第二课水彩画的创作方法与步骤
第二课水彩画的创作方法与步骤 (第五单元)
水彩画创作的方法与步骤包括如何进行构图，如何进行人物及景物的选择，画素描稿，画色彩稿和落幅创作等五个大的方面。
一、构图
构图是画家在创作中对构思、主题、形象进行表现的一个重要步骤，是水彩画创作中把构成画面所需的形象与素材进行整体布局和统筹安排的艺术，是创作中将画面各部分通过组合、配置、对比和在有限的平面框架内对所要表现的物体、空间进行组织并构成画面的特殊形式，是体现水彩画家创作意图和创作思想的手段。总而言之，构图是指如何把人、景、物等最合理地安排在画幅中以获得最佳布局的方法，是表现创作意图的全部手段的总和。
构图通常被称为“章法”、“布局”，亦称“经营位置”、“置陈布势”、“结体”和“锁笔”等等。在水彩画创作中，水彩画家利用视觉要素在水彩纸上按照一定的空间把物体组织起来，将诉诸视觉的点、线、面、水、色、形态、明暗、光影等进行有序的组合。水彩画家借助于水彩的语言通过主题展示给观众，因此，在水彩画的创作中，创作主题和思想及其表现手段要比构图更先考虑。
构图不是目的而是手段，它是作品全部绘画语言的组织方式。构图以将内容通过形式结构的布置而得到恰当表现为原则的，只有主题和形式得到统一时，才能产生更加完美的构图。构图的任务在于尽最大的可能阐明画家的构思，正如米勒所说的那样:构图就是把一个人的思想传递给别人的艺术(图161)。
构图有一定的规律。即把画家所要表现的主题以及与主题有关联的所有物体、道具和空间放置在一起而产生某种艺术形式，这里包含着阐明、强调、浓缩、隔
离、增添、删减、后加、利用、选择以及抵制等理念，而且还包括了概念、主观意识等，这是构图中不可缺少的过程。
画家在确定了一个主题之后，首先必须研究有关如何表达这个主题和突出这个主题的问题。深入探求一个主题，意味着从各个方面去思考它——主体的确定、主体的大小、主体的角度、主体如何说明主题、其他客体如何来为主体服务、明暗布局如何、色彩布局如何等，意味着采取何种表达形式更能表现主题这些关键因素。
图162《一个世纪始与末的对话》汪
晓曙图161《舞蹈演员》(水彩)汪晓曙
画家对构图原理的探讨往往是从有关的秩序这个角度来进行的，认为画面构成有一种秩序。古代希腊人认为黄金长方形(黄金分割)代表着数字规律的美，把黄金率定为一切构图的基本法则。认为美与和谐是由秩序而产生的，正如莫罗所说:“秩序”与“协调”是互相联系的。他断言一幅画在根本上是很有秩序的，有秩序的组织画面才能成其为构图。“秩序”是指每一样东西都被安置在合适的位置上，其结果是清晰、单纯，普桑把这种秩序称之为“适合性”。无论是适合、秩序、和谐，都包含在通常所说的“多样统一”这一构图的根本规律中，这也是绘画在技法表现中的根本原则。绘画创作中所有要表现的东西，都是从对立统一这一基本法则出发的，也是对应、均衡等原理的基础(图162)。
绘画构图中的秩序包含对称、比率、节奏三个方面的因素。
所谓对称，是美学的形式原理之一。对称是指构图中所有出现的物体在画面产生的黑白、比例、线条、明暗、色彩等重量的平衡。对称一词源于希腊语的Symmetros，原意是指同时被计量的意思，即是说两个以上的部分务必被一个单位完全除尽。在绘画中，对称指某一构成元素都可以与另一相应的构成元素有所呼应。
对称构图是人类在绘画，同时也包括建筑等艺术活动中最早认识的布局形式之一，汪晓曙的水彩画《一个世纪始与末的对话》(图162)就是对称构图的一个范例。对称构图给人一种稳定、严肃、庄重的感觉，这种构图形式我们称之为左右对称，实际上就是两偶对称。在这种构图中，还有一种形式是左、中、右三组物体的构图，这种对称宾主关系十分明确，主要物体往往是放在正中央。如叶献民的水彩画《瑶寨新村》那样，中间一组人物又分开两边对称，但画家在这种对称中追求画面各种人物不同的动态变化，以此打破由于过分对称而使画面显得呆板的现象。因此，绘画中的左右对称，绝不是数的对称，而只是一种视觉与比重上的均衡(图163)。
图163《瑶寨新村》(水彩)叶献民
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另外一种对称是画面中心造型的对称，这种对称是相对左右对称存在的。杜玉华的《凉山汉子》(图164)比较有代表意义。画家把凉山汉子放在画面中间，左右安排几只小羊，形成一个等腰三角形的布局，使得主体更加突出和稳定。这种构图在我国古代绘画中也用得比较多，但比较注意其中的变化。清邹一桂在《小山画谱》中就曾经介绍过这种章法:“布置之法，势如勾股。上宜空天，下宜留地，或左一右二，或上奇下偶，约以三出。”这实际上就是一种对称关系的体现，即形成三角形的布局，打破绝对对称均衡
而又有交错变化之势。潘天寿先生在绘画创作的实践中也得出这样的结
论:“在构图中以不等边三角形来表现主客体，才有疏密关系，才有远近距离感。”
图164《凉山汉字》(水彩)杜玉华
对称构图最应注意的就是在稳定中求变化，在和谐中求运动。正如中国画论中强调的开合关系:“开”是矛盾的展开，即“开局”;“合”是矛盾的统一，即“收
局”，如同文章的起承转合。如沈宗骞的《荠舟学画编》所叙:“折开则逐物有致，合拢则通体联络。”郑绩在《梦幻居画学简明》中也提出:“凡布景起伏处宜平淡，至中幅乃开局面。有分有合，一幅之布局固然，一笔之运用亦然。”
比率是指比例相互分割后的数量关系。古希腊人在进行艺术欣赏和评价绘画作品时，认为美只有在整体与各部分的比例配合中符合某种规律才能成立，断言美的主要方面在于“造型”，追求一种人为的符合视觉平衡的形式，遵循一种“数的秩序”。因此，出现了有关“寓变化于整齐”或“在杂乱中见整一”的原则。毕达哥拉斯学派便应用这个原则发现了“黄金分割”的最美、最和谐的比例，即是指在线或者面的比例中，以1?0.618之比是最为完美的。更突出的是他们研究出的黄金长方形，如果按照宽的长度截去一半，余下的一半仍然是黄金长方形，在这个新的黄金长方形中，再按照它的宽截去一半，余下的也仍然是一个黄金长方形，这一过程可以无限循环下去。
自古希腊以后，无数画家在他们的创作中都运用着“黄金分割”这种比率。达?芬奇的不朽之作《蒙娜丽莎》就是按照“黄金分割”的比例来进行构图的。黄亚奇的
)也较好地运用了“黄金分割”来进行布局:作品的外框就作品《祈盼》(图165 是一个黄金比;中心人物处理在画面的黄金点上;安排左右人群时，人物所占画的长度比例正好是以画框高的黄金比来确定的，还有视平线也是安排在画面的黄金点上，决定前景人物上部界限，然后将所有人物都安排在左右对折以后的两个正方形之中，完全利用黄金比来完成作品布局。
图165《祈盼》(水彩)黄亚奇图166《孟蜀宫伎图》(中国画)[明]
唐寅
在我国传统画论中，这种布局也在很早以前被提出，民间艺人常常把这种章法称之为“画分三截”。他们认为一幅画应分中、下、上来求生意，生意虽无一定格，其中却有至诚之理。
明朝画家唐寅的《孟蜀宫伎图》(图166)中，就表明画家在这方面有所领悟。虽然唐寅并不知道有关“黄金分割”的理论，但在构图布局中却运用得十分自如，与“黄金分割”的理论是异曲同工。《孟蜀宫伎图》是一幅表现宫伎的仕女画，画家把四个宫伎放在画的中下部分，人物的大小在画面的高度比例正好是
1?0.6左右，四个人物的身宽与人物间的距离也正好是这个比例，题款的宽也正好是落在画宽的“黄金分割”处。可见，”黄金分割”比率之美是所有中外画家在构图中不约而同的追求。
节奏在布局中是指一种有秩序的、有运动感的形式，它为画家提供了一种有规律的格局。自然界中所显示的一切运动规律都和节奏有关，现就有关构图中的节奏关系进行论述。
构图中的节奏是指画家进行画面布局时，物体与物体之间的排列规律，这种排列要符合一定的节奏关系。以汪晓曙的《西风烈》(图167)为例，在这幅人物群像中，画家对人物排列与组合是按照一定的节奏关系来进行布局的:将一个藏族姑娘安排在画面的右侧，其他人物的造型是按照一种有规律的放射状产生节奏关系的。如果没有这种有节奏的安排，画面势必会支离破碎，产生混乱的感觉，而且不易突出主要人物。同时，作者通过这种布局达到了作品中表现的正在行进中的运动感。
图167《西风烈》(水彩)汪晓曙
各种物体在画面布局中要有一定的疏密、聚散等律动规律，但又不能相等距离地重复，否则容易造成呆板和平淡的感觉。所以要注意虚实并举，这其中包括多少、轻重、浓淡、繁简等内容。李成在《画山水诀》中强调:“稠叠而不崩塞，实里求虚;简淡而恐成孤，虚中求实。”沈宗骞在《荠舟学画编》中认为:“疏密相生
相应，浓淡相间而相成。”潘天寿先生也在《听天阁画主谈随笔》中说:“画事之布置，极重疏密虚实四字，能疏密，能虚实，即能空灵变化于景外矣。”所以处理节奏过程中要明确这个道理，有虚才能显出实的自然生趣。中国画中颇讲究“计白当黑”，包世臣在《艺舟双辑》中说:“常计白以当黑，奇趣及出。”包世臣这话虽然是指书论，但对绘画也很适合。画中的空，不是虚无，更非真空，而是画中之画，也所谓是画外之画，空白也是处理节奏的手段和方法之一。
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二、形象塑造
在水彩画创作中，形象是指在画面上表现的一切可视的、画家所创造的形象，包括人物、动物、风景、道具等，但并不单指人物的形象。在一般的主题性创作中，人物形象的塑造是最为重要的方面。但在作品中出现的一切形象，从艺术创作而言，是指经过加工、提炼的艺术形象。
艺术形象是艺术区别于科学的一种反映现实的特殊手段。艺术形象是根据现实生活中各种现象加以选择、综合所创造出来的具有一定思想图169《人物素材写生》(速写)汪
晓曙
形象思维也是思维的一种。它遵循认识论的一般规律，即通过实践由感性阶段发展到理性阶段，达到对事物本质的认识;但形象思维又有其特殊的方面，它一般不脱离具体的形象，只是思维中舍弃那些纯粹偶然的、次要的、表面的东西。因此，它与逻辑思维并非互相排斥，而是相辅相成。绘画思维是画家对现实生活进行深入观察、体验、分析、研究之后，凭借种种具体的感性材料，通过想象、联想和幻想，伴随着强烈的感情和鲜明的态度，运用集中概括的方法，塑造出完整而富有典型意义的艺术形象，以表达画家的思想、观点和审美情趣。因此，绘画创作中
所进行的思维是受画家世界观指导和支配的，并受其对社会生活理解程度的约束，艺术修养与创作经验对正确运用形象思维具有积极作用(图169)。
事物通过感官而进入人的大脑，记忆将它们保存起来，想象又将它们加以组合，古希腊人称艺术为“记忆的女儿”。
伏尔泰认为:“想象这种天赋也许是我们借以构成观念甚至是最抽象的观念的惟一工具。”他把想象分成两种，一种是简单地保存对事物的印象，另一种是将这些想象千变万化地进行排列组合。第一种对我们的绘画创作是毫无意义的，因为它是消极的想象，而后一种被称之为积极想象的东西是绘画形象思维中十分有用的。
积极想象把思考、组合与记忆结合起来，把彼此不相干的事物联系在一起，把混合在一起的事物分离开，将它们加以组合，加以修改。但想象作为一种组合和分离，至少为画家聚集了许多的信息，通过这种信息，画家才有可能对形象产生一个比较完整的概念和认识，由此将它上升为艺术的想象和创造性的想象。当然，想象不能脱离记忆，是把记忆所储存的表象信息当作一种用来创造形象的材料。
想象要和敏锐的判断力一道才能发挥作用。它们不停组合记忆中的表象信息，纠正记忆中的错误，塑造出画家所需要的艺术形象。正是凭借这种想象，画家才能创造出他所要表现的人物，赋予他的人物以个性和激情，塑造出他的人物的表情与动态，将想象铺展开来，然后酝酿组合形象的办法。
绘画形象是由各个细节组织而成的，这在积极想象机能中能得到很多的启示。细节的想象不断把人们最喜爱的东西，即新奇的事物呈现在画家的眼前，使之任意地组合。在绘画中，对细节、对外貌的想象，应该处于统治地位。所谓的塑造，就是通过细节组合而形成整体形象的过程。
强调想象，目的在于抵制自然的抄袭，因为真实形象和艺术形象是完全不同的两个概念，就像摄影师拍出的照片和画家创作出来的作品一样，哪怕是同一个人物，同一种角度，同一种表情，但在绘画创作形象的深层意义上是截然不同的，这
里有一个质的区别。哪怕是同一个画家——当然是指真正意义上的画家，他所临摹的照片与原照片的效果也会完全不同。区别在于照片是利用外形、光影、色彩来复制人物，而绘画则有一个酿造的过程——即想象和塑造的过程。如同酒与水在外观上是相同的，但本质上酒就是酒，水就是水(图170)。
图170《阳光?沙滩》(水彩)汪晓曙
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这是一个非常复杂的问题，这其中又涉及到几个方面的因素，即画家对生活的感觉力、画家对绘画语言的把握程度和画家对艺术的理解方式以及画家的艺术修养。
画家首先要具备的是观察和描绘的能力，这种能力是按照事物的本来面目准确地表现，而且忠实地描绘未被画家心中的任何热情或情感修改过的状态。虽然这种能力对于画家是必不可少的，但仅仅在绝对必要和特殊情况下才加以运用，因为运用这种能力必须把十分活跃的思维力置于被动和服从外界对象的情况之下，这只是画家的基本功。
其次是感受力。这种能力越敏锐，画家的知觉范围就越广阔，他也就越能积极地去观察对象，不仅观察其外形，而且要认真观察和思考其内心。
然后是沉思。这种能力可以使画家熟悉造型、形象、思想和感情，并且可以帮助感受力去掌握这四者之间的相互关系。
再次则是虚构。画家凭借这种能力可以观察所获得的素材和速写来自由地进行组合和创造形象，不论如何观察人的表情、动作和外表，产生的形象和细节总是最能激发画家的想像力，并且总是最能使画家所描述的人物、情感和热情得到充分的发挥。
最后是判断。这种能力是决定应该以什么方式，在什么构图内，在什么程度上把上述几种能力中间的每一种能力都加以运用，以致将所有感受到的外部事物的特
征、形象、美感、色彩等都加以运用。从而排除毫无价值的东西，减去无关紧要的细节，提取较为重要的特征，集中精力刻画出自己最感兴趣的、最能表现画家创作意图和最为倾心的美的东西，塑造出完美的绘画形象。
正因如此，要发现这种想象如何区别于形象有清晰回忆是不容易的，同时要发现幻想如何区别于对形象的生动的回忆更不容易，两者都不过是一种记忆的方式而已(图171)。
图171《回来了》(水彩)郑智明
因此，在水彩画创作的形象塑造中，我们把形象分成第一性和第二性。第一性的形象是所要刻画的外部形象，这是原貌的再现，是指“形”，这是水彩画家首先要进行观察、分析、比较和研究的东西。这里面包括了物体的结构、比例、光影和色彩、体积与质感，是有限的、真实的存在，是一种技巧性表现，是画家通过这些来表现其第二性的载体。第二性是指想象所产生的深层认识，是通过第一性进行表现的内在思想。中国画常常是指“神”，它和自觉的意志并存，它的性质和第一性的性质不同，它包括了积极的创造因素，是一种二度创造，是形象的内涵关系。这是水彩画塑造形象的最为重要的东西，也是水彩画异于其再现艺术(如照相等)最为本质的区别，这种区别就在于想象、提取和扬弃。
形象的典型性、个性，是构成绘画形象的基础。
形象的典型性，是指艺术形象既带有鲜明的个性特征，又体现了一定社会生活的本质和规律，具有高度的概括性。绘画形象的典型性、个性并不能像文学作品和电影、戏剧等艺术形式那样可以通过语言的表述、情节的发展和矛盾的冲突进行表现，而只能通过水彩画形象的表情、动态、质感、色彩与明暗进行塑造，这种似乎简单而实际上是最为复杂的表现方式和手段构成了水彩画形象塑造的特殊形式。
人都是有个性的，由于表现的形式不同，所以往往产生某些人有个性，某些人没有个性的感觉，这是因为某些人的个性是体现在语言上，某些人的个性体现在行动上，某些人的个性则体现在精神状态中，其显现的形式不一样。在文学、电影、戏剧中表现个性是比较容易的，因为这类文艺形式本身就具备了空间、时间和语言等表现功能。而水彩画只拥有空间和凝固的一刹那的时间，因此，形象在这里起到最为关键的作用。
下面通过水彩画作品来揭示绘画是如何塑造人物形象和刻画人物性格的。罗克威尔是美国著名的画家，他的作品中对人物性格的刻画十分生动。罗克威尔的《拉拉队》画的是三个女学生正观看比赛的情节，画家表现了三种不同的女生性格:坐在中间的女生个性外向，紧握双手，睁大眼睛为自己一方鼓气助威;左边的女生性格图173《大风景》(水彩)朴承浩
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三、水彩画的创作过程
由于水彩画的特殊表现方式，水彩画没有覆盖性，不允许有过多的大的修改和大的变动，因此，水彩画在落幅之前，先根据构图绘制一张比较准确生动的素描稿是必不可少的步骤之一。
素描稿的绘制要注意以下几个方面的问题:
(一)画面布局
画面的整体布局是素描稿中必须要认真对待的，在素描稿中，人物与人物之间的距离，人物与道具之间的前后关系、空间关系、主次关系，必须要做到精确，人物、静物、道具的形、比例、结构一定要到位，甚至包括人物的衣纹处理、人物的表情处理等一些将要表现的细节，都必须在素描稿中比较深入地刻
画出来。只有把这些大的关系和细节都处理安排得比较准确后，在以后的落幅和正稿绘制过程中才能避免太多的修改，减少不准确再进行修改的麻烦。当然，在实际创作中进行适当的修改和调整也是不可避免的。
(二)画面黑、白、灰的安排
一般而言，我们的水彩画创作会比较多地采用明暗的手段来表现，由于不同的物体有不同的质感、不同的明暗变化、不同的固有色，会出现千变万化的明暗和黑白、灰关系，些东西要求在素描稿中有比较明确和肯定的交待，特别是在处理主次关系的过程中，通过明确与黑、白、灰的关系来进行突出主题和突出主体的安排，要做到心中有数，在落幅后不宜作太多的变动。
黑、白、灰关系到画面的构成原理，同时也关系到画面的艺术处理，合理地安排好画面黑、白、灰的面积、呼应、均衡和比重，也是一件水彩画作品必不可少的艺术语言之一，因此必须认真对待。
(三)人物形象
在水彩画正稿的绘制过程中，我们可能会比较多地注意到画面色彩的处理，水彩画技法的表现和各种水彩特技的处理。如果在素描稿中，对人物形象的处理比较深入和准确，在上正稿时就会轻松许多。素描稿必须把人物的造型、比例、结构，人物的性格、年龄、形象特征和表情等刻画得生动和准确。因此，在这个过程中必须对每一个形象要有一个可参照的范本。这就必须通过素描稿来完成，当然在此同时可以选用一些有一定细节的照片和写生稿来辅助完成。
在处理人物形象的过程中，要力求把握整体关系，做到虚实有序、明暗有序、层次有序，以利于在画正稿时能比较明确地知道画幅中什么地方虚，什么地方实，什么地方的表现要深入，什么地方进行取舍。
(四)落幅与画面制作
构思、构图、人物形象确定之后，进行作品的具体制作是水彩画创作成败的关键。
水彩画的创作与写生最大的区别在于两种表现手段是采用完全不同的程序来完成的。一般的水彩画写生，由于它有一个比较真实的对象为依据，因此可以像其他画种那样，从整体到局部，从后面画到前面。而水彩画的创作则不同，特别是水彩画的人物创作，而且是众多人物的创作，则采用得比较多的方法是局部完成，不可能一气呵成。因此在创作的绘制过程中要做到胸有成竹，尽管是局部地完成，但仍然要做到色调的统一，物体空间关系的统一，表现风格的统一，黑、白、灰安排的统一和光影变化的统一;要做到既有整体效果又要有细节刻画，在众多的深入刻画过程中不琐碎、不杂乱、不矛盾。
特别要强调的是，在一幅画中，各种不同的水彩画技法都要有所表现，不同物体的不同肌理都要用水彩的语言来进行处理，什么地方运用什么技法，什么时候采用什么特技，都要做到心中有数(图174)。水彩画的绘制是一个非常理性的过程，千万不能急躁。因为一时的急躁，往往由于某一局部的失败而使得创作前功尽弃，特别是该空白的地方，要始终保持清醒的头脑，强制自己不要过早去画。
另外，水彩画的制作过程仍然是一个创作的过程，既要基本按草图和素描稿来进行安排和表现，但又要时时把握在绘制过程中出现的情况来进行调整和随机应变，自始至终保持着对画面的新鲜感，随时修改不足，保留优点，克服出现的问题。
在绘制过程中还要强调一种自然的无拘束的表现意识，一般人都容易出现画草图、画小稿时都非常生动，而一到画正稿时就出现了僵硬、死板的现象，这除了有一个经验的问题之外，还有就是要保持一种平和的心态，要有失败的心理准备，才不至于在正稿的绘制中出现死板的现象。
图174《新疆风情》(水彩)汪晓曙
水彩画浅析 论文关键词:水彩画;水彩画语言;审美价值 论文摘要:本文论述了水彩画的发展概况，水彩画的独特语言特点及审美价值，以及中国水彩画与西方水彩画。水彩画在中国的发展相当成熟，在我们多元环境中，更加具有强大生命力。中国水彩画在世界水彩画中一定会熠熠生辉。 就绘画种类而言，水彩画在这个大家庭中可以说象是一股清泉，象是一缕阳光，如同诗一般的抒情，同时具有音乐一样的高雅。在历史的长河当中，为人所欣赏，品尝。在给观者带来审美愉悦的同时,也让我们更想去了解它的历史、语言、审美...... 一水彩画的发展阶段 水彩艺术历史久远，是人类绘画史最古老的画种之一，就本身而言是用水和颜料调和绘制而成的画面。按历史时间发展大致分为三各阶段：第一阶段为“古代水彩画”。这个时期可以上溯到古埃及、印度、希腊、波斯和中国。我国战国时期的帛画，可以称得上是“古代水彩画”。无论从设色以及画面的风格都体现出了水彩画语言的独特魅力。波斯王朝的细蜜画，也是倍受人观注的“古代水彩画”的形式，更有一种独特的感受。 第二阶段为“近代水彩画”。这个时期的水彩画，是我们现在所熟悉的狭义规定的水彩画。是指用水和水彩颜料调和在特制加工的水彩纸上所画的图画。它经过画家的实总结,形成了一套完整的与其他画种截然不同的技法，同时随着科学的发展，光色的运用以及素描光影等造型因素的结合，使画面充分发挥了水的作用,，形成独特的审美趣味。这些因素有机结合，形成了现代水彩画的独特风貌。 符合上述这个概念的水彩画，其历史并不太长，首先起源于17世纪的德国，18世纪的英工业革命带来了近代水彩画的繁荣，19世纪末才由西方传入中国。 在西方，当水彩画还处于初期尚未形成成熟画种之时，一些画水彩画的画家曾借鉴油画的绘画技巧，以此来提高水彩的表现能力。然而，长期的艺术实践中，水彩画由于颜料、纸张等特性，慢慢摆脱了油画技法的影响，逐步建立起一套完整的独特技法，从而建立了与油画相并列的独立画种。西方许多油画大师，同时也是水彩画家，如德国大师丢勒，英国的“水彩画艺术之父”桑德比，“水彩画艺术的保护人”门罗以及“写实风景画的开创者”康斯特布尔，法兰德斯的鲁本斯，荷兰的伦勃朗等。另外，毕加索、米罗、克利、夏加尔等大师的水彩作品颇为前卫性。使水彩画自由多样，一改前辈的严谨和规范。毕加索的原始、米罗的神秘、克利的幻觉，无不在各自的水彩画中得到了更宽泛的表现。 第三阶段为“当代水彩画”。当今世界水彩画融入了更多时尚的因素，由于新材料新工具的运用，再加上世文化的融合交流，使水彩画更加丰富，更加
浅谈初中美术课水彩画教学 发表时间：2019-01-09T11:23:45.343Z 来源：《基础教育课程》2019年2月03期作者：闵向军[导读] 水彩画形成于英国,传入我国已有百年历史。水彩画在中学美术课教学中占有非常重要的地位。 闵向军（甘肃省陇南市宕昌县哈达铺中学甘肃宕昌 748501） 摘要：1、水彩画的地位;2、水彩画是提高学生造型、色彩及审美能力;3、水彩画技术及其特点还具有许多实用价值; 关健词：初中美术；水彩画；讲解；画法；掌握 中图分类号：G633.67 文献标识码：A 文章编号：ISSN1672-6715 （2019）02-036-01 水彩画形成于英国,传入我国已有百年历史。水彩画在中学美术课教学中占有非常重要的地位。通常人们只认为水彩画是提高学生造型、色彩及审美能力的重要因素之一,其实在进入现代社会的今天,水彩画技术及其特点还具有许多实用价值。它可以直接应用在工业设计上。例如,建筑(房屋、桥梁效果图设计)、园林(景点、绿地、长廊等效果图设计)、装修、装璜、家具、服装以及工业产品制造设计的效果图 等均采用了水彩画技术。另外,水彩画工具简单、价格便宜,使用及携带方便,加之水彩画效果透明、明快、润泽,因而令人喜爱。 初中美术课水彩画部分的教学目的之一是使学生掌握水彩画的方法步骤和基本技法。因此在教学中,我首先通过范画、讲解,使学生了解、掌握水彩画的基本方法:干画法第一次涂色干了后再涂第二遍色,这样重叠着色下去即为干画法。此法不流、不混,可以从容作画;缺点是表现力差一些。湿画法头次上色未干就接涂第二遍颜色,反复接涂下去即成。此法画时比较急,需要学生有控制水分、时间的能力,一般要求学生在具有一定的绘画技巧之后运用才行。干湿并用有的地方用干画法,有的地方用湿画法。此法有快有慢,表现力强,中学生易于掌握。在整个水彩画教学过程中,应重点传授干湿并用法,以求收效快、效果好。 一、指导学生有效地利用干湿并用法,胸有整体,局部画起。 所谓胸有整体,是指学生除了要有必备的素描色彩基础外,还要有对画面的整体构想:色彩基调,远、中、近、大层次关系等。局部画起,是指把画面分成若干部分逐个完成。这种方法可使学生精力集中,绘画范围缩小,水分和时间容易控制,干湿画法并用得当,从而避免顾此失彼的现象。水彩静物写生是室内水彩画基础训练的最好方法之一。在静物写生之前,可先指导学生做几次静物范画临摹,意在使学生熟悉工具,认识各种画法,体会水彩画的特点。写生要注意指导学生按照以下几个步骤进行: 1.起笔要细,形体准确,高光、反光、明暗交界线、投影等都应尽量交待清楚,暗部和投影要少量涂点铅笔线条以示位置,上色时心中有数才能涂色不乱。 2.画前先在纸上刷一遍水,目的是让纸吃水饱和,必要时可以刷两遍,这样纸不易干燥,干湿画法便于施展。 3.先画背景(一般指衬布),优点是不乱、不花,整体效果好。背景争取一气呵成,整个画面的基调便得以确立。 4.画物体时要一个一个完成,这时采用湿画法比较得心应手。例如画一只梨,从亮部开始,留出高光后涂淡黄色;未干时迅速涂中间调子土黄色,使之与淡黄色相接自然晕合;趁其未干再涂褐色与土黄色相接,晕合后未干时再涂灰绿色于反光处,或者再涂衬布色于反光部分作为环境色的影响。这样,此梨的画面便基本完成了。 5.整理画面尤为重要。局部画法往往容易使画面出现"碎"的现象及层次上产生误差感。所以应要求学生充分重视整理,学会调整画面。前景物体当实,可以用线条来提形(在物体的关键部位狠提轮廓线);后边物体当虚,尽量在形体和色彩上减弱,以获得层次分明的效果。画面单调的,可适当增加环境色,以增强色彩的丰富感;画面色彩花而乱的,需要在基调的范围内整理,使画面更加和谐。 水彩风景写生是色彩写生的重要课题,可以培养学生热爱祖国、热爱大自然的情操,同时也是进一步掌握水彩画技法的极好机会。这部分教学中,构图、起稿、刷水同静物画法一样,但风景画作画顺序的特殊性是由上往下、从远至近、从左向右进行。在写生之前也应指导学生先临摹几张范画,这有助于学生领悟概括自然的三个层次(远、中、近),并能熟悉自然界中各种物体的画法。写生时应在以下几个方面加以着重指导: 1.写生开始要先画天空,力争一气呵成,这样整体基调和气氛便已确定,其它景物的色彩应向基调靠近,以促成色彩协调之美。 2.待天空色未干时迅速画出远山或远树,使之与天际相接的部分自然晕合。这样既可使远处朦胧、深沉,又符合近实远虚的规律。 3.从左到右,每画一个物体前再刷一次水,以防户外气候干燥、湿画法难以进行。例如,水中倒影里的房屋、树木都要趁湿把各种颜色接涂,自然晕合渗化,使倒影里面的形朦朦胧胧。等到全部干了的时候,用干画法轻轻画上几道水的波纹,此时倒影就显得真实生动了。至于岸上的房屋、建筑等宜用干画法描绘,使之坚实、挺拔,并和水中倒影形成鲜明对比。 4.主体部分应重点刻画,以使画面具有凝聚力,从构图的位置、色彩明快的程度、形体刻画的入微等方面增强其感染力。在让学生知道自然界分成远、中、近三个层次之外,还应让他们懂得艺术有主次之分。即学生在掌握水彩画技法的同时还要学会艺术处理画面的空间。 5.风景画的整理仍是重要的一环。局部画法有利于水分的发挥,湿画法得以充分的利用,但副作用是易“碎”,使整体画面受到影响,故需要从层次和色彩关系上调整一下,画面就基本完成了。 二、教学中注意指导学生操作的几个重要环节 1.学生欣赏范画,教师要逐张讲解其画法及色彩的运用,使学生了解水彩画的样式、特点,并告诉学生为了保持水彩画的透明、明快,调色时不宜过多,涂色时尽量一次完成,最多也不能超过三次,否则画面就会脏乱。临摹时首先要让学生熟悉工具的使用,以及调色和控制笔中水分的方法。 2.带领学生到室外写生时,教师可以先示范一部分景物,边画边讲:应该怎样画,容易出现哪些问题,该如何解决这样可以使学生产生直观的感受,同时也明确了写生的步骤,掌握各种景物的表现技法。 3.给学生改画是教学过程中的一个重要环节。当学生某一部分不会画或画得不成功时,教师廖廖几笔,即令学生茅塞顿开,帮助很大。一个班级那么多学生,教师重点应给哪些人改画呢?我认为改两头带中间为宜,画得较好的学生的画只要"点"上几笔便会大增其色,给大家提供了样板,给中间水平的学生增强了自信心。另一方面帮助画得较差的学生改上一两个物体,如一个苹果一个梨,然后鼓励他们按此方法大胆画其他物体,不怕画坏坚持画完,长此下去必能有所进步。 4.将绘水彩画的一般规律编成浅白易懂的口诀,有助于学生尽快掌握和记忆水彩画技法。如画蓝天白云:“水彩水彩一遍水,涂蓝留白免后悔,画上暗部为白云,这样画天才最美。”画近树:“近树先画干,树冠几大片,干湿画远处,深浅画明暗。”画草地:“草地一片绿,冷暖要注意,天地不接实,近处盖几笔。”画小房:“水彩画小房,先涂一遍黄,深色分大面,影子不能忘。”
美术课中的欣赏教学 以下是关于美术课中的欣赏教学，希望内容对您有帮助，感谢您得阅读。 一、欣赏作品的分类 美术教材的作品欣赏大致可归纳为四类：一是古今中外名作的欣赏，如达·芬奇的《最后的晚餐》、拉裴尔的《椅中圣母》、宋代张择端的《清明上河图》、王希孟的《千里江山图》，还有徐悲鸿的《八骏图》、蒋兆和的《流民图》等现代名家作品，这些作品风格各异，艺术水平很高，是欣赏教学的重头戏，二是范图的欣赏，每课的前面都有一定的范画插图，这些范图主要是针对某一概念或某一技法而配备，它直观明了，学生易于接受，对于提高学生的绘画知识与技能至关重要。三是同龄小朋友的优秀作品欣赏，这些作品天真浪漫，富有儿童情趣，是儿童心理世界的反映，这类内容学生觉得亲切，容易产生共呜。四是其他门类的欣赏，如雕塑、建筑以及剪纸、编织、印染、拼贴等工艺制作。这类作品制作精妙，具有很高的美术观赏价值，学生很感兴趣。 二、欣赏的角度 对于一件美术作品，教师大致可以从四个方面来引导学生欣赏：一是画面直观形象的欣赏，也就是画面给人的视觉印象， ·
如《最后的晚餐》画的耶稣和门徒们共进晚餐，当耶酥说出“你们当中有一个人出卖了我”这句话时，众门徒的惊异神情动态；1949斗10月1日毛主席在天安门城楼上庄严宣布中华人民共和国成立的激动时刻；齐白石的《虾》表现的是一群活蹦乱跳的虾在水中嬉戏争食的情趣。 二是艺术风格特色的欣赏，它包括画面的构图、色彩、透视、表现手法等，主要指绘画的技巧。如徐悲鸿的《八骏图》，画家采用国画水墨技法，通过线条的干湿、浓淡、粗细、疾徐，寥寥数笔，便将马的奔腾气势淋漓尽致地表现了出来；凡高《阿尔的吊桥》一国，画家采用鲜艳浓烈的色彩，有力的笔触，奔放的线条，使画面给人一种明快跳动的感觉，充满了生机与活力；在《最后的晚餐》画中，画家把人物都安排在桌子的一边，全部面对观众，这种独特的构图法更便于表现众门徒的各种表情。三是与作品相关的边缘内容的讲授，包括艺术家的生平、爱好、传说、趣闻及当时的社会背景等。比如在讲达·芬奇的画时，教师可以给学生讲达·芬奇画蛋的故事，以及他刻苦研究解剖学、透视学的有趣事例；在欣赏齐白石的画时，可以讲他三十岁学画，为了画好画，在家里养了很多花鸟鱼虫，经常观察写生的例子。四是对作品思想内容的挖掘，如雕塑《艰苦岁月》，表现的是长征中一位红军小鬼依偎在老红军身旁，被悠扬的笛声所吸引的感人场面。但其表现的并不仅仅是这些， ·
浅谈初XX术课水彩画技法的教学之我见 浅谈初中美术课水彩画技法的教学之我见初中美术课水彩画部分的教学目的之一是使学生掌握水彩画的方法步骤和基本技法。因此在教学中，我首先通过范画、讲解，使学生了解、掌握水彩画的基本方法：干画法第一次涂色干了后再涂第二遍色，这样重叠着色下去即为干画法。此法不流、不混，可以从容作画；缺点是表现力差一些。湿画法头次上色未干就接涂第二遍颜色，反复接涂下去即成。此法画时比较急，需要学生有控制水分、时间的能力，一般要求学生在具有一定的绘画技巧之后运用才行。干湿并用有的地方用干画法，有的地方用湿画法。此法有快有慢，表现力强，中学生易于掌握。在整个水彩画教学过程中，应重点传授干湿并用法，以求收效快、效果好。 1.指导学生有效地利用干湿并用法，胸有整体，局部画起 所谓胸有整体，是指学生除了要有必备的素描色彩基础外，还要有对画面的整体构想：色彩基调，远、中、近、大层次关系等。局部画起，是指把画面分成若干部分逐个完成。这种方法可使学生精力集中，绘画范围缩小，水分和时间容易控制，干湿画法并用得当，从而避免顾此失彼的现象。水彩静物写生是室内水彩画基础训练的最好方法之一。在静物写生之前，可先指导学生做几次静物范画临
摹，意在使学生熟悉工具，认识各种画法，体会水彩画的特点。写生要注意指导学生按照以下几个步骤进行。 1.1起笔要细，形体准确，高光、反光、明暗交界线、投影等都应尽量交待清楚，暗部和投影要少量涂点铅笔线条以示位置，上色时心中有数才能涂色不乱。 1.2画前先在纸上刷一遍水，目的是让纸吃水饱和，必要时可以刷两遍，这样纸不易干燥，干湿画法便于施展。 1.3先画背景（一般指衬布），优点是不乱、不花，整体效果好。背景争取一气呵成，整个画面的基调便得以确立。 1.4画物体时要一个一个完成，这时采用湿画法比较得心应手。例如画一只梨，从亮部开始，留出高光后涂淡黄色；未干时迅速涂中间调子土黄色，使之与淡黄色相接自然晕合；趁其未干再涂褐色与土黄色相接，晕合后未干时再涂灰绿色于反光处，或者再涂衬布色于反光部分作为环境色的影响。这样，此梨的画面便基本完成了。 1.5画面尤为重要。局部画法往往容易使画面出现“碎”的现象及层次上产生误差感。所以应要求学生充分重视，学会调整画面。前景物体当实，可以用线条来提形（在物体的关键部位狠提轮廓
美术欣赏课教案 课题：美术作品欣赏 执教：赵君明 教材分析：美术欣赏课是美术教育的一个重要组成部分，是提高学生艺术素质的重要途径，它所涉及内容及具广泛性和综合性。教师在教学过程中，应从美术的审美特点出发，通过古今中外各类优秀的美术作品介绍、分析。并引导学生运用感知记忆经验、知识对美术作品进行感受、体验、分析、判断，从中获得知识、审美感受和享受，从而掌握美术欣赏方法，提高审美水平。 教学目的： 1、知识与技能：通过本课教学，使学生对有代表性的优秀的美术作品有比较深入的了解，同时对美术作品的欣赏也有一个初步了解。 2、过程与方法：在不断提高学生鉴赏能力的同时，注意寓思想教育于审美教育之中，激发学生热爱祖国优秀文化的热情。 3、情感态度价值观：通过多种形式的直观欣赏，从而达到开阔眼界，增长知识，陶冶情操，培养健康的审美趣味，树立正确的审美观点。 教学重点：着重欣赏分析教师作品和部分学生作品，精辟地讲授美术作品的艺术特色，并将审美教育与思想教育融为一体。
教育准备：多媒体作品欣赏 教学过程： 一、组织教育 上课礼仪、故事导入 二、讲授新课 （一）欣赏自己的作品 1、欣赏教师作品《雪景寒林图》临摹作品。 (1)分析《雪景寒林图》整体创作的构思； (2)再析《雪景寒林图》历史背景和创作过程； (3)欣赏《雪景寒林图》的设色用笔。 2、欣赏《陕北老农》 (1) 分析《陕北老农》整体创作的构思； (2) 细节刻画； (3)《陕北老农》艺术特色和表达的思想情感。 3、教师给出自己的欣赏途径，给学生提供参考。 (1) 作品构图； (2) 色彩及用笔； (3) 主题思想。 4、学生自己欣赏自己的作品。（提醒：可参考老师的欣赏途径，也可从自己的欣赏角度去欣赏。） 二、教师活动:欣赏学生的作品 《肖像》、《放学了》
试论中学美术课水彩画技法教学 中学美术课水彩画部分的教学目的之一是使学生掌握水彩画的方法步骤和基本技法。因此在教学中，我首先通过范画、讲解，使学生了解、掌握水彩画的基本方法：干画法第一次涂色干了后再涂第二遍色，这样重叠着色下去即为干画法。此法不流、不混，可以从容作画；缺点是表现力差一些。湿画法头次上色未干就接涂第二遍颜色，反复接涂下去即成。此法画时比较急，需要学生有控制水分、时间的能力，一般要求学生在具有一定的绘画技巧之后运用才行。干湿并用有的地方用干画法，有的地方用湿画法。此法有快有慢，表现力强，中学生易于掌握。在整个水彩画教学过程中，应重点传授干湿并用法，以求收效快、效果好。 一、指导学生有效地利用干湿并用法，胸有整体，局部画起。 所谓胸有整体，是指学生除了要有必备的素描色彩基础外，还要有对画面的整体构想：色彩基调，远、中、近、大层次关系等。局部画起，是指把画面分成若干部分逐个完成。这种方法可使学生精力集中，绘画范围缩小,水分和时间容易控制,干湿画法并用得当，从而避免顾此失彼的现象。水彩静物写生是室内水彩画基础训练的最好方法之一。在静物写生之前，可先指导学生做几次静物范画临摹，意在使学生熟悉工具，认识各种画法，体会水彩画的特点。写生要注意指导学生按照以下几个步骤进行： １．起笔要细，形体准确，高光、反光、明暗交界线、投影等都应尽量交待清楚，暗部和投影要少量涂点铅笔线条以示位置，上色时心中有数才能涂色不乱。 ２．画前先在纸上刷一遍水，目的是让纸吃水饱和，必要时可以刷两遍，这样纸不易干燥，干湿画法便于施展。 ３．先画背景（一般指衬布），优点是不乱、不花，整体效果好。背景争取一气呵成，整个画面的基调便得以确立。 ４．画物体时要一个一个完成，这时采用湿画法比较得心应手。例如画一只梨，从亮部开始，留出高光后涂淡黄色；未干时迅速涂中间调子土黄色，使之与淡黄色相接自然晕合；趁其未干再涂褐色与土黄色相接，晕合后未干时再涂灰绿色于反光处，或者再涂衬布色于反光部分作为环境色的影响。这样，此梨的画面便基本完成了。 ５．整理画面尤为重要。局部画法往往容易使画面出现“碎”的现象及层次上产生误差感。所以应要求学生充分重视整理，学会调整画面。前景物体当实，可以用线条来提形（在物体的关键部位狠提轮廓线）；后边物体当虚，尽量在形体
小学美术水彩画作品 小学美术水彩画作品欣赏 小学美术水彩画作品1 小学美术水彩画作品2 小学美术水彩画作品3 小学美术水彩画作品4 小学美术水彩画作品5 小学美术第三册教材知识点归纳 一、我和昆虫 1、认知——初步了解昆虫的种类和特点,发现昆虫的对称特征。 2、技能——通过观察,学会表现不同种类昆虫的特点,进行情节绘画。 3、情意——体验主动学习的快乐, 培养学生观察自然、了解自然、热爱自然，培养创新意识。 教学建议：将学生的生活经验与欣赏相结合，可以通过观察、回忆、欣赏等不同形式帮助学生更主动地表现有情趣的情节绘画。 二、奇妙的爬行 1、认知——观察分析生活中爬行动物的特点并体会美感。 2、技能——培养学生的想象创造能力，培养自主学习以及合作学习的能力。
3、情意——培养学生热爱自然,对未知世界勇于探究、细致认真、大胆作画的习惯。 教学建议：如果环境资源允许，建议在室外观察;如果环境资源不允许，可以在小局域内营造情景，便于学生观察，才能创造出富有情趣的画面。 三、漂亮的小钟表 1、认知——了解钟表文化与造型特点,进行跨学科的综合探索。 2、技能——通过实践,提高学生的设计与制作能力。 3、情意——通过欣赏活动,激发学生对美术学习活动的兴趣,体验成功的快乐,培养学生的时间观念，培养创新意识。 教学建议：教师可以向学生提供大量资料，以激发学生的创新精神。 四、会变的小手套 1、认知——初步感受适形造物的艺术表现手法,能大胆创作,通过对手套进行简单的变形创造出新形象。 2、技能——培养动手能力和创造思维的能力。 3、情意——从平凡生活中发现美，热爱生活。 教学建议：为了造型的丰富，教师可以在平时就协助同学积攒下废弃的旧手套。如果是正在使用的手套，建议不要剪坏，只用针线连缀或粘贴即可。 五、小花饰 1、认知——通过对小花饰用途的分析,制作方法的学习,了解小花饰的装饰功能。
水彩画教案 一、课题：水彩画 二、适用学段：高中美术《绘画》第二单元 三、课的类型：欣赏·评述 四、课时:2课时 五、设计思路：用水彩画图片欣赏切入，让学生从认识水彩画到了解水彩画然后自己动手画水彩画来学习水彩画。 六、教学资源： 1、教具准备：课本、相关图片和资料的ppt、自己画的水彩画。 2、学具准备：课本。 七、学习目标： （1）知识与能力目标： 1、通过学习了解水彩画的起源与发展史，水彩画的演变以及代表画家。 2、通过学习了解水彩画的特点； 3、通过对比能发现水彩画与中国传统绘画的联系和区别； (2)、过程与方法目标： 1、对水彩画分类作品进行对比、欣赏、讨论的过程，实现学生的感性认识与理性认识的相互转换； 2、对水彩画中静物写生和风景写生的程序分步学习和对风景画过程的视频观看实现学生对水彩画一般技法的接受和理解； 3、结合关于水彩画学习的内容，设置不同的问题情景，让学生思考练习，主动获得和水彩画有关的知识内容； (3)、情感态度和价值观目标： 通过课堂教学提高学生对水彩画的审美能力。 1、通过对西方水彩画系的学习，在个人情感上同步获得中西方绘画艺术对比融合的概念，增强学生的独立审美能力和民族文化艺术观念； 2、水彩画艺术的发展和时代性的体现，促进学生个体创新精神的萌发，学习过程中让学生充盈艺术创作中的现代意识、多元状态，学会观察、发现生活中美的事物和美的现象。 八、核心目标： 通过水彩画是一种轻便、使用广泛，艺术性很强的画种，同时又是研究色彩较为理想的画种之一。因此，常被列为美术专业的色彩基础课。通过色彩景物和色彩风景等课程的学习，可使学生获得色彩的基础知识和水彩画的基础技法，而且训练学生以色彩塑造形体的能力和审美的能力。 九、教学重点和难点： 1、教学重点：（1）、水彩画的起源与发展史，水彩画的演变以及代表画家，水彩画的特点。（2）、在水彩画的教学中，应看重使学生尽快掌握水彩画的特性和基本技法，充分了解水彩画与其他画种的区别。（3）、提高学生对水彩画的欣赏水平。 2、教学难点：本课的教学难点在于使学生清楚的认识水彩画的起源与发展史，水彩画的演变以及代表画家，水彩画的特点。 十、教学和学习方法： 1、教学方法：运用传统教学方式与现代多媒体教学相结合，采用作品欣赏法、讲授法、视频示范法、
小学美术教学中的—欣赏课 欣赏评述课是小学美术教学中的一个重要组成部分，是提高学生美术素养的重要途径。绘画 课与手工课是培养审美情趣的基础，欣赏正是把平时所学的审美能力进行内化、升华的必须 课程，在欣赏中，使学生在形象、感受、理解之中来回碰撞，从中升华出各种能力，更让学 生懂得了很多道理，培养和发展了学生的创造性思维与想象能力,最终才能达成培养学生的审 美情趣，这一教学目标。 而实际课堂教学中，出现了一种“重绘画、轻欣赏”的现象。主要原因是教师缺乏对欣赏课的 正确认识，认为欣赏就是看看，不重要，从而忽略了对学生进行欣赏的教学研究。改变这种 现象，教师首先要转变观念，然后了解儿童的美术欣赏心理及欣赏习惯，选择合适的欣赏教 学的组织形式和教学方法。 强烈的色彩刺激能激起儿童的欣赏兴趣，吸引他们的注意力。蓝蓝的天，红红的花，绿油油 的树木，黄澄澄的果实，鲜明艳丽的颜色常常等使他们感到喜悦，乐于接受，如果我们把黑 白图片和彩色图片同时放在他们的面前，儿童只会对彩色图片反映强烈。 儿童在欣赏过程中，依据自己的生活经验、见闻认识及由画面产生的联想对作品进行评判， 对那些反映他们熟悉的生活和内心世界的儿童画或同学、朋友的优美作品，他们大都能够接受。根据这些特点，教师在欣赏教学的不同组织形式中要有不同的侧重点，小学美术欣赏教 学的组织形式可以分为专题欣赏课、随堂欣赏课和现场欣赏课三类。 1、专题欣赏课就是围绕某个欣赏课题进行整堂欣赏，是小学美术欣赏教学主要形式，它指 的是整个课时内组织学生专门对某些作品进行欣赏的课业。如小学美术第11册第1课《中 国古代建筑欣赏》就是关于“官殿、宗教建筑、园林”的整堂专题欣赏课，还有《中国画》、《外国儿童美术作品欣赏》等等。 在美术专题欣赏课欣赏中，教师往往让学生看着作品图片，便一讲到底，造成教师投入，而 学生漠然的尴尬场面，可想而知，学习效率很低。我们知道学生的学习活动不是一个被动接 受的过程，而是一个主动参与的过程，只有学生主体主动积极参与才能调动学生自身的创造 潜能。美术欣赏更是主客体的统一，欣赏活动必须依赖学生主体的直接参与，才能激发学生 欣赏的情意、获得深刻的体验。教师过多、过细的讲解，既不利于学生对作品的真切感受， 又不利于学生欣赏能力的养成。为此，可采取的教学策略是：(1)课前给学生充分的时间预习，引导学生收集与欣赏内容相关的资料，让学生有备而“赏”，缩短学生与欣赏内容的距离，产 生欣赏的直接兴趣；(2)在出示欣赏作品后，让学生仔细地“读画”几分钟，然后再请学生说说 对作品初步的感觉；(3)用思考题的形式引导学生观察画面，可以从色彩、线条、给人的情绪 上去细致地体味；(4)必要时，对于欣赏中出现的一些问题，可以采用小组合作的形式进行欣 赏评议，以发挥学生的自主性，并为班级交流欣赏成果作准备，这样的欣赏则更多地体现了 学生自主参与、自主发展。 2、随堂欣赏课。随堂欣赏课是指结合教学内容穿插进行的欣赏，也就是在进行绘画、工艺 等教学的同时，插入有关大师或同龄人的作品进行欣赏，帮助学生更好地理解教学内容，提 高教学效果。这种欣赏方法在教学过程中运用得很多，比如：我们每一课都安排了范图及资料，教师指导学生观看讲解，指出作品美在哪里。又如：为了使学生掌握某种美术技能，出 示一些合理范画，也是随堂欣赏的教学过程。 在欣赏过程中，教师要尊重每个学生的兴趣、爱好、个性和人格，以一种平等、博爱、宽容、引导的心态来对待每个学生，使每个学生的身心能够自由的表现和舒展开来，鼓励学生从每 个不同角度欣赏和感受，教师不轻易批评学生的欣赏不正确，让每位同学都能轻松地讲出自 己的感受、观点，在全班同学激烈的争论中，让美内化、升华。
《水彩画技法》教案 一、教学目的： 1.通过学习使学生了解并掌握水彩画的技法。 2.提高学生对水彩画的审美能力。 二、教学重点和难点 1、重点：水彩静物的干画法和湿画法。 2、难点：水分和时间的掌握与条件的观察方法。 三、教学方法：欣赏、讲解、示范与写生练习相结合。 四、教具与学具 1、教具： （1）优秀的水彩画作品或教师习作。 （2）水彩颜色、水彩笔、调色盘、笔洗和水彩范画。 2、学具：水彩颜色、毛笔、调色盘、盛水瓶、铅笔等。 五、主要教学内容及时间分配： 1.水彩画的基本技法 2. 水彩画特殊技法 3.水彩画作品欣赏 六、课堂教学环节： 水彩画技法（板书） 导入部分：前面，我们已经对水彩画的基本特征和审美特性进行过了解，本节课我们侧重对水彩画的表现技法进行分析和学习。 一．新课知识重点 第一讲：水彩画的基本技法 干画法和湿画法 1.干画法是一种多层画法。用层涂的方法在干的底色上着色，不求渗化效果，可以比较从容地一遍遍着色，较易掌握，适于初学者进行练习。表现肯定、明晣的形体结构和丰富的色彩层次，是干画法的特长。 干画法可分平涂、层涂、罩色、接色、枯笔等具体方法。 平涂画法 这是美国水彩画家主要使用的画法之一，就是将颜色非常平均地平涂在物体造型所约束的范围之内，一块色彩基本上没有笔触和明暗变化，通过多块色彩平涂后产生物体的造型变化和光影变化。是扩大了绘画面积的并置干画法，干叠画法。 层涂： 即干的重叠，在着色干后再涂色，一层层重叠颜色表现对象。在画面中涂色层数不一，有的地方一遍即可，有的地方需两遍三遍或更多一点，但不宜遍数过多，以免色彩灰脏失去透明感。层涂象有色下班重叠，事先预计透出底色的混合效果，这一点是不能忽略的。 罩色:
浅谈美术课中的欣赏教学 一、欣赏作品的分类 美术教材的作品欣赏大致可归纳为四类：一是古今中外名作的欣赏，如达·芬奇的《最后的晚餐》、拉裴尔的《椅中圣母》、宋代张择端的《清明上河图》、王希孟的《千里江山图》，还有徐悲鸿的《八骏图》、蒋兆和的《流民图》等名家作品，这些作品风格各异，艺术水平很高，是欣赏教学的重头戏。二是范图的欣赏，每课的前面都有一定的范画插图，这些范图主要是针对某一概念或某一技法而配备，它直观明了，学生易于接受，对于提高学生的绘画知识与技能至关重要。三是同龄小朋友的优秀作品欣赏，这些作品天真浪漫，富有儿童情趣，是儿童心理世界的反映，这类内容学生觉得亲切，容易产生共呜。四是其他门类的欣赏，如雕塑、建筑以及剪纸、编织、印染、拼贴等工艺制作。这类作品制作精妙，具有很高的美术观赏价值，学生很感兴趣。 二、欣赏的角度 对于一件美术作品，教师大致可以从四个方面来引导学生欣赏： 1、画面直观形象的欣赏。也就是画面给人的视觉印象，如《最后的晚餐》画的耶稣和门徒们共进晚餐，当耶酥说出“你们当中有一个人出卖了我”这句话时，众门徒的惊异神情动态；1949年10月1日，毛主席在天安门城楼上庄严宣告中华人民共和国成立的激动情景；齐白石的《虾》表现的是一群活蹦乱跳的虾在水中嬉戏争食的情趣。 2、艺术风格特色的欣赏。它包括画面的构图、色彩、透视、表现手法等，主要指绘画的技巧。如徐悲鸿的《八骏图》，画家采用国画水墨技法，通过线条的干湿、浓淡、粗细、疾徐，寥寥数笔，便将马的奔腾气势淋漓尽致地表现了出来；凡高《阿尔的吊桥》一图，画家采用鲜艳浓烈的色彩，有力的笔触，奔放的线条，使画面给人一种明快跳动的感觉，充满了生机与活力；在《最后的晚餐》画中，画家把人物都安排在桌子的一边，全部面对观众，这种独特的构图法更便于表现众门徒的各种表情。 3、与作品相关的边缘内容讲授。包括艺术家的生平、爱好、传说、趣闻及当时的社会背景等。比如在讲达·芬奇的画时，教师可给学生讲述达·芬奇画蛋的故事，以及他刻苦研究解剖学、透视学的有趣事例；在欣赏齐白石的画时，可讲述他三十岁学画，为了画好画，在家里养了很多花鸟鱼虫，经常观察写生的例子。 4、对作品思想内容的挖掘。如雕塑《艰苦岁月》，表现的是长征中一位红军小鬼依偎在老红军身旁，被悠扬的笛声所吸引的感人场面。但其表现的并不仅仅是这些，作品还歌颂了红军战士在艰苦条件下不怕牺牲、不怕吃苦的革命乐观主义精神，也表现出了红军战士对未来美好生活的憧憬。再如徐悲鸿的《八骏图》，画面中绝非单单表现了八匹马，而主要讴歌了那种勇往直前、战斗不息的大无畏
初二下册美术教案：水彩静物画 第六课水彩静物画（2课时） 课型：综合课 教学方法：欣赏、讲解、示范与写生练习相结合。 一、教学目的 1、通过调色练习使学生初步尝试用水彩颜色，熟悉水彩画工具的性能，了解水彩画的干画法和湿画法二大技法。 2、初步学习掌握水彩静物写生的步骤和技法。 二、教学重点和难点 1、重点：水彩静物的干画法和湿画法。 2、难点：水分和时间的掌握与条件的观察方法。 三、教具与学具 1、教具：（1）优秀的水彩画作品或教师习作。 （2）水彩颜色、水彩笔、调色盘、笔洗和水彩静物写生步骤范画。 2、学具：水彩颜色、毛笔、调色盘、盛水瓶、铅笔等。 四、教学步骤 第一课时 （一）组织教学：检查学生水彩画工具的准备情况。 （二）复习旧课，讲授新课。 1、水彩画的工具性能和表现特点。 提问：第一册和第三册我们学习了色彩的基本知识，水彩颜色调色练习和铅笔淡彩练习，同学们知道水彩画的表现特点及工具性能有哪些？
（欣赏水彩画作品） 水彩画是用水调和颜料画在特制的白纸上的一种绘画形式。它具有清新、透明、轻快等特点，水彩画技法在用水用色和用笔方面同我国传统的中国画技法有很多近似的地方。水彩画工具简便，携带方便，适宜在短时间内作画，是学习色彩造型较理想的画种。 2、水彩画技法的的基本练习 （教师示范并讲解掌握水分的时间及用笔的方法） 画好水彩画，除了必须具备一定的素描基础和色彩知识外，关键在于掌握好水分和时间，只有用水稀释调合水彩画颜料渲染在白纸上的绘画才能叫做“水彩画”，由于水的作用，才使水彩画产生出清新、透明、润泽、轻快、简洁等特点。 ①稀释练习和渗化练习 这两个练习是使学生了解、掌握水分和时间，是水彩画技法的关键的基本练习。通过稀释和渗化练习还可以使学生认识水彩的色相和在水的稀释下所产生的深浅变化以及渗化时所产生的复杂的色彩变化。 ②干画法色快练习 干画法是在前一层颜色干后再涂上第二层,层层加深的多层画法，但叠色一般以三遍色为宜，以免次数过多而造成色彩灰暗混浊。干画法有干后重叠、干后并置、枯笔、点彩等技法。 ③湿画法色块练习 湿画法是在画纸的湿底子上着色或接色的技法，包括湿时接色、晕化、渲染湿时重叠等。湿时连接或重叠、晕化，使色与色之间相互渗化、
高中美术欣赏课教案 匠心构筑巧夺天工 ——实用与文化的造型艺术：建筑 课型：综合欣赏课 教学方式：欣赏，讨论 教学媒体：使用电脑软件powerpoint制成多媒体影像，设计课程学教学目标：１）尝试建筑欣赏的途径 ２）领略中国传统民居——安徽民居的风格特色 ３）引导培养学生的人文精神 教学重点：从建筑的立面、结构与鸟瞰的角度对徽居进行欣赏 教学难点：从人文的角度了解建筑的形式 设计思想：高中美术欣赏课是学生通过对美术作品了解，掌握欣赏方法，寻找欣赏切入点，开辟欣赏途径，以达到理解美术作品的过程。优秀的建筑是实用又给人以美感，同绘画相比更多的是形式上的美，又渗透着深厚的文化内涵。如何领略建筑形式的美感，如何体会建筑所蕴涵的文化意味，我从视觉角度，从文化角度去分析。而在教学内容的转化上设计一些问题情境，让学生在思考后进入新的教学内容。教学过程； 一、导入新课：◆引导学生参与教学：比较两张图片，柬埔寨的吴哥
窟和美国的自由女神像，判断建筑与雕塑，并讨论其异同点，得出结论：建筑：营造空间形体，有欣赏价值与人文内涵具实用功能雕塑：营造空间形体，有欣赏价值与人文内涵 出示课题：匠心构筑巧夺天工——实用与文化的造型艺术：建筑二、讲授新课1、欣赏世界著名建筑：巴黎圣母院，艾菲尔铁塔，泰姬陵，大山巴，悉尼歌剧院◆思考：如何来欣赏建筑艺术呢？建筑的人文内涵有如何理解？（西方的建筑艺术非常著名，中国的传统建筑同样有它丰富的内涵 2、以电影《卧虎藏龙》中一外景地：安徽宏村·月沼导入欣赏中国传统民居——安徽民居；◆从历史：徽州的民居大多是明、清两代的建筑，元朝或者更久之前的也有。◆从色彩：粉墙黛瓦 3、入目皆画◆从视觉角度：正立面：对称，简单，高大 侧立面：马头墙（防火墙），窗高且小 建筑结构：砖木结构，梁、柱、椽 房间布局：中堂（条桌：东平西静，终生平安），天井 空中鸟瞰：黑与白的构成，黑白影绰，虚实相生，自成图画◆从建筑细节：徽州三雕，石雕、砖雕、木雕◆从人文角度：反映中国传统思想文化，含蓄、保（安徽建筑的功能性与文化性，从另一种形式上亦有所体现） 3、徽州三绝之一：牌坊象征着忠、孝、节、义，是封建礼教的体 现
水彩画的课件 水彩画的课件1 教学目标： 1、掌握水彩风景绘画的基本技法 2、通过欣赏名家作品，体会不同的水彩画风格，在临摹或创作的过程中，体验水彩画的魅力。 3、用心去感受、用色彩来描绘大自然的美景，培养热爱自然的情感。 教学重点： 水彩风景的绘画方法及技巧。 教学难点： 水和颜料用量的控制及画出作品的透明感。 教学过程： 一、导入 没有恰到好处的旅程，只有恰如其分的心情。画家用画笔来表现自己看到的、感受到的美！ 水彩画以水为媒介，在作画时利用水溶解颜料加上纸张相互渗融等条件，表现出透明、轻快、湿润、空灵、洒脱等意象万千、引人入胜的艺术效果。 二、水彩风景画小品的创作步骤： 1. 观察要入画的风景（实景或图片）。根据需要也可以选取风景
的一部分来画。同样的风景，会因你的取景不同而画出不同的作品。 冬天的早晨（摄影） 2. 线稿。用铅笔单线勾出景物。 树木描绘要近大远小（掌握一点透视画法）。 3. 为阴影部分着色。注意留白，体现积雪的效果。 先从画面最暗的部位开始上色。 4. 上色。①给天空涂上蓝色以及晨曦中的淡淡云彩。②刻画树叶、水车、房子等细节。刻画水车与房子的细节可以增强其立体效果。 5.调整细节，完成作品。 冬天的早晨（摄影） 冬天的早晨（水彩画） 水彩画创作的小诀窍（一） 颜料加水后变淡。可以控制水分含量来调出自己喜欢的色彩浓度。浓淡画面要有透明感，颜料加水而不是加白颜料。根据需要涂画的面积，来调整笔头的水分含量。在干的颜色上叠加着色。用这种方法描绘的颜色不会有污浊感。 水彩画创作的小诀窍（二） 巧用身边的物品上色时，用纸巾按压可以改变颜色的浓淡程度。 在充分涂过颜色的纸面上撒上食盐，出现的肌理效果。 三、作业： 根据一张自己喜欢的风景照片或图片，创作一幅水彩风景画小品。
美术中课堂中的欣赏教学 发表时间：2017-09-06T10:08:33.413Z 来源：《未来教育家》2017年8期作者：胡亚楠[导读] 作为小学美术教育，应当顺应他们爱美的要求，采取多种形式实施美术欣赏教学。 （山东省淄博市第二小学 256400 ) 【摘要】：在美术教学实践中大胆尝试创新，总结经验，才能摸索出一套好的教学方法，确实提高美术欣赏课的教学质量。【关键词】：审美、创造、实践、 作为小学美术教育，应当顺应他们爱美的要求，采取多种形式实施美术欣赏教学。如何提高欣赏课的教学质量，值得我们美术教师去研究和探讨。教师在教学的过程中，不仅要让学生获得丰富的情感体验，更重要的要注重培养对事物的好奇心探究欲和创造力，最终才能达成培养学生的审美情趣，这一教学目标。根据教材内容和学生实际情况，制定具体教学内容明确教学目标，是上好美术欣赏课的首要环节。为能达到实现以上目的，结合本人的教学实践浅析以下几个方面。 一、规范教学流程。 欣赏教学过程须有一定的操作流程规范。形成可操作的欣赏程序，以引导学生由浅入深地理解艺术作品，避免欣赏的随意性。大致的环节为：描述——分析——解释——评价。即：要求学生仔细观察、分析作品之后，用语言简单地描述出作品的题材内容、画种等；对作品的色彩、构图、造型进行整体的语言表述；介绍作者，并对作品的意义、所体现的人文价值进行研究；根据以上内容的学习与探索，对作品进行局部和整体的评价。在这个操作流程中，教师要注意结合作品讲授必要的美术术语，以帮助丰富学生的美术知识结构，提高他们的表达能力。如欣赏色彩时渗透“色调”的概念，在欣赏构图时，讲解一下“构图”的含义。当学生积累了一定的术语后，既能深入地赏析，又能自如地表达欣赏的感受。教师还可设计：你喜不喜欢这幅画？这幅画要是由你来画你会怎么处理？你猜猜作者为什么要这样画？从而深化学生欣赏的感受；另外还要注意，要为学生创设想像的空间和自由交流与表述的环境，促使学生在欣赏中作出创造性的“理解”与“评价”，从而在规范的欣赏过程中提升欣赏的层面。 二、欣赏与动手相结合。 欣赏教学与工艺、绘画的教学不是孤立的，而是相互作用的。欣赏教学要善于借助学生绘画与工艺等美术实践的“外力”，诱发学生探求美的兴趣与愿望。在实际教学中许多教师和学生都认为欣赏课就是看加上说，于是在许多欣赏课上出现纸上谈兵的局面，学生并没有真正体会作者高超的表现技艺，对于美术欣赏的认识还停留在较为肤浅的层面上。教师应该充分调动学生的眼、脑、手立体化、全方位的揣摩、体验作品，而这手的体验就要靠“实践”也就是动手来完成。它能够丰富学生的的审美经验，增强学生对美术欣赏全方位的体验及当时作者的意图，促进学生的心灵与作品产生共鸣融合。在我执教的《20世纪的艺术大师——马蒂斯》一课，我将一课内容分为两课进行，第一课了解马蒂斯的生平，他的作品、他的风格、他的剪纸、他一生对艺术不懈的追求，让学生产生兴趣。第二课时为实践课，以上一课时为基础自由命题创作一件属于自己的剪纸作品，充分的体现理论和实践相结合的观点。最后以组为单位选出好的作业由学生来评论，我只是最后加以总结，把主动权交给学生们，结果学生们都很积极，并在班级举办了一个小型展览，使学生对美术产生了浓厚的兴趣，达到了预期的效果。 三、通过游戏加深印象。 游戏是孩子的天性，在美术欣赏课中穿插一些游戏，并能在游戏中完成欣赏目的，这不正是“寓教于乐”这一师生都能接受的最好形式吗？在“中国民间玩具”这一课中，我课前收集了一些具有地方特色的民间玩具。在课堂上让学生分组游戏，通过学生的游戏、观察，每一组派代表说说玩具的特点:有的甚至边说还边把玩具的特点演示给大伙儿看，惹得学生都乐开了怀。经过这样的形式，学生对中国民间玩具有了更深的印象。因此，在游戏中培养学生的审美情操，对我们的美术欣赏课有着不可估量的意义。 四、提出问题解决问题。 一堂好的欣赏课有时就像一个优秀的故事，在开头设下悬念，然后在过程中将问题一一解决。在美术欣赏课中，我们也要通过分析、交流、解决问题的过程来一步步完成对作品的欣赏和认知，最终达到对于美的理解和感知的目的。在“我也是艺术大师”一课中，我特意准备了一幅毕加索的“和平鸽”，不用老师解释学生都知道这幅画的名称，但没人知道它的来历，我就提问：为什么要用白鸽来象征和平？它出现的时代背景是什么？它表达了画家当时一种什么样的心情？结果大家对此都很感兴趣，经过小组讨论，大家踊跃发表意见：有的说鸽子的白色代表纯洁，象征和平；有的说画家一定是个爱好和平的人。最后由我补充：这是毕加索在50年代为在巴黎召开的保卫世界和平大会创作版画，以鸽子为题材，被人们称为“和平鸽”。毕加索还是一位雕塑家，有丰富的想象力和创造力，他的探索精神，给西方20世纪现代艺术以很大的推动。在整个一堂美术课上，学生发言积极，思维敏捷，而且个个神情专注。由此可见，提问是上好美术欣赏课的一种有益尝试，能引导学生对问题探个究竟，增强对课程的注意力，会给课堂带来意想不到的效果。 综上所述，小学美术欣赏主要通过欣赏活动来培养学生的审美能力，以及独立思考问题提高实践能力和创造力的课程。要上好美术欣赏课，还有赖于教师素质的全面提高。在教学实践中大胆尝试创新，总结经验，才能摸索出一套科学、实效、新颖的教学方法，确实提高美术欣赏课的教学质量。对学生全面素质的提高有着很重要的作用。随着人们对素质教育的逐步认识和提高，美术欣赏将成为美术教学重要组成部分，通过美术欣赏激发学生的兴趣、拓展学生的视野，广博学问，更新知识，更新观念，更科学准确地运用现代教育手段来施行美育工作，使美术教育真正成为素质教育的有力助手，成为启迪心智、培养爱心的园地。
第三章、艺术创作的过程/第一节、创作素材的搜集与整理 一、通过速写搜集素材
速写。顾名思义是一种快速的写生方法。速写是中国原创词汇，属于素描的一种。速写同素描一样，不但是造型艺术的基础，也是一种独 立的艺术形式。这种独立形式的确立，是欧洲18 世纪以后的事情，在这以前，速写只是画家创作的 准备阶段和记录手段。在中国素描和中国白描结合 产生独特的以线为主线面结合的造型方法。 速写对绘画工具的要求不是很严格，一般来说 能在材料表面留下痕迹的工具都可以用来画速写， 比如我们常用的铅笔、钢笔、圆珠、碳铅笔、木炭 条、毛笔等等。 速写的作用 对于初学者来说，速写是一项训练造型综合能 力的方法，是我们在素描中所提倡的整体意识的应 用和发展。速写的这种综合性，主要受限于速写作 画时间的短暂，这种短暂又受限于速写对象的活动 特点。因为速写是以运动中的物体为主要描写对 象，画者在没有 充足的时间进行分析和思考的情况下，必然以一种简约的 综合方式来表现。 ★速写能培养我们敏锐的观察能力，使我们善于捕 捉生活中美好的瞬间。 ★速写能培养我们的绘画概括能力，使我们能在短 暂的时间内画出对象的特征。 ★速写能为创作收集大量素材，好的速写本身就是 一幅完美的艺术品。 ★速写能提高我们对形象的记忆能力和默写能力。 ★速写能探索和培养具有独特个性的绘画风格。 因此对于初学者来说，速写是一种学习用简化形式综 合表现运动物体造型的绘画基础课程。 速写对于绘画创作者来说，速写是感受生活、记录感
受的方式。速写使这些感受和想象形象化、具体化。速写是由造型训练走向造型创作的必然途径。经常练习速写，能使我们迅速掌握人体的基本结构，熟练地画出人物和各种动物的动态和神态，对创作构图安排和情节内容的组织会有很大的帮助。 对于绘画创作者来说，速写是感受生活、记录感受的方式。速写使这些感受和想象形象化、具体化。速写是由造型训练走向造型创作的必然途径。 动态速写技术是画家成熟的标志。人体的动态速写要求画者不但要具备较高的造型能力和整体意识，还要具有敏锐的感受能力和熟练运用解剖知识的经验。但是我们不能因此而说，动态速写的学习要放在基础训练完成以后，相反我们应该在基础素描训练的同时进行动态速写练习。在欧洲，人物速写被当作主要的造型训练手段，现在国内有些地方从儿童阶段就开始培养人物速写的能力，也起到了很好的效果。 动态速写与静态速写有很大不同，在随时变化的对象中，你无法用反复观察的方法捕捉对象，也无法用事先准备好的方法表现对象，动态速写依靠的是对对象动作变化过程中动态 的“选定”和对选定动作的感受和记忆。“选定”是动态速写特 有的技术。选定是指画者对活动的对象瞬间动作的特定选 择，也就是速写者面对自由活动的对象人物，在对象一系 列动作中选择最有造型意义的瞬间动态。动态速写动作的 选定该符合两个条件，一个是选定的动作要有“造型性”； 另一个是动态要具有美感，两个条件缺一不可。比方说， 我们在选定一个人跑步动作时，要选定最能体现速度、力 量和矫健意味的动态，也就是腿部跨度最大、手臂摆动幅 度最大的动态，假如我们选择了手脚重叠时的动态，画出 后的效果就会像是走路而不是跑步了。对选定动态的感受 和记忆也是非常重要的，这是个一次性过程，而不像素描 那样可以多次反复地进行。这种一次性记忆必须是感受性 的，如果失去了感受性的记忆，我们所画出的动作可能会 流于公式化、概念化。只有凭借对特定动作感受的特殊性，再辅之以对人体解剖知识的了解我们才有可能画出诸如疯狂的跑或悠闲的跑等等避免雷同的作品。在实际操作中，我们仅靠瞬间的观察来完成一幅特定动态速写作品是不可想象的。我们必须依靠对这个特定动作的一般性经验和相关知识记忆补充，才能完整地完成作品。 二、通过写生搜集素材