画家、建筑师和诗人，是一位才华横溢的巨人。他的雕刻名作《大卫》和《摩西》，西斯廷教堂的天顶画《创世纪》，以及罗马圣彼得大教堂设计的拱顶，体现了他在美术领域中的突出成就。 （1）《大卫》无论是青铜像还是大理石像都是世上一绝，你们喜欢吗？（学生回答后教师再作简单介绍） 米开朗基罗雕刻大卫是基督教圣经中的少年英雄。他以全新的艺术形象，体现了高度的人体造型技巧，它一直被列为人体造型的范本。它是一种独特的艺术表现形式，青铜像是先制模再铸造，大理石先选石材，造型，再雕刻成型，工艺非常精巧。 （2）《摩西》（大理石，高225cm，1545年，罗马圣彼得大教堂藏） 摩西是基督教圣经中的英雄人物，是带领犹太人摆脱埃及人奴役的解放者，是犹太人崇敬的最伟大的先知。作者创作的摩西雕像是教皇朱利安二世陵墓中最重要的部分。
外国美术鉴赏教育 美术作为人类社会文化的一个重要组成部分，与社会生活有着千丝万缕的联系。随着社会发展，我们迈入了“读图时代”，审视我们的社会，越来越多的信息蕴涵于图像中。对美术作品的鉴赏也变得尤为重要起来。当代社会进入全球一体化，对外交流也进入到了新的阶段，外国美术鉴赏的作用更趋明显。首先，外国美术鉴赏教育可以让我们更好地了解国外当代的文化现状，更好地确定我们的文化发展定位，对当下多元文化的发展有很大帮助。不可否认，外国美术的多样式、多观念给中国当代艺术的发展有着启迪作用，当下中国艺术的多维展开的动态结构和日益丰富的视觉形态多多少少受到了西方艺术的影响。其次，外国美术鉴赏教育可以促使中国创意产业、视觉产业的健康发展。如西方现代派美术的创新精神及表现手法对中国建筑设计、服装设计及广告制作等领域有着极大的促进作用。最后，充分理解外国美术对于对外交流有很大的帮助作用。美术是生活的反映，只有相互了解才能更好地交流。 数千年来中国文化一直遵循着“和而不同”的法则发展，成为人类文化史上一朵奇葩。现在，经济全球化引起了我们诸多思考，在文化方面，我们不仅要文化的包容性与多样性，还要意识到面对世界和立足本土并非互不相容的。我们要在立足本土的情况下吸取外来优秀文化，使本土文化焕发光彩。外国美术是外国文化的重要组成部分，在当代多元文化议题下，如何有效地运行开展外国美术鉴赏教育，是不可忽视的重要课题。
一、外国美术鉴赏教育在当下的现状 （一）当下外国美术鉴赏教育发生的变化 与以往相比，当下外国美术鉴赏教育已经发生了诸多变化。首先，对外国美术鉴赏性质及价值认识方面有了改观。改革开放前，政治一切活动的中心，美术是为国家意识、阶级意识服务的。外国美术几乎是现实主义美术的代名词，其他类型的美术要么不被介绍，要么被批判。进入当代，随着多元文化教育的兴起，外国美术鉴赏教育的重要性也大大提高，各种形式的艺术被引入国内。其次，在教育理念及目标上也有所变化。之前对于外国美术的学习，只是单纯的引进及模仿抄袭，将外国美术看作为一种先进技术而不是文化，新时代的外国美术鉴赏强调对外国美术及其文化的整体理解。再次，在外国美术鉴赏内容方面也有所改变。之前对外国美术作品的介绍只限于个别国家、个别流派。随着多元文化艺术教育兴起，各个国家、各种流派的艺术都开始引进。最后，鉴赏对象也发生了变化。以前提到美术鉴赏教育，总是针对专业人员来说的，现在除专业人员外，中小学生和广大公众也成为美术鉴赏教育的对象，美术鉴赏教育开始由精英艺术向大众艺术转变。 （二）当下外国美术鉴赏教育存在的问题 近年来美术鉴赏教育发生了诸多可喜变化，但作为一个发展中国家，国内区域之间、城乡之间、行业之间发展是不平衡的，这导致了
◎最能体现文艺复兴时期知识氛围的伟大作品。 ◎跨越时空的学术集会，跨越时空的艺术经典。 ◎流畅的线条，精确的造型，清晰优美的人物形象，人类理想美的集合。 为梵蒂冈宫绘的3幅壁画啊《雅典学院》《巴尔纳斯山》《圣典辩论》体现了对真理和幸福的追求，明净的色彩、柔和的光线、宁静优雅的节奏，他以优美的是一般的绘画语言体现了人文主义理想。 拉斐尔（1483～1520），原名拉法埃洛·圣乔奥，是意大利文艺复兴盛期画坛三杰中最年轻的一位。他出生于意大利东部的乌尔比诺，父亲是宫廷的二级画师，他从小跟随父亲学画。后来到佛罗伦萨后，更是积极吸取各派画家的优势和长处。形成了自己和谐明朗、优美典雅的艺术风格，在文艺复兴时期独树一帜。拉斐尔的重要作品有《雅典学院》、《西斯廷圣母》、《美丽的女园丁》、《椅中圣母》等。 画家简介 名画欣赏 名称：《雅典学院》 作者：拉斐尔 创作时间：1509 年 尺寸：底边长度770cm 类别：湿壁画 收藏：梵蒂冈，教皇宫 名画档案 这是拉斐尔为梵蒂冈宫绘制的三幅巨型壁画之一，以古希腊哲学家柏拉图所建的雅典学院为题材，包括语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文在内的七种自由艺术，弘扬了人类对智慧和真理的追求。画面上，古希腊以来著名哲学家和思想家汇聚一堂，有亚里士多德、柏拉图、毕达哥拉斯等等。不同时代、不同地域和不同学派的著名学者，一起自由讨论。 这座建筑物是以布拉曼特设计的圣彼得大教堂为范本的，两侧的壁龛里，分别供立着智慧女神雅典娜雕像（在右侧）和音乐之神阿波罗雕像（在左侧）。中心透视点的层层拱门，直通遥远的天际，这是一个极其神圣的环境，学者们被对称地、自然而富有节奏地配置台阶两侧，上层台阶的人物排成一列，
西方美术是怎样的（一）已完成 1 下面哪一个不是造成中西绘画差别的原因？（）?A、 ?B、 ?C、 ?D、 我的答案：A 2 下面哪一个是宣纸的特点？（） ?A、 ?B、 ?C、 ?D、 我的答案：C 3 下面关于西方绘画描述不正确的一项是？（）?A、 ?B、 ?C、 ?D、 我的答案：D 4 下面哪一种砚台是中国最好的砚台？（）?A、
我的答案：B 5 西方人强调天人统一，绘画要求达到物我两忘的境界。（）我的答案：× 6 中国绘画注重山水、花鸟，西方绘画注重人物。（） 我的答案：√ 西方美术是怎样的（二） 1 中国画常用工具毛笔的构成不包括下面哪一项？（）?A、 ?B、 ?C、 ?D、 我的答案：C 2 下面哪一个是中西绘画的分水岭？（） ?A、 ?B、 ?C、 ?D、 我的答案：D 3 下面哪一项是线条的功能？（）
?D、 我的答案：A 4 外师造化是中国画的重要理论之一。（） 我的答案：√ 5 陆俨少是一位著名的中国花鸟画大师。（） 我的答案：× 西方美术是怎样的（三）已完成 1 下面关于陈老莲描述不正确的一项是？（）?A、 ?B、 ?C、 ?D、 我的答案：C 2 中国画中的“四大君子”不包括下面哪一个？（）?A、 ?B、 ?C、 ?D、 我的答案：D 3
4 提按和顿挫是中国绘画中重要的技巧之一。（） 我的答案：√ 西方美术是怎样的（四）已完成 1 中国字最早的字体是下面哪一种？（） ?A、 ?B、 ?C、 ?D、 我的答案：C 2 隶书的用笔方法有几种？（） ?A、 ?B、 ?C、 ?D、 我的答案：B 3 下面哪一个时期是中国山水画抒情写意的高峰？（）?A、 ?B、 ?C、 ?D、 我的答案：A
西方美术鉴赏心得体会嗳┈☆痛(网易博客) 2010-05-16 19:34:09| 分类：回顧~~ | 标签：|字号大中小订阅在艺术分类中，美术又称造型艺术、视觉艺术、空间艺术。它是指艺术家运用一定的物质材料，如颜色、纸张、画布、泥土、石头、木料、金属等，塑造可视的平面或立体的视觉形象，以反映自然和社会生活，表达艺术家的思想观念和感情的一种艺术活动。它主要包括 绘画、雕塑、工艺、建筑等类型。 西方现代“美的艺术”概念形成与确立经历了一个漫长的发展过程。意大利文艺复兴时期出现的artideldis啨gno是西方古代艺术概念向现代“美的艺术”概念过渡的第一个重要概念。在法国,其对应概念beaux-arts最初是作为绘画、雕塑和建筑的统称出现的。但随着现代“美的艺术”体系在法国的形成和确立,beaux-arts不再是一个单纯的视觉艺术概念,而是在原有艺术门类的基础上增加了诗歌和音乐。“模仿美的艺术”是这一“美的艺术”体系及概念的核心原则。此外,“天才”、“想象力”、“与效用相对立的愉悦”和“审美”等同样也是这一现代艺术体系的基本原则。当beaux-arts概念借助“百科全书”及其他渠道进入英语世界后,其对应概念fineart 再次发生了一些变化。首先是Art逐渐取代了fineart;其次是这一英语概念更多的被用作视觉艺术,特指绘画、雕塑和建筑等纯艺术,旨在与“装饰艺术”和“实用艺术”拉开距离。
20世纪以来，西方现代美术呈现出流派迭起，千姿百态的局面。1905年诞生的以马蒂斯为代表的野兽派绘画。1908年崛起的以布拉克和毕加索为代表的立体派绘画。随着德国1905年桥社和1909年蓝骑士社的先后成立，表现主义作为一种重要流派登上画坛，此派绘画注重表现画家的主观精神和内在情感。1909年在意大利出现了未来主义美术运动。抽象主义的美术作品大约于1910年前后产生。第一次世界大战期间产生的达达主义思潮，此派艺术家不仅反对战争、反对权威、反对传统，而且否定艺术自身，否定一切。随着达达主义运动消退，在此基础上出现了超现实主义艺术思潮。第二次世界大战后在美国产生的以波洛克、德?库宁为代表的抽象表现主义绘画，综合了抽象主义、表现主义的特点。20世纪50年代初萌发于英国、50年代中期鼎盛于美国的波普艺术，继承了达达主义精神。而70年代兴起的超级写实主义（或称照相写实主义）运动，其主要特征是利用摄影成果，进行客观的复制和逼真的描绘。 在20世纪的历史发展过程中，美术史论的研究逐步开始学科化，是伴随着人文科学研究的整体推进而表现出超于以往的快速发展，这一发展的速度在80年代以后更是前所未有。为了美术的发展，也为了史论学科的发展，史论家们不断地提出史论研究与创作的关系。其主要的目的就是希望那些不重视史论的画家们重视史论工作，一方面是通过此而提升当代美术创作，另一方面是推动史论的研究，以此确立史论这一学科在美术界的地位。