西方画派主要有：佛罗伦萨画派、威尼斯画派、尼德兰画派、荷兰画派、佛兰德斯画派、学院派、古典主义画派、浪漫主义画派、巴比松画派、拉斐尔前派、桥派、欧尔飞派、巴黎派、达达派、形而上画派、抽象表现派、移动派、野兽派、超现实主义。下面就将这十九个画派进行分别介绍。
古典与反古典，是西方传统能够绘画艺术的两大主流。古典的趣味偏重理性，在形式上的特点尤其表现在重视素描而轻视色彩之上；反古典则热衷与情感，它不详古典主义那样追求庄严、静穆、单纯、和谐的古典意蕴，而是强调自由、放纵的精神和富丽、壮观的气势，动荡激越的精神，在巴洛克和浪漫主义艺术中充分表现出来，前者表现了对于文艺复兴古典趣味的反动，后者则体现出与新古典主义的格格不入。
佛罗伦萨画派
意大利文艺复兴时期的第一个重要画派。早期代表画家有乔托（约1267～1337）、马萨丘（1401～1428）、乌且罗（1394～1475）等。盛期代表画家有达·芬奇（1452～1519）、米开朗基罗（1475～1564）、拉斐尔（1483～1520）。自14世纪起，意大利文艺复兴运动首先从当时经济和文化中心的佛罗伦萨开始。这一画派，在绘画艺术方面，以人文主义思想为主导，改变中世纪绘画平面装饰的风格，继承古希腊、古罗马的雕塑艺术的传统，运用科学方法认识造型规律，形成以集中透视来表现的、具有明暗效果和三度空间感的绘画技法。题材虽多为宗教神话故事，但已用以表达新兴资产阶级的理想和愿望。除油画外，多创作大幅湿壁画。16世纪下半叶后，随着佛罗伦萨的经济衰落、政治反动的趋势，绘画艺术也逐渐暗淡，画家们盲目崇拜前辈的结果，逐渐走向“风格主义”以及艺术家流落到其他城市，威尼斯、米兰、罗马等画派随之蜂起。
威尼斯画派
意大利文艺复兴盛期最有艺术特色的画派。威尼斯共和国14世纪起成为东西方贸易中心，经济、文化日益繁荣，给绘画艺术带来了新起色。原受拜占庭影响，15世纪吸收了以乔托、达·芬奇、拉斐尔、米开的基罗等大师为代表的佛罗伦萨画派的经验，走上新的发展道路。该画派代表画家有乔尔乔涅（1477～1510）、提香（约1490～1576）、委罗内塞（1528～1588）等。他们于15世纪由维发利尼家族和伯利
尼家族奠定基础，至16世纪成为欧洲油画创作中心，是其鼎盛时期。作品描绘豪华生活，歌颂人间幸福，充满乐天、欢快、狂热的情调，即使宗教题材也被世俗化，渗透着人文主义精神；构图新颖，色彩绚烂，形式优美，具有浓厚的装饰味，这就是意大利文艺复兴鼎盛时期威尼斯画派的特色。
尼德兰画派
文艺复兴时期欧洲北部尼德兰地区的绘画流派。尼德兰（相当于现在的比利时、荷兰、卢森堡和法国东北的一部分地区）在中世纪时，由于自由城市的建立及经济逐渐繁荣，至15世纪尼德兰美术得到了新的发展。在人文主义思想影响下，反映现实生活、描绘客观对象，形成了独立的学派，创造了表现人民日常生活的风俗画和写实的风景画，并改进了油画技法。代表作者有雕刻家斯柳特尔，建筑家、雕刻家德·富里安特（1414～1575），画家凡·艾克兄弟等。1579年荷兰独立后，尼德兰美术发展为北方的荷兰美术和南方的佛兰德尔美术两种不同的倾向，前者以林布兰特为代表，后者以鲁本斯为代表。
荷兰画派
17世纪荷兰民族绘画流派。荷兰原为尼德兰的北部，经过民族斗争，摆脱了西班牙封建专制和天主教会的控制，于1579年独立，成立了欧洲第一个资产阶级共和国，使本国的经济和科学文化获得迅速的发展。绘画艺术的服务方向，从过去主要为宫廷贵族和教会转向为新兴
资产阶级和一般市民阶层服务，绘画作为商品大量涌向市场，用来布置家庭的小型、精致的油画普遍地发展起来，题材、风格等也有了显著的变化。风景画、风俗画、静物画、动物画开始真正作为独立的艺术样式流行，并取得突出的成就；肖像画也十分发达，技术精湛，富有美感。他们的代表画家有佛朗斯·哈尔斯（约1580～1666），伦勃朗（1607～1669），鲁伊斯代尔（1628或1629～1682），维米尔（1632～1675），霍贝玛（1638～1709）等。以伦勃朗成就最大。荷兰画派不同于当时其他国家、地区盛行的豪华、艳丽的艺术倾向，而是充满着现实生活中的风土人情，以风格朴素、亲切著称，反映了新兴资产阶级的风尚和情调，这是荷绘画流派的民族特色。
佛兰德斯画派
17世纪佛兰德斯民族绘画流派。佛兰德斯在今比利时、法国一带地区，原与荷兰统称尼德兰，属西班牙领地。荷兰经过民族斗争，于1579年独立，成为欧洲资产阶级共和国之一。它的艺术充满着新的活力，反映新兴资产阶级的风尚和情调，以及市民日常生活；而佛兰德斯却仍然受异族统治，绘画继续保持适应封建贵族和天主教会的需要，艺术表现为豪华、铺张、浮夸的风格。题材的内容大量是宗教和神话传说。代表画家有鲁本斯（1577～1640）、约尔丹斯（1593～1678）、凡·戴克（1599～1641）、达维特·泰尼尔（1610～1690）等。以鲁木斯成就最大。这些画家的作品具有民族气节。因为独立斗争的失败，更加激起了人民的民族意识和对自由的渴望，强烈地反映在艺术上的
民主倾向和宗教题材的世俗化，这就是佛兰德斯画派所具有鲜明的民族风格。绘画的发展又带有民主性的倾向，这对欧洲美术的发展有很大影响。
学院派
又称“学院主义”。是17世纪开始，在欧洲各国官办美术学院形成的绘画流派。学院派的特点是标榜古代艺术传统，迎合官方统治者需要，多取材于宗教传说、神话故事，或创作奉承当代权贵的作品、形式死板、繁缛、浮华，艺术观陈腐、守旧。以古典传统的维护者自居，压制和排斥主张革新的流派和其他学派的艺术创造和革新。这是学院派数百年来沿袭下来的历史记实。学院派初创于15、16世纪的意大利，原系画家协会性质，17世纪上半叶法国始设官方学院，有一整套艺术观点、方法和数学的严密体系，并对此后其他国家创建的学院产生影响。但是随着社会发展，各种社会思潮的出现，不断地影响学院，其内部艺术思想和风格也时有变化。今日官方学院亦聘请抽象艺术名流，已与旧时不同。学院派的代表画家有法国的勒布朗、席罗姆、布拉柔，及俄国的勃鲁尼等。
古典主义画派
在18世纪中叶西欧兴起的绘画流派。主要在法国。其代表画家有两位，前期以路易·大卫（1748～1825）为代表。他的作品一般从古代神话传说中选取严峻的题材，借古希腊、古罗马的英雄主义，迸发现
实斗争激情，这与法国资产阶级大革命紧密联系，被称为“革命的古典主义”。后期以安格尔（1780～1867）为代表，追求纯艺术，为宫廷服务，变成因循守旧的官方学院派艺术的准则，被称为“古典主义学院派”。虽然仍崇尚古典题材，但已失去了积极的意义。目的是为了回避现实，正好与现实主义绘画观相异，但严谨的画风对后世现实主义绘画派产生一定影响。古典主义画派在艺术形式上强调塑造性和完整性，严格按照古代艺术规范进行创作，重视理性而忽视感情，重视素描而忽视色彩。这就是古典主义画派特色。他们重视形式的统一与调和，表现明确，轮廓明晰，以理智的、调和的画法为理想。
浪漫主义画派
继古典主义之后，19世纪初叶在法国兴起的绘画流派。当时的法国人民受启蒙主义思想影响，对现实不满，而又充满幻想和希望。要求“自由、平等、博爱”。浪漫主义画派即在这样的社会背景下产生，并在1830年法国七月革命时达到了顶峰。这个画派在艺术上、哲学上的倾向，主张尊重个性，追求自由，注重想象。曾一度成为欧洲占主导地位的艺术思潮。这时有许多资产阶级艺术家一方面在政治上反对封建制度，在艺术上反对束缚创作发展的桎梏—古典主义和学院派；另一方面又对资产阶革命成功后的现实感到失望。故浪漫主义运动随着1830年革命的而渐趋衰落。法国的浪漫主义画派在艺术上打破古典主义和学院派呆板、虚伪的画风，注重个性表现和革新创造。题材多从现实生活和文学名著（如莎士比亚、但丁、歌德的作品）中选择
惊人事件，有一定的进步性。运用想像和夸张手法，从构图动荡变化、色彩丰富、色调饱满等多方面着手，充满激越的情感。这种浪漫主义的画风色彩，虽活动时间不长，但对西方近代绘画产生深远的影响。籍里柯（1791～1824）、德拉克洛瓦（1798～1863）等是此派的代表画家。他们的作品，笔触奔放，色彩强烈，画面富有运动感。
巴比松画派
19世纪法国风景画派。巴比松是巴黎近郊一个小村，紧挨着风景优美的枫丹白露森林。19世纪30年代后，对现实不满的画家，常到这里小住或定居下来写生作画，以描绘自然风光来寄托民族情感和自由理想的风景画家，被命名为“巴比松画派”。该派主张走出画室，到大自然中去直接写生，描绘真实、动人的自然风光。他们创作了许多出色地表现法国绮丽多彩的景色、赞美人民平凡生活的现实主义作品，以新的精神作为法国印象派风景画的先导。该画派还博取荷兰、英国风景画之长，植根于法兰西本土，开辟法国民族风景画的道路。代表画家有罗梭（1812～1867）、迪亚兹（1808～1876）、杜普莱（1812～1889）、杜比尼（1817～1878）、特洛杨（1810～1865）等。
拉斐尔前派
19世纪中叶产生于英国的一个画派。1848年英国画家罗塞蒂·米莱司、亨特等为中心而兴起的美术运动，是反抗当时学院派艺术的革新运动。因认为真正（宗教）艺术存在于拉斐尔之前，企图发扬拉斐尔
以前的艺术来挽救英国绘画而得名。并得到艺术批评家罗斯金的支持。它主张绘画应起宗教道德教育作用，题材应以圣经故事及富于基督教思想的文学作品为主，忠实地反映主题，描绘对象。代表画家有罗塞蒂（1828～1882）、亨特（1827～1910）、密莱斯（1829～1896）等。随后还出现了进一步把艺术变成理想的说教的“新拉斐尔前派”。代表画家有布·琼斯（1833～1898）、莫里斯（1834～1896）、克莱因（1845～1915）。这一画派的画风审慎而细致，用色较清新，反对学院派的陈规。这一艺术的革新运动，至19世纪末叶消失。
桥派
20世纪初德国表现派的一个组织。1905年在德勒斯登组成，创立者基尔比纳（Ernst Lrdwig Kirchner，1880～1938）、海格尔（Erich Heckel，1883）、施米特·罗特夫（KariSchmidt-Rottiuff，1884～）等。他们都是德勒斯登工业大学建筑科学生，因热心绘画而聚合在一起，年少气锐反对当时受印象主义影响的分离派，受到民间艺术、原始艺术的启发，并受梵谷、孟克画风的影响。他们强调绘画必须表现画家内在的自我，有些作品带有象征主义倾向。1906年邀请诺尔德、佩比修坦因（Max Pechstein 1881～1955）加入为会员。1908年梵邓肯加入。桥派活动至1913年，因彼此不和而解散。但是，这个运动却成为表现主义的端绪，感动年轻一代的画家。
欧尔飞派
由希腊神话中的音乐名手欧尔飞（Onpheus）之名而来，立体派的指导者诗人阿波里内尔，对德洛涅在1911年开始的新画风，而称为“立体主义的欧尔飞”。德洛涅原是立体派的一个分派“Section DOr”，画风脱离说明式的形象，进入纯粹的立体主义方向，而企求凭想像与本能去创作，以抽象的形与色，组成律动感，在音乐的韵律与构成中，表现速度感与运动现象，等于结合立体派与未来派的一些要素。此派的代表者有：德洛涅、毕卡匹亚、克普卡等。
巴黎派
泛指第一次世界大战后活跃在巴黎的一群国际画家。如意大利画家莫迪利亚尼（Amedeo Modigliani）、荷兰画家梵·邓肯（Cornelius Van Dongen）、俄国画家史丁（Chaime Soutine）、波兰画家基斯林格（Moise Kisling）、保加利亚画家巴斯金（JnlesPascin）、夏卡尔（Marc Chagall）及日本画家藤田嗣治。20世纪初叶到第二次大战前，法国绘画的发展与这群外国画家有很大关连。他们活动于巴黎画坛，每个人的艺术体质仍潜流着地域传统、并富有个性与情感，画风独树一格。
达达派
1920年代欧洲各大都市兴起的绘画、雕刻和文学上的反抗运动。“达达”一词的由来，原是札拉（Tristan Tzara）、巴尔（Hugo Bail）与希森白克（Richard Hiilsenbeck）在法语词偶尔发现dada一词，他们即以此语作为反抗既成艺术运动的称呼。1916年5月他们在自
己发行的达达派杂志上首用此语。此派的兴起是由于第一次世界大战，一般人对人类希望的幻灭、产生虚无主义的哲学思想的背景下。达达派是对艺术传统中所认为神圣的东西的一种抗议，它愤世嫉俗，对一切传统价值都加以贬抑。此派的作品可说是幻想的、象征的、嘲讽的，也是无定形的构成，采用一些艺术家普遍都不使用的材料。达达派先出现在瑞士的苏黎世，后来发展到德国和法国，一直到1924年导致超现实主义的产生。代表人物除上述几人外，尚有杜象、阿尔普、曼雷伊、艾伦斯特、修维达士、李比达等。60年代美国又出现了艺术趋向一新达达主义。杜象指出新达达主义是达达主义的死灰复燃，因为此派艺术家采用大量的日常生活中的通俗物品来构成艺术品，将达达主义的观念更推向极致。
形而上画派
意大利近代绘画的一支流派。基里诃（Giorgio de Chirico 1888～1978）是此画派的开创者。他说：“真正的艺术，应该是更完整、更深奥而复杂的，换言之，就是形而上学的艺术。”此即形而上绘画名称的由来。基里诃在1915年从巴黎回到意大利后，开始作画，他爱好以人体模型、器具、几何体组合成的画面，追求形而上形态的特质，描绘谜样的孤独空间，在作品中牵引着梦幻与现实的观念。形而上绘画流行的时间，虽然只有短短的4、5年（1915～1920），但它确实是与超现实主义有着关连，甚至有人说形而上绘画是超现实主义的雏型。除了基里诃外，莫朗迪（Giorgio Morandi 1890～1964）也是代表画
家。
抽象表现派
亦称“纽约画派”。（Abstract Expressionism）。从20世纪40年代纽约的抽象画派运动发展而来，独立于欧洲画派之外，具有影响力的第一个美国画派。亦称“纽约画派”（The New York School）或“行动画派”（ActionPainting）。抽象表现一词，原是德国批评家霍洛吉（Oswald Herog），在1919年时用来称呼康丁斯基1910年代所作的主观表现绘画。到1944年，美国批评家詹尼士（Sidney Jamis），首次以“抽象表现主义”称呼第二次世界大战中和战后所崛起的一群美国年轻的抽象画家。这群画家包括：帕洛克（Jacbson Pollock 1912～1956）、杜库宁（Willem de Kooning 1904～）、高尔基（Arshile Gorky 1904～1948）、马查威尔（Robert Matherwell1915～）、葛特莱布（Adoiph Gottlieb）、罗斯柯（Mark Rothko1903～1970）、克莱因（Franz Kline 1911～1962）等人。后来，他们都成为抽象表现派代表画家。美国批评家哈罗德·罗塞堡（Haold Rosenberg）认为这群美国画家的创作，只是行动的结果，所以他把这种绘画命名为“行动绘画”。又因为他们都以纽约为活动的据点，而且在精神上也有共通的特点，因此又称为“纽约画派”。此派绘画特点是使用巨大的画布，画面的任何部分都被认为同等重要，即构图是没有中心的满篇幅；以线条、痕迹、斑点为符号去表现作者主观的意识，展示出笔触和质感，以及强烈的动作效果；利用作画过程中的偶发事故，表现作者和
作品间直接和意想不到的关系。这种注重内在心理表现的抽象艺术，促成美国现代绘画第一次获得世界绘画领导权。
移动派
译“巡回展览画派”。19世纪末至20世纪初期，俄国一批现实主义画家组成的艺术团体，以在俄国各大城市进行美术展览活动而著名。认为写实绘画要关注社会问题。他们在别林斯基、车尔尼雪夫斯基等革命民主主义美学观点指导下进行创作。有些作品在一定程度上揭露农权制度的残余及反映俄国人民的生活。创始人和领导是克拉姆斯柯依和彼罗夫，代表画家还有列宾、苏里科夫等。他们的作品对我国绘画的发展有很大影响。
野兽派
也称作“野兽主义”，法国现代画派之一。20世纪初叶法国兴起的绘画运动。1905年马蒂斯等青年画家参加“秋季沙龙”，批评家沃克塞尔指着被这群青年画家作品包围的雕刻家马尔克所作的一件近于杜纳得勒风格的学院派雕刻《小孩头像》带讥讽的口吻说：“看！一群野兽里的杜纳得勒。”这句“野兽”的称呼，便被一般人用来称呼这群青年画家。野兽派的历史很短，1907即已达到顶点。他们强调绘画要表现主观感受，多用大色块和线条构成夸张变形的形象，以求得单纯化的装饰效果。此派的名称后改为“巴黎画派。”其画风和技法因人也各不相同。代表画家有杜菲、马蒂斯、德朗、卢奥、马尔肯、
凡邓肯、甫拉曼克等。
超现实主义
1924～1929年法国作家布鲁东（Breton）在巴黎先后发表两次“超现实主义者宣言”，之后产生了超现实主义画派，曾在伦敦、巴黎举行画展。此派从主观唯心主义出发受到精神分析学影响，认为“下意认的领域”，包括梦境、幻觉、本能是创作的源泉，否定文艺艺术反映现实生活的基本规律，反对美术上的一切传统观念。表现在艺术上则是潜意识中的世界，将生与死、过去与未来、真实和幻觉等在所谓“绝对的现实”的探索中统一起来，完全违反正常的思维规律。代表画家有米罗、达利、马松、艾伦斯特等。后来从绘画、文学上的运动，影响到戏剧、摄影、电影、建筑、雕刻和商业美术。
在致力于追求纯艺术的现代派画家看来，传统绘画搀杂太多的“非艺术的杂质”。实际上，西方传统绘画并不是不讲艺术，只不过是在讲究艺术性的同时，兼顾着诸多非艺术性的方面。这大概就是传统绘画区别于现代派绘画的重要标志。传统绘画在艺术上的这种不纯粹性，主要表现在功利性和描述性等方面。西方传统画与现代绘画差异，还反映在对于所谓再现的不同态度上。对于传统绘画来说，再现是其根本所在，也可以说是西方传统绘画的基本目标。虽然相对于现代绘画而言，西方传统绘画以“再现性”为其主要特征，但是这种再现绝非对自然一成不变的描摹，这种写实带有浓厚的风格特色：时代的、
民族的，以及艺术家个人的风格特色。
陈逸飞和陈丹青 阿拉上海是中国近现代发展史上举足轻重的地方，中国进入现代化的诸多事情都与上海多多少少有关链。它不光是城市大又繁华，而且政治、经济、文化、艺术、体育诸方面也有人才辈出。在我少不更事的童年，故乡的一个远房叔叔曾经在上海呆过几天，那会儿他在我的眼里可是个见过大世面的“神仙”哩，能听他侃聊上海的稀罕事，是我最幸福且向往上海的时刻。于是就经常梦想：总会有一天我也到上海去看看高楼，逛逛外滩。第一次去上海是我在浙江当兵时，受上海电视台邀请我们军人宣传队去拍演出的节目录像，去之前部队的长官就再三叮嘱大家：“不要光顾看高楼胡乱瞎转，不要被美女晕花了眼而撞车遭难，尤其是别跳到黄浦江里去洗澡。。。”我们这些当兵的大多数都是从农村出来的土包子，生怕我们丢部队的人，动员会上就没完没了地直唠叨，可我们还照样在上海出了不少的傻洋相。我就是现如今见了上海的人还有一种想自嘲的怀旧感。自从喜欢上绘画，陈逸飞和陈丹青也是我谈论油画时提到最多的人名，中国的油画界也因“二陈”的出现而有时段的不少闪光点。这么多年过去了，大家的认识和想法都在发生着变化，我现在才有斗胆尝试着从学术的浅薄认识上去谈自己的一孔之见。 陈逸飞是商业艺术市场的幸运儿，也是第一个敢吃”螃蟹” 的油画家，为艺术时尚的市场化不停地工作，劳累过度而不
幸去世；这不仅是他一个人的悲剧，也是一个社会时段的小小遗憾。他在政治艺术的时潮中崛起继而出名，比较早的去西方发达国家生活，靠着自己的智慧和辛劳很快就进入了商业油画艺术的创作领域。在那个大家都想钱的年代，不管怎么说他都是个油画国内画家进入国际市场的标帅。现在仍然有不少人钟情于他的绘画，不断地办展和拍卖，不否认他在艺术追求方面还具有一定的水平，也证明有不少欣赏他的人群还存在。但若真正要从文化艺术的语言角度去讲：他绘画艺术的视觉智慧高度还不够，造型和构思是一种戏剧化的人物表演式；尽管技巧不错，但还是一般性没有造型语言独特风格的写实而已。既显示不出来在中国文化艺术方面的内在追求高度，在油画艺术语言当代化表现方面仅仅是重复欧洲写实技法的老套。这也是我们生存的社会从政治斗争时代走向市场化；有着一切都会商业化的起初时所无法摆脱之无奈。唯美、世俗，迎合一般人的审美趣味，甚至于有讨好初级美感趣味的嫌疑。价格不菲、交易活跃，遗憾地是他的绘画在中国美术发展史中可能会没有较高的地位。 同是上海人的陈丹青却与他有着很大的不同，在全国美术圈子内外二人都有着几乎等同大小的影响力，尤其是后者让青年学子更是趋之若鹜，这种拜膜的热情让我都感到有些可怕，过份地热情让人觉得有时候接近一种酷刑。我也喜欢过他的文字趣味，文章写的有模有样，机智、虽然略有贫嘴感但幽
数字油画校本课教案
以校本课程为突破口深化学校特色建设的研究 大行德广众志成2 “数字油画”校本课程备课 第一课时 【教学内容】 一、.数字油画简介 数字油画，又名数字彩绘和编码油画，是通过特殊工艺将画作加工成线条和数字符号，绘制者只要在标有号码的填色区内填上相应标有号码的颜料，就可以完成的手绘产品。她流行于欧美、日、韩，汇集休闲、装饰、馈赠、学习等功能于一身，它能使没有半点绘画基础的人马上绘制出一幅令人赞叹的艺术作品，并享受到绘画过程的无穷乐趣。 简介 数字油画具有很强的装饰性和独特的艺术魅力，它并不是简单意义上的填涂，精品数字油画图片的魅力在于每个人都可以运用自己独特的绘制方法来完成画作，运笔方式的不同使得每幅画作都有它独特的生命，也就是说每幅画作都是独一无二的原创艺术品，而消费者得到了不仅仅是真正的艺术的体验，更加是DIY乐趣。 二、数字油画VS十字绣 1、比十字绣好玩（自己画油画的感觉就是不一样） 2、比十字绣高档（完成后的作品细腻真实有档次) 3、比十字绣快速（同等规格只需十字绣十分之一的时间） 4、比十字绣方便（不用画格子、不用对位、不用装裱） 三、数字油画VS传统油画 1、比传统油画便宜（比一般的流水生产油画还便宜） 2、比传统油画有趣（买成品还不如自己画一副有意义） 3、比传统油画珍贵（自己亲手的作品值得珍藏一生） 4、比传统油画漂亮（数字画特有的风格装饰性非常强）
以校本课程为突破口深化学校特色建设的研究 大行德广众志成3 数字油画VS机制无框画 1、比无框画有价值（无框画都是机器喷绘价值极低） 2、比无框画轻便（无框画沉重运输费用较高） 3、比无框画耐久（无框画采用密度板，时间长易受潮变形） 4、比无框画有趣（DIY数字无框画，是自己画的无框油画） 区别儿童填色画 1、儿童填色画只适合儿童学习，不能作为居家装饰挂画； 2、儿童填色画只适合7岁以下儿童，数字彩绘适合各种年龄； 3、儿童填色画没有调色功能，每副画色彩相同无法个性化； 4、儿童填色画无渐变和层次，无法形成复杂的写实画面。 第二课时 【教学内容】 一、介绍配备工具 1.画布 绘画基材采用高档纯棉材料或油画专用亚麻布，经特殊工艺处理而成。市场上也有使用化纤材料的画布的，但绘画效果一般。 2.颜料 采用环保丙烯颜料，色彩饱满、鲜艳。颜料特点可在百科中查找。 3.画笔 画笔使用高弹尼龙材料，绘制更加畅快。 4.内框： 市场上现在在材质上分为两种，一种是松木，另一种是杉木，从木框的厚度上来 讲分为薄厚两种，从组装方式上分为开隼和不开隼两种。开隼的是杉木直接插接组装，不开隼的是松木，以U型钉固定。从生产上来讲，松木较灵活，各地市场均有售，因无需开隼直接截取即可，成本低。杉木组合式则必须开隼，生
陈丹青：当我佩服哪个女艺术家，恨不得变成女子 倘若忽略背后的复杂原因，无可否认的是，在绘画史上（乃至艺术史、文化史），女性在漫长的时间里都身影寥寥。因而那些能够留名的，稀有而杰出，更加难能可贵。在中国，直到民国，女性画家的身影才渐渐多了起来。 今天和大家分享陈丹青老师写民国女画家的一篇文章。文章原为他的视频节目《局部》的讲稿，经修订后收录于新书《陌生的经验》中。（点击文末“阅读原文”可购买） 说是聊民国女画家，陈丹青老师却在开篇讲了很多艺术史上的女性。他对女性画家怎么看呢？文中他说：“没有男画家，也没有女画家，只有好画家。……说真的，当我佩服哪个女艺术家，恨不得变成女子，为什么呢？因为有种念头、气质，唯女子才有。”民国女画家文| 陈丹青 1.艺术史上的英雌 上回谈瓦拉东，说着说着，忽然觉得观点、态度、字眼，都要小心，这档节目要是在纽约播，九句说对，一句说错，可就踩了政治正确的底线，且等挨批、道歉，甚至上法庭。 在女权主义的批评词语里，政治正确的说法，不是“女画家”，而是“女性画家”。谈早先的女画家，也得拿女权思想套回去，细细阐发性别文化的历史语境，对男人的世界，多少有所指控，重点是，最好你就是女性，如果是个男的，你得好
好想想，再开口。 一百多年前，西洋女性画家不是没有，但很稀罕。莫里索和卡萨特是资产阶级淑女，瓦拉东是下层妇女——以民主文化论，名家出身越往下层走，越说明时代进步——以我的无知，直到二战前，欧洲女画家像瓦拉东那般浓郁而本色的绘画，找不到第二个。珂勒惠支倒是和她同代，但不画油画，而是，力气很大，晚年弄起雕塑来，她儿子死于一战，她做了系列大雕塑，深沉刚正，分量也很重。所以九十年代她被发掘重视，恐怕和女权意识的成熟壮大有关系。 左：贝尔特·莫里索（1841-1895）；右：玛丽·卡萨特（1844-1926） 左：苏珊娜·瓦拉东（1865-1938）；右：凯绥·珂勒惠支（1867-1945） 但我可能又在胡说了，不足为信的。 二十年代的乔治娅·欧姬芙（Georgia O’Keeffe），被美国人尊为女性艺术的祖母，美国人编的所谓“世界”美术史，俨然有她的份。恕我斗胆，我不喜欢她的画，但喜欢她的模样，很大气。她丈夫是现代摄影大佬，名字有点长，此刻忘了，妻以夫贵，他为欧姬芙拍过一组著名的黑白照片，有肖像、有裸体，还专门拍了她的长手指。晚年欧姬芙躲在新墨西哥州旷野里，现在，她的故居成了当地旅游点了。 这几位英雌活在“前女权时代”，对当时萌芽的女权文化不
“精彩营销”大学生模拟营销大赛 营销策划方案 有意思小队 2014.11.17 队员：王会王毓婵蒋芳芳李畅
目录 摘要 (1) 一、产品定位分析 (1) ①质量定位 (1) ②市场定位 (1) ③功能定位 (2) ④价格定位 (2) 二.主要竞争对手及其优、劣势分析 (3) 1.行业内现有企业的竞争 (3) 2.新进入者的威胁............................................................................................................. . (3) 3.对比替代品............................................................................................... .. (3) 三、SWOT分析............................ (4) S（优势） (4) W（劣势） (4) O(机会) (4) T(威胁) (4) 四、营销策略组合（4P战略） (1)产品策略 (5) (2)价格策略.......................................................................................................... . (5) (3)促销策略 (5) (4)渠道策略 (5) 总结 (5)
摘要：数字油画是通过特殊工艺将画作加工成线条和数字符号，绘制者只要在标有号码 的填色区内填上相应标有号码的颜料，就可以完成的手绘产品。数字油画发明于二十世纪50年代的美国，风靡于法国、德国、意大利等诸国，影响了一代又一代的人们。”画世界”作为国内数字油画中端品牌，在一线二线城市发展速度比较快。画世界秉承“自由欢乐画世界”的理念，正越来越多地影响各类群体。今天我们将数字油画带到大家面前，同大家一起，——传播艺术、分享快乐。 一、产品定位分析 鉴于我们面对的消费群体较广（下至儿童上至青壮年），画世界采取产品差异化战略，引领各类消费者“自由欢乐画世界”。 ①质量定位：总体上属于中质中价。 1.画布：绘画基材采用高档纯棉材料或油画专用亚麻布，经特殊工艺处理而成。 2.颜料：采用环保丙烯颜料，色彩饱满、鲜艳。 3.画笔：使用高弹尼龙材料，绘制更加畅快。 4.内框：在材质上分为两种，一种是松木，另一种是杉木，纯天然无公害。 5颜料：环保丙烯颜料，对于数字油画最大的技术指标就是颜料自身的遮盖性和亮度，在具有遮盖性的同时，还有易着色的特性。乳白色的亮光剂涂在绘制完成的作品上，干后为纯净、柔韧且有光泽的薄膜，具有防水和防此外线辐射的功能，可以更好的保护我们作品。 ②市场定位：受众广泛，总体上从儿童至40岁左右青壮年，年龄跨度较大大。一线二线城市发展速度比较快，但是在国内目前数字油画的消费市场没有完全打开，发展的空间还是
【关键字】设计、情况、空间、传统、地方、整体、现代、提升、位置、格局、需要、方式、作用、水平、关系、营造、逐步、形成、严格、坚持、取决于、方向、转变、协调、中心 数字油画室内摆放技巧 数字油画不但可以摆放在客厅内沙发后面、卧室内、电视机后的墙面上，还可以摆放在阳台、厨房、别墅外面的墙壁上。房间较大，挂画可采取对称形式；较小房间则采取非对称形式；从空间性方面考虑，应注意保留墙面空白感，切勿挂得太多，还要注意画的线条与空间中线条的延伸、呼应与互补。如何摆放得更有趣味和协调感呢？请看以下几个小技巧。 技巧一：视线第一落点是最佳位置 进家门视线的第一落点才是最该放装饰画的地方，这样你才不会觉得家里墙上很空，视线不好，同时还能产生新鲜感。 技巧二宁少勿多，宁缺勿滥 坚持宁少勿多、宁缺勿滥的原则，在一个空间里形成一两个视觉点就够了，留下足够的空间来启发想像。在一个视觉空间里，如果同时要安排几幅画，必须考虑它们之间的整体性，要求画面是同一艺术风格。 技巧三：使狭小的空间灵动起来 对于较小空间的墙面的挂画可选择上下错开或品字形挂画，画不易太大，选择大小为40厘米*50厘米左右既可，这样会让所在空间显得活泼灵动，让人感到轻松自在。 技巧四：抽象数字油画提升空间感 如果想让房间空间显得很大，可搭配透视感强的或画面简单的抽象装饰画，能够起到提升空间的作用。 技巧五：角部数字油画改变视线方向 数字油画的传统摆法是将画摆在一面墙的正中部，然而在现代的设计中，很多设计师喜欢把装饰画摆放在角部。角部所指的就是室内空间角落，比如客厅两个墙面的90度角。就像近年来比较流行的沙发组合方式L型沙发，角部装饰画也有异曲同工之妙处。角部装饰画对空间的要求不是很严格，能够给人一种舒适的感觉。在拐角的两面墙上，一面墙上放上两张画，平行的另一面墙放上相同风格的一张画，形成墙上的L 型组合，这种不对称美可以增加布局的情趣，室内也不会有拘束感。另外，角部装饰
印象主义画派赏析 我的理解： 印象主义画作注重体现的是一种大意、内涵。它的奥妙在于运用笔触来表现物体，而它的笔触动势——直线、转弯、凹、凸等，交代了事物的来龙去脉，它会把观看画作者的思维带进画面，给人以诸多联想。比起平平实实的写实主义，印象主义画作具有更高的学术研究价值。 印象主义不呆板也不局限、体现创意、一股自由的气息扑鼻，我觉得它更具有一种源于生活而高于生活的艺术气质和学术追求。举个例子，沙滩上有人走过，写实主义会画出一个具体的人，而印象主义的画面里也许就只有一个个脚印···简介： 印象主义画派是19世纪后半期形成于法国的一个重要的绘画运动，包括自1867年至1886年期间一批持有相近观点和采用相近技巧的画家的活动、这些画家个性十分鲜明，非常讲究实际，但他们没有确定的共同遵守的具体原则、其最明显的原则是：力图客观地描绘视觉现实中的片刻，表现纯粹的光的关系。 起源及发展： 法国巴黎的一批青年画家在1874年4 月举办了一次新作品展，这些作品对色彩运用进行了新的尝试，其中《印象·日出》（莫奈作）尤为引人注目，于是人们就称这些画家为“印象派”。 印象派绘画 (Impressionism)是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制，如马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出·印象》、梵·高的《向日葵》等都是鼎鼎大名印象主义画派继承了法国现实主义 (Realism)前辈画家库贝尔“让艺术面向当代生活”的传统，使自己的创作进一步摆脱了对历史、神话、宗教等题材的依赖，摆脱了讲述故事的传统绘画程式约束，艺术家们走出画室，深入原野和乡村、街头，把对自然清新生动的感观放到了首位，认真观察沐浴在光线中的自然景色，寻求并把握色彩的冷暖变化和相互作用，以看似随意实则准确地抓住对象的迅捷手法，把变幻不居的光色效果记录在画布上，留下瞬间的永恒图像。这种取自于直接外光写生的方式和捕捉到的种种生动印象以及其所呈现的种种风格，是印象派绘画的创举和对绘画的革命。 绘画的特点：
色彩绘画的工具、材料及特性、技法 教学目的：通过本课教学，使学生对色彩绘画的主要画种水粉画和油画的工具、材料特点有了解和掌握，同时能够合理运用所掌握的知识表现对象， 取得理想的表现效果，提高绘画技能。 教学重点：有效的区分了解不同画种所运用的工具、材料及不同特性。 教学难点：在表现绘画对象时，结合表现效果，引导学生充分发挥不同绘画工具材料的使用及特点，从根本上掌握色彩绘画的表现技法。 教具准备：相关绘画工具、材料、图片。 一．组织教学 在有了一定的色彩基本知识后我们还必须了解和掌握相关的色彩绘画工具、材料的使用 方法及特点，才能在表现对象时得到更充分的发挥，取得理想的表现效果，不同的绘画种类有其各自的工具材料及特点，因此本课通过对色彩绘画主要画种水粉和油画的分析比较，来进一步了解色彩绘画从而提高绘画表现技能。 二．导入新课 色彩绘画种类繁多，各自特点鲜明，有水粉、水彩、油画、色彩、炳烯画等。 展示各种绘画作品实物及图片提问：结合图片实物烁烁哪些是水粉画、哪些是油画？ 回答：水粉画：…油画：… 指正并挑出水粉、油画作品图片对比赏析提问：以前看过相关作品么，知道水粉、油画有何不同么？ 回答：颜料用色不同，画的工具不同等。 由于其各自所运用的工具、材料的不同，因此特点、技法也不同，本课我们仅就水粉画、油画加以分析比较，从中了解色彩绘画的基本特点及技法。三．讲授新课 （一）色彩绘画的工具与材料 展示水粉画和油画及其工具材料，虽然水粉与油画都属于色彩绘画艺术，但它们还是存在明显差异。 水粉画与油画的区别： ⑴用笔不同 水粉画 水粉笔：狼毫笔：画亮部，中间固有色部。 羊毫笔：表现湿润、柔和部位易衔接色块。 水彩笔：根据习惯、爱好灵活运用。 油画笔：猪鬃笔：挺、硬、不易含水分，适合画亮部、厚涂。 狼毫笔：较软，现鲜活物品亮部，进行一定的塑造刻画。 油画 扁头油画笔：不易清洗，备用笔要多。 圆头油画笔：画写实性油画，易产生特殊效果。 ⑵用笔不同 水粉画：水溶性颜料主要颜色有：… 油画：油溶性颜料：写实性绘画颜色种类：… 印象主义绘画颜色种类：… ⑶用纸不同
浅析陈丹青油画艺术特点 王五 (XX大学艺术学院美术学2008级1班) 摘要：陈丹青是80年代在画坛产生较大影响的青年油画家. 1980年他创作的《西藏组画》较早开始摆脱俄罗斯—苏联油画对中国油画展的影响，追求用传统西欧油画的写实手法来表达对现代生活、特别是边疆少数民族的真实感受。陈丹青具有较强的造型能力，画风细腻，感情真挚，思维敏锐，有着一种稳定和深沉的力量。他的的画令人爱看，耐人寻味，是用他的高超的写实手法，真实地表现了浓厚的生活气息，达到令人百看不厌的境地。 陈丹青（1953-)上海人。1978年考入中央美院文革后首届研究生班。1980年毕业，留任油画系第一工作室。陈丹青於80年代初曾被国中同仁认为是当时最具才华的油画家，甚至直至今日，油画圈仍存在着“陈丹青情结”。“西藏组画”被公认为文革後划时代的现实主义经典油画作品，在美术界及文艺界引起很大轰动，持续获得广泛的关注、评论、研究与影响。《西藏组画》对当时长期盛行并严重教条化的主题性创作模式发生冲击，被认为是中国写实油画自前苏联影响转向溯源欧洲传统的转折点。而他对写实能力的熟练把握，对欧洲古典油画语言的深刻理解，令沉醉於油画传统手法的观众佩服不已。1982年移居美国。2000年回国应聘於清华大学美术学院，任绘画系第四研究室责任教授。作品多次参加海外重要展览。多幅作品为美术馆、美国艺术机构及私人收藏。 关键词：陈丹青油画《西藏组画》 一、陈丹青的代表作 陈丹青于1978年考入中央美术学院油画系研究生班.毕业创作《西藏组画》西,在八十年代初引起画坛震动.其真实、朴野、自然的现实主义风格和人道主义思想,一扫当时概念化的创作空气,影响深远.因而,这七幅画也成为中国现代美术史上极为重要的代表作品.此前,陈丹青的创作还包括《进军西藏》、《泪水洒满丰收田》等优秀作品.今年在纽约古根海姆博物馆举办的“中华五千年文明艺术”大展中,《泪水洒满丰收田》在“新中国美术”部分被置于重要展位,以象征一个时代结束的休止符号.陈丹青在美国居住多年，西方纯正的油画看多了，用笔点像书法，会游走，有弯度起稿准确，笔笔到位，游走的笔触与造型极好地结合到了一起，这点看他的《陈丹青归国十年油画速写2000-2010》很清楚。 二、陈丹青代表作的发展 1.陈丹青作油画《西藏组画》艺术性 《西藏组画》在当时看来由于缺少大家早已习惯了的主题性和思想性而遭到"创作还是习作"的质疑。今天,我们在重新梳理中国美术三十年发展历程时发现:《西藏组画》对中国美术三十年的美术史意义不在于油画的技巧,而正在于这一看似"缺少主题性和思想性与习作无别"的艺术创作取向。换言之:《西藏组画》的美术史意义在于表达了对长久以来形成的现实主义艺术创作被"工具化"了的反感和企图反拨的努力,从而使她成为中国油画去"工具化"开始的标志。 2.《陈丹青归国十年油画速写2000-2010》艺术特点 本书根据陈丹青同名画展编成，收录了他归国十年的代表性画作。画作大致分成三类：
Digital Painting Color Maps 绘制颜色贴图 In this chapter, you will be stepping out of Blender briefly to add colored details to your zombie. This is best done by painting these details in other programs such as Adobe Photoshop or GIMP. To add these details, you will utilize the UV template and normal map you created in previous chapters. To help you create your zombie’s color map, this chapter will give you non-software-specific advice that can be applied to many digital painting programs. 在这章，你将暂时离开Blender，绘制你的僵尸的颜色贴图细节。最好在其它的程序去绘制这些贴图如Adobe Photoshop和GIMP。要绘制颜色贴图，你将要利用前面章节创建的UV 和法线贴图。为了帮助您创建僵尸的颜色贴图，本章不会限定了使用什么软件，你可以应用到很多数字绘画程序。 This chapter covers the following topics: 本章包含以下内容： ■■Understanding digital painting 理解数字绘画 ■■Preparing for color map painting 准备绘制颜色贴图 ■■Digital painting best practices 数字绘画的最佳实践 ■■Applying the color map to the zombie 应用颜色贴图给僵尸角色
油画-名人佳作林风眠之《秀色美景篇》 油画-名人佳作林风眠之《秀色美景篇》吴宪生作林风眠大师像 树林 1940至50代作山村油画画布 村前 山水镜片设色纸本 村舍 林风眠《山村》 林风眠《农村小景》彩墨画66x65.5 20世纪50年代
林风眠-山林70×99CM 美丽山村 农舍 农家 风景布面油画 风景油画纸板 秋山幽居图彩墨纸本70年代 《秋山幽居图》作品墨色浓重，境界晦冥，犹如彤云密布、夜色初临或黎明未开之时，在阵阵雷鸣中所望见的山景，云雾飞动，连山石林木也呈奔腾之势，好像埋藏着的原始生命力爆发了出来，溢于画幅。70年代末，林风眠以黄山作画，并没有表现云海的缥缈、山峰的青翠、境界的幽深，而是以粗犷的笔触、热烈的色彩描写山间灿烂的晚照，表现
出一种痛快淋漓的恢宏气象。这是林风眠对黄山印象的抒写，也传达了他历经“文革”劫难之后，在新时期新环境所获得的 生命感受。 林风眠创作《秋山幽居图》时，无论个人境遇还是社会氛围，都已完全与五六十年代不同。同一时期众多色调明丽，用笔轻松的作品，凸显其进入了创作生涯的又一个高峰。远山近坡，群峰云霞，林木小屋，无不统一在赤橙黄绿四色的基调中，随大师的画笔恣意徜徉，悠游自在。中国山水画大写意的精髓，在来自异域的表现形式中得到了淋漓尽致的发挥。 林风眠的《秋山幽居图》作品透着一种孤独感，不过那孤独化作了冷峻，在他那坚挺冷峻的松石和严若冰霜的境界中显示孤绝清澈的人格。蒙克的作品也是孤独的，然而蒙克骚动变形的画面没有宁静自足，只有受伤灵魂的恐惧和痉挛。林风眠作品中的寂寞孤独感是诗意的、美的。这诗意既来自艺术家对自然对象（亦即移情对象）的亲切和谐关系，也来自对个人情绪的一种审美观照。而这，又深植于他的气质性格、文化素养和人生际遇。林风眠的执着纯朴的艺术 求索不免孤独，他在各时期总被人觉得“不合时宜”。细心的 观者可以发现，林风眠艺术的疏远政治主要还不是出于某种政治如何，乃出于他对艺术本质和功能的看法，以及对艺术
外国美术赏析—绘画我们毕业啦 其实是答辩的标题地方
目录早期绘画 文艺复兴时期绘画 巴洛克和洛可可时期绘画 新古典主义和浪漫主义时期绘画写实主义绘画 印象派、新印象派和后印象派绘画20世纪绘画
1印象主义是19 世纪后期产生于法国的一种艺术思潮和流派, 印象主义画家根据光色原理对绘画色彩进行了大胆的革新,打破了传统绘画的褐色调子,彻底反对官方学院派艺术的统治,后来成为以法国为中心的欧洲美术运动的主流.早期印象派分为两派,以莫奈为代表的注重色彩,以德加为首的注重形体造型.后印象派认为绘画不应拘泥于客观自然主义的描写,强调主观理性和自我情感、个性的表现。风格方面：印象派：印象派画家提倡户外写生，直接描绘阳光下的景物，根据自己的眼睛观察和直接感受表现色彩的微妙变化。他们有意放松严谨的造型，笔法多样，注重光与色本身，题材成为光色的载体和附属品。代表画家有：马奈，德加，莫奈，毕沙罗，雷诺阿。新印象派：在印象派发展的时候，法国又出现的新的用色方法，以修拉为代表的“点彩派”。新印象派的画家，在创作时不仅应用光线的分析和视觉的生理特征，以达到最高纯度和新鲜的色调，造成明亮辉映的画面。而且，在画面上更进一步表现明朗的秩序观念。后印象派：美术史家把印象派之后出现的几位风格迥异的天才画家统称为“后印象派”，他们更集中突出的表现颜色与光影的变化。代表画家有：梵高，高更，塞尚后印象派更加强调构成关系，认为艺术形象要异于生活的物象，用作者的主观感情去改造客观物象，要表现出“主观化了的客观”。他们在尊重印象派光色成就的同时，不是片面追求外光，而是侧重于表现物质的具体性、稳定性和内在结构。后印象派代表画家:梵高塞尚修拉劳特累克高更 23
数字油画市场前景 无限商机，用“数字”证明收益，用“油画”引领时尚。 当您还在犹豫是否加入我们时，我们肯定的告诉您，加入“数字油画”是您的明智之举。您了解十字绣吗？它曾一度风靡，直到今天。而早已在欧美日韩流行的数字油画今天来到中国大地，虽未人人兼知，但他正成为一种时尚悄然兴起。 首先，数字油画的价格能够被多数人群接受。我们大致做了一项市场调研，发现数字油画适合的人群范围广。主要人群集中在青少年和儿童。但是仍有10％的中老年消费群体。而且，在调研中发现90％以上的人群对“数字油画”表现出浓厚的兴趣。 其次，一些企业，教育培训机构、学校、餐饮机构都有可能成为您潜在的客户。 再次，数字油画可以帮助您获得多种收入。您可以直接销售产品获取收益，帮助他人绘制获取报酬，负责装裱获取收益，成品出售获得收益等等。只要您肯动脑。数字油画具有无限潜在商机 数字油画用于家庭装饰 1、省钱（买一幅画，还不如自己画一幅画划算） 市场上一幅纯手工油画少则两三百多则上千元，自油自画DIY油画--靠自己画油画，时尚又便宜。 2、装饰性强（任何家庭，挂上一幅自己画的画绝对超炫） 绘制好的成品非常精美而且具有很强的装饰性，适合用来装饰各种居住和办公空间。让来你家的客人们都羡慕去吧！ 3、具有保存价值（不管是画作本身还是作品背后的意义都有其非凡的价值） 由于我们的产品都是由绘制者本人自己绘制完成，每幅作品都是独一无二的原创艺术品，所以不论是自己保留还是赠送他人都具有非常特殊的保存价值。 数字油画现在与未来市场分析 数字油画市场前景： 一、数字油画的受众人群是哪些？
数字油画最初是为儿童制作的。但越来越多的成人成为这种娱乐方式的消费主流。时至今日，不管老人、儿童，还是中青年；不管女性还是男性，大家都十分喜爱这种休闲方式。这不仅是因为图品的品种多样化，而且因为每个人的潜意识中都存在着画画的愿望和能力。而数字画技术正好满足了大家的这种内心深处的喜好。许多人在看到自己完成的画作后，或者得到朋友们的赞叹后，更加对这种休闲方式情有独钟。 二、数字油画的用途有哪些？ 1、可以帮助老人消遣时光。把这样一幅DIY数字油画送给他们，打发他们无聊的时光。 2、培养孩子动手能力和耐心。DIY数字油画可以提高他们对色彩的认识及审美观，培养孩子动手能力和耐心，使他们更加热爱这个世界！ 3、可以馈赠朋友。可以馈赠朋友成品来表达自己心意，或者馈赠朋友产品，让他们去体会其中的快乐和成就感。 4、可以装饰家居。您可将成品挂在客厅、书房、卧室来增添艺术气息，还可以邀请朋友来参观新居的时候自豪的告诉他们“这是我自己画的哦！”在家里摆上一幅自己画的油画，那是百看不厌呢！ 三、数字油画目前产品有多少？ 数字油画产品从尺寸区分：目前可以分 为为几类：30*30CM 30*40CM 40*50CM 40*80CM 40*120CM 50*80CM 60*75CM 80*180CM等还有更大的尺寸，喜欢的朋友敬请关注。从品种上分为5类：1、大师类作品。聚集了中外油画大师的经
研究水粉画的工具材料目的在于了解其性能和弊端，以便发挥其最大限度的积极作用，抑制其缺陷，创造新的工具材料。 由于水粉画颜料自身的特点决定了这一画种的作画和画面的特点，包括易脏、易粉、易灰等弊端。因此研究颜料的特点就成为学习这一画种的必由之路，同时也包括发展这一画种的使命。 水粉画颜料及用笔方法： 水粉画颜料是用颜料粉加水加白粉和胶，按一定比例混合而制成的，为了防止霉变还加进了一定量的防腐剂。用颜料画画的时候，用白粉和水作调和剂。由干颜料、白粉和水的应用，它们之间就出现了量的不同变化和混合后的不同结果问题。 水粉画颜料由于都含有一定量的白粉，所以与水彩画颜料相比较透明性很差，因此后一种颜料可以覆盖前一种颜料，使用时可以修补。从这一点看水粉画颜料很像油画颜料的某些特点。又因为用水作调和剂稀释颜料，导致颜料稀稠厚重的不同画法，出现类似水彩画颜料半透明和不透明的用色方法。一是水少厚涂如同油画的用色方法；一是水多薄涂类似水彩画颜料湿接的用色方法，但由于颜料本身含吸一定量的粉质，画出的作品显得沉闷，而且必须在前一色干后才能进行细部刻画，又显得既不同于油画，又不同于水彩画，属于自身的特点。所以不论用何种方法绘画，水粉画就是水粉画。虽然它与水彩画、油画有一定的相似之处，但终究不是一回事。水粉画颜料虽有干湿的差别，水分在颜料中起着一定的作用，但又不是决定性的作用。 锌白或钛白一般均称白粉，简称粉。粉色明度高，但不透明，具有覆盖力。水粉画颜料除本身含有一定量的白粉外，使用时如要提高明度，一定要加粉。加粉后的颜料明度提高了，覆盖力提高了，但纯度降低了。 拖：拖是指在涂色过程中，用力不同，效果不同的一种运笔方法。如先实后虚的拖笔方法，落笔后，在笔的运行中逐渐将笔锋拉起来，产生一种由实到虚的颜色效果，有如小小的色彩退晕效果。这种笔触可长可短，可大可小，常常用来表现高光不太明显的情况下的一种渐变状态。 扫：扫是一种快速虚笔着色方法。笔的运动方式有如用扫帚扫地一样，在画面上一掠而过。这种笔触多用在画面次要部位的快速涂色。 点：笔触的外形如点状。点的笔触除了形象地表现物体特征之外，还常常用来活跃画面气氛。西方点彩派绘画方法是用各种颜色的点在画面上组成物体形象或光影关系。近看画面上完全是些小点点，远看则是完整的形象，画面用笔方法统一而且画风很有情趣。现在仍有不少画家用这种方法进行创作，一旦画面缩小，效果会更佳。英国画家威廉·亨特的一幅水粉画作品《花》就是用点来完成的。 勾：勾是水粉面的一种作画方法，先将所描绘的物体用统一的颜色勾出轮廓线，然后根据物体的结构与固有色等关系将颜色填在轮廓线内完成作品。还有的时候，在画面完成之后，再用一种颜色将物体勾个边框。勾的用笔方法很多，有直线、曲线、折线等等，目的是将物体与周围环境分开，使之更加突出清晰。 晕：晕是一种渐变色彩的画法。大面积的晕可以通过小笔触的色彩逐渐变化来完成，也可用大刷子来回摆动完成色彩的渐变。小面积的晕只能通过两色或三色在画面运笔，反复涂抹逐渐达到晕的效果。现在有不少画家在制作宣传画时用喷笔达到颜色均匀的渐变效果。 水粉画涂色用笔方法带有一定的个性色彩，是一种变化较多的绘画手段，只
油画技法的材料 油画技法与材料 作为一种艺术语言，油画包括色彩、明暗、线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素，油画技法的作用在于将各项造型因素综合地或侧重单项地体现出来，油画材料的性能充分提供了在二度的平面底子上使用油画技法的可能。油画的制作过程就是艺术家自觉地熟练地驾驭油画材料、选择并使用能够表达艺术思想、形成艺术形象的技法的创造过程。油画作品既表达了艺术家赋予的思想内容，又展示了油画语言独特的美──绘画性。 乳剂材料 乳剂材料是一种具有悠久历史的优秀传统材料，在现代得到了新的发展。乳剂型材料是兼含有水性和油性成分的混合型材料，两者的优点也兼而有之。各种坦培拉绘画材料如蛋彩、酪彩以及蜡质材料都是属于乳剂系列的。乳剂材料可用水稀释，干燥速度快，类似水性材料；能够作不透明厚涂，干后不溶于水，又具有油性材料的优点。各类现代的丙烯、乙烯合成颜料等既保留了传统乳剂材料的特点，又具备油性材料的长处，并且还有其它材料无法替代的效果，是有着很大发展前途的新型材料。 油性材料 使用油性材料以及天然树脂作为绘画媒介剂的主要画种是油画，它是由传统蛋彩和酿蛋白等乳剂型材料演变发展而来的。油性材料的特点是干燥缓慢、有光泽并可反复覆盖厚涂。油性材料具有强烈的表现力和丰富的技法效果，能够说几乎包容了所有其它材料和画种的技法特点。油性材料的特性允许深入细微地刻画对象的造型，能够表现出对象丰富逼真的色彩关系，从而符合了14世纪以来人们再现视觉真实的愿望，促动了西方绘画向写实发展的进程。油画诞生后一直在西方画坛占主要地位，并在全世界范围得到发展，这也证明了油性材料
的优越性。从水性材料到油性材料的过渡是一个漫长的变革过程，几 乎经历了数千年的时间，是绘画材料技法乃至艺术的重大突破。油与 树脂的使用是使西方绘画材料技法区别于东方绘画材料技法的重要特 征之一。 水性材料 人类最早使用的颜料是以水溶性材料为主的。在早期绘画中自发 地以水、树胶或动物胶等天然的物质作为颜料的稀释剂和粘合剂是十 分自然的，它们取材方便，使用简单，这在东西方早期绘画中是一致的。今天的水彩和水粉的颜料等都是水性媒介型的，其表现技法自由、流畅，可产生轻快、透明的效果，也是中国画、日本画等东方绘画的 主要材料类型。 油画材料 油画材料可分为基底材料、油画颜料和媒介剂材料三大类。基底 材料指承载绘画颜料层的依托材料和底子涂料。油画颜料是绘制时直 接表达绘画的色彩和肌理效果的主要材料。媒介剂材料则是用于调整 颜料性状并使其和基底材料结合在一起的各种稀释剂、结合剂和上光 剂等。
陈丹青：未完成的画意外 这是意公子最近常看的一个号在浮躁的时代里做一档 静水流深的节目让我们看见另一种可能诚意推荐给真爱们。看理想| ikanlixiang长按识别二维码关注简介：「看理想」 是著名文化品牌“理想国”联合优酷土豆推出的一个影像（video）计划。第一季是梁文道全新深夜户外读书节目《一千零一夜》、陈丹青以画家之眼观看艺术杰作的《局部》以 及马世芳透过华语流行音乐讲述台湾历史与文化演变的《听说》，三档节目分别每周一三五、每周二、每周四主推播放。微信公号第一时间分享精彩内容，以及延伸阅读。意公子推荐给真爱们陈丹青的[局部]第八画，其实重点在“未完成的画”，或者叫“非正式”的画。不管是绘画，还是书法，似乎最伟大 的几件作品都出现在“非正式”中。然而陈丹青在最后却笑着 留下了一句意味深长的话：“最后，你是高尚士夫，还是自由职业画家；你是在户外画画完成，还是在画室里完成；然后你这幅画画完了，还是没画完，总之不管你属于哪一类，如果你不是赵孟頫、钱选，如果你不是梵高、塞尚，那就没有用的，我前面的话等于白说，我愿意推翻我前面的所有论点。”第八画：非正式魅力[局部]陈丹青 - 到了梵高开始，每个人必须做自己的太阳-去年我读了一 本书，叫《蓝围巾男人》。写一个人给画家弗洛伊德做模特，
一幅肖像画就做了半年多。弗洛伊德是二战以后最重要的具象画家，本事非常大。他画画的（油彩）覆盖程度，这种量感和厚度是当年毕沙罗的几十倍。老头弗洛伊德说了一句很老实的话。我看了非常感动，他说每幅画接近完成时，他最拿不准的事情，就是他该不该罢手。他无法对自己确定说，这幅画画完了。这完全是二十世纪的问题。像伦勃朗、维米尔、哈尔斯，一路下来这些大画家，十八、九世纪，十六、七世纪，他不会想这个问题。问题又回到一开头，梵高这幅小画为什么好？我还是没有办法回答。不过很巧，弗洛伊德说过一句话：他说梵高没有一张画是不好的。看到他这句话，我真解气。二十世纪顶牛逼的大师都非常佩服梵高，而且很懂得他。毕加索说过另外一句话。他说希腊人、罗马人、文艺复兴人，都有一个规则，在那画画。可是到了梵高开始，每个人必须做自己的太阳。这句话讲出一个大道理。什么叫做自己的太阳？就是自己定规则，画什么，怎么画，什么时候画完，要不要画下去，就是你自个儿掂量。你在此前，你找不到一个可以帮助到你的法则。 - 你画这幅画的心情，要比这幅画重要-我上学的时候，我的老师吴作人是名义上的导师。我混了两年课，他只来过一次，坐了大概半个多小时。临走的时候呢，很客气，笑咪咪地扔下两句话。他说：“你们要知道，什么时候停下来。要知道画，也要知道不画。”那我当时真没听懂这句话。然后二三
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俄罗斯伟大风景画家列维坦油画欣赏 《自画像》 安东·契诃夫是19世纪俄罗斯伟大的作家，列维坦是19世纪俄罗斯伟大的风景画家。契诃夫和列维坦是最好的朋友。死后他们共同葬在隔壁。后面有他们的故事。 《白桦丛》《白桦林》是一幅杰作，被表现的是小白桦树林的一角，阳光在白色树干和鲜绿色叶子上颤动着、游戏着，旁边是鲜嫩多汁的青草和星星点点的蓝色小花，画面的色彩是柔和的、新鲜的，同时又是明亮的。它被称为'俄罗斯印象派'的代表作。《晚钟》《橡树》《伊斯特拉河》《杂草丛生的池塘》《伏尔加河畔》《金色的普寥斯的黄昏》《幽静的福地》《雨后普寥斯》《河上的夏日黄昏》《林中的蕨类植物》《池塘边》《新绿》《在墓地的上空》山坡上那黛绿色的小白桦树被急剧的阵风吹弯了腰。白桦林间掩映着一座用圆木建造的破教堂。一条僻静的小河流向远方，绵绵细雨给草地染上一抹阴暗的色彩，云天如海，浩瀚无边。一团团晦暗、滞重的雨云低悬在大地上空，斜雨如麻，遮盖了整个空间。在列维坦之前，没有任何一个画家能以如此凄凉而又磅礴的气势描绘出俄罗斯阴雨时刻坦荡无垠的远景。它是如此宁静、庄严，令人感到如此宏伟、肃穆。《春洪》《春水一片》《乡村月夜》《寂静》《夏日的傍晚》《月色》《三月》《索科尔尼克的秋日》名画《索科尔尼克的秋日》是列维坦的处女作，也是列维坦的唯一一幅画有人物的风景画。画面上重现了灰暗的金色秋日，这秋景如同当时俄罗斯的生活、如同列维坦本人的生活那
样凄凉、惨淡，它从画面上发出一股微微的余温，牵动着每个观众的愁肠。一位身穿黑衣的年青女郎——正是那个陌生女子，踩着一堆堆落叶，走在索科尔尼克的小路上。她的歌声列维坦终生难忘：“我的歌声你听起来情意绵绵，却又使你痛苦不堪……”她独自一人置身于这片秋林之中，而这种孤独又使她的周围充满了沉思与惆怅。《干草堆》《金色的秋天》画面充满了阳光，湛蓝的天空，仿佛活生生会呼吸似的，天空漂浮着灰白色的云，阳光穿过云朵照耀在同样蓝得发亮的小溪上，田野正在又绿变黄，树叶已全部变成金黄色，清晰可见的笔触宣泄着画家心中涌现的激情。《湖》《薄暮月初升》《雨后》《深渊旁》这幅风景画取材于民间故事。传说从前有一磨坊主的女儿与一青年农民相爱，父亲对女儿的婚事极为不满，便买通当局将青年征去终身服兵役，姑娘得知后深感绝望，便殉情从这木桥上跳进深渊。画家被这位刚烈女子的故事所感动，他精心地观察和描绘了这个景色。在一个傍晚，画家从自己的阳台向远处眺望，似乎看到那里沉沉的死水潭上的幽灵，几根粗大的圆木架起的桥跨过死沉的水潭伸向对岸的浓密灌木丛，神秘而不可测，令人望而生畏。他决意画下这景色以寄托自己的哀思，使这幅画渗透着情侣的忧怨，饱含着姑娘的痴迷的深情，也蕴藏着大自然幽谧的情愫。《弗拉基米尔卡路》弗拉基米尔卡路，是一条有名的悲伤的道路，是沙俄时代的流放者、苦役犯去西伯利亚的必经之路。在画家的笔下，没有动人的风景，荒芜的田野里只有孤零零的一条黄土小路，通向不可知的未来。《俄罗斯的湖》这是列维坦的绝笔之作。画辉煌