文艺复兴时期艺术思潮及代表性的艺术流派和艺术家
（学号：1102030114 姓名:顾海潮班级：交通运输一班）文艺复兴时期（14-16世纪）始于十三世纪末期的意大利，粗略指涉欧洲从中世纪到近代之间所经历的这四百多年时间。文艺复兴一词意指重生或复活，它是一个朦胧的概念，没有清楚的开始或结束日期，但通常可以涵括欧洲由野蛮的黑暗时代演进到一个在各个领域都有新发展的时代，而这些领域的成就均超越了伟大的古文明。
文艺复兴是一场资产阶级文化运动，它的核心是人文主义精神，人文主义精神的核心是以人为本，文艺复兴产生的根本原因是生产力的发展，资本主义萌芽的出现，其本质是正在形成中的资产阶级在复兴希腊罗马古典文化的名义下发起的弘扬资产阶级思想和文化的运动。
文艺复兴时期的艺术（一）佛罗伦萨画派
佛罗伦萨画派形成于13世纪末，鼎盛于１５世纪至１６世纪３０年代，以乔托为奠基人，初期以乔托·迪·邦多纳（1267-1337）、马萨乔（Masaccio，1401-1428）、桑德罗·波提切利（1445-1510）等画家为代表，盛期以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等画家为代表，是当时意大利成就最大的艺术流派。最终，生硬模仿前人技法的样式主义的流行宣布了佛罗伦萨画派的结束。
佛罗伦萨画派主要以宗教神话故事为题材。画家们遵循人文主义原则，用世
俗化手法描绘至高无上的抽象的神，将神画成生活中的人的形象，并加以理想化，开一代人物画新风。作品表现的是神话故事和宗教人物，实际上反映的是人的思想、感情和力量。佛罗伦萨画派以油画和湿壁画成就较大，后者主要服务于教会、宫廷和资产阶级上层人物，在形式和内容上都有别于欧洲中世纪绘画。
从技法上来看，该派用科学方法探索人体的造型规律，吸取古代希腊、罗马的雕刻手法应用在绘画上，把中世纪的平面装饰风格改变为用集中透视，有明暗效果，表现三度空间的画法。它也影响了温布里亚画派和帕多瓦画派。他们的画法细腻，画面明暗对比不甚强烈，画家们在作画技法上很讲究步骤。
时至15世纪下半叶，该派从创作特点和艺术倾向上可以分为三条主线：以弗拉·菲利普·利比（1406-1469）、波提切利为代表的作品具有进步的人文主义思想，而艺术上趋近于贵族；以多梅尼科·吉兰达约（1486～1490）为代表的画家，崇尚生活表现，人物形象重叙述性；以达·芬奇为代表的画家走的是新兴的写实主义路线。
文艺复兴时期艺术（二）文艺复兴三杰：达·芬奇
列昂纳多·迪·瑟皮耶罗·达芬奇（1452-1519），生于佛罗伦萨郊区的芬奇镇，卒于法国，美术家、雕塑家、建筑家、工程师、科学家、科学巨匠、文艺理论家、大哲学家、诗人、音乐家、和发明家，“文艺复兴时代最完美的代表人物”。在艺术创作方面，他解决了造型艺术三个领域——建筑、雕刻、绘画中的重大课题：
1、解决了纪念性中央圆屋顶建筑物设计和理想城市的规划问题；
2、完成了15世纪以来雕刻家深感棘手的骑马纪念碑雕像的课题；
3、解决了当时绘画中两个重要领域——纪念性壁画和祭坛画的问题。
在绘画技法上他是“明暗法”的创造者，利用“薄雾法”的柔和细腻的明暗过渡栩栩如生的塑造出可触可感的人物和环境，第一次把科学知识与绘画表现深刻统一起来。同时他把科学灌注于艺术思想之中，在解剖学、透视学、明暗法构图学等方面均有重要建树。
他的艺术作品不仅象镜子似的反映事物，而且还以思考指导创作，从自然界中观察和选择美的部分加以表现。壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作。这三幅作品是达·芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品，是欧洲艺术的拱顶之石。
文艺复兴时期的艺术（三）文艺复兴三杰：米开朗基罗
米开朗基罗·博那罗蒂（1475-1564），绘画家、雕塑家、建筑师和诗人，代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰。米开朗基罗不像达·芬奇那样充满科学精神和哲理思考，而是在艺术作品上倾注了自己满腔悲剧性的激情。这种悲剧性以宏伟壮丽的形式表现出，使得他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反应。
复兴画家中，米开朗基罗也是最擅于通过人体肌肉的描绘来传达情感的画家。他一生致力于领悟古人成就的同时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，
这使他成为最充分发挥人体表现力的美术家之一。他的作品（大理石雕塑、壁画）以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。无论男性还是女性，都如巨人般的宏伟，有刚勇的气概，显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。
术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。但是，无论是高扬画家人文精神的一面还是叙述作者宗教情怀特点都未免过于简单，过于抽象。从画面的外观形式分析，米开朗基罗的造型风格既是创造精神的源泉也是矫饰主义的鼻祖，后来的唯美主义和为艺术而艺术的形式主义都可以在此找到理性和感性的出处。
作品：成名雕塑作品《哀悼基督》，云石雕像《大卫》，圣罗伦佐陵墓雕像《日》《夜》《晨》《暮》，世界上最大的壁画——西斯廷教堂天顶壁画《创世纪》，西斯庭祭坛壁画《最后的审判》。
文艺复兴时期的艺术（四）文艺复兴三杰：拉斐尔
拉斐尔·桑奇奥（1483-1520），画家，怀抱着新柏拉图主义艺术理想，以期洗练的画技，将文艺复兴的人文主义精神发挥到极致。
早年师从翁布里亚画派的佩鲁吉诺（Perugino，1450-1523），接受了其黄金透明的色彩、梦幻般喜悦的风格，同时潜心研究各画派大师的艺术特点，博采众家之长，尤其是达·芬奇的构图技法和米开朗基罗的人体表现及宏伟风格，最终幻
化出其独特的柔和、圆润、饱满的调和之美。
秉承了古典传统，擅于以世俗化的手法，将传统的宗教题材描绘成现实生活中的理想美。他以绘画圣母形象而闻名于世，有“圣母画家”之誉。在他笔下的圣母多是美丽的平民妇女形象,在她们身上体现出的慈爱、善良、温顺等高尚品质,引发人们对生活的憧憬。作品赞颂普通人性的光辉，处处洋溢着幸福与欢愉，可以看到希腊盛期到新古典主义所追求的完整、和谐、优美、清晰的脉络。拉斐尔的艺术被后世称为“古典主义”。他以诗一般优美的绘画语言体现了人文主义的思想，不仅启发了巴洛克风格，他所确立的美的样式也成为后来学院派古典主义的标准之一。代表作品有油画《西斯廷圣母》、壁画《雅典学院》
文艺复兴时期的艺术（五）威尼斯画派
威尼斯艺术的一朵奇葩。它形成于15世纪后期，繁荣于16世纪，美术题材就宗教转向世俗。世俗题材使他们把目光转向美丽的自然风光，舒适的生活也带来一种享乐主义的情调，对日后一切具有浪漫主义倾向的艺术家都具有启发意义。说佛罗伦萨的画家们关注素描和尊从构图的对称、均衡与和谐，那么威尼斯的画家们则竭立追求色彩和激情传达。色彩是威尼斯画派的灵魂，大体上趋于饱满、丰富和多调子，并具有抒情意味。同时画家们重视色彩的创造，极善于从自然中发现和表现无限丰富艳丽的色彩变化。
伦萨的美术倾向于宗教《圣经》题材，而威尼斯则更多的是描绘古希腊神话故事。纵情于欢乐与享受，题材以爱情、酒宴、裸体女神为多；画面形象充满激情
而富有想象，洋溢着活泼、明朗、欢乐的气氛，很少有悲哀和伤感；女神们具有丰腴的肌肤，金色的秀发，华丽的服饰，完全是威尼斯上流社会的娇艳女子，放射出人性的光芒。
斯画派中杰出的代表有乔凡尼·贝利尼、提香、乔尔乔内（Giorgione，1477-1510）、丁托莱托、保罗·委罗内塞。
作为继古希腊、罗马后的欧洲文化史上的第二个高峰，文艺复兴的思想基础是关怀人、尊重人，以人为本的世界观。人文主义的出现肯定了人是生活的创造者或主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学为人谋福利，教育发展人的个性，要把思想、感情、智慧从神权束缚中解放出来，提倡个性自由以反对人身依附。中世纪文化的基本观念被摧枯拉朽，它的所有表达方式都被从根本上予以改变。
浅谈你对美术鉴赏的认识 -——美术鉴赏让我们懂得如何欣赏美 一个学期的美术欣赏课结束了，我受益良多。这一学期的课程，对我来说是"美的历程"，从以前的不懂美，对美的浅薄的外在认识，到现在的欣赏美，逐渐明白更重要的是看到美的本质。 众所周知，审美教育是大学生全面发展教育中不可缺少的组成部分。尤其是我们建筑学专业的学生，更需要好好的去学习中外美术鉴赏这门课。有位大家说过："艺术的最终目的，就是使人们更深地懂得生活，进而更加热爱生活。"学习美术欣赏，要更好的培养大学生，提高大学生的素质，最根本的问题是要提升大学生的精神境界。美术欣赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。美术鉴赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足过的领域，带到了艺术的殿堂，我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先代们是那么的智慧。 美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏活动能帮助我们在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态
度。 美术欣赏有益于大学生灵魂的雕铸和人格的完善。艺术教育注重开发和挖掘人自身的潜能，并致力于培养人的自尊、自信、自爱、自立、自强意识，不断提升人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。人的全面发展，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是一专多能的素质型发展。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕铸和人格完善的全面发展中起着重要的作用。 欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品；不论是写实，还是装饰；不论是抽象的，还是具象的……在长期的美术发展过程中．“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。尤其是古中国的美术，旧石器时代的粗石器，已能磨光、雕琢、钻孔，符合对称、均衡等形式美法则，初具节奏和线条的韵律美在新石器时代的仰韶文化中，可以找到中国美术的早期形式，这种形式一直延续直公元前6世纪。早在红山文化时期，就已经有玉雕的龙形及其他佩饰作品出土，从半坡遗址中可以发现，仰韶时期已经有陶艺存在。早期的陶瓷制品没有画上去的图案，但是有滚花。有很多画有以对称形式展开的鱼或者人的面部的图案。新石器时代的彩陶，从几何纹饰进展到动植物纹样，其中以仰韶文化和马家窑文化的彩陶纹样最为丰富生动。除彩陶
艺术欣赏结课论文 学院：艺术与设计学院 班级：工业设计2班 姓名：曾玉琳 学号：0864122204
艺术欣赏之我见 “艺术是一种宣泄心灵与情绪的冲动，设计是一种表现智慧与品位的行动。要使一个国家得到真正的进步，设计也是一股不可忽视的力量；我愿用自己有限的脑摺皱来指挥双手发出我微薄的力量去为之，我愿与更多的人为伍！”通过对艺术欣赏的学习，我可以解决一些艺术方面的问题。 首先是艺术究竟为了什么？艺术的性质，古来说者不一，亚理士多德说"艺术是模仿自然"，这话现在已不能完全成立。尽管艺术需用自然的材料借以表现，或者取自然的现象做象征，取自然的形体做描写的对象，但他决不是一味的模仿自然。 有人说艺术就是"人类的一种创造技能，创造出一种具体的客观的感觉中的对象，这个对象能引起我们精神界的快乐，并且有悠久的价值"。这是就客观方面言.。若就主观方面，艺术就是艺术家理想情感的具体化，客观化，即所谓自己表现。所以艺术的目的并不是在实用，乃是在纯洁的精神的快乐，艺术的起源并不是理性知识的构造，乃是一个民族精神或一个天才底自然冲动的创作。他处处表现民族性或个性。艺术创造的能力乃是根于天成，虽能受理性学识的指导与扩充，但不是专由学术所能造成或完满的。艺术的源泉是一种极强烈深浓的，不可遏止的情绪，挟着超越寻常的想像能力。这种由人性最深处发生的情感，刺激着那想像能力到不思议的强度，引导着他直觉到普通理性所不能概括的境界，在这一刹那间产生的许多复杂的感想情绪底联络组织，便成了一个艺术创作的基础。 再次是美学与艺术的关系，雨果说过：“没有艺术，人类生活便会黯然失色。”席勒动情地呼唤过：“啊！人类有你才有艺术。“人人都神往艺术，向往他那种艺术美的感受，正是如此，人们需要真正的艺术家来创造艺术美。而艺术需要现实生活，需要艺术家的创造，没有这些又何来艺术美呢？美术中的艺术美，离不开美术作品，艺术美指的就是美术作品中的美，是由创作主体的审美认识而产生的按照美的规律、并为着美的目的而创造的事物的美。因此，艺术作品的艺术美也是真、善、美的统一。
优秀艺术设计专业论文参考文献（3篇） 优秀艺术设计专业论文参考文献(一) [1] Krumhansl, C. L. 2002. Music: A Link between Cognition and Emotion [A]. InCurrent Directions in Psychological Science, Vol. 11 [C]: 45-50. Oxford: BlackwellPublishers. [2] Mitnick, K. D., and W. L. Simon. 2002. The Art of Deception: Controlling theHuman Element of Security [M]. Indianapolis: Wiley. [3] Ekman, P. 2003. Emotions Revealed: Recognizing Faces and Feelings to ImproveCommunication and Emotional Life [M]. New York: Henry Holt & Co./Times Books. [5] Quentin Newark. 2007. What Is Graphic Design? Essential Design Handbooks [M].RotoVision. [6] Berryman, Gregg. 1990. Notes on graphic design and visual communication [M].Crisp Publications. [7] Bojko, Szymon. 1972. New graphic design in revolutionary Russia [M]. LundHumphries. [8] Thompson, Bradbury. 1988. The art of graphic design: Bradbury Thompson [M]. YaleUniversity Press. [9] Ades, Dawn, Brown, Robert K.，Friedman, Mildred S.1984. The 20th-century poster:Design of the avant-garde [M]. Abbeville Press. [10] White, Jan V. 1988. Graphic design for the electronic age [M]. Watson-GuptillPublications. [11]吴国欣.标志设计[M].上海：上海人民美术出版社，2002. [12]朱锷.现代平面设计巨匠田中一光的设计世界[M].北京：中国青年出版社，1998. [13](日)Works 社编辑部编著.日本平面创意设计年鉴 2005[M].北京：中国青年出版社，2006. [14]王受之.世界平面设计史[M].北京：中国青年出版社，2002. [15]何家讯.现代广告案例理论与评析[M].上海：复旦大学出版社，1998. [17]威廉阿伦斯著，丁俊杰，程坪，苑菲，张溪. 当代广告学[M].北京：华夏出版社，2001. [18] [日]直条则夫著，俞纯鳞. 广告文稿策略-策划、创意与表现[M].北京：中国财政经济出版社，2002. [19]汤义勇. 招贴设计[M].北京：人民美术出版社，2001. [21]王红卫. 商业海报设计创意解析范例导航(附光盘)[M].北京：清华大学出版社，2007. [22](美)斯科勒司，(美)伟德尔. 创意海报版式设计[M].大连：大连理工大学出版社，2008.45～48. [23]周进. 世博会视觉传播设计[M].上海：东华大学出版社，2008.22～30. [24]朱维理. 大型活动标志设计实战案释[M].北京：北京理工大学出版社，2009. [25]梁明珠. 城市旅游开发与品牌建设研究[M].广州：暨南大学出版社，2009. [26](日本)秋山孝. 秋山孝海报作品集[M].上海：上海人民美术出版社，2005.62～67. [27]朱锷. 日本海报设计的形态[M].广西：广西美术出版社，2001.51～60. [28](英)赫利. 什么是品牌设计[M].北京：中国青年出版社，2000.
西方美术作品欣赏—— 你喜欢西方美术史上的哪个时期，举例并分析原因 经过一个学期的西方美术作品欣赏课程的学习，我们大致了解了西方美术史上的各个时期的著名画家及其作品等。其中我最喜欢的时期是19—20世纪的现实主义时期，因为现实主义时期的艺术作品都非常写实，很生动形象的反映了当时的社会状况和人们的生活情况等。而现实主义时期的艺术家中，我最喜欢的就是法国的雕塑家罗丹。 罗丹，他是19世纪法国最有影响力的雕塑家，他的主要贡献在于恢复了西方雕塑对人类的理解和对精神世界的表现。然而，罗丹的一生却总是被人攻击和嘲讽的，但他始终以一种伟大的人格正确地面对这一切。罗丹偏爱悲壮的主题，他善于从残破中发掘出力与美。这使得他的艺术具备博大精深的品格。罗丹开创了一个全新的时代，创作了一种全新的艺术手法。他将其毕生投入到对艺术执着追求和人生种种痛苦的思索中去，因此，他所塑造的人物都是忍辱负重的，是对现实生活的内涵写照，他的作品都深刻揭示了人类的丰富情感，作品所体现出的思想和精神魅力，永远带给人一种深沉的美，启迪着人们不停地思考。 他的著名作品有很多，如《青铜时代》、《地狱之门》、《吻》、《思想者》等。其中让我印象最深刻的就是《青铜时代》和《思想者》。 《青铜时代》，它是罗丹依据真实人物塑造出的一个裸露的青年男性的人体雕塑，这个男子的左手微微握拳，右手抓住自己的头发，右腿弯曲着，右脚微微抬起，好像正要迈步的样子；头部微向后仰，眼睛微闭着，看似是睡意朦胧的状态，但身体却十分舒展，好似是即将要从梦中醒来想要伸展全身的样子。 这个雕塑最初被罗丹命名为“被征服者”，后在把雕塑中的棍子取消后才被改名为《青铜时代》，这个名字也重新为雕塑赋予了新的含义，它象征着人类刚刚从原始社会过渡到了启蒙时代，从刚刚摆脱了野蛮和蒙昧的状态，逐渐具有了清醒的意识，过渡到具有文明和智慧的时代。 这尊雕塑被塑造的十分真实，全身的轮廓结构十分均匀，体态非常的自然、生动，身体各处都被雕塑的十分细致，如他臂上的肌肉、四肢的各个关节等，好似就是有这样一个裸露的男子站在你的面前。体型完美匀称，躯体和四肢显得平滑而优美，虽是雕塑出来的人体但他的身体却看似十分柔软、富有弹性。这个男子似乎有着真实的呼吸和血脉的流动，充满着生命的活力。他舒展全身，正在解脱一切束缚，开始发出体内一切未被发掘的力量。裸露的身体表现了他具有普遍的人性的特点，也象征着人类只是刚刚从原始社会走出来的特点。 然而，罗丹的《青铜时代》也曾经是一个饱受争议的作品，这是由于这个裸露的男子被塑造的太过真实，因此在展览会上《青铜时代》被评论界一致认为是用真实的人体浇铸而成的，罗丹为此也曾向美术院提出抗议，直到罗丹当着众人的面没有参照任何模特便即兴塑造了一个男性裸体时，才打破了这一言论，获得了他应有的荣誉。 《思想者》，是罗丹晚年最伟大的杰作，它的创作出自于《地狱之门》——罗丹的另一著名雕塑。它本是《地狱之门》的一部分，应立在地狱之门雕塑的门楣之上。在他的下方，是地狱之门，那里有一群在罪恶、苦难、痛苦、绝望中挣扎的人，思想者俯身低着头，看着他们，仿佛被眼前的这一幕惨景所震动，继而陷入了苦痛的沉思中。 后来，《思想者》被独立出来，成为了罗丹个人艺术道路上一个里程碑似地雕塑。这个
《中外美术史》结课论文 ——意大利文艺复兴三杰 班级：视觉传达本科1302班 学号：20133116843 姓名：吴佳忆
引文： 公元十四世纪，处于萌芽状态的欧洲资本主义生产方式在意大利地中海沿岸的一些城市出现了，新兴的资产阶级开始登上了历史舞台。他们和人民大众在一起，展开了政治，文化上的反封建的斗争，欧洲历史上就出现了称之为文艺复兴的文化运动。 著作《欧洲文艺复兴史》具体包括了：伊大利之文艺复兴、法国之文艺复兴、北欧之文艺复兴、宗教改革、文艺复兴之结束等方面的内容。该书解释了“为何文艺复兴也被称为一场拯救欧洲危机的政治运动——为何文艺复兴的政治学是围绕着公民参政、建立符合民意的自由公民共和国的主线展开——为何在欧洲进入君是主制时代后马基雅维里等人反而会提出更高标准的公民共和国概念”等一系列历史问题。从但丁、彼特拉克的道德政治学到萨鲁塔蒂、布鲁尼的市民人文主义，从马基雅维里的君主论到伊拉斯谟的基督教君主的教育，从托马斯，莫尔的人民乌托邦到德国农民的人民共和国，都有力显示了人民和民意乃是推动近代民主珠政治发展的真正动力。 著作《艺术哲学》是法国18世纪中叶，著名的史学家及文艺批评家丹纳，在巴黎美术学校讲授美术史时的课程教材。丹纳也在《艺术哲学》中的第二编《意大利文艺复兴期的绘画》以欧洲文艺复兴时期的意大利绘画、和古希腊的雕塑为例，以艺术发展史实为依据，强调了种族、环境、尼德兰绘画时代等三个因素对精神文化的制约作用，并认为在三个因素中，种族是“内部动力”，环境是“外部压力”，时代则是“后天动力”。 “文艺复兴”是古希腊之后人类从未经历过的最伟大的进步的变革。在这一变革中，出现了不少伟大的人物，最有代表性的“三杰”是达.芬奇、米开朗基罗、拉斐尔。拉斐尔的艺术以优雅、秀逸、和谐、高度的完美为标志，达·芬奇
缤纷斑斓、瑰丽多彩的艺术世界，令人心醉神迷、流连忘返。然而，艺术究竟是什么？关于这个问题，不同时期的专家和学者都有各自不同的观点。柏拉图认为，理性世界是第一性的，感性世界是第二性的，而艺术世界仅仅是第三性的。康德认为，艺术纯粹是作家艺术家们的天才创造物，这种“自由的艺术”丝毫不夹杂任何利害关系，不涉及任何目的。目前似乎谁也不能够明确地给予回答。 撇去文献资料的繁冗，哲学观点的争辩不休。。什么是艺术？艺术就是对人类对世界的认识的情感表达。艺术无处不在，无处不有。艺术时刻点缀着我们的生活创造生活中的美，艺术拥有永恒的魅力。 一、艺术让我们懂得去发现美 青山绿水，鸟语花香，你视而不见；蓬莱文章，古今佳作，你望而生厌；巍巍泰山，绵绵长城，你望而却步；阡陌交通，鸡犬相闻，你嗤之以鼻。生活在同一个世界，为何你的眼中就没有美？那是因为你不懂得去欣赏。而如果你懂得什么是艺术，你就会发现原来身边的世界如此美丽。艺术给了我们一双善于发现美的眼睛。当重新审视这个世界的时候，你会发现美无处不在。 其实，每个人自己的大脑在那颗智慧果的营养中已经获得了令人难以置信的创造力，它有足够的能力随时创造出比迄今为止所有的自然美景和艺术品更加扣人心弦的壮丽画卷，从而随时使自己跨入无限辉煌的审美时空，随时使自己在瞬间获得永恒！ 二、艺术让我们懂得去追求美 马克思四十年如一日的终日苦读，源于他对哲学美不断追求。最终，他集德国古典哲学，英国资产阶级政治经济学和法国空想社会主义与一体，完成了唯物主义的哲学观点。《命运交响曲》唱尽了贝多芬人生的悲怆和同命运作斗争的艰难与不屈；《蒙娜丽莎》更是达芬奇将内心永存的永恒的微笑尽画其中。张恨水一生勤于笔耕，3000多万字的文学作品流传于世，真可谓著述丰厚，像他这样勤于创造的一生，不仅展露了他人生的智慧，也尽显了他对生命之美的不懈追求。 生命之美更存在于不息的创造之中。有一首歌唱得好，“幸福在那里？朋友啊告诉你，它不在柳荫下，也不在温室里，它在辛勤的工作中，它在艰苦的劳动里。”其实，生命之美又何尝不是如此？只有当生命在不断的耕耘不断的创造时，才能完善自我超越自我升华自我，才能体现出生命的意义和价值，生命的美也就尽含其中。 艺术，让我们明白什么是真善美，什么是假丑恶，什么能够遗传千古，什么够流芳百世。人们希望在有限的生命里追求无限的价值，在相对的存在中追求绝对的意义。对艺术的执著精神激励着人们惜时如金，不负年华，积极向上，建功立业。 三、艺术让世界多姿多彩 从古埃及大漠中的金字塔、罗马庞培城的斗兽场到中国的古长城，从秩序井然的北京城、宏阔显赫的故宫、圣洁高敞的天坛、诗情画意的苏州园林、清幽别致的峨眉山寺到端庄高雅的希腊神庙、威慑压抑的哥特式教堂、豪华眩目的凡尔赛宫、冷峻刻板的摩天大楼，无不闪耀着人类智慧的光芒。而这些正是建筑艺术给我们带来的艺术盛宴。建筑的文化内涵表明，建筑艺术风格的形成和发展不只是物质因素的作用，同时可能是，甚至更主要的是精神文化因
文艺复兴时期艺术思潮及代表性的艺术流派和艺术家 （学号：09290010211 姓名：马武林班级：城建土木二班）文艺复兴时期（14-16世纪）始于十三世纪末期的意大利，粗略指涉欧洲从中世纪到近代之间所经历的这四百多年时间。文艺复兴一词意指重生或复活，它是一个朦胧的概念，没有清楚的开始或结束日期，但通常可以涵括欧洲由野蛮的黑暗时代演进到一个在各个领域都有新发展的时代，而这些领域的成就均超越了伟大的古文明。 文艺复兴是一场资产阶级文化运动，它的核心是人文主义精神，人文主义精神的核心是以人为本，文艺复兴产生的根本原因是生产力的发展，资本主义萌芽的出现，其本质是正在形成中的资产阶级在复兴希腊罗马古典文化的名义下发起的弘扬资产阶级思想和文化的运动。 文艺复兴时期的艺术（一）佛罗伦萨画派 佛罗伦萨画派形成于13世纪末，鼎盛于１５世纪至１６世纪３０年代，以乔托为奠基人，初期以乔托·迪·邦多纳（1267-1337）、马萨乔（Masaccio，1401-1428）、桑德罗·波提切利（1445-1510）等画家为代表，盛期以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等画家为代表，是当时意大利成就最大的艺术流派。最终，生硬模仿前人技法的样式主义的流行宣布了佛罗伦萨画派的结束。 佛罗伦萨画派主要以宗教神话故事为题材。画家们遵循人文主义原则，用世俗化手法描绘至高无上的抽象的神，将神画成生活中的人的形象，并加以理想化，开一代人物画新风。作品表现的是神话故事和宗教人物，实际上反映的是人的思想、感情和力量。佛罗伦萨画派以油画和湿壁画成就较大，后者主要服务于教会、宫廷和资产阶级上层人物，在形式和内容上都有别于欧洲中世纪绘画。 从技法上来看，该派用科学方法探索人体的造型规律，吸取古代希腊、罗马的雕刻手法应用在绘画上，把中世纪的平面装饰风格改变为用集中透视，有明暗效果，表现三度空间的画法。它也影响了温布里亚画派和帕多瓦画派。他们的画法细腻，画面明暗对比不甚强烈，
毕加索——我最欣赏的画家巴勃罗·毕加索（1881～1973）出生在西班牙马拉加，是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。毕加索也是位多产画家，据统计，他的作品总计近37000 件，包括：油画1885 幅，素描7089 幅，版画20000 幅，平版画6121幅。 跟一生穷困潦倒的文森特·凡高不同，毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40％的高票当选为20世纪最伟大的十个画家之首。 毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。问起他创作的秘诀时，毕加索说：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。” 多数画家在创造了一种适合于自己的绘画风格后，就不再改变了，特别是当他们的作品受到人们的欣赏时更是这样。随着艺术家的年岁增长，他们的绘画虽然也在变，可是变化不会很大了。而毕加索却像一位终生没有找到他的特殊艺术风格的画家，千方百计寻找完美的手法来表达他那不平静的心灵。 毕加索一生中画法和风格几经变化。也许是对人世无常的敏感与早熟，加上家境不佳，毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁，早期画近似表现派的主题。在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，而产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。 1900年毕加索来到巴黎，并在1904年定居在那里。这期间他的创作被称为“蓝色时期”，是他第一次形成自己的风格。这个时期的作品背景蓝，人物蓝，头发、眉毛、眼睛皆蓝，蓝色主宰了他的作品。背景简化避开光感和深度的感觉，把人物和成简单的图样，其中沉重，强烈而流动的线条给人以不真实的、虚拟世界的印象。 1904年的春天，毕加索迁居巴黎，邂逅费尔南德·奥利维叶，并同居。他的蓝色风格时期也宣告结束。他从后印象派色调的精细中重新发现形体上的大略简洁笔法，而这就是“玫瑰时期”的典型画法。暖洋洋的、娇滴滴的玫瑰红色代替
西方美术鉴赏论文——浅谈印象画派 内容摘要： 印象画派(Impressionism)是传统绘画向现代绘画的过渡，是传统艺术和现代艺术的分水岭，标志着新艺术的开始。印象派在色彩表现上打破了“固有色”概念，科学客观分析色彩关系，创立了全新的色彩体系。印象派对我国的美术教育产生了极其深远的影响 印象派绘画(Impressionism)是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制。其代表作品中，马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出的印象》、凡高的《向日葵》等更是鼎鼎大名。 关键词： 印象派绘画现代绘画传统绘画 内容：
印象主义是19世纪后期产生于法国的一种艺术思潮和流派。印象派画家在艺术特色上从构图、造型、色彩、笔触以及主观精神的表现上都和之前的古典主义的艺术特色有着明显的区别。他们重写生，重实践，并走出画室，描绘外光和大自然的瞬息变化，用奔放的笔触和没有调和的颜色在画布上直接糅合，形成冷暖色调强烈的新画风。印象派绘画以莫奈的《日出的印象》最初被人讥笑而得名，却在短短的一二十年中跃然成为一场世人瞩目的艺术运动。在1874年巴黎的第一届印象派画展，被认为是印象派绘画团体诞生的标志。该画展向世人宣告，这是一群画家们不懈努力所展示的作品，他们的作品摆脱了由世俗等级制度和固步自封的艺术团体强加于其上的传统桎梏的束缚，同美术史上的任何一场运动相比，印象主义及其关联的画家具有更为神秘的特性，他们起初为公众所不理解，被评论家责难，大多数作品被社会拒绝。可是，他们不气馁，并矢志不渝地朝向自己认定的目标前行。他们并不知道，正是他们开创了西方绘画史的新纪元，也正是以他们的画展为起点，“印象派”从法国开始影响整个欧洲，成为西方现代绘画的起点。 一、印象派的构图 印象派画家几乎都强调那种偶然一瞥，力求从一种全新的角度去审视对象，例如从晚会包厢里俯视舞台，从某一个角落侧视大厅，从头顶上仰视一群舞女，都是以前传统绘画里没有的。传统艺术主要关注神话、战争和历史题材，讲究构图的舞台戏剧化效果，场面宏大富有文学性。而印象派的构图突破旧的固有模式，多作架上小品，并根
中国古代艺术鉴赏 学校：重庆科技学院 作者： 院系：法政与经贸学院国贸4班 日期：2012、05、08
摘要： 中国古代艺术具有丰富的内容和多样化的特点。它有绘画、雕刻、工艺、建筑等多种艺术类型。例如，新石器时代的彩陶和玉雕，商周时期的青铜器，秦汉的墓葬俑群，魏晋南北朝的佛教雕塑以及唐宋以来的墓室壁画等等。 这些古代艺术作品，在艺术表现方面，有涉及到文与气、文与理、文与质、文与性、情与景、情与理、情与性、形与神、形与意，风骨与辞采，法度与自然等一系列的概念和范畴。在此，我选取各个时代的典型作品进行赏析。 关键词： 中国古代艺术彩陶青铜器佛教雕塑壁画 清明上河图美与形 正文： 中国是世界四大文明古国之一，有着五千年的悠久历史。在这悠悠长河中，我们华夏祖先们创造了璀璨的中华文化。在学习美术鉴赏中国部分的时候，很是自豪，自豪于我们的艺术文明，钦佩着我们祖先的智慧，游弋在艺术的海洋，感觉是一种熏陶。下面根据我在艺术鉴赏课上学到的相关知识，来分别鉴赏一下古代各个阶段的那些我们自豪的艺术。 彩陶 我们都知道在旧石器时期，就已经有制作较为精细的石器了，还有那些用动物骨头制作的项链等装饰品。这个时期的文明向前提升一
大截的是彩陶文化。 我翻阅相关的资料，《美源》里一段对彩陶的描述“史前彩陶中最具代表性的作品，还是仰韶文化的彩陶。它们主要是日常使用的实用器皿，包括盛放物品的盆、罐、壶和饮食用的钵、碗等，制工精致，使用的泥土经过淘洗，故此胎质细腻，入窑焙烧后成品一般呈橙红色。”由此可见，彩陶这种艺术品是很实用的。 对于彩陶，最具代表性的是人面鱼纹彩陶，对于这个由细泥红陶制成，敞口卷唇，盆内壁用黑彩绘出两组对称的人面鱼纹彩陶，我们能够看到当时的文化和一些风俗习惯。仔细研究这个彩陶，眼睛细而平直，鼻梁挺直，神态安详，嘴旁分置两个变形鱼纹，鱼头与人嘴外廓重合，加上两耳旁相对的两条小鱼，构成形象奇特的人鱼合体，表现出丰富的想像力，人头顶的尖状角形物，可能是发髻，加上鱼鳍形的装饰，显得威武华丽。 青铜器 经过了石器时代，摆脱了奴隶时代，我们正式进入封建社会，开端是夏商周时期。 在这个时期，最为体现当时的文化文明的是青铜器。当时的青铜器主要是用于战争，祭祀，所以都是国家管理生产。夏商周的君王设置了相关的部门来生产青铜器。 我们都知道，当时的主要以司母戊鼎和四羊方尊。1939年3月19日在河南省安阳市武官村一家的农地中出土的司母戊鼎，因其腹部著有“司母戊”三字而得名。司母戊鼎器型高大厚重，又称司母戊
2013至2014学年第二学期 东西方名画欣赏课程 论国画形式的油画作品 ——浅析《学贯江海图》 课程编码：______ G20351_____________________ 总学时／周学时： 32学时（11周） 开课时间： 2014年3月31日第五周至第十五周 学生姓名：__ 翟瑞星 __ 学生学号：_ 1202170111____________ 专业年级：_ 轮机工程2012-1_____________
摘要： 国画即中国画，是相对于西方画而言的。在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。尤以山水，花鸟为长。油画是西洋画绘画形式的一种方式，它不同于水墨画的方式。用油画的绘画方式来画国画，是东西方文化与艺术的完美结合，体现了中西合璧的哲学思想与美学价值，亦有崇高的道德情怀。本文仅对《学贯江海图》这一作品的哲学思想，美学价值，道德情怀进行简单赏析。 关键词：表现手法哲学思想美学价值道德情怀
论国画形式的油画作品 ——浅析《学贯江海图》中国油画的产生来源于西学中用，当油画这个舶来品传入中国后，逐渐被众多国画艺术家接受并运用和发展，从而形成一个新的流派——中国油画。《学贯江海图》长4.5米，是艺术与传媒学院教师张仕春老师作为献给学校60周年校庆的作品，在视觉上气势磅礴，冷暖相接;在内容上意境优美，虚实结合。是一幅优秀的山水画。 此幅油画在视觉上采用由近及远的绘画手法，着眼于近处，高山之嶙峋，草木之繁茂，色彩之浓，清晰地跃然于人们的视线内，给人一种生机勃勃，欣欣向荣之感，仿佛置身于其中，沐浴着春风，其喜洋洋者也。每一个观摩此作品者都有一种身临其境的感觉，有着橘子洲头，指点江山的气势，欣赏着虫鱼草木的生命气息，感受着流水浮云之自然灵气。此乃画之动也。远处以暗色描绘飘渺的山峰和山天相交的恢宏意境，亦是创作手法静的表现。作品的动静结合，表现出一种旷远，豁达，天人合一的哲学思想。在这哲学思想下，亦体现了对美好事物的向往,和对莘莘学子殷切盼望之情。 国画素来讲究意境须臾飘渺，给人虚虚实实，真真假假的感觉。此作品亦不失传统国画之风格。纵观全图，由近及远，由真切到飘渺，使作品显得栩栩如生，看那瀑布，涓涓潺流，线条与线条得搭配得当，色彩与色彩的交相辉映，便使之有一种灵动感。观那远处的高山，所谓云锁山腰一半高，到底山有多高，作者没有具体描绘，而是云雾缭绕锁山腰，这就更能体现山之高不可测，和辛弃疾的“浮天水送无穷树，带雨云埋一半山”有着异曲同工之妙。用这样一种虚实相接的表现手法，使画的意境表现地富有诗意一般的美妙。既有苏东坡大江东去的豪迈，又有王摩诘悠然自得的飘逸。画之美，美在意象，是在物理世界之外构建的一个意象世界，有着超越人们理性审美的精神活动。体现了中国传统之美学观念，有很高的美学价值。 值此六十周年校庆之际，张仕春老师鼎力巨献该作品，更是表达了对学校 的衷心祝福之情。作品取名《学贯江海图》，意在表明学校会秉承着：“学贯江海，德润方厚”的校训蒸蒸日上，大展宏图。那涓涓潺流的瀑布象征着海大人 自强不息的进取精神，那挺拔险峻的高山亦是道德的象征，古人素有“高山仰止，景行行止”的说法，在这种哲学思想的熏陶下，我海大学子必定会独树一帜，有所作为。总之，象征的手法，表达了作者的真情实意。 作者以油画的绘画方式，为观众呈现了一幅意境恢宏，富有深意的国画形 式的油画作品，在欣赏作品，大饱眼福的同时，也体会到了作者在哲学、文艺、道德方面的造诣，亦淋漓尽致地表现了一位人民教师对母校的热爱之情。
中国美术鉴赏结课论文人之所以不同于其他生物，其很大一部分原因就是人能思考，思考能带给我们科技，而更重要的，思考也带给了我们艺术，艺术赋予了我们生活魅力，抒发了我们心中的情感，传递了我们心中的思想。而艺术有很多种，看到的图画，听到的音乐，读到的文字，等等，而眼看，实际上是了解万物最基本，最直接的方法。作为一名大学生，不得不说我对艺术的了解实在是太贫乏了，所以选课之初，趁着这个机会，选了这门中国美术鉴赏，希望我对艺术能有体会了解。 中国美术的确很特别，其表现主要在于线条，在于布局，在于意境，这恐怕是其他所偶国家所不能比的，看似简简单单的几笔，画家却能够用远近呼应、以动衬静等手法将人物、山水表现得淋漓尽致、唯妙唯俏，这也是我们中国古代绘画的精髓所在！ 从远古的陶瓷绘画，到魏晋的墓室彩绘砖，再到隋唐的壁画，个人感觉，相比较于西方油画的死板，我们中国美术讲究的是形散神聚，画家们举手投足之间一挥笔墨，就能表达自己对人物、事物的态度与看法——不论是一种巫术，还是讽刺官僚、表现民生疾苦，抑或是细致刻画某种动物等等。通过这几次选修课，我觉得古代的画家不仅仅是画家，他们往往能够用笔墨批判现实或者是表达某种愿望或抱负，总之，绘画的目的已经远远超越了欣赏，我们能够从众多的绘画之中感受到它们所带来的内涵美、意境美，这也是值得我们去欣赏、去研究的地方！
例如，甘肃出土的魏晋墓室彩绘砖上，《出行图》《屠牛图》都具有一定的意义，都能表达出了墓室画家的一种精神志向。在《屠牛图》图中，牛眼和人的衣服都是红色的，这浓墨重彩的一笔把整幅图点染得意趣盎然、活泼生动。除此之外，这幅图更是表现出了民生疾苦。因为在古代是不允许随便杀牛的，而图中的人杀的恰恰又是一只瘦骨幼牛，可见当时生存环境的艰苦，充分表现出了笔者对当时社会的不满，表达一种心中的怨恨之情。而在《出行图》中，更是显而易见的，笔者讽刺了官僚主义，他呼吁劳动人民觉醒。 又如在我国古代鼎盛的唐朝唐太宗时期，吐蕃势力强势，唐太宗会见松赞干布的场景被阎立本用画笔记录了下来，在《步辇图》中，唐太宗被一群宫女所环绕、包围起来，并且就连座椅都是宫女们抬起来的，这些许表现了阎立本对当时唐太宗、当时整个唐朝的不满与讽刺。 还如，在阎立本的《古帝王图》中，将晋武帝司马炎的性格特点表现得淋漓尽致，肥硕的身躯，凶险耿直的眼神，充满杀气的目光，张牙舞爪的造型，都让我们跟恶人的形象联系在一起。众所周知，在历史上，晋武帝司马炎是一个出名的伪君子，尤其是晚年的司马炎，颓废无比，不理朝政，沉于女色，使朝政紊乱，庸臣当道，种下“八王之乱”祸根。而阎立本的这一幅画，精妙绝伦地刻画出晋武帝司马炎的形象，起到了讽刺的效果。 其实，个人认为，我觉得中国美术是最能彰显我国文化特色的历史产物，我国拥有着五千年的深厚底蕴，这不仅仅包括历史，更囊括
西方经典美术作品赏析论文 我深信，只有高度的文化建设，才能造成现代强盛的民族和国家，对美和艺术的理解， 是文化修养的一个重要部分，而“美育”的最有效的方法便是多接触艺术，包括了解一些艺 术史，经验证明：人们对于美的鉴赏和理解力，是要靠学习才能获得的————是知识之所 赐。 西方艺术往往让人觉得驳杂繁芜,高深莫测,让人不明就里,不知所措。对西方数千年艺术发展概况的解读，体验到西方艺术的源远流长，博大精深，领略到西方艺术典雅精致的风 格和浓浓的人文情怀，有身临其境的感受，深入艺术的现场，感悟艺术之趣、历史之真，知 性之美。从这本书中，学有所获，常有所思，偶有所悟，其乐融融。 西方美术发展的精神基点，始于与自身的认识上。“美术”一词，在西方指非功利主义 的礼堂艺术，或主要指为纯审美而创作出的有形艺术。艺术是人们把握现实，表达思想感情 和审美理想的特殊方式。纵观整个西方美术的发展历程和存在状态，由于不同的民族历史传 统和相异的社会文化因素的影响，使之呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。 西方美术的真正起点在希腊。尽览西方美术发展的线索，有过三次高峰时期。第一，古
希腊古罗马时期；第二次，文艺复兴时期；第三次，19世纪。 对于文艺复兴，在我学这门课以前的记忆里，留下足迹的仅仅是文学作品，远远不知道 美术作品的丰富、无限和逼真。到此刻才了解到艺术的无垠天地。 历史的继承性是艺术发展的普遍规律，革新是艺术发展的必然规律。中世纪是基督教统 治西方的一千年，人们的思想，生活都受到基督教义的全面渗透和压抑。这个时期的人们缺 乏创造力，缺乏自主思想，只为了上天国而活着，而文艺复兴唤醒了西方人的创造力。文艺 复兴为世界文化史的新阶段奠定了基础，恩格斯说：“这是人类前所未有的最伟大的进步的 革命。”就文艺复兴在发展文化艺术方面所具有的意义而言，只有古希腊罗马文明的繁荣时 代可以和它相提并论。文艺复兴的艺术文化，是人类无与伦比的不朽的珍品。而近代先进的 艺术文化，是在文艺复兴艺术文化的基础上诞生，成长起来的。虽然文艺复兴是一次内容复 杂多变的艺术风潮，但它创造了一系列独特的典型和共通的原则，方法以及形式。 文艺复兴-----这个人类终于迎来的属于自己的曙光，这个时期的人们尽情地歌颂人， 歌颂人性，歌颂人的美是文艺复兴美学观的主旋律。美术，在这场轰轰烈烈的艺术大变革中
用生命谱乐的孤独 ——浅析《海上钢琴师》人类从生下来开始，就一直在找寻着心灵的归宿。人生最大的幸福，无非就是在生活中找到真正的自我。音乐，总能升华人类的灵魂，而用生命谱乐的人，给人带来的不仅是天籁般的音乐，还有灵魂的震撼。《海上钢琴师》中的1900便是这么一个用生命谱乐的人。若说伤感出诗人，那么就是孤独造就了1900。我想，接触的人、事、物越少，他的灵魂就应该越纯洁吧，只有用纯洁的灵魂才能弹奏出那样美妙的歌曲。音乐便是1900的自我，便是他心灵的归宿。 《海上钢琴师》是意大利导演吉赛贝·托纳多雷指导的一部艺术性极强的影片，同系列的还有《天堂电影院》和《西西里的美丽传说》。吉赛贝·托纳多雷的作品直白、清晰，注重平实稳健，总是在不经意间为我们娓娓道来的是一个平凡的近乎没有故事的故事。1998年，42岁时编导的史诗巨作《海上钢琴师》（即《声光伴我飞》），更使他获得大利大卫奖最佳导演奖的殊荣。 《海上钢琴师》讲述的是一个有极高音乐天份的无名琴师的故事。男主角1900（人名）是一个被人遗弃在蒸气船上的孤儿，被船上一位好心的烧炉工收养，然而好人不得好报，烧炉工在一次意外中死亡，只有8岁大的1900又再度成为了孤儿。过人的天赋使他无师自通成了一名钢琴大师，但宿命也令他天然地对红尘俗世深怀戒意，他从不敢离船上岸去，只因纽约无际的高楼和川流不息的人群令他迷失自我。纵使后来遇上了一位一见钟情的少女，他思量再三后，还是放弃了上岸寻找初恋情人的冲动。他永远地留在船上了，就算到了最后，唯一的好朋友马克斯警告他废船将要被炸毁，他也不愿离开，于是从出生开始就没有离开过维吉尼亚号的1900殉船于海底。1900，这个既没有出生纪录，也没有身份证明的人，没有留下一点痕迹就在人间蒸发，就如流逝了的音符一样，渺无踪影了。 导演采取极端的浪漫主义，构建了这部充满传奇色彩的诗意“史诗”影片。导演想要表达的初衷只有一个，观众对于电影本身的理解却千差万别。用一句永不过时的话来说就是“一千个观众就有一千个哈姆雷特”。要在与你自己是站在什么角度来看这部影片，中国传统的儒家思想“修身，齐家，治国，平天下”，一切优秀的人都应该利用自己的天赋赢得声誉和功名。站在这样的角度对待这部影片，那么它肯定是过于理想太过虚假或者是难以接受。但是，这么一个用自己的灵魂、生命去谱写乐章的人，不更是值得我们敬佩吗？他内心孤独，也正是这份孤独成就了他，让他用音乐来表达自己的感情。1900看似终年囚禁在一艘船上，但在精神上绝对自由，相比于那些整日在陆地上奔波的大众，身体和精神被命运双重束缚，1900又是幸福的。即使是在本应十分阴暗的邮轮底层，导演也
《美术鉴赏》结课论文 『结课论文』 美术鉴赏
一个学期的美术欣赏课结束了，我受益良多。这一学期的课程，对我来说是"美的历程"，从以前的不懂美，对美的浅薄的外在认识，到现在的欣赏美，逐渐明白更重要的是看到美的本质。 众所周知，审美教育是大学生全面发展教育中不可缺少的组成部分。有位大家说过："艺术的最终目的，就是使人们更深地懂得生活，进而更加热爱生活。"学习美术欣赏，要更好的培养大学生，提高大学生的素质，最根本的问题是要提升大学生的精神境界。美术欣赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。 美术欣赏有益于大学生灵魂的雕铸和人格的完善。艺术教育注重开发和挖掘人自身的潜能，并致力于培养人的自尊、自信、自爱、自立、自强意识，不断提升人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。人的全面发展，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是一专多能的素质型发展。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕铸和人格完善的全面发展中起着重要的作用。 美术鉴赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足过的领域，带到了艺术的殿堂，我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先代们是那么的智慧。 美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏活动能帮助我们在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。 中国有句古话，物以类聚，人以群分。不管我们有多么不同，不管多么的有个性，但我们都有一个共同点——我们都被艺术影响着。 时代变迁，各个时代有它不同的主流艺术。欧洲文艺复兴时期，终于有人意识到人性的意义。以坚持现实主义方法和体现人文主义思想为宗旨，艺术家们创造了符合现实人性的崭新艺术。以意大利的达?芬奇、米开朗基罗和拉斐尔为首的14-16世纪的文艺复兴，为了回归人性的自由，他们高举古希腊古罗马艺术精神的旗帜，创造出的人物形象或雄伟健壮，气魄浑宏，或秀美典雅，高于平凡。艺术不再被教条所禁锢，人文的力量再一次被发扬出来。看着那个时代的不朽之作，即使是色彩不再光鲜，甚至不再完整，我依然可以想象出它们当年所能引起的轰动。同样在看到古希腊、古罗马的那些完美绝伦的雕塑时，我也一再惊讶于他们那天神一般让人只能仰视的造型。复兴，这个词的意义就在于告诉我们那一切曾经发生过，也会一直焕发夺目的光彩。在描绘教堂壁画的时候，米开朗基罗可以仰着脖子几天几夜，即使自觉已到极限，依然无法停下手中的创作；为了逼
浅谈西方艺术精品欣赏课后的收获 人类是一个有机的整体，艺术是人类的共同财富。异界文化的 交流在历史上从来没有停息，这种交流不仅避免了文化近亲繁殖导 致的基因退化或畸形，从而优化提升了本土文化，而且给世界文化 带来了丰富的新品种和蓬勃的新活力。我们出生于东方，沐浴在东 方本土文化的光泽下，从而黯淡了西方艺术的色彩，但通过西方艺 术精品欣赏这门课，让我们感受到了来自西方的璀璨光芒。 艺术的内容是相当广泛的，像文学、音乐、美术、建筑，甚至 演讲、体育等等。但我们在有限的上课时间里无法全部涉猎，因此 周正平老师帮助我们系统的学习了一些西方雕塑、绘画、建筑的精品。下面，则是我对印象深刻的作品的一个了解与认识。 艺术来源于文化，文化是一种生活方式。通过学习我们知道， 西方艺术最早体现在古希腊文化中，而古希腊的艺术则具体的体现 在雕塑上。在一座名叫《克雷提奥斯少年》的雕像上，人们终于看 到了人的生命，这是古希腊的雕塑艺术取得突破的关键一步。而米 隆的《掷铁饼者》则是另一个巨大的进步，这座雕像不仅不再沿袭 传统的大理石雕塑，改用青铜雕塑，而且是第一个把将运动作为表 现重心的雕塑作品，它的产生标志着古希腊艺术正式进入了它最光 荣的时代——古典期来临了。 但是《掷铁饼者》表现的是掷铁饼的大力士正处在将铁饼往前 一掷的瞬间，我们从他身上看到的与其说是运动，不如说是稳定； 雕像充满的与其说是动态之美，不如说是静态之美。而相比之下， 坡力克里特的《持矛者》则相当完美的解决了这一问题。《持矛者》雕像所表现的就是他一步走过后，正要迈开另一步的刹那间，虽然 他的运动幅度明显不如《掷铁饼者》，但如果我们仔细看，尤其是 看侧面像的话，会发现他的全身好像都在动，这就是所谓的动态之 美了。 通过查阅资料，我还知道了整个古希腊雕刻艺术的天鹅之歌， 绝望之歌——《拉奥孔》，一个以绝望为主题的完美雕塑，似乎预 示着古希腊的雕塑走向绝望，再也无法雕琢出伟大的作品来了。在 古希腊的雕刻作品中还有一个大的特点，那就是以女神维纳斯为主 题雕刻女性雕塑，其中不乏优秀的作品，如堪称美丽之最的《米洛 斯的维纳斯》、《尼多斯的阿芙洛狄忒》（阿芙洛狄忒即维纳斯的 另一个名称）和《卡普亚的维纳斯》等等。女神维纳斯是古希腊爱 与美的象征，古希腊雕刻家对于刻画维纳斯的形象有着特殊的偏爱，
中外设计艺术赏析论 文
中外设计艺术赏析课程对我的影响及建议 中外设计艺术赏析课，使我意识到了古建筑与所谓古董中蕴含的艺术美，让我在艺术品的品位上得到更好的一层飞跃。作为一名中国人，我无时不刻不在为祖国拥有着卓尔不群的古建筑而倍感自豪。中国五千年悠久的文化创造了中国灿烂的建筑艺术，欣赏着中国的古建筑，就像是徜徉在艺术的海洋里。研究中国古建筑就像在看历史剧，很是有意思。 中国古代建筑以它优美柔和的轮廓和变化多样的形式而引人注意，令人赞赏。但是这样的外形不是任意造成的，而是适应内部结构的性能和实际用途的需要而产生的。如像那些亭亭如盖，飞檐翘角的大屋顶，即是为了排除雨水、遮阴纳阳的需要，适应内部结构的条件而形成的。两千多年前的诗人们就曾经以“如翚斯飞”这样的诗句来描写大屋顶的形式。在建筑物的主要部分柱子的处理上，一般是把排列的柱子上端做成柱头内倾，让柱脚外侧的“侧脚”呈现上小下大的形式，还把柱子的高度从中间向外逐渐加高，使之呈现出柱头外高内低的曲线形式。这些做法既解决了建筑物的稳定功能，又增加了建筑物外形的优美曲线，把实用与美观恰当地结合起来，可以说是适用与美观的统一佳例。 不仅中国古建筑震古烁今，相比而言，西方建筑也有其独到之处。西方建筑分为很多风格。其中包括尖塔高耸、尖形拱门、大窗户及绘有圣经故事的花窗玻璃、修长的束柱，营造出轻盈修长飞天感的哥特式建筑；富贵华丽、繁琐、充满浪漫主义色彩、外形自由，追求动态，充满富丽装饰和雕刻的巴洛克式建筑；纤弱娇媚、华丽精巧、甜腻温柔、纷繁琐细、精美又浮华、曲线、崇尚自然的洛可可式建筑；用简化的手法、现代的材料和加工技术去追求传统式样的大致轮廓特点的新古典主义建筑；在艺术上强调个性，提倡自然主义，主张用中世纪的艺术风格与学院派的古典主义艺术相抗衡的浪漫主义建筑等等……各种各样的建筑风格构成了我们看到的如今西方国家充满艺术气息的建筑群，交相辉映，风景独到。 恰恰是中外艺术赏析课给了我这样一个学习并认识进而深入了解艺术的平台，让我在艺术品美的世界里遨游，在生活中不断地去发现美，欣赏美，感受美，尤其是在这样一个高楼林立的城市里的建筑美。作为一名理科生，我对中外设计艺术的认知并不完整，我认为这是一种缺憾，如果一个人对艺术没有感觉，他的