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戏曲讲解

水乡社戏

为了了解绍兴的地方曲艺，我在爸爸妈妈的引导下，读了大文豪鲁迅先生的文章——《从百草园到三味书屋》，印象很深,醇香黄酒令人回味,乌篷船穿梭在小桥流水人家之中,夜幕降临,静谧的水乡传来悠扬的社戏……

那么什么叫社戏呢？

水乡社戏是浙江绍兴的汉族民俗文化活动。水乡戏台大都构筑在土地庙之类寺庙前的河上，故称"河台"、"万年台"。东安、任家桥、凤仪、东周、宾舍等地的古戏台迄今犹存。清代童谦孟写有一首竹枝词，描写当年看社戏的盛况：“岳神赛罢赛都神，演出河台戏曲新，两岸灯笼孟育管，水中照见往来人。”

鲁迅在《社戏》中也说，外国人以为中国戏的"大敲，大叫，大跳"，不适于剧场演出，但若在野上演出，"远远地看起来"，却"自有他的风致"。《龙虎斗》、《游园吊打》是很能体现绍剧特色的戏，历来为绍兴观众所拍手称快，叫好。鲁迅把这两出戏写进《阿Q正传》、《社戏》等著名小说里，均不是他信手拈来之笔，而是充分反映了它们的人民性。连自己的姓名也写不出，甚至连圆圈都画不圆的阿Q在临刑前游街时，居然还要哼几句"手执钢鞭将你打"，足以说明社戏受到绍兴人民的普遍欢迎了。鲁迅再用他的如椽之笔，以优美抒情的笔调追述儿少年代观社戏的美好回忆，一派诗情画意，引人入胜，更激起了人们对社戏的眷恋和怀念。

文豪鲁迅对孩提时代看过的故乡社戏始终未能忘怀，称赞备至。鲁迅先后写了小说《社戏》、散文《无常》和杂文《女吊》等作品，对社戏有过动人的描绘和精辟的论述。古往今来，不知有多少文人写下多少吟咏和描绘社戏的诗文。

时过境迁，水乡社戏在传承，在发展。现今的水乡社戏以鲁迅笔下的绍兴社戏为主要形式，重现绍兴演社戏、看社戏的民俗风情和越地戏曲特色，将原始社戏风貌和现代表演艺术有机结合，赢得无数观众的喝彩。

希望有机会我也能和爸爸妈妈一起去看一出正宗的水乡社戏。

二（1）班16号张瑞

绍兴五大国家级地方曲艺

听爸爸说，绍兴有五大国家级地方曲艺。我很惊讶，于是就上网查找了下资料，发现这五大地方曲艺比我想象中还要伟大！

“曾记梨花细雨天，与郎分手百花潭，依依惜别牵衣袂，泪洒河桥春水添，郎呀你临行约奴三秋会，到如今柳色青青又一年。”这优雅婉转的唱词是绍兴平湖调的经典节诗《曾记梨花细雨天》的内容。

绍兴平湖调是绍兴地方曲艺中最为典雅的一支奇葩，因悠久的历史、优美的音乐、雅驯的唱辞而在曲艺界有着重要的学术地位。除平湖调外，目前绍兴地区流行较广、影响较大的还有词调、莲花落、摊簧和宣卷等地方曲艺。

词调为分角色演唱，唱调欢快，喜庆热烈，表演绘声绘色，雅俗共赏；平湖调传统的表演只由弹三弦者一人唱说，曲调以幽雅清逸、平和柔缓为主要特色，以“雅”而著称，演唱平湖调者也被尊称为“平调先生”。

绍兴莲花落和绍兴摊簧均产生于清代中后期。

莲花落是走唱形式的地方说唱文艺，一人说唱，旁有敲板、四胡、琵琶等进行伴奏。演唱内容多取材于民间生活，唱腔流畅、婉转动听，善于叙事，也宜抒情。表演夸张滑稽、生动风趣、通俗易懂，特别受到农民群众所喜爱。

绍兴摊簧多为一旦一丑对唱，伴奏乐器与莲花落类似。演出以说唱新闻与小型杂扮相结合的形式，反映民间生活，尤以男女之情为多。其唱调旋律抒情优美，表演具有滑稽、夸

张、幽默的特点。

绍兴宣卷是具有宗教色彩的唱说文艺，主要用于祀神祈福，多于神诞、庆寿、贺迁、祭奠时演唱。宣卷的内容，有的与佛教经籍有关，有的与戏曲、曲艺同目；宣卷的演唱者分任生、旦、净、丑诸脚色，一人须兼数种不同行当，但无行当及男女腔之分，主要运用不同音色表现各种人物；宣卷演唱有唱有白，演唱时，置卷本于桌，照本宣唱。演唱时围桌而坐，根据方位的不同，分“书位”、“鱼位”、“醒位”、“茶位”。

2006年和2008年，以上五大地方曲种相继成为第一、二批国家级非物质文化遗产代表性项目。

漫漫“传承路”

绍兴地区的传统戏剧曲艺，在千百年的历史长河中，能够流传至今，是十分难得的。如何保护这些非物质文化遗产，使其得到很好地传承？这是绍兴非遗工作者们最为重视的工作。

在传统戏剧的保护工作中，绍兴市采取多方措施，培养人才，活跃演出团体，复排传统剧目，创排精品，使绍剧、越剧等剧种影响力进一步扩大，使处于濒危状态的新昌调腔、诸暨西路乱弹、绍兴目连戏等得到了抢救性保护，重新走上了良性发展的道路。

“口耳相传是非物质文化遗产的重要特征，保护工作最离不开的就是传承人。”绍兴的14位国家级代表性传承人中，传统戏剧有刘建杨、章华琴等两人，地方曲艺有郑关富、王玉英、胡兆海、倪齐全、宋小青、何云根等六人，占据了极大的比重。“这些戏剧曲艺的国家级传承人在带徒授艺，培养新人；参加公益性演出；作品创作和各级比赛等各方面发挥了重要的作用。”此外，还有为数众多的老一辈艺人，在他们的身体力行、口传心授下，宝贵的非物质文化遗产才能实现薪火相传。

我也想为绍兴曲艺的传承尽份力。

绍兴师爷胡兆海

绍兴师爷胡兆海很有名，但他的另一身份更有名。

胡兆海是绍兴莲花落历史上具有里程碑意义的宗师级人物。1972年，他演唱的《三根扁担》救活了一个曲种。因为，当时领导已经决定了，如果这一次排演不成功，就只能让绍兴莲花落“自然死亡”了。后来《人民日报》刊登了文章：胡兆海一个人救活了一个曲种，说的就是这件事。紧接着，在改革开放、文艺复兴的春天里，这位草根艺术家迎来了他的曲艺事业巅峰时期。他在继承传统绍兴莲花落的基础上，开始了改革创新。改掉了原来唱腔音调平、节奏慢、拖等一些缺点，吸收了评弹、越剧、绍剧的表演手法，创作了一批雅俗共赏的新剧目。

还有不得不提的《回娘家》，1982年，胡兆海带着自己的这部得意之作赶赴苏州，参加全国曲艺优秀节目汇演（南方片），与各路高手“华山论剑”。这一次，他再次成为众星拱月的焦点人物，成功拿下了创作一等奖和表演一等奖，也让绍兴莲花落红遍了大半个中国。1988年，胡兆海带着自己创作的《姑娘上门》参加首届中国艺术节，同样载誉而归。此后，他还创作了《血泪荡》《一夜夫妻》等许多群众喜闻乐见的好剧目。

绍兴师爷郑关富

《师爷说新闻》的一段开场白：“天下新闻日日新，耳朵笃起眼睛盯，轻重缓急奇真怪，大事小事分灵清，侬问伢什哈自？伢是倷格新闻师爷！今朝伢给倷讲讲绍兴师爷郑关富的事体……”

绍兴师爷郑关富很有名，但他的另一身份更有名。

中国曲艺家协会会员。2008年2月，被国家文化部认定为国家级非物质文化遗产项目——绍兴平湖调代表性传承人。

郑师爷，1961年考入绍兴曲艺训练班，师从胡绍祖、钱大可先生演唱绍兴平湖调，毕业后为绍兴曲艺团青年演员。2004年，由浙江文艺音像出版社录制平湖调光盘一张。2007年11月，与王玉英等人参加第八届中国艺术节暨第十四届群星奖决赛，绍兴平湖调《白雪遗音》获群星奖大奖。

翠姐姐回娘家

浙江平水一带，旧时有个规矩，新媳妇要三年以后才好回娘家，在这条规矩之下，许多年轻女子的心灵受禁锢，从而引发了一出出令人啼笑皆非的家庭悲喜剧。全局通过翠姐姐回娘家的遭遇，反映了绍兴旧时农村妇女的生活，呼唤健康的家庭伦理道德的回归，寄托了劳动人民对美好生活的向往；故事情节生动、生活气息浓郁、表现风格清晰、乡土特色明显。

此剧可以说是老少皆宜。

箍桶记

箍桶记——越剧传统戏。又名《相骂本》和《九斤姑娘》，讲的是百年前的老故事：箍桶匠张天保之女九斤姑娘，聪明又能干，被财主石二娶作第三房当家媳妇，引发的一系列矛盾。

箍桶匠张天保之女九斤姑娘聪明能干，被财主石二娶作第三房当家媳妇。九斤过门，遭妯娌嫉妒，愤而回娘家。后来三叔婆豢养的猫在石家偷食被杀，趁机向石二敲诈，石二请回九斤，制服了耍泼的三叔婆。该剧取材于绍兴的民间故事，产生于小歌班时期，来源于落地唱书的书目。台词具有民间口头文学特色，说唱语言皆用嵊县方言土语，充满乡土气息。人物对白、比喻多次运用谐音和歇后语，妙趣横生。九斤与三叔婆“相骂”一场，语多夸张、滑稽，喜剧色彩浓烈。

莲花落

绍兴莲花落，亦称莲花乐、莲花闹，是浙江省绍兴地区的一种汉族曲艺形式。因演唱中间有“哩哩莲花落”之类的帮唱过门，故名。或说由唐时“散花乐”变为“莲花乐”再变为“莲花落”。因其演唱生动活泼，唱词通俗易懂，唱腔朴实流畅，富有浓郁的生活气息，莲花落为群众喜闻乐见。2006年5月20日，该曲艺经国务院批准列入第一批国家级非物质文化遗产名录。

莲花落，是一种说唱兼有的曲艺艺术。表演者多为一人，自说自唱，自打七件子伴奏。所谓七件子乃是分执于两手的竹板，因其右手所执两片大竹板，左手所执五片小竹板。大竹板打板，小竹板打眼，相互配合有板有眼，说唱之词则随着板眼节奏进行表演。所以，俗称此为“七件子”。

平湖调

绍兴平湖调演唱方式为坐唱，分三品、五品、七品等，演唱者自唱自奏乐器，由弹三弦者一人唱说。曲调幽雅清逸、平和柔缓为艺术特色。主要曲调为《平湖调》，又分“蓑衣谱”和“细调”两种。建国后，1953年应华东戏曲研究院之邀，艺人史实父、钱大可等赴上海举行“绍兴平湖调欣赏会”，并灌制唱片两张。1961年原绍兴曲艺协会设“平湖调”培训学员，由钱大可等任教，并作营业性演出。在上世纪六、七十年代，不仅在绍兴地区常年演出，而且还经常赴杭嘉湖一带演出，并多次参加省市会演、调演，受到专家、领导和同行的一致好评。

平湖调文辞高雅、曲调优美、旋律丰富、风格独特，具有较强的文学性、音乐性和艺术性。是明、清江南说唱艺术在绍兴的传存，对于研究、认识江南说唱艺术的发展、沿革，探索其内在的发展规律，研究当时的社会历史，有着重要的研究价值。它的继承，发展，对于提高人民群众的文化素养、音乐素养、艺术素养，有着不可替代的人文价值。绍兴平湖调在文学、音乐、演唱等各方面的成就，在当今江南说唱中是难能可贵的，她不仅是绍兴文化的宝贵财富，也是我国说唱艺术中的瑰宝，有着重要的继承价值。

绍剧《孙悟空三打白骨精》

《孙悟空三打白骨精》，绍剧电影名，上海电影制片厂摄制于1960年，故事取材于我国明代著名小说家吴承恩的《西游记》第二十七回“尸魔三戏唐三藏，圣僧恨逐美猴王”。，为著名绍剧表演艺术家六龄童（六小龄童之父）的代表作。

讲述了唐僧师徒四人为取真经，行至白骨岭前。在白虎岭白骨洞内，住着一个凶残、狡猾，善于伪装的尸魔白骨精。为了吃唐僧肉，先后变幻为上山送斋的村姑、朝山进香的老妪和老翁，全被孙悟空识破，三次棒打妖魔。唐僧肉眼凡胎，误认悟空打死人命，怒将悟空逐回花果山，结果落入白骨精魔爪之中。孙悟空闻得八戒所报，不计前嫌，毅然重下花果山，智灭群妖，救出唐僧。师徒同心同德重登西行之路。

绍剧《孙悟空三打白骨精》取材于《西游记》，流行的绍剧版由浙江绍剧团于1960年根据传统本由贝庚（执笔）、顾锡东改编。

绍剧《孙悟空三打白骨精》曾在20世纪60年代红极一时，毛泽东、周恩来、郭沫若等党和国家领导当时观看演出后，曾为该剧题写诗词而声名大振。后又拍摄成电影（天马电影制片厂1960年摄制，曾于1963年5月获第2届《大众电影》“百花奖”最佳戏曲片奖），在72个国家和地区放映。绍剧悟空戏因此饮誉海内外，成了浙江绍剧团的标志性美称。

四种戏剧样式

四种戏剧样式：(1)，古希腊罗马悲剧和喜剧:人类最早成熟的戏剧形态是公元前6世纪古希腊诞生的悲、喜剧，它具备了我们对戏剧理解的全部要素与含义，它的演出成为纯碎的人类娱乐与审美活动，它造就了一批伟大的剧作家产生了众多的戏剧文学剧本以及建筑了雄伟的剧场。后被古罗马悲、喜剧接引过去，在公元4世纪走向湮灭。(2)，古印度梵剧：人类文明中诞生的第二种成熟的喜剧样式是印度梵剧，它出现于公元前4世纪，在创作上产生了马鸣、跋娑这样的大戏剧家，理论上产生了《舞论》，提供了迦梨陀娑《沙恭达罗》这样的世界名著和一大批梵剧剧本，写意型的戏剧样式，于公元12世纪走向衰亡。(3)，中国戏曲：12世纪走向了成熟，以众多戏剧家作品，以及民间的广泛演出，承接了繁盛的人类戏剧。同样是写意型的戏剧样式，和程式化的表演。其深入民间的程度、以及对中国文化影响的细密程度独标史册。能够随时变化各种地方声腔剧种，使其生命保持生生不息，一直走入了近现代。(4)，日本能乐：13世纪孕育成熟，东方又一个具备强烈写意性特征的戏剧形态，第一位能乐表演大师世阿弥也是戏剧理论大师，为能乐提供了著作《花传书》。面具的运用：使观众对剧种的人物年龄、身份等特征一目了然，而人物的表情也被刻画在上面，最为常见的悲剧面具造型：眉毛高举，嘴巴下垂，额角紧蹙，显示出一种深沉的悲哀。嘴部呈喇叭形，有助于传远声音，这些优点都使面具成为悲剧演出中必不可少的造型因素。歌队在悲剧演出中的作用：一、它是戏剧中的一个角色，参与整个情节的发展。二、歌队可以为全剧设立一个道德架构和普遍标准，作为判定戏剧人物行动的依据。三、歌队又是理想观众的范型。四、歌队常常是戏剧情节发展的以及氛围创造的关键因素，能使戏剧效果大大增强。五、歌队载歌载舞的群体形象使舞台场面更为生动形象。六、歌队具有重要的节律作用，它在戏剧行动进展过程中造成停顿，给以观众前瞻后顾的机会，从而对观众感情需求给予极大的满足。悲剧与喜剧的区别:悲剧和喜剧在形态以及形式方面有着明显不同，其根本区别还在各自表现的人物、事件、以及结构和演出效果的不同上。悲剧的题材大多取自神话传说而喜剧题材取材于现实生活；悲剧主人公多为神仙英雄，而喜剧的人物多为普通人；悲剧的语言是诗，喜剧多用日常口语；悲剧的结构严谨，喜剧则较松弛；悲剧的登场人物较少，而喜剧的登场人物较多。亚里士多德在《诗学》中就剧中人物和剧作所引起的观众之心理状态等方面详细论述了悲剧和喜剧的不同。罗马悲剧喜剧的分类：①罗马喜剧有两类：一类是纯希腊喜剧的仿作，称为“大外套剧”，另一类为改穿罗马服装、描写罗马市民生活的“外套剧”。这些喜剧在演出过程中舍弃了歌队的上场，分场分景的间隔被取消，加强了音乐力量和人物对话，并开始有女演员表演。人物类型化，服装规格化。②罗马悲剧依其题材分为希腊和罗马两类，两种类型都以恐怖的情节、善恶分明的人物、通俗剧的效果和夸张的言词为其特色。埃斯库罗斯在悲剧形式方面的贡献：（被称为“悲剧之父”一生共写过90部悲剧和“羊人剧”，流传7部悲剧：《乞援人》、《波斯人》、《被缚的普罗米修斯》等）作为希腊悲剧的创始人和奠基者，埃在悲剧形式方面的贡献是在他的悲剧创造实践和演出实践中逐渐减少了合唱队的抒情成分，削减了独唱的长度，增加了第二个演员，给戏剧对话和人物表演留出时间和位置，正是在这个基础上，戏剧的一切要素，才得以健全地发展起来。索福克勒斯的成就：他一生创作了近130部悲剧和“羊人剧”完整流传至今的共有7部悲剧：《埃阿斯》《安提戈涅》《俄狄浦斯王》等，得过24次头奖和次奖，是当时最伟大的悲剧家，被称之艺术戏剧荷马。他的成就不仅体现在悲剧创作上，还体现在他对于戏剧表演技巧和舞台表演形式的创新上。是他发明了舞台布景和舞台绘画，把歌队队员由12人扩大为15人，将舞台表演的两个演员又增加了一个，使二人对话变成了三人对话。促进了舞台背景和舞台设备的发展。欧里庇德斯：一生创作了92部戏剧作品，流传至今的有17部悲剧和一部羊人剧，《海伦》、

京剧旦角服饰

中国京剧服饰，在京剧这门综合艺术中占有重要地位。它辉煌灿烂、绚丽多彩，具有极强的观赏性和艺术感染力。人们在欣赏京剧优美的唱腔、富于音乐性的念白和精彩的舞蹈艺术时，无不为珠光闪闪、丝帛纷呈，令满台生辉的京剧服饰所吸引，沉醉在它给人的审美愉悦之中。京剧服装还显示了中国刺绣的魅力，它以光彩夺目的平金绣，平银绣，富堂皇的金绒绣和清雅秀丽的绒绣，构成了高工艺的美感。每一件京剧服装都是精工细做，真才实料的艺术品，需要技术工人手工制作，完成一件复杂的蟒袍常常历月经年，一套完美的剧装可以价值连城。本书选取京剧服饰中最有代表性的作品，简要介绍京剧服饰的种类、用途和主要艺术特色，希望它能帮助您了解中国京剧，并为您带来美的享受。京剧旦角服饰 1。女花褶子女花褶子用于平民家庭的女子（所谓“小家碧玉”）。因其身份低，所以只用二方连续纹样作为缘饰。图为《铁弓缘》之陈秀英

回复2。对称女花帔。用于出身官吏、乡绅豪门的未婚女子（所谓“大家闺秀”）。此种花帔的纹样布局呈左右对称形态，具有庄重大方的特点。就其单独纹样来说，一般也采用均衡式，有主有次，主次分明，形象舒展，力求生动活泼，使图案在整体对称中又富于变化。女花帔中，多采用此种对称式纹样，其人物造型适应性较强，既可用于青春少女，亦可用于端庄少妇。图为《西厢记》之崔莺莺

回复3。均衡女花帔女花帔用于出身官吏、乡绅豪门的未婚女子（所谓“大家闺秀”）。绣以单独纹样——“枝子花”，构成骨法分均衡式、对称式两种，不受外轮廓限制，造型丰满，外形完美。均衡式纹样的花帔，是一种不对称的自由布局：兰草蝴蝶呈均衡形态，左右纹样虽不对称（甚至突破了帔身外形的限制），但份量却相等。以纹样的疏密有致、自由、灵活，衬托出青春少女天真、活泼的性格及追求自由幸福的优美形象。图为《游园惊梦》之杜丽娘

浅谈戏剧鉴赏的学习感悟

浅谈戏剧鉴赏的学习感悟一．学习之前在没有选修这门戏曲鉴赏课之前对戏曲知识了解仅限于听过几段非常经典的名段，比如《铡美案》中的“包龙图打坐在开封府，尊一声驸马爷细听端的……”《天仙配》中的“树上的鸟儿成双对，绿水青山带笑颜。随手摘下花一朵，我与娘子带发间。从今不再受那奴役苦，夫妻双双把家还……”《红楼梦》的“天上掉下个林妹妹……”只是觉得声音婉转悠扬，使得听惯了流行歌的耳朵生出新鲜感来，可是并不会引起多大的兴趣。一来是戏曲中所唱的离我们这一代年轻人的现实生活太远了；二来戏曲“好听”的也就是那么几段，每年春晚上形而上的搞一下，我们这些外行人听来听去也就是那么几个调调，与五花八门的流行歌比起来难免显得单调乏味；而且我们的生活节奏加快，学习与生活压力日益增加，根本就没有那种雅兴去听如此“小资”的才子佳人的“咿咿呀呀”。到今天，戏曲这个昔日的艺术界的贵族已经是少数人拥有的奢侈品了，对于我们这些“寻常百姓家”的儿女似乎懂不懂都无所谓，因为戏曲与我们这些新时代的大学生似乎真的扯不上关系。但是在选修了戏曲鉴赏这门课之后，对中国源远流长的戏曲文化有了一定的了解，对戏曲的基础知识有了总体的概念，最大的收获莫过于听到一段戏就不想停下来，深刻的感受到了戏曲的魅力。二．学习之中（一）首先，对戏曲的基础知识有了一定的了解。我们学习的内容大体来讲包括以下几个要点： 1.曲的行当：生、旦、净、丑 2戏曲的身段：戏曲演员根据人物身份的不同，出场、下场及在舞台中表演的台步也有固定的规范。优秀的程序演出是由内而外，目的是刻划戏中人物，重点在形神俱备。不同的人物用不同的程序化来表现，正是戏曲艺术不同于其他表演艺术的根本区别。戏曲是一代代戏曲表演艺术家经过长期的舞台实践留下的宝贵艺术遗产，戏曲艺术的表演手段，例如「四功五法」的「唱、念、做、打」和「手、眼、身步、法」，是历代戏曲表演艺术家们根据生活不断提炼、加工和编织，以人体动作为主要表现手段的一种戏曲表演形式。 3戏曲的舞台美术：包括人物造型和景物造型 4戏曲唱腔的结构形式：我国戏曲唱腔结构分为曲牌体和板腔体两种。曲牌

戏剧旦角

青衣旦中国戏曲中旦行的一种，北方剧种多称青衣，南方剧种多称正旦。按照传统来说，青衣在旦行里占着最主要的位置，所以叫正旦，扮演的一般都是端庄、严肃、正派的人物，大多数是贤妻良母，或者是贞节烈女之类的人物。年龄一般都是由青年到中年，没有老年，老年就变成老旦了。正旦表演上的特点是以唱工为主，动作幅度比较小，行动比较稳重。念白都是念韵白，一般不念散白，而且唱工相当繁重。典型的正旦戏例如《白蛇传》最后的一折《祭塔》，还有孙尚香听说刘备的死讯，到江边去哭祭的《祭江》，《孟姜女哭长城》的孟姜女，《雪梅教子》中的秦雪梅，《春秋配》的姜秋莲，《贺后骂殿》的贺后等都是正旦扮演的。这些戏基本上都是坐着唱，没有什么繁重的表演，是比较典型的、标准的青衣戏。当然有些正旦戏也是唱、念、坐并重的，比如像《宇宙锋》里的赵艳容，《三击掌》里的王宝钏，《汾河湾》里的柳迎春，《宝莲灯》里的王桂英等。这些虽然也是正旦戏，但是却要求唱、念、坐并重。从服装上看，正旦穿青褶子为多，所以正旦也称青衣或青衫。有的正旦，虽然也穿女蟒，或者穿宫衣，不管穿什么，除了蟒和宫衣是固定的式样花色以外，一般的褶子，色彩都比较素雅。比如《商林升天》中的秦雪梅，《陈世美不认前妻》的秦香莲，《汾河湾》的柳迎春，《芦林会》中的庞氏，《小姑贤》的梁氏，《清风亭》中的周桂英，《别宫·祭江》的孙尚香，《春秋配》的姜秋莲，《骂殿》的贺后，《法门寺》的宋巧姣，《浣纱记》的浣纱女等，都是属于正旦范畴的角色。在以前，妇女都比较有道德、知廉耻，稳重安详，所以在舞台上表演妇女一般的正常姿态，不管坐着、站着，或走路都要求保持稳重的姿态。另外由于正旦扮演的人物有很多都是属于命运不太好的，有的遭受遗弃，有的生活上很困苦，穿的服装也非常朴素，所以另外还有一个名称叫作苦条子旦角，这跟前面说的苦条子老生是一个意思。青衣还有一个名词叫正旦。这跟前边说的正生，及后边的正净差不多的意思。就是说在一个行当里，是中心的、主要的部分。按照传统来说，青衣在旦行里占着最主要的位置，所以叫正旦，青衣扮演的一般都是端庄、严肃、正派的人物，大多数是贤妻良母，或者旧社会的贞节烈女之类的人物。年龄一般都是由青年到中年，没有老年，老年就变成老旦了。青衣表演上的特点是以唱工为主，动作幅度比较小，行动比较稳重。念白都是念韵白，一般不念京白，而且唱工相当繁重。典型的青衣戏例如《白蛇传》最后的一折《祭塔》，还有孙尚香听说刘备的死讯，到江边去哭祭的《祭江》，《二进宫》的李艳妃，《三娘教子》的王春娥，《春秋配》的姜秋莲，《贺后骂殿》的贺后等都是青衣扮演的。花旦，是中国戏曲旦行中的一支，区别于正旦（北方剧种多称“青衣”）、武旦和老旦。扮演的多为天真烂漫、性格开朗的妙龄女子。也有的是属于泼辣，放荡的中、青年女性。影视界所称的“当家花旦”，指的也是善演这样角色的演员，想来是从戏曲中借用的称谓。 [特点] 花旦的特点：一是穿着。除某些性格内向的闺门旦，着长衫（戏里称褶子、帔），多是着短衣，或裙子、袄，或裤子、袄。着裤子、袄时，配以坎肩、“饭单”（即围裙）、“四喜带”（即自腰前方，下垂于两腿中间的饰物）。《拾玉镯》中的孙玉姣，《游龙戏凤》中的李凤姐，着裤子、袄。且李凤姐为正旦、闺门旦“两门抱”（即兼演），孙玉姣则正旦不演。二是“四功”。以念白、做功为主。念白，多用流畅的散白，表演要求敏捷、伶俐。尤其以眼神犀利，腰肢、脚下灵巧为首要。唱功为辅，舞则必备。如属刺杀旦，扑跌功夫也不可少。 [词源] 花旦一词，来自元代夏庭芝的《青楼集》:「凡妓，以墨点破其面者为花旦。」元杂剧就有花旦杂剧一类。朱权在明朝洪武三十一年所著的《太和正音谱·杂剧十二科》更把花旦杂

戏曲表演的四种艺术手段唱念做打

戏曲表演的四种艺术手段——唱念做打戏曲表演的四种艺术手段，也是戏曲表演的四项基本功。唱指歌唱，念指具有音乐性的念白，二者互为补充，构成歌舞化的戏曲表演艺术两大要素之一的“歌”。做指舞蹈化的形体动作，打指武术和翻跌的技艺，二者相互结合，构成歌舞化的戏曲表演艺术两大要素之一的“舞”。戏曲在长期发展的过程中，逐渐融合唱念做打各种艺术手段，为搬演故事、塑造人物服务。早在汉代百戏中就有《东海黄公》的节目，通过武术和杂技，表演简单的故事。唐代盛行歌舞，以载歌载舞著称。宋杂剧演出分“艳段”、“正杂剧”、“杂扮”三部分，把歌舞、戏剧、杂耍集于一台，起了相互影响和融合的作用。元杂剧在表演上已有简单的武打。明代弋阳、昆山诸腔勃兴以后，在声乐和舞蹈技艺的结合方面渐趋完善。清乾隆、嘉庆年间，徽调与汉调合流，继承昆、弋的传统，吸收各种地方戏的优点，逐步向京剧演变，大致到了同治、光绪前后，一个以唱念做打多样统一的完整艺术形式才臻成熟。戏曲剧种为数众多，表演上运用的艺术手段各有侧重。大抵搬演生活小戏的花鼓、采茶等系统的剧种，载歌载舞；由坐唱形式搬上舞台的滩簧、曲子等系统的剧种，侧重说唱；昆曲、高腔、皮簧、梆子系统的剧种，唱念做打四功并重。中华人民共和国成立以来，各剧种相互促进，共同提高，上述差别已逐渐缩小。目前，各剧种大都具备了唱念做打的艺术手段。戏曲演员按照传统的规程，从小就从唱念做打几个方面接受严格的基础训练，充分掌握了基本的技法和程式，熟悉了各种音乐语汇和舞蹈语汇，而后才能进行艺术创造。戏曲谚语说，“师傅领进门，修行在个人”，“领进门”是指口传身授的传艺，“靠个人”则指个人的揣摩、发挥与创造。戏曲演员幼时一面苦练基本功，一面拍曲学戏，学会几出或十几出传统折子戏后，就开始登台演出，在艺术实践中逐渐学会体验角色，熟悉并发挥唱念做打的艺术功能。缺少基本功，就失去创作的手段；仅擅基本功的技法和程式，也是难于创造鲜明的艺术形象的。基本功之一：唱学习唱功的第一步是喊嗓、吊嗓，扩大音域、音量，锻炼歌喉的耐力和音色，还要分别字音的四声阴阳、尖团清浊、五音四呼，练习咬字、归韵、喷口、润腔等技巧。当演员掌握了这一切时，更重要的则是善于运用声乐技巧来表现人物的性格、感情与精神状态。几百年来，戏曲美学中一直有传声与传情的分歧，有的演员侧重音色和唱腔旋律的美，讲究唱出韵味；有的演员则着重中气充沛、字正腔圆，主张首先要唱出感情。卓越的演员大都把传声与传情结合起来，通过声乐的艺术感染力，表现剧中人的心曲。

南京大学考研真题戏剧戏曲学

一名词解释 1.阿里斯托芬 2.李渔 3.景深 4.特吕弗 5.纪录片 6.类型片 7.《棋子》 8.台湾新电影 9.《伪君子》 10. 二简答题 A组 1.什么是镜框式舞台 2.《日出》的故事梗概 3.《茶馆》的戏剧结构 B组 1.什么是作者论？ 2.小津安二郎的电影风格 3.什么是独立电影三论述题 A组 1.结合具体作品，谈谈你对悲剧冲突的认识。 2.从编剧技巧角度来分析《压迫》（或《获虎之夜》）的技巧。 B组 1.结合最近你所看的电视剧，总结电视剧有什么特征？ 2.题目忘记了。剧本写作《今夜谁也不许离开》为题写一个小戏，可以是舞台剧小品或者是微电影剧本。名词解释： 1、春柳社 2、闲情偶寄 3、荒诞派戏剧 4、戏剧情境 5、北京人艺 6、纪录片 7、特写 8、奇观电影 9、斯皮尔伯格 10《太阳照常升起》简答题（二选一）第一组： 1、简述戏剧冲突 2、《原野》是一部怎么样的作品 3、 19世纪社会问题剧的社会意义第二组 1、方位与角度对电影的影响 2、美国喜剧电影特点 3、介绍一部贾樟柯的电影论述题（也是二选一）第一组： 1、简述崇高与悲剧的关系

2、易卜生对中国现代戏剧的影响第二组 1、电影与电视的区别 2、梅里爱对电影的贡献专业课二，剧本创作炎热的夏天傍晚，一件普通旅馆的客房内，一个中年女人正在打开旅行箱。她刚到此地，前两天儿子的大学辅导员要求和她见面说一件非常重要的事。这时，敲门声响起…….. 要求：舞台剧剧本，地点房间内，人物以中年妇女为主可根据剧情添加，题目自拟一、名词解释必做 1、《闲情偶寄》 2、莫里哀 3、安提戈尼 4、残酷戏剧 5、6、爱森斯坦 7、国防电影 8、 9、 10、二、简答题选 4 个 1、悲剧美感的特征 2、长镜头理论 3、 4、三、论述，选 2 个 1、试分析正剧理论与近代文化的动力关系 2、阐述布莱希特的“史诗理论” 3、为什么说“电影是物质现实的复原”（克拉考尔） 4、为什么说电视是大众艺术？名词解释：左传四库全书四大南戏残酷戏剧边城爱森斯坦国防电影简答《围城》思想内容《天下第一楼》的悲剧性现代叙事和好莱坞经典叙事的区别纪录电影的美学特征论述《野鸭》在易卜生剧作中有何重要意义？电影语言的发展历程专业课二：评论写作老舍《茶馆》《长生殿》费穆《小城之春》名词解释第四堵墙缀白裘角色制荒诞派戏剧

戏曲学习分享

传承经典，共享文化 -----传统戏曲素养培训学习分享亲爱的同事们：大家好！今天我是带着使命站在这里的！首先感谢学校给了我这么一个参加传统戏曲国培的机会！ 11月19日我带着一颗虔诚的心参加了音乐教师传统戏曲素养培训班。之所以乐意参加这么一个培训班，源于自己儿时的喜爱。小时候过年每个村子都会请戏班子到村里唱大戏，印象最深的是《七仙女下凡》，长大了才知道是剧名叫《天仙配》。我们一帮同龄孩子看过后在一起模仿，我就演那个肚子疼的那个仙女。七岁的时候，我们三个小朋友，一个男孩子两个女孩子一起拿着一面锣偷偷去打地花鼓，回到家里，被爸爸罚跪了一个晚上，理由是职业歧视。在这里我想对我的同行们说：成长和成功的标准不止一个，科学家和造型师同样值得尊敬，请小心呵护孩子刚刚萌芽的兴趣嫩芽！培训班安排了五天满满的培训课程。“育人先育己，正人先正己。”无论何时，何地，我都记住了自己是一名优秀的教师，坚持遵纪守法、以身作则，自觉维护教师形象。于是我以最快的速度融入这段培训时光，安心、专心、静心的积极参与每一个培训环节。主动与培训机构联系，了解国培班的安排。在我看来培训是国家免费提供给教师们的，是一个机遇，能接触到国培高端培训，是我教育教学生涯中的幸运。在国培班，与京剧、汉剧、黄梅戏、越剧、豫剧的名家面对面学习，交流，了解中国戏曲史。老师们言传身教的展示了以实化虚，化无为有和以实代虚，无中生有的戏曲特征，再到物以类聚，人以群分的戏曲行当概述，以及唱、做、念、打四种戏曲表演手段简介，还有那些紧贴教学内容的戏曲视频赏析，一幕幕精彩的剧情，一个个鲜活的人物，真是一颦一笑，一嗔一怒皆成戏。我们跟着老师们的又唱又跳又舞地进行六天戏曲实践。同时也与一线名优教师对话，与来自三湘四水的同行交流，汇报演出。这是对于我从教23年教学生涯的一种激励、唤醒和鼓舞，从而也收获原来未曾深入了解过的戏曲知识、开阔了我的视野，更新了教育理念，收获了信心、力量和正能量。对待孩子和团队都一样的，最简单的方法就是“言传身教，以身作则”，只有以身作则，才会令行禁止。我准备把培训中的成果——理念、知识、能力等应用于自己教育教学实践中，立足现实，结合当下的条件，实现戏曲进校园的创造性转化，创新性发展，作用于孩子们的精神成长。文化熏陶和传承中华美学精神，是每个教育者义不容辞的责任。戏曲大多托物言志，喻情喻理，在以后教学中我要多进行戏曲欣赏，戏曲实践，让孩子在看戏中了解浅显的道理，树家国情怀，立精神家园，让孩子达到知情意行的统一，不要说一套做一套。从现在开始中华文化的传承，为的同事和同行做好示范引领。王尚纯2017.11.26

戏曲表演的艺术特征(资料)

中国的传统戏剧有一个独特的称谓:“戏曲”。历史上首先使用戏曲这个名词的是元代的陶宗仪，他在《南村辍耕录?院本名目》中写道：“唐有传奇。宋有戏曲、唱诨、词说。金有院本、杂剧、诸宫调。”但这里所说的戏曲是专指元杂剧产生以前的宋杂剧。从近代王国维开始，才把“戏曲”用来作为包括宋元南戏、元明杂剧、明清传奇以至近代的京剧和所有地方戏在内的中国传统戏曲文化的通称。戏曲的艺术特征主要有： 1、综合性戏曲作为表演艺术,是时间艺术与空间艺术的综合。各种不同的艺术在戏曲中是与表演艺术紧密结合的。例如戏曲中的服装和化妆，除用以刻画人物外，还成了帮助和加强表演的有力手段。水袖、帽翅、翎子以及水发、髯口等，都不仅仅是人物的装饰，而且是戏曲演员美化动作、表现人物微妙心理活动、刻画人物性格的重要工具。戏曲的这种与表演艺术紧密结合的高度综合性的特点，是经过了漫长的历史发展过程逐渐形成的。中国戏曲是以唱、念、做、打的综合表演为中心的戏剧形式。它拥有丰富的艺术表现手段。从艺术因素的构成看，戏曲的发展来源主要有 3个：歌舞、滑稽戏和说唱。由于中国历史上从来就有把各种不同的表演艺术集中在一个场所进行演出的传统习惯，这就促进了各种艺术的交流和结合。它的与表演艺术紧密结合的综合性，使中国戏曲富有特殊的魅力。它把曲词、音乐、美术、表演的美熔铸为一，用节奏统驭在一个戏里，达到和谐的统一。这样，就充分调动了各种艺术手段的感染力，形成中国独有的节奏鲜明的表演艺术。唱：是戏曲演出中剧中人物进行内心情感抒发或叙事的主要方式，根据不同的剧种，采用不同的音乐形式。就唱词而言，一般可以分为两种类型，一为曲牌体，如昆曲、高腔等；一为板腔体，如京剧、评剧、各类梆子戏等。念：是戏曲演出中对人物间的对白或独白的总称，是一种诗歌化、音乐化的戏剧语言。一般的剧种所用念白与剧种所在省份的地方音大致相同。京剧念白有京白、韵白之分，前者用湖广音、中州韵，后者用北京方音稍加变化。昆曲则用韵白或苏白。做：是对戏曲演员的身段、表情、气派、风度等表演的总称。是戏曲表演的主要组成部分，也是舞台行动的主要组成部分。戏曲的做，多为程式性的动作，大都写意。打：指戏曲中对点头场面的表现手段，也叫“开打”，有时表现两人的对打，有的则是集体的战争场面。戏曲的开打具有极强的舞蹈性、程式性和表现性，也多写意而非写实。打：指戏曲中对点头场面的表现手段，也叫“开打”，有时表现两人的对打，有的则是集体的战争场面。戏曲的开打具有极强的舞蹈性、程式性和表现性，也多写意而非写实。2、写意性 “写意”这个词在绘画中是与“工笔”相对的，用于戏曲则应与“写实”相对。据此，可以说中国戏曲是一种写意的舞台艺术，它不是写实的。戏曲把无限丰富的生活内容凝炼成为极其有限的舞台形象，把实境升华为意境，让观众见一叶而知秋，这是中国戏曲的内在美学规律。许多生活内容，戏曲并不赋与舞台形象，却在观众的想象中展露。“目见”极少，“想见”极多，而“想见”却来自“目见”，戏曲就是在这种虚与实的统一中显现出一幅幅的生活图画。戏曲的音乐、表演、舞美，无不具有写意性。仅从面部化妆看，花脸中的“碎脸”，像个花鸡蛋；马武的胡子是红的；窦尔墩的脸是蓝的；青面虎的脸是绿的。在实际生活中谁也没见过那幅面容，但它却能显现性格特征，这就是戏曲造型的“意象”，而非“实象”。观众决不会说“他不像人” 因为“意象”是从“实象”来的，是“实象”的高度提炼与夸张。它比“实象”更为鲜

地方戏曲在当今时代的存在价值及传承方式

地方戏曲在当今时代的存在价值及传承方式 ——以秦腔为例汉语言文学1班郭子婷 201430040139 摘要：中国戏曲，是中国传统艺术宝库中的一颗明星，它自出现在人类文明起便已成为一种与众不同的艺术形式，它所具有的虚拟性、综合性、写意性都因其独特的魅力深深地吸引了世界的目光。除了已经列为世界非物质文化遗产的京剧和昆曲外，地方戏曲也不容忽视，它们都在孕育自己的土地上闪耀着不一样的光芒。虽然地方戏的历史都比较短，主要在20世纪初开始活跃于各地的戏曲舞台上，包括豫剧、越剧、评剧、黄梅戏等，它们都从民间小戏发展而来，具有当地浓厚的乡土特色，往往受到当地人民的喜爱，成为他们生活中不可缺少的一部分。但随着时间的流逝，地方戏曲在人民心目中的地位正逐步下降，人民也不再像以往一样喜欢欣赏地方戏曲了，能够接下前人戏班衣钵的年轻人也越来越少。然而地方戏曲在当今时代是否就失去了存在的价值呢？又应该怎么把它们传承下去呢？地方戏曲实际上在当代仍具有十分重要的文化价值，许多优秀的作品都应该在今后保留下来，成为中华民族的一个文化符号。关键词：地方戏曲；文化价值；戏曲艺术；传承与创新戏曲艺术，中国传统文化的瑰宝之一，早在昆曲被列入世界非物质文化遗产的时候便成为国际上中国文化的形象符号之一。由于与西方的戏剧在服装、舞台等方面存在着较大差异，形成了区别于戏剧的艺术形式，成为具有中国本土特色的兼具表演与歌舞的艺术文化。中国戏曲起源于原始歌舞，王国维先生认为中国戏曲实际起源于巫觋歌舞，也就是与巫术有关，而对于西方的戏剧起源存在着一种广泛认可的学说，那就是亚里士多德所提出的戏剧起源于酒神祭祀仪式的说法。由此可见，实际上不管是中国戏曲还是西方戏剧的起源都与巫术、祭祀有着十分密切的关系，这也正说明了戏曲来源于人民的生活，若想传承下去，也必须根据时代的发展和人民的需要进行与时俱进的创新，人民是戏曲艺术的最大观者，戏剧在保留传统优秀剧本的同时，也要添加能吸引人民眼球、满足人民兴趣的元素。地方戏曲实际上更符合不同地域人民的精神需求，地方戏曲的不同特色也往往是因为各地环境所造成的地域性格、兴趣不同而形成的，因此，在历史上的某些时期，地方戏曲反而取代昆曲、京剧成为人民中最受欢迎的剧种。但把视线放在当前，随着其他娱乐方式入侵人民的生活，地方戏曲的

中国艺术研究院戏剧戏曲学导师介绍

戏剧戏曲学著名导师刘荫柏，满族， 1941 年生，黑龙江拜泉县人。现为中国艺术研究院戏曲研究所研究员、博士生导师。中国作家协会会员、中国戏曲学会理事、中国关汉卿研究会理事、中国通俗文艺研究会常务理事。出版著作《魏征》、《李泌》、《马致远及其剧作论考》、《元杂剧史》、《洪升研究》、《中国古代杂技》、《中国武侠小说》、《西游记研究资料》、《封神演义导读》。并以上官云龙笔名写过武侠小说。 1996 年被评为有突出贡献的专家。王安奎，笔名安葵。男，汉族，辽宁省盖州人，共产党员。曾任中国艺术研究院戏曲研究所所长，现任《戏曲研究》主编、研究员、博士生导师、中国戏曲现代戏研究会副会长、中国戏曲学会副会长、中国昆剧研究会副会长、武汉大学兼职教授。已出版的专著有：《当代戏曲作家论》、《新时期戏曲创作论》、《戏曲拉奥孔》、《海边评剧》、《张庚评传》。参加了国家重点科研项目《当代中国戏曲》的写作，任编写组负责人。任国家重点科研项目《中国当代戏曲史》负责人。《昆曲艺术大典·历史理论点》主编，《戏曲理论与戏曲思维》《昆曲创作与理论》（与人合作）。章诒和，曾用名章愚，章愚愚，女，1942年9月生，汉族，安徽桐城人。中国艺术研究院研究员、博士研究生导师。1963年毕业于中国戏曲研究院戏文系，1979年调中国艺术研究院戏曲研究所。中国戏曲家协会会员、中国俗文学会理事。主要成果：专著《师友集》、《中国戏曲艺术通论》（合著）、《中国俗文学概论》（合著）、《中国戏曲》（合著，主编兼主笔）。姜昆，全国政协委员，中国曲艺协会副主席、分党组书记。国家一级演员。少年时就读于北京灯市口中学，毕业后，上山下乡到黑龙江省生产建设兵团十六团， 1975年被选到黑龙江代表队，次年参加全国曲艺汇演，后被中国广播艺术团选中，在国家级一级说唱团当相声演员，从师马季。1978年创作相声《如此照相》获全国曲艺大奖一等奖，同年年底，当选为中国曲艺家协会理事。 1983年的春节联欢晚会邀请他当主持人,自此，他的艺术生涯又开始了一个新的阶段。十几年来，他奉献了一个又一个精品相声：诗歌与爱情、错走了这一步、虎口遐想、电梯风波、着急、学唱歌、照相…… 1985年，姜昆当选中国曲艺家协会的副主席、中国广播说唱团团长，并被选为中华青年联合会常委。作为中国的第八代相声传人，他在中国以现实知识为特征，在相声界竖起了一面旗帜，作品雅俗共赏，言意新颖，内涵丰富，笑料隽永，他高超的艺术表现，使他获得了中国唱片界的最高荣誉——“金唱片奖”。 1995年，他辞去了中国广播说唱团团长的职务，担任中华曲艺学会会长，潜心在相声领域，编辑了200万字的《中国传统相声大全》，成为研究中国相声珍贵的权威性资料。而他创作的《姜昆相声集》是中国相声人手一册的教科书。1998年，他出版自传《笑面人生》，第一年销售就突破四十五万册大关，在中国销售排行榜上名列第二。同年，他创办了中国相声网，把世界的笑引向中国，把中国的笑洒向世界。2001年他担任中国艺术研究院曲艺研究所所长，及研究生院硕士导师。致力于曲艺通史和理论的编写和出版，由他主持、数十位全国曲艺史论研究专家合作完成的国家级中国曲艺史论，历时三年完成。史论分《中国曲艺通史》与《中国曲艺概论》两卷，堪称近年来曲艺研究领域的集大成之作。 2004年11月至今，姜昆担任中国曲艺家协会分党组书记。

首饰讲解

现如今新红楼炒的沸沸扬扬，何种质疑与赞同扑面而来，也受到了媒体的大为关注。就拿新版《红楼梦》结局来说让林黛玉“裸死” ……真是吸引了很大的眼球，不知道曹雪芹看了会怎么样上午和朋友看了新红楼。差就不用说了。服装造型尤其接受不了。也许我的审美已经跟不上时代了。但曾经学习的一点点中国历史告诉我。红楼的女子穿成那个样子是相当不靠谱滴。于是好奇之下便在天涯里看了关于古代女子的贴。其图精美让我满心是对劳动人民的敬仰。87红楼不愧是经典。几乎完美的诠释了金陵十二钗的装扮。唏嘘之余。要感谢曾经红楼的主创。他们的真诚和努力让我们在细节上看到了不可替代的红楼一梦。红楼里王熙凤是第一个出场时详细描写了扮相的女子（衣着不写。只提首饰。所以只能说是扮相。本人语文不好。只想出扮相这个词。望大家多多担待）原文说：头上戴着金丝八宝攒珠髻，绾着朝阳五凤挂珠钗，项上戴着赤金盘螭璎珞圈，裙边系着豆绿宫绦，双衡比目玫瑰佩，身上穿着缕金百蝶穿花大红洋缎窄褃袄，外罩五彩刻丝石青银鼠褂，下着翡翠撒花洋绉裙。一双丹凤三角眼，两弯柳叶吊梢眉，身量苗条，体格风骚，粉面含春威不露，丹唇未启笑先闻这是凤姐的全身。发式是：金丝八宝攒珠髻首饰是：绾着朝阳五凤挂珠钗，这是首饰的特写

不知是不是古物。银制的。与朝阳五凤挂珠形似两侧的珠坠。应该是这样的凤姐珠坠的蓝色是古时打造首饰的特殊工艺，清时主要延续明朝的风格，点翠和烧蓝珠坠

点翠凤

手上的戒指。虽然书里没说。但是想想那么大户应该有的。道具没有忘记细节贵妇人的手啊两个宝石的戒指再给个凤姐，真的很贵妇

插入：给大家一点古饰的欣赏先用金或镏金的金属做成不同图案的底座，再把翠鸟背部亮丽的土耳其蓝色的羽毛仔细地镶嵌在座上，以制成各种首饰器物。据说，翠羽必须由活的翠鸟身上拔取，才可保证颜色之鲜艳华丽。翠羽根据部位和工艺的不同，可以呈现出蕉月、湖色、深藏青等不同色彩。后来，也由于保护鸟类及制作工艺的残忍而在清末民初由烧蓝工艺取代。但是从纯工艺的角度看，两者差距是显而易见的，想象下，光可鉴人的头油，配上这亚光且富于色彩变幻的点翠头面，那一个个戏中的人物是如何的出彩惊艳啊！而烧蓝，本身的釉色不是与发色相得益彰，反有喧宾夺主之虞。点翠：先用金或镏金的金属做成不同图案的底座，再把翠鸟背部亮丽的土这个细节放大。可以明显看出是羽毛

戏剧戏曲艺术基础知识讲解学习

戏剧戏曲艺术基础知识

1.世界上民族戏剧的源流归结主要有三大源流它们是：古希腊戏剧、印度梵剧、中国戏曲。 1. 希腊的三大悲剧家分别是埃斯库罗、索福克勒斯、欧里庇得斯。它们的代表作分别是《普罗米修斯》、《俄狄浦斯》、《美狄亚》。 2. 印度戏剧家首陀罗迦的代表作是《小泥车》，迦梨陀娑的代表作是《沙恭达罗》，跋娑的代表作是《惊梦记》。 3. 戏曲是对宋元南戏、元明杂剧、明清传奇、以及近代京剧、各种地方戏的总称。 4. 中国戏曲的特征可以概括为综合性、程式性、虚拟性、歌舞性。 5. 中国戏曲的起源发生有多种观点，如王国维的古巫古优说，此外还有印度梵剧说、影戏傀儡戏说、原始歌舞说、宗教仪式说等观点。 6. 西汉角抵戏的代表作是《东海黄公》。 7. 汉代司马迁的《史记滑稽列传》里记载了著名的“优孟衣冠”的故事。 8. 魏晋南北朝时期的歌舞戏主要有《代面》（兰陵王）、《踏摇娘》和《拨头》。 9. 唐代参军戏的两个主要角色是参军和苍鹘。 10. 北宋时期，“变文”被“鼓子词”所继承，用以说唱长篇故事。 11. 说唱艺术完全成熟的代表作是金代出现的董解元的说唱诸宫调《西厢记》。 12. 构成戏曲的主要来源是古代歌舞、说唱艺术、滑稽戏。 13. 瓦舍是一个集多种技艺、供艺人卖艺、观众观看的场所。 14. 宋杂剧是在唐代参军戏的基础上，广泛吸收歌舞、多种表演技艺，并将其进一步综合形成的。 15. 金院本是金朝在燕山（今北京）建都时逐渐形成的北方派杂剧。 16. 金院本与宋杂剧的不同点在于金院本中用大曲歌唱的节目很少；在属于艳段的节目形式上更加丰富；还存在着一类称为“院幺”的特有节目。 17. 南戏，又称南曲戏文、南曲、戏文。最初产生于浙江温州（又名永嘉）地区，故又称“温州杂剧”或“永嘉杂剧”。

中西方戏剧知识整理

中西方戏剧知识整理一、世界戏剧历史 1、西方戏剧诞生西方戏剧的曙光，普遍认为是古希腊悲剧，而古希腊悲剧则是源于古希腊城邦的狄俄尼索斯（Dionysus）的崇拜仪式。在祭典中，人们扮演狄俄尼索斯，唱“戴神颂”，跳“羊人舞”（羊是代表蒂厄尼索斯的动物）。古希腊悲剧都是诗剧，严谨古雅、庄重大气。表演时有歌队伴唱，史实表明歌队先于演员存在。关于这个起源，也可以参考德国哲学家尼采的早期哲学著作《悲剧的诞生》。 2、中国戏剧诞生就西方的定义来说，中国没有“话剧”的传统。不过一般在讨论中国戏剧时，若不以严格的定义划分，中国古代的戏曲应归入戏剧的大类。中国戏曲的根源在可以追溯到先秦到汉代的巫祇仪式，但是宋代南戏的发展才有了完备的戏剧文本创作，现存最早的中国古代戏剧剧本是南宋时的《张协状元》。元代时以大都、平阳和杭州为中心，元杂剧大放异彩。后世形成了诸多戏曲形式，也就是各剧种。明代的昆曲经过发展，首先得到士族大夫的追捧和喜爱，他们大量创造剧本，不断修改曲谱，同时修正昆曲的戏剧理论，并使得传奇剧本成为一种新的主流文学形式。随后昆曲又得到晚明和清代宫廷皇室的喜爱，成为贵族生活的一部分，成为获得官方肯定的戏剧艺术，故称“雅”；而以各地方言为基础的地方戏，广受民间喜爱，则称“花”。于是在清代形成了“花雅之争”，实际上是戏曲共同繁荣的局面。这丰富了戏曲艺术的门类，也形成了各自的艺术特色。台湾的戏剧研究学者曾永义提出一套说法，认为在讨论中国戏剧起源时，应该要区分“大戏”与“小戏”，大戏是成熟的戏曲，而小戏则是戏剧的雏型。大戏是在到了金元杂剧之后才发展完成，而之前的宋杂剧、唐代的代面、踏摇娘、钵头、参军戏、樊哙排君难等，都可列入小戏的行列，而中国在非常早之前，就有小戏。中国在与近代西方有文化接触前，没有西方意义上的“戏剧”（主要指话剧）传统。中国传统的戏剧为一种有剧情的，“以歌舞演故事”的，综合音乐、歌唱、舞蹈、武术和杂技等的综合艺术形式，也就是戏曲曲艺。 3、中国戏曲发展先秦时期→汉魏时期→唐宋金时期→元朝→元末明清时期→近代元代兴盛元杂剧剧本的主要组成部分包括1曲词2宾白3科范4宫调 1曲词：配曲的唱词。 2宾白：指古代戏曲中的道白。 3科范：指戏曲程式动作。 4宫调：乐曲曲调。中国戏剧在元代兴盛，形成了一个艺术上的高峰。原因何在呢？首先，从宋杂剧到金院本，再到元杂剧的诞生，遵循了艺术的内在发展规律。经过长期的艺术积累，终于形成了具有中华民族特色的，以唱、念、做、打的综合性为特征的戏剧表演形式。其中，散曲对杂剧结构的最后定型起了重要作用。就音乐而言，元杂剧每一宫调中选用的曲牌比之诸宫调要丰富得多，可以充分地表演一段情节，符合戏剧冲突从形成到发展、到高潮、再到解决的结构。

戏剧与影视学

戏剧与影视学（一级学科）研究生培养方案（2012年修订）指导思想根据艺术学学科的特点和国家对本学科人才的需要，确定戏剧与影视学一级学科研究生的培养目标；坚持“宽口径、厚基础”的原则，参照国际通行的在一级学科培养研究生的经验；兼顾本科生、硕士生和博士生之间的衔接，建构“塔型”人才培养体系；遵循教育规律，提高教育质量和办学效益；因材施教，体现特色；追踪当代学术最新发展，培养具有现代知识结构的复合型人才。硕士研究生一、硕士生培养目标 1.具备戏剧与影视学方面比较扎实的基础理论和比较广博的专业知识；具备运用所学理论、知识独立解决实际问题的能力；能够从事戏剧与影视学及相近学科的教学、科研，以及文化、传媒、新闻、出版、管理等方面的工作。 2.掌握一门外国语和计算机应用。 3.德才兼备，身体健康。二、硕士生招生 1.统招生符合研究生报名条件，参加全国研究生统一考试，考试成绩合格并进入当年招生计划范围内的考生，可参加研究生复试。复试及思想表现审查合格者，可录取为当年硕士研究生。硕士生统招生考试和录取均在一级学科进行，分初试、复试两段：初试科目：（1）戏剧影视基础；（2）评论写作。复试：初试合格参加复试者，按专业及外语成绩排序，差额复试。复试包括专业知识面试、外语口语听力面试、专业课程笔试。笔试科目为考生报考（二级学科）的专业课程。考试科目：戏剧戏曲学专题、电影学专题、电视艺术学专题。 2.免试生 “985”、“211”学校具有推免资格的应届本科毕业生，可申请免予参加全国研究生入学考试，经审查并面试合格后直接录取为硕士研究生。三、硕士生课程设置为适应国家建设和社会发展的需要，硕士生课程设置淡化专业界限，鼓励学科交叉，增设前沿性学科，为学生在较为广阔的领域接受教育创造条件，以利于培养复合型人才及其个性的自由发展。根据《中华人民共和国学位条例实施办法》，硕士生须修满32学分（非戏剧与影视学专业本科毕业及同等学力学生须补修4学分戏剧影视学专业本科段课程），并通过硕士学位课程考试合格者，方可申请学位论文答辩。全部硕士生课程由A、B、C、D四类组成：（1）A类必修课（校级公共课程，9学分）；（2）B类选修课（以一级学科为基础的公共学位课程，学生选修不少于6--9学分，；（3）C类选修课（以二级学科为特色的专业学位课程）；（4）D类选修课（其中跨一级学科选修不少于1门）。为建立开放的课程体系，鼓励学生选修外校（原则上限定为首批“985”学校）学科专业课程，选修暑期学校（本校和外校【界定同上】）课程，该课程作为D类课程，计入学分。来华留学硕士研究生课程：

京剧中旦角化妆的步骤_美容

京剧中旦角化妆的步骤_美容京剧中旦角化妆的步骤时间:2010-09-04 22:41 来源:美容Tag:化妆步骤(26) 点击: 24次┊ 2010年09月03日一、旦角的面部基本化妆步骤京剧的旦角，包括青衣、花旦、马刀旦、武旦，在演出前都要根据剧中所扮演的人物特点进行面部和头部的化妆与装饰。旦角的化妆分为拍底色、拍腮红、定妆、涂胭脂、画眼圈、画睫毛、画嘴唇、勒头、贴片子、梳扎、插戴头面等程序。1、拍底色：底色由红、白色的化妆油彩调配成嫩肉色。底色的深浅要根据舞台灯光的强弱、人物的春秋、身份而加以区别。拍底色的挨次是先脑门、鼻子、下巴后拍两颊、两腮和脖子。要注重是拍底色，不是抹，而且必得拍均匀。还要注重眉眼、鼻窝、嘴角、眼角等细小部位要面面俱到，既不要色彩太薄，露出肤质本色，也不要太厚，如戴面具。2、涂腮红：以大红色化妆油彩为主，略加玫瑰红色。方法是从眼窝、鼻梁两侧开始，压住睫毛，再由上而下、

由中间向两侧，由深渐浅地均匀地拍打，直到与底色融为一色。以上眼皮部位为最红，要注重鼻梁、嘴角与底色衔接的部位要自然过渡，不要有明显的红白界线。涂腮红时在技巧上要注重根据脸型的特点加以变化，起到弥补缺陷、美化脸型的作用。如圆型脸可把腮红上下拉长；长型脸可把腮红向横向拉宽，再通过贴片子的技巧来帮助演员转变脸型的长短胖瘦。3、定妆：即敷粉，在拍打的油彩上敷上一层薄薄的脂粉，可以使油彩的造型固定在脸上。敷粉应先从脑门、鼻梁和底色部分隔始，然后敷腮红部分，敷好后再用板刷轻轻掸去浮粉。4、涂胭脂：用大红、荷花、赫红等颜色的胭脂涂在腮红的部位。方法是从眼窝和鼻梁两侧，睫毛以下开始，自上而下、由浅至深。重点要突出的是上眼皮，下眼皮和两颊要逐渐过渡到与底色一样的深浅。胭脂的作用是使面部色彩更加鲜艳。5、画眼圈：秋水是心灵的窗户，更是演员揭示人物心情的要害部位。所以画眼圈要画出生动的神韵来，才能起到烘托演员的表演的作用。同时，画眼圈也要根据演员的秋水大小、脸型胖瘦，进行比例的夸张。画眼圈用的是眉笔或锅烟，从下眼皮画起，加宽上下眼圈的轮廓线。旦角演员基本是以风眼的形式，外眼角略往上挑，给人娇媚之感。眼小者，眼圈线可画得大一些；眼大者，眼圈线可画得小一些；眼圆者，眼圈可画得长一些；眼长者，眼圈可画得圆一些；两眼近的可以拉开距离；两眼距离远的可

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