摘要：音乐是一个人类永恒的话题，它从何而来我们不得而知，但它伴随人类穿越古今。音乐是寄托人情感的媒体，有着强烈的感染力和直观性。科学证明音乐对人的生理和心理活动有着强力的导向作用。音乐创作是艰苦的劳动，音乐欣赏却是轻松的享受。
关键字：音乐，欣赏，品位，心理学
解析音乐欣赏
音乐是一个人类永恒的话题，它从何而来我们不得而知，但它伴随人类穿越古今。音乐是寄托人情感的媒体，通过声音的方式来表达，通过声音的变化来表现，有着强烈的直观性和感染力。从声乐到器乐，从钟鼓到交响乐，从传统到现代，古今中外伟大的音乐和音乐人不计其数，他们的故事家喻户晓，一曲曲美丽动人的旋律在不断地感动和感染着你我他。
古语有云“凡音之起，由心生也”，音乐能给听者带来的强烈精神共鸣。“巍巍乎志在高山，洋洋乎志在流水” ，子期死后，伯牙痛失知音，摔琴绝弦，终身不操，故有《高山流水》之曲。两个心有灵犀的音乐先辈就这样诠释了知音难觅的一段佳话。伯牙弹奏的绝妙旋律，融入了自己的复杂情感，情感与音乐的完美交融，造就了完美的音乐。而听者要真正理解它，也需要有同样的情操、志向，子期做到了。对音乐的理解，实际上就是情感与情感的碰撞，知我心者，方知我曲。
科学证明音乐对人的生理和心理活动有着强力的导向作用。这种导向作用分为积极的也有消极的，不同的音乐，总给人以不同的心灵感受，好的音乐能改善人的心情，不好的音乐能影响人的情绪。德国著名的生理学家和心理学家赫姆霍茨，以及后来的一些科学家曾对声音对听觉器官和听神经的作用进行过深入而详尽的研究。他们发现一根听神经纤维只接收和传导相应的一种频率的音响。音乐的生理作用首先是通过音响对人的听觉器官和听神经的作用开始的，进而才影响到全身的肌肉、血脉及其它器官的活动。有人研究认为声音可以使肌肉增加力量。快速的和愉快的音乐可以消除肌肉的疲劳。还有人发现，在音调完全和谐或音乐的强度猛然更换时以及一曲乐调将终结时，脉搏和呼吸速度变快。又有人研究认为忧伤的音乐使脉率变缓，欢快的音乐则使脉率变快。正因为音乐有着如此强大的魔力，许多医院已经把“音乐疗法”引入了他们的治疗方法当中，像音乐麻醉这种就已经是个成功的例子。
音乐是“无私”的。无论男女老少，高低贵贱，都有机会一亲音乐的芳泽。古往今来，没有哪个正常人，一生都未品尝过音乐的味道。王公贵族们可以享受奢华的宫廷音乐，而平民百姓也有自己的民间小调来陶冶情操。“英雄不问出处”，出身并不影响一个人热爱音乐，不阻碍一个人成为音乐家。“乐圣”贝多芬出身平民，柴可夫斯基生于贵族，人们会永远记得《英雄》《命运》抑或是《小夜曲》《黑桃皇后》，但大多数人不会在意他们的家庭背景，是音乐赐予他们无上的荣耀，得以永载史册，而不是什么其他的东西。
音乐有时却也会“偏心”。就像“天才”总是让人羡慕的，“音乐神童”莫扎特8岁便能创作交响乐，贝多芬11岁就发表了《钢琴变奏曲》，音乐大师似乎都有着与生俱来的音乐天赋，对于这些，旁人只有感叹的份。有些人能生来就能与音乐结缘，于是，贝多芬出身音乐世家，从小身上就流着音乐人的血液，有些人却要靠自己后天的努力，来攀爬音乐大师的山峰，于是，海顿历经了坎坷，方才铸就“交响乐之父”的金身。
音乐创作是艰苦的劳动，音乐欣赏却是轻松的享受。不要以为出身贵族或者音乐世家便能在维也纳开演奏会，便能谱出世界名曲，音乐家不是一天练就的，经典的曲目无不凝聚了大师们无数的精力和才华。面对创作者的劳动成果，漫游在音乐海洋中的听者需要一颗感恩的心，欣赏音乐，同时陶冶心灵。
音乐“知人”。音乐是美丽的，欣赏音乐是审美的过程，而审美是人通过自己的认知来判断的，不同的人，认知的深浅程度不同，因此从一个人爱好的音乐，可以看出一个人的品位。最普通的例子，大家都承认，也都亲身体会过，一个人从小到大，喜欢的音乐必然是不同的。音乐对于刚刚学会讲话的小朋友来讲，可能只懂得什么是音乐和噪音的区别。情窦初开时，总会觉得情歌是那么的美妙，那么的动听，一曲《逍遥叹》，怎么都听不够。再到大一点慢慢的成熟了，阅历丰富了，便觉得什么流行音乐，情也好爱也罢，都是浮云一朵，自然对那些“轻浮之音”敬而远之。当然也很少有人听说老年人还喜欢R&B，喜欢周杰伦的。成年人的世界观、人生观比较固定，对音乐的理解力、个人多年积累下来的偏好这些也决定了自身的音乐品位波动微小。《心理学》杂志曾经刊登过这样的结论：据说喜欢声乐的人大部分是外向的；喜欢乡村音乐的人，往往性格沉稳；喜欢爵士乐的人，常常很聪明。
人需要知“音”。音乐是美妙的，“爱美之心，人皆有之”。接近音乐，会被她的神秘所吸引；聆听音乐，会因她的魅力而倾倒；融入音乐，会为她的多彩而感叹。音乐还可以更美，美到让人“三日不知肉味”，美到“此曲只应天上有”。工作劳顿时，一曲悠扬的萨克斯，可以让人忘却疲惫；精神不振时，一场音乐会，能够让人精神焕发；朋友聚会时，一曲熟悉的曲子，会让大家回到过去；恋爱约会时，一段煽情的舞曲，会使男女心中迸发出激情的火花。音乐点缀着人们的生活，没有了音乐，世界便失去了自己的本色，人生也失去了原来的乐趣。
音乐是人类的宝贵财富，我们要与音乐和谐相处。有幸生在有音乐的世界里，值得我们每个人庆幸。以感恩之心拥抱音乐，音乐就在我们心中。
参考文献：
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西方音乐中人文精神的内涵及其发展 许多同龄人对西方音乐不太感兴趣，而我却能在西方音乐中找到一种让我莫名感动而心向往之的美感，这不只是音乐本身带来的欢愉，也不是演奏技巧的浮夸带来的感慨，细细品味，这是西方音乐重要的精神内涵——人文精神带给我的别样感受。人文精神是一种普遍的人类自我关怀，表现为对人的尊严、价值、命运的维护、追求和关切。而西方音乐在上百年的发展历史中无时无刻不在体现这样的人文情怀。 （一）中世纪——赞美神的颂歌 长达一千多年的欧洲历史被称为“中世纪”（Middle Ages）。以一贯的历史眼光，中世纪是一个扼杀人性的黑暗时期。而事实上，并不绝对。大约从公元450年罗马帝国的崩溃开始的早期中世纪，是一个充满迁移、动乱和战争的时期，被称为“黑暗时期”（dark ages）。但是中世纪晚期（大约截止至公元1450年）是个文化繁荣时期：人们可以看到罗马式教堂的兴起、修道院（1000-1150）与哥特式大教堂（1150-1450）的建造、城市的发展和大学的创办。可见人的创造力和开发力是被多大程度的实现了。 由于历史及宗教原因，大教堂不仅在景观和精神上占统治地位，它也是音乐生活的中心。当时主要的音乐家是神职人员，他们同时也为教会工作。男童们在学校接受音乐教育与教会和大教堂结合。而女性不被允许在教会里歌唱，但可以在女修道院中从事音乐活动。在这种教会占优势地位的情况下，我们就不会奇怪，为什么在几个世纪中只有宗教音乐被记载保留着。这的确体现了某种程度上的人性的压抑。但是，不同历史时期的人性实现程度是不同的。在中世纪，人文精神与宗教信仰紧紧捆绑在一起，当他们信奉爱神就是爱自己、爱人类的教条时，我们就会从他们虔诚的圣歌中听到他们对自己的爱护与关注。他们的庄严弥撒无不表达着他们对神的赞美和崇拜，而这也是因为他们依赖神来保护眷顾，他们表达的不过是自己的生活的欲望和追求。那时，对自我的关注，具有人文性质的精神是被隐秘地藏在对上帝的的诚挚的信仰中的。 （二）文艺复兴时期——世俗音乐 从14世纪开始，中世纪的封建主义社会政治制度，骑士制度，教皇统治的权威都逐渐地衰落，哥特艺术的黄金时代已经过去。一个新的文明的时代被称为文艺复兴（西方音乐史上的文艺复兴约指1430年——1600年的时期）。文艺复兴时期的学者在学术研究中使用人文主义的方法，并在艺术创作中追寻现实主义和人类的情感。文艺复兴时期产生的人文主义
西方音乐名曲赏析论文 周三2015293611赵忠胜 本学期我选修了《西方音乐名曲赏析》这门公选课，以下是我对课中观看的三部歌剧做的简要赏析 1.歌剧《卡门》观后感 《歌剧》大致讲述了这么一个故事：一位漂亮泼辣而性格坚强的吉卜赛姑娘卡门爱上了士兵唐·霍塞并使其陷入情网，唐·霍塞因此舍弃了原来的情人米凯拉并离开军队加入卡门所在的走私贩行列。但这时卡门又爱上了斗牛士艾斯卡米罗，于是霍塞与卡门之间的矛盾日益激烈。最后，倔强的卡门断然拒绝了唐·霍塞的苦苦恳求，因此激怒了唐·霍塞，终于死在唐·霍塞的剑下，故事最终以悲惨结局。 歌剧《卡门》以高超音乐技艺，叙述了一个悲惨的爱情故事。歌剧的序曲为A大调，回旋曲式。整部序曲建立在具有尖锐对比的形象之上，以华丽、紧凑、引人入胜的音乐来表现这部歌剧的主要内容。序曲中集中了歌剧内最主要的一些旋律，而且使用明暗对比的效果将歌剧的内容充分地表现了出来，音乐色调的明亮与叙事内容的阴暗，两者间构成强烈反差，这种奇妙的品格成就了作曲家比才的不朽伟业。歌剧《卡门》的主要特色在于，它不仅保留了原小说的真髓，而且通过音乐的独特力量，从根本上转化和提升了原小说的艺术品质。普罗斯伯·梅里美的《卡门》充其量是一部“著名的”短篇小说，而乔治·比才的《卡门》则具有充分的资格被看作是一部“伟大的”歌剧。自从梅里美的小说《卡门》问世以来，“卡门”这个鲜明的女性人物形象吸引各路英杰，经历了文学、音乐、电影、舞蹈等不同媒介的诠释，但只有在歌剧《卡门》中，“她”才获得了充实饱满和有血有肉的真实再现。这是一个必须依靠音乐的魅力才能获得全部生命活力的人物形象，她的妖艳、狂放、热情和坚决，她全身的感官性魔力，几乎“本能地”召唤音乐的加入——因为音乐在所有艺术媒介中，是一种最有效的直刺神经的感官武器。以音乐塑造卡门，优势不言而喻。卡门似乎专门为音乐而生，而音乐也在期待着卡门。歌剧《卡门》中，音乐对人物形象的塑造以及剧情的渲染具有不可替代的重要作用。的音乐配置始终充满半音的诱惑和舞曲的节律，其音乐勾人魂魄的魅力否决了观众对她进行正统道德判断的可能。男主人公唐·霍塞既令人同情又让人唾弃，而《卡门》利用音乐的色调变化充分展示了他的犹豫、无奈、情不自禁、痛不欲生、以及最后的歇斯底里。就连有点让人讨厌的斗牛士，《卡门》也通过一曲雄健豪放的《斗牛士之歌》，使这个没有多少戏剧分量的人物在观众脑海中打下深深印记。 2.歌剧《猫》观后感 音乐剧猫观后感音乐剧《猫》让我深刻感受到，音乐剧是一种近乎完美的艺术结合形式，它集歌唱、舞蹈、表演、美术等于一身，让音乐有了更广阔的载体，音乐剧观后感。它已经有我所知道的传统意义上的声音表达延伸至动作、表情、画面等等，让观者更有一种可观的立体感，从而音乐由平面扩充至空间，真有种叹为观止的感觉。《猫》给我最大的感受是其音乐强大的表现力。剧始，群猫共舞，欢快的音乐表现出了聚会的喜庆，同时也反映出杰利克猫对于自己种族的骄傲与自豪。随着剧情的进展，我更加感受到音乐可以塑造一切，渲染一切，烘托一切。在音乐里，可以塑造出善良之猫，教导老鼠做针线，训练蟑螂排队；还可以烘托出一对调皮捣蛋猫，打碎玻璃后逃之夭夭；有德高望重的老戒律伯，万猫景仰；也有四处流浪的格里泽贝拉，猫群都避之不及；有狂傲的大黑猫，又有邪恶的麦卡维蒂。在音乐里我们可以感受快乐，也可以感受悲伤；可以感受温暖，也可以感受凄凉；有团队的努力，也有孤寂的泪水；有青年的朝气蓬勃，也有长者的老态龙钟；有同情，有关爱，有热情，有破坏；有整齐划一，也有杂乱无章；有天真
音乐鉴赏论文1000字 流行音乐源于西方，它是19世纪的产物，在20世纪的前几十年得到迅速发展。西方尤其是欧美发达国家的流行音乐在世界上占有重要地位。美国是世界上流行音乐最发达的国家，也是流行音乐的主要发源地。如今，世界各国的流行音乐形态基本上都是在美国流行音乐的基础上发展而来。实际流行音乐(popular music)在一百多年的发展中，已逐渐发展成了有别于传统音乐与现代音乐的音乐体系。并非大众所理解的“流行的音乐”。同样具有很高的学术性，以爵士和声、拉丁音乐节奏、非洲音乐节奏、现代编曲技术为理论依据。其特点为风格多样、节奏相对比较复杂、音色多样。包括所有的民间音乐种类，发展风格也不受局限性。随着着经济的快速发展，科技的日新月异，网络、通讯与传媒的日益完善与普及，人们的生活方式与思想观念随着社会的变迁也在发生着深刻的变化。“流行音乐”的概念最早来自西方。流行音乐指流行风格的音乐，它包括流行歌曲，还有爵士乐、摇滚乐等器乐形式的作品。流行音乐的风格类型并不是固定的和一成不变的。音乐的流行与传播是分时间、空间的。首先从时间这个角度来看，在不同历史时期里流行的音乐风格显然不同。就像我喜欢的一首流行乐曲王力宏的《心跳》，无论是这首歌的MV或是创作都是喜爱之至。『心跳』在力宏的创作歌曲当中，是首非常特别的歌，他摒弃了学院派的创作手法，不从乐理著手，而是由最内心深处的想法出发，旋律和歌词浑然天成，在短短的字句当中，一语道尽对于感情的态度。是一首让人在繁杂喧闹中，会想要静下来倾听的好歌。这首歌曲每个乐器，包括吉他、钢琴、贝斯、鼓声，都是由力宏ㄧ人编写弹奏完成，在
弹奏的过程当中，力宏常常不断一遍又一遍演练弹奏，希望歌曲能够透过最纯手工的弹奏，表现出最真实的内心感受。新专辑的歌曲非常的力宏，因此在视觉得呈现上面符，力宏特别请到他纽约的好友摄影师Seamus来台负责所有MV的掌镜工作。Seamus在今年一年就拍摄了6部电影以及其他的电影短片，是目前好莱坞非常具有潜力的新锐摄影师，力宏希望透过Seamus自然光的风格摄影，帮每支MV创造不同以往的摄影风格，赋予MV更具生命力的视觉表现。 如果没有现代科技迅速的发展，并且与音乐创作的完美结合，怎么众多粉丝如痴如醉。如果没有MV与歌曲的相结合，仅仅是享受这歌声虽然也是种妹的享受，但是却不及MV的展示方式来的直接。那样更能触动我们的心，也许在我看来这是种更直接聆听音乐的方式吧。科技不断腾飞，更多的高科技越来越融入到我们的身边，就像我们身边的音乐，音乐是陪伴我们成长的一个媒介，现在这个媒介也将是逐渐的科技化。 流行音乐的发展空间是无限的，科技发展也是无止境的，只要将科技和音乐的创作完美的结合。即使是普通的原创歌曲，如果巧妙的加入科技元素，就是另一番享受。所以科技的长翅腾飞对于我们的生活水平的提高作铺垫。 音乐是生活不可缺少的一部分，维克多·雨果说过，音乐表达的是无法用语言描述,却又不可能对其保持沉默的东西。是的，音乐带给我们的是一种说不出来的朦胧美，它可以给你一种舒适感，欢快感。学会欣赏音乐，便走出了欣赏美的一部分。用不同的音乐可以表达出不同的情感，学会欣赏音
欧洲古典音乐的发展与风格特征论文（共 2篇） 本文从网络收集而来，上传到平台为了帮到更多的人，如果您需要使用本文档，请点击下载按钮下载本文档（有偿下载），另外祝您生活愉快，工作顺利，万事如意！ 第1篇：论欧洲古典音乐时期德彪西印象主义音乐作品的风格特征 印象主义音乐德彪西朦胧色彩风格特征德彪西的音乐作品具有独特的风格，因而西方音乐史上以印象主义音乐作为对其音乐的概括，德彪西也由此成为印象主义音乐的缔造者。最初的印象主义是由绘画所衍生出的描绘性术语，源自于莫奈的作品《印象·日出》。从此以后，印象主义逐渐开始向音乐、文学等不同艺术领域渗透。在音乐领域，印象主义主要利用音色与和声来唤醒听众感官和意境印象的一种作曲立场。印象主义对印象色彩的修饰和感觉较为重视和强调，与印象主义绘画相比，印象主义音乐的创作理念并无二致。 一、德彪西音乐风格的形成 克洛德·阿西尔·德彪西生于1862年，卒于1918年，是法国著名作曲家。自学生时代起，德彪西就表
现出离经叛道、独立不羁的自由天性，他对于音响色彩做出大胆探索，例如使用钢筋演奏一部分全音音阶、十一和弦以及增和弦等，对于传统演奏规则不予遵循，德彪西因此而受到音乐教师的批评。 《春天》这部具有很强色彩性的管弦乐作品创作于1887年，其中已经蕴含了印象主义的早期创作迹象；1890年，德彪西开始密切地与一些象征派诗人交往，如路易斯、魏伦以及马拉美等，这些诗人的艺术观点以及思想理念在很大程度上影响了德彪西的创作理念，与此同时，印象派绘画也在一定程度上对德彪西有所启发。1890年到1910年间，德彪西在此期间以其旺盛的精力创作了大量作品，从《牧神午后》、《夜曲》，到《大海》、《意象三首》，德彪西的个性化的管弦乐色彩与和声、独具魅力的音乐语言攀至高峰。而印象主义歌剧《佩里雅思与梅里桑德》、钢琴曲《版画集》、《意象》以及《钢琴前奏曲》则意味着德彪西印象主义风格臻于成熟。 二、德彪西的音乐风格特征 德彪西的作品具有雅致、飘逸、朦胧、透明、优美、空幻、纤细和幽静的特点，其光色如梦般变幻无穷，无迹可寻。德彪西突破了数百年来西欧音乐的传统模式，进而创造出令人为之神往的一种全新音乐语
在学习完西方古典音乐以及相关背景知识之后，古典音乐是指西洋古典音乐，那些从西方中世纪开始至今的，在欧洲主流文化背景下创作的音乐，主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐，我对西方古典音乐的认识不断加深。我对西方古典音乐发展史以及相关人物特别感兴趣。因此，在这里我要提到两点，一个是贝多芬。另外一个则是西方古典音乐对中国现代音乐的影响。 其中不得不提被称为“乐圣”的贝多芬了，他在很早的时候就显露了音乐的才华，八岁开始登台演出。他信仰共和，崇尚英雄，他创作了许多大量充满时代气息的优秀作品。如《英雄交响曲》、《命运交响曲》，序曲《哀格蒙特》，钢琴奏鸣曲《悲怆》《月光曲》《暴风雨》等等。因此，他曾经写过以拿破仑的名字命名的交响曲，打算献给拿破仑，然而拿破仑的称帝的消息使他失望，因此，他想把曲谱撕掉，然而，他的徒弟劝阻了他，劝他不要因此而撕毁曲谱，最后，他把它改名为《英雄交响曲》。他一生坎坷，没有结婚，二十六岁时开始耳聋，但这并没有使他沉默和消极，在一切进步思想都遭禁止的封建复辟年代里，依然坚守自由、平等的政治信念。听不见声音，对于一个常人来说都是一个晴天霹雳。更何况是以音乐为生的音乐家贝多芬了，因此，这对他是一个很残酷的打击，但他没有放弃自己，在隐居期间，他完成了《月光曲》。 接下来，当我们提到西方的古典音乐时，我们就会想到中国的现代音乐，西方古典音乐和中国现代音乐表面上看是两种完全不同的音乐类型，它们两者有着截然不同的音乐特点与表现形式，还有音乐组织形式，但从本质上来看，中国现代音乐其实是对西方古典音乐的一种创新，从西方古典音乐中借鉴而来的。如：周杰伦的《夜曲》引用的是肖邦的《降E大调夜曲》，SHE 的《不想长大》引用的是莫扎特的《第40号交响曲》第一乐章，蔡依林的《离人节》引用的是肖邦的《离别曲》、《E大调练习曲》，五月天的《垃圾车》前奏引用的是波兰女钢琴家、作曲家巴达捷夫斯卡的《少女的祈祷》等。其中最典型的应该为周杰伦的《夜曲》，肖邦的这首蓝调风格的作品是为了用来表现自己当时那种淡淡忧伤的情绪，但在周杰伦的《夜曲》中，周杰伦创作的是一首很有创意而又时尚的小调情歌，但又透着浓浓的古典味道，演绎出了最精彩绝伦的中国现代音乐，而且很好地展示了音乐的共同之处。由此可见，西方古典音乐对中国现代音乐的影响深远，西方古典音乐如今正融合进现代人快节奏的生活中。 因此，我们在学习西方古典音乐的同时又多了解西方历史的发展及西方西方古典音乐对我们现代生活的影响。
柴可夫斯基的生平经历，对其作品的影响分析 当我们一次又一次沉醉于柴可夫斯基所创作的悲亢宏伟的交响乐中，当我们一次又一次迷恋于天鹅湖唯美唯唤的轻美舞姿里，当我们一次又一次被这位俄国音乐巨匠而打动在他创造的世界里流连忘返，或许我们不曾仔细体味过，每一个优美的故事背后必定有一段辛酸的血路历程，每一个伟大的人物背后都必定有一段我们容易忘却的不为所知。 听了西方音乐鉴赏课上老师对柴可夫斯基本人生平以及作品的赏析，我们深深从内心体会到了一个伟大音乐家的内心深处的声音，也才真正体会到那一部部伟大作品的背后倾注着怎样的故事和思想。音乐是他的孩子，音乐是他的故事。 少年丧母，家道中落，他虽然走过一些曲折，但是一直用于坚持自己对音乐的热爱和追求。他是一个内心敏感而又感情脆弱的人，反复的感情纠结和挫败让他陷入了对自我的否定和对生活的深深纠结而无法自拔。在沙俄保守的统治时期同性恋的倾向在当时的欧洲是无论如何都无法被大众容纳的事实，而著名音乐家的身份又为他的个人感情的追求背负上了沉重的负担，社会的压力和舆论意见是无法抗拒的，为此他陷入了自我否定和自我感情追求的无线循环。当一个执着的女学生闯入他的生命，结发为妻。柴可夫斯基并没有从心里完全接纳，同性恋的倾向还是在短暂的婚后生活中让他陷入濒临崩溃的边缘，虽然后来以悲情的结局终于收场，但从现在看来，还是对他日后的音乐创作产生了深刻的影响。 失败的婚姻，难以启齿的同性恋倾向，这对一个伟大的音乐家来讲都是沉重的包袱。而这种对社会压力的负担，反抗却又心力憔悴的感触让柴可夫斯基产生了对自我价值的否定还有对幸福的义无反顾的追求，二者相互矛盾，纠结了他的后半生。而这种坎坷的内心世界让本来就脆弱的他更加雪上加霜，在后半生的作品里把自己的内心挣扎淋漓尽致的表现了出来 所以再音乐表现形式上，他一直坚持现实主义手法，刻画丰富的内心情感世界，从这个角度说，或许是他个人内心的敏感脆弱的真实写照吧，也是他想反映的本身。
莫扎特音乐鉴赏论文 摘要：文章先在18世纪欧洲的时代背景中寻找莫扎特音乐古典风格的源头；再以18世纪欧洲启蒙运动的思想文化为背景剖析莫扎特音乐的本质和灵魂；最后从疾病、死亡、自由人的“烦”着手，分析莫扎特音乐创作的生理和心理背景。 关键词：古希腊罗马文明古典风格启蒙运动慢乐章 奥地利音乐家沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特（WolfgangAmadeusMozart ,1756—1791）,三岁弹琴，四岁识谱，五岁开始作曲，小小年纪就名满京都，轰动全欧。这个百年难得一遇的天才，“满脑子是音乐”，被誉为“音乐的上帝”。上帝创造了万物，莫扎特则以纯正的心态，笼天地于形内，挫万物于笔端，在他短暂的生命中，以其旺盛的创作精力，向世人奉献了大量充满灵性的音乐作品，这在人类文明史上是空前的。音乐艺术绝不是原野上一朵独自开放、孤芳自赏的野玫瑰。为了更深地理解、把握莫扎特的音乐，我们有必要揭示莫扎特音乐创作的种种背景。 一、时代背景 莫扎特生活在18世纪的欧洲，正是非洲奴隶贸易最猖獗的时期。因为美洲的土著印安人数量有限，且由于杀戮已濒于被灭绝的地步，所以那里的甘蔗、烟草、棉花、咖啡和香料等经济作物的种植迫切需要大量的、廉价的奴隶劳动，为的是向欧洲提供更多的原料。所以奴隶贸易的规模直接影响到欧洲国家的兴衰。欧洲几乎所有在海上从事贸易活动的国家（如葡萄牙、西班牙、荷兰、英国、法国、普鲁士、丹麦、瑞典）都在非洲大陆参加了奴隶的贩运这项“贩卖人类血肉”的罪恶勾当。其残忍性，不亚于20世纪的奥斯威辛集中营。 18世纪中叶欧洲国家之间的七年战争（1756—1763年）爆发那年，莫扎特刚好出生。开战的原因是普奥争雄与英法争霸。童年莫扎特巡回演出开始于1762年，正是欧洲战争此起彼伏的混乱时期。 18世纪的欧洲，古希腊、罗马文明的面纱再度被揭开，特别是在被埋没多年的庞贝及赫库兰姆两座古城的重新发现和挖掘，掀起一股埋没和遗失已久的古典思潮，形成了一股新古典主义浪潮，这股新浪潮深刻地影响着艺术创作的风格。莫扎特正好生逢“开明专制”的盛世，开明的君主约瑟夫二世（1741—1790），于1765年继任“德意志民族神圣罗马帝国”的皇帝，皇帝推崇伏尔泰等启蒙学者的学说，推行改革，在奥地利历史上开始了资本主义工商业的商品生产。生活在政治上一个比较宽松、比较自由的时期，莫扎特才得以创作了大量古典风格的音乐，激发了18世纪欧洲对古典风格的热烈崇拜。 莫扎特音乐艺术的根，正如近代欧洲文明的根一样，必须到古希腊、罗马去寻找。莫扎特音乐艺术的古典风格源自新古典主义浪潮的影响，犹如古希腊、罗马的建筑艺术风格一样，不仅崇高、庄严、静穆，且华贵、典雅。莫扎特在乐曲中营造出一种心旷神怡的优美氛围，靠直觉来表述自己内心对阳光、月光和星光下的世界人生的种种印象，具有对称美和稳定的和谐美。 二、思想文化背景18世纪的欧洲，同时也是启蒙运动时期。启蒙运动，是一种将思想与信仰根植于对古希腊、罗马文明研究的运动；启蒙运动思想家伏尔泰及其支持者们相信理性及对知识的追求，将带领人性进入真正快乐的源头。在这种启蒙运动精神的推动下（在这个运动中，对任何问题都鼓励质疑和提出问题），欧洲开始尝试完成全球地图。在莫扎特的年代，短暂且卓越的探险热潮，正是18世纪启蒙运动下的产物。詹姆斯·库克船长沿东澳大利亚征服南太平洋的探险航行，是哥伦布发现美洲大陆以来最大一次扩展了欧洲的地理知识体系，奠定了填补航海图上最后一大块土地的基础。而一个18世纪的浪子——贾科
莫扎特——《安魂曲》 Mozart 1756年1月27日生于奥地利（神圣罗马帝国时期）的萨尔茨堡一位宫廷乐师的家庭，他的父亲奥波德是那座城中宫廷大主教乐团的小提琴手 也是一个作曲家。他的母亲也酷爱音乐，会拉大提琴和小提琴。莫扎特有很多兄弟姐妹，他是家中的第7个孩子；1791年12月5日卒于维也纳，年35岁。其中最出名的乐剧是《安魂曲》和《唐璜》和《魔笛》。 莫扎特是奥地利作曲家，欧洲维也纳古典乐派的代表人物之一，作为古典主义音乐的典范，他对欧洲音乐的发展起了巨大的作用。莫扎特一共创作了549部作品，其中包括22部歌剧、41 部交响乐、42部协奏曲、一部安魂曲以及奏鸣曲、室内乐、宗教音乐和歌曲等作品。 莫扎特是钢琴协奏曲的奠基人，作有29部加K.107三首钢琴协奏曲，他对于欧洲器乐协奏曲的发展同样作出了杰出的贡献。 歌剧是莫扎特创作的主流，他与格鲁克(Gluck)、瓦格纳(Wagner)和威尔第(Verdi)一样，是欧洲歌剧史上四大巨子之一。他又与海顿、贝多芬一起为欧洲交响乐写下了光辉的一页。另外，他的《安魂曲》也成为宗教音乐中难能可贵的一部杰作。作为18世纪末时的欧洲作曲家，莫扎特的音乐深刻地反映了这个时代的精神，尤其是体现在歌剧作品中的市民阶层的思想，无疑在当时具有进步的意义。莫扎特赋予音乐以歌唱优美欢乐性，然而，其中又深含着悲伤，这正反映了莫扎特时代知识分子的命运。 艺术生涯 初露锋芒（1762～1773） 莫扎特出生在一位宫廷乐师的家庭。3岁起显露极高的音乐天赋，4岁跟父亲学习钢琴，5岁开始作曲 （1762～1773）1762年，6岁的莫扎特在父亲的带领下到慕尼黑、维也纳、普雷斯堡作了一次试验性的巡回演出，获得成功。 1762年，六岁的莫扎特在父亲的带领下到慕尼黑、维也纳、普雷斯堡作了一次尝试性的巡回演出，获得成功。1763年6月-1773年3月，他们先后到德国、法国、英国、荷兰、意大利等国作为期十年的旅行演出，获得成功。他的作品前期积极向上。这些旅行演出对莫扎特的艺术发展产生了积极影响。他有机会接触到欧洲当时最先进的音乐艺术--意大利歌剧、法国歌剧、德国的器乐，又结识了作曲家J.C.巴赫、G.B.马蒂尼、G.B.萨
中外音乐鉴赏论文 音乐无处不在，音乐一直都在我们身边。 音乐乃是我们现在生活中不可缺少的一部分，我们必须认识到学会欣赏音乐便的重要性，只有懂得欣赏才能真正的感受到那份神秘、微妙，因此学习欣赏音乐是一门很重的课程！这学期我在这门课程的学习中学到很多很多东西。我主要有以下五点的认识： 一、对中国古典、民族音乐的认识 中国古典音乐的美——笛声的清脆，箫声的深沉，琵琶的铮铮之音，这些我们都从中感受到了华夏之音的美妙，体味到古典的魅力所在。中国的古典音乐是以五音--宫商角徵羽为基础的，中国古代的音乐大家创作了中国独特的音乐形式，如今在民间十分流行的是唢呐这种乐器，无论民间的喜事还是丧事唢呐都是一种不可或缺的乐器之一。唢呐作为我国传统的乐器我国的音乐大家创作了优秀曲子如《百鸟朝凤》堪称经典。 还有就是在这门课的学习中感受很多的就是对我国传统文化的了解，增强了民族的自豪感与自信心，有提升了对祖国的爱。中国民族音乐源远流长，它以独特的精神内涵与流动特性融入到传统文化的各个部类，以其独特的功能作用于中国传统文化之中，其中包括绘画的气运及诗歌的意韵，在中国古代，音乐是最被重视、并且获得高度发展的艺术，甚至可以说是各门艺术的中心和源泉，而其中最主要的就是诗和画了。中国人常用“诗情画意”一词来表达美的境界，这个词形象地说明了中国民族音乐注重情趣和意境，强调“善”与“美”的
结合，向善中求美。“诗中有画、画中有诗”是说抽象的文字可以表达抽象的情趣。诗词是用文字来表达人的情感和动人的意境，而绘画则是用图画来描绘美丽的图景。中国绘画中有“工笔”、“写意”两大类，工笔画细致入微、精雕细刻，追求的是“形似”;写意画是用笔放纵、造型概括，追求“神似”。而“传神”一直是中国画的最高追求。 正是受这种意境的影响，中国音乐有其独特的美学思想和艺术境界。音乐艺术本身就是一个文学、诗歌、历史、美术的综合体。它所映现的也正是历史发展过程中人类物质和精神力量达到的程度、方式和成果。 任何艺术都是在主观和客观相互关系之间建立起来的，徐复观先生在《中国画与诗的融合》一文中说：“绘画不仅仅是再现自然，但终究以再现自然为基调，所以它常常是偏向于客观的一面。画因为是以客观自然为基调，所以就定画的机能是‘见’。诗则是表达感情，所谓‘诗以言志’以言志喂基调，所以常常是偏向于主观的一面。”钟嵘《诗品》以开始便说“气之动物，物之感人”，而诗人必定是“善感”的人，可以说，画是“见的艺术”；诗则是“感的艺术”，那么音乐作为表现人类情感的一门艺术，所包含着的非语言、非概念、非思辨所能传达、说明、代替、穷尽的某种情感的、观念的、意识和无意识的意味，同样也是那样朦胧而丰富，宽广而不确定。到后来谈到“因为中国文人能有意识地在诗中发现出画的题材，并由此再进一步用作诗的方法来画，从而提高了画的意境，使之得以在精神上进一步将两
《论浪漫主义时代的歌剧》 浪漫主义时期意大利歌剧的特点 意大利歌剧产生于巴罗克时期，并在这一百五十年的时间里辗转于意大利各大城市，期间它经历了产生、发展和成熟三个阶段，并影响了欧洲各国。佩里和卡契尼等作曲家使歌剧初具雏形，蒙特威尔第和A.斯卡拉蒂使歌剧趋于完善，并使它在欧洲音乐史上占有重要地位；随后意大利歌剧在发展中经历了三个重要时期：古典主义时期、浪漫主义时期和真实主义时期，其中后两个时期最关键。音乐史上的浪漫主义时期大约是19世纪前后的100多年，该时期的音乐不像巴罗克音乐那样壮观、华丽，在细节上精致修饰；也不像古典主义音乐那样具有精练、朴实的音乐语言，形式结构明晰匀称；它更多地强调个性与自我感受，无拘无束地表达情感世界，体现了浪漫主义所特有的激情。浪漫主义音乐的这些特点都在意大利浪漫主义歌剧中得到了体现，它强调强烈的感情渲染、个人主义精神的展现以及强烈的个性表现，重视歌唱性和抒情性，以自由、平等、博爱为创作宗旨，反对古典主义音乐的传统形式和内容，作曲家们期望最大程度地体验各种感受。这些都是当时意大利歌剧的鲜明特点。 述浪漫主义时期交响曲的发展 浪漫主义的交响曲所表达的情感热烈、夸张、充满主观性和幻想性；交响曲形式不拘一格，随内容而确立；内容常源自于文学、美术、戏剧等艺术类型“标题交响曲”盛行一时；音乐语言上许多革新，如旋律的抒情性和描绘性增加，和声表现功能扩大，使用半音和声和不协和和旋，调性多变，乐队色彩丰富，新型乐器加入。舒伯特的交响曲开创了歌唱抒情性交响曲的新领域，门德尔松和舒曼的交响曲，表达了浪漫主义对大自然的特殊青睐；勃拉姆斯的交响曲的贯穿发展的手法是贝多芬的进一步推进，布鲁克纳的交响曲采用管风琴式的对位写作和古老的众赞歌式的和声，带有浓郁的宗教气息。 意大利歌剧的发展 浪漫主义风格的意大利歌剧从罗西尼开始，经过贝里尼、唐尼采蒂到威尔第早期，内容主要体现了爱国情感与英雄主义。到威尔第的创作后期，出现了新的音乐潮流——真实主义歌剧，马斯卡尼的《乡村骑士》普契尼的《艺术家的生涯》等作品是推动这股潮流向前发展的代表作。真实主义歌剧不仅保持了真实主义文学反映社会现实生活的特点，而且还继承了来自法国比才《卡门》的现实主义传统。 19世纪早期浪漫主义风格的意大利歌剧代表作曲家：罗西尼《塞维利亚的理发师》是意大利喜歌剧的代表作；《威廉·退尔》则是大歌剧的经典作品。他在遵循意大利传统歌剧创作原则的基础上进行歌剧改革，并在音乐高潮时创用了“罗西尼渐强”的表现方式。 唐尼采蒂和贝里尼延续和发展了罗西尼的歌剧风格，唐尼采蒂旋律丰富多彩，炫耀声乐技巧，《拉美摩尔的露西亚》和《爱的甘醇》是他的倾情之作；贝里尼《诺尔玛》、《清教徒》，特别是《梦游女》，以其抒情和细腻令人陶醉。他们使意大利浪漫主义歌剧逐渐成熟，通过努力确立了意大利歌剧的地位。 威尔第的出现真正使意大利浪漫主义歌剧有了起色，并将它发展到极致。威尔第一生共创作26部歌剧，较著名的有：《弄臣》《游吟诗人》《茶花女》《唐·卡洛斯》《奥赛罗》。威尔第创造出真正意义的现实主义歌剧，他使意大利歌剧传统在欧洲浪漫主义时代，不仅保持着民族本色，而且焕发出勃勃生机。 到19世纪晚期，第一部真实主义歌剧是马斯卡尼创作的《乡村骑士》，这部歌剧开真实主义歌剧的先河，并确立了真实主义歌剧作为一种风格流派在音乐史上的地位。《丑角》是列昂卡瓦洛的杰作。普契尼创作了一批具有真实主义歌剧特征的经典作品，如《绣花女》、《托斯卡》、《蝴蝶夫人》、《图兰多》等。普契尼歌剧改变了意大利歌剧只重人声不重器乐的状况，他在继承威尔第等大师传统的基础上，揭开了20世纪意大利歌剧的新篇章。 法国歌剧 1、拯救歌剧拯救歌剧是法国大革命时期产生的一种歌剧体裁格雷特里的《狮心王理查》被认为是第一部拯救歌剧；德国音乐家贝多芬的歌剧《菲岱里奥》成为拯救歌剧的代表作品。 2、大歌剧大歌剧是19世纪上半叶流行于法国的一种严肃歌剧，相对于当时的喜歌剧。最重要的代表作是奥柏《波尔蒂奇的哑女》和耶比尔《恶魔罗勃》 3、轻歌剧（opera buffa）及其代表人物和作品轻歌剧与喜歌剧一样，是一种生活气息与娱乐性较强的歌剧，产生于19世纪中期的法国，与大歌剧相对。奠基人是法国作曲家奧芬巴赫代表作品有《地狱中的奥菲欧》、《美丽的海伦》、《霍夫曼的故事》。 4、抒情歌剧抒情歌剧形成于19世纪后半叶的法国，是一种规模介于大歌剧与轻歌剧之间的歌剧形式，它的篇幅比一般喜歌剧长，但没有大歌剧的浮华。代表作品有古诺的《浮士德》、《罗密欧与朱丽叶》；马斯涅的《曼侬》、《泰伊斯》；托玛斯的《迷娘》；圣-桑《参孙与达里拉》等。比才，法国作曲家《阿莱城的姑娘》的问世，他自身的音乐才华才真正显示出来，《卡门》成为法国及世界歌剧史上划时代的作品。
课程名称:《西方音乐史》 西方音乐史论文：音乐是一种文化 学院: 授课时间: 专业与班级: 学生姓名（学号）: 任课教师: 提交日期: I
目录 1.音乐与文化共发展 (1) 1.1西方文艺复兴 (1) 1.2中国青铜文明 (1) 1.3现代电子音乐 (2) 2.音乐传递情感和思想 (2) 2.1宋词与音乐 (2) 2.2欧洲乐章 (2) 2.3摇滚音乐 (3) 3.音乐代表了民族文化特点 (3) 3.1黑人音乐 (3) 3.2日本音乐 (4) II
1.音乐与文化共发展 音乐是一种文化，它形成于社会历史阶段，随着社会文化的变迁而发展。其演变而形成的各种表现形式，又体现着社会的文化。欧洲中世纪文艺复兴的“人文主义”思潮深刻的影响和改变了音乐以往的表现内容和形式，从另一方面来说，当时的音乐处处体现着人文主义思想，代表着新时期的文化；而中国春秋时期的青铜文明同样带来了青铜乐器；现代科技的发展有出现了一种新的音乐形式电子音乐。 1.1西方文艺复兴 欧洲文艺复兴运动起源于14世纪中叶的意大利，随后迅速蔓延到几乎整个欧洲。文艺复兴的灵魂是“人文主义”，它重视人的价值，提倡个性与人权，主张个性自由，反对天主教的神权；主张享乐主义，反对禁欲主义；提倡科学文化，反对封建迷信。文艺复兴运动是近代早期思想启蒙运动，是封建主义向资本主义转型的过渡的体现。 文艺复兴思潮对欧洲的音乐文化的发展起到了巨大的推动作用。这一时期的音乐冲破了中世纪音乐理论的约束，获得了多方面的“解放”，开始表现人的情感。体现在： （1）世俗音乐的发展：16世纪已经是世俗音乐和宗教音乐发展平衡的年代。音乐作品中对人的内心世界以及自然美的描写变得十分突出。音乐的表现力大大提高，词曲之问新的结合关系出现；器乐的独立性大大加强；复调音乐逐渐趋向高峰，并且促成了和声风格的形成；摆脱了旧的调式体系；逐渐融合成现在的大小调体系。勃艮第乐派、法国一佛莱芒乐派、罗马乐派、威尼斯乐派都是重要的音乐流派。意大利出现了多声部的牧歌，法国清新明快的尚松，德国复调手法写成的歌曲利德。游吟诗人、游吟歌手、抒情歌手等人物的出现。 （2）宗教音乐通俗化：16世纪在德国展开了由马丁·路德领导的宗教改革运动，在音乐上采用“众赞歌”,这是一种节奏大体相同的多声部合唱，曲调选自群众熟悉的宗教歌曲和民歌，歌词全用本国语言演唱， （3）表现形式上：他们让各个声部以相同的、较为单纯节奏在一系列的和弦基础上进行，突出最高声部的旋律，形成了主调织体的效果。这个重大的创新引起人们对多声音乐的纵向关系产生兴趣，促使复调的各种新形式产生；用不和谐和弦表现出各种痛苦、矛盾的声音；作曲家强调音乐的模仿：例如模仿鸟叫、人的笑声、枪声等等。 具备了人文精神的音乐，可以说是文艺复兴时期人文主义的一种重要表现形式，它作为一种文化为人文主义在欧洲的传播起到了推动作用。 1.2中国青铜文明 中国古代农耕文明的一大发展阶段便是青铜文明的出现，是经过刀耕火种，石器时代后，通过粗浅冶炼得到铜器的第二次人类文明大发展时期。作为新的生产工具，青铜器标志的人类生产力的一大进步，是人类社会发展的一大阶段。相应的，青铜开始被用来制造乐器。 青铜乐器是夏商周三代音乐文化中最具代表性、最重要的历史遗存。其种类有铜铃、钲、铙、鎛、编甬钟、编钮钟等构成了一个基本完整的青铜乐器的系统。青铜乐器乐器，按用途可分为两类：祭祀、宴会、举行典礼时使用和军队中使用。从现存的古钟和句鑃上的铭文：“以乐父兄，以宴宾客”上看，证明是宴飨的乐器。从现存的钲的铭文：“余以行吾师，余以故吾徒，余以伐除”来看，证明它是军队中使用的乐器。这些青铜乐器，是先秦时期礼乐制度的标志，各式乐器组成了繁杂的祭 1
贝多芬音乐艺术特色分析论文范文 贝多芬是音乐界中浪漫派的先驱，他创作了大量具有艺术特色的音乐作品。下面是店铺带来的关于贝多芬艺术特色分析论文的内容，欢迎阅读参考! 贝多芬艺术特色分析论文篇1：《贝多芬《月光奏鸣曲》的艺术特色 分析》 【摘要】贝多芬的大部分作品都富有浪漫主义色彩，借助某一形象创作，不仅反应了其心理情绪，而且有深刻的哲学意蕴。《月光奏鸣曲》是贝多芬的代表作之一，它内容充实、情感细腻、有创造性的音乐布局和动人效果。本文通过对分析这一作品的艺术特色，以此展示贝多芬音乐的感染力和对人的鼓舞作用。 【关键词】贝多芬;月光奏鸣曲;艺术特色 1 贝多芬与《月光奏鸣曲》 1.1 贝多芬与《月光奏鸣曲》的创作背景 贝多芬是德国著名的作曲家和钢琴家，他创作了大量的作品，对后世有深远的影响，被后人称为“乐圣”。他一生命运坎坷，但较早地显示出了音乐天赋，从师海顿，最终学有所成。他的创作主要集中在交响乐，其次就是钢琴作品。在钢琴作品的创作中，他运用了交响乐创作中的一些思想，更加自由地运用钢琴曲表达了情感，也打动了很多的听众，钢琴曲也成为其主要成就之一。在贝多芬的32首钢琴奏鸣曲中，《月光奏鸣曲》其有很强的代表性，不仅优美而且富有诗意。 关于《月光奏鸣曲》，还有一段美丽的故事：在银白色的月光下，贝多芬听到了有人弹他的钢琴曲，循声而至，贝多芬来到一间简陋的房屋前，推门进去发现是一个盲人少女，他很是感动，由此创作了一首被标注为“幻想曲风格”的曲子。贝多芬去世后，诗人路德维希・莱尔斯塔勃为这个曲子更名为《月光奏鸣曲》。在创作《月光奏鸣曲》时，贝多芬正值耳聋日益严重的时期，这让他十分的绝望，伯爵爱女朱丽叶・圭恰尔迪的出现给贝多芬巨大的勇气，贝多芬很快陷入了爱河。然而，朱丽叶很快就移情别恋，这又一次的打击了贝多芬，但他
贝多芬第交响乐欢乐颂赏析论文(1) 贝多芬第九交响乐“欢乐颂”是西方音乐史上最具代表性的经典之一。作为贝多芬最为著名的作品之一，它的作曲风格和结构都十分独特， 值得我们进行细致的欣赏和研究。 一、作曲背景 贝多芬第九交响乐创作于1822年至1824年间。当时，贝多芬已经失 去了绝大部分听力。他了解到德国诗人弗里德里希·席勒的“欢乐颂”诗句，决定将其作为这部交响乐的主题。 二、作曲形式 这部交响乐分为四个乐章。第一乐章是快板，表现出紧张和劲爆的情绪；第二乐章是慢板，具有温柔和寂静的特点；第三乐章是三段奏曲，节奏鲜明，各种乐器的演奏充满活力；第四乐章是男声合唱、女声合 唱和乐器演奏的终曲，以最为著名的“合唱颂歌”作为总结，充满力 量和希望。 三、独特之处 作曲家在这部交响乐中运用了许多独特的技巧。首先，他引入了合唱 的元素，将乐器演奏的结构和人声演唱的方式融为一体，充满了人性 化的情感表达。其次，曲调中以咏叹调的方式表达了歌曲的元素，升 华了音乐的审美和文学的思想。最后，作曲家在这部作品中融入了许 多社会主义的思想，表达了对人类和平团结的呼吁和理想。 四、音乐风格
这部交响乐的音乐风格独特，既有传统的美学元素，又运用了许多新 的技巧。例如，在运用和声时，作曲家采取了更为自由的赋性和变化，使音乐显得更富有感情的表现力。另外，作曲家的创作风格也更加简练，对乐曲的叙述更加自由，这些都为这部作品的成功奠定了基础。 总之，“贝多芬第九交响乐欢乐颂”作为西方音乐史上最为著名和经 典的作品之一，将继续留下它的历史和文化的印记。我们也应该认真 聆听、仔细研究，更好地欣赏这部音乐杰作。
西方音乐史论文范文参考（6篇优秀精选）(3) 范文四 题目：高校西方音乐史教学的优化途径思考 摘要：本文对现阶段高校在西方音乐史教学上存在的不足提出几点优化方案，从教学内容、教学方法及教学过程中的效能等方面分别体现，以综合全面且具体的角度为课程发展提供帮助。 关键词：高校西方音乐史教学；优化路径；教学内容；教学方法和效能； 西方音乐史作为一门必修课，意味着不同专业方向的学生都需要学习这门课程，这当中学生之间必然存在差异，再加上多数高校教师授课方式较为单一刻板，这就导致学生从中获得知识很少。 高校西方音乐史优化教学的内容 1、概念定义的更新 当前高校在西方音乐史教学中，对部分模块内容偏重性过强，理论体系尚不完整。大部分教学点都放在了几个耳熟能详又特定的时期上。例如，巴洛克时期及以贝多芬、莫扎特、海顿为代表的古典主义时期。可以说，多数院校都不约而同地以它们作为教学要点。自然，这些时期诞生的诸多作品影响力是毋庸置疑的，但是在此基础上的以偏概全并不可取。毕竟，大家普遍认为西方音乐史可划分为七大阶段，巴洛克时期前还包括文艺复兴、中世纪、古罗马三个时期，倘若对这三个时期内的音乐发展情况仅仅是一笔带过，未免过于片面了些。 2. 拓展补充教学重心 长久以来，音乐史教学的重点都放在了一定时期内的音乐家和其作品上。延伸一下，可能也只是简单讲述音乐家的生平故事。例如，经历了哪些事件之后，得到了某一部作品的灵感等。这当然有一定的趣味性，使课程在某种程度上增加了不少吸引力。但是个人认为，这部分内容对历史的理解和感悟还是不够大。除了这些趣闻轶事之外，其实依然有不少能激发学生兴趣的内容。首先是历史的宏观背景。比如加入"为什么在这个阶段，这位音乐家有了这方面的灵感";等问题，促进学生结合自己的历史背景知识和相应的想象力深入学习。其次在作品的主观综合理解上，可以多提出一些"现在我们知道了这一时期与其他时期之间的差异，那么，这部作品的诞生对整个社会来说，有什么具体的意义";或者"怎么看待这位音乐家在这一时期创作这部作品的情感意义，以及在审美价值上的含义";等问题。 艺术与宗教、教会之间的联系通常是息息相关的。一部作品，不论其优秀与否，它的产生必然与社会发展现状脱离不了关系，这也是我们多次强调学习音乐史的缘由。因此，要综合全面地从历史的大背景中，从这条滚滚前进的洪流中，认识每一部作品，这样才能切实学习到真正有帮助的内容。
西方音乐史论文范文参考（6篇优秀精选）(5) 范文六 题目：关于"西方音乐史";教学改革的综合探讨 摘要：针对目前高校音乐院系"西方音乐史";教学中存在的问题，笔者从教学内容和教学方法、手段及课程设置三个方面，对"西方音乐史";教学改革进行了综合探讨。希望通过教学实践，探索一套新的模式，以期能够改善教学面貌，提高教学质量。 关键词："西方音乐史";; 教学改革；教学内容；教学方法；课程设置； A Probe into the Teaching Reformation of Western Music History Abstract:With regard to some existent issues in the instruction of western musichistory, a probe into the teaching reformation of western music history has been taken in the aspects of teaching content, methods and course arrangement.A new teaching pattern is anticipated to ameliorate the teaching status and enhance the teaching quality by means of teaching practice. Keyword:western music history;teaching reformation;teaching content;teachingmethods;course arrangement; "西方音乐史"作为一门专门介绍西方音乐风格演变发展历程的课程"; , 它为每位学习者提供了整个西方音乐发展的历史脉络。这门课程，不论在专业音乐院校，还是高师院校音乐系科，都是每位学生的专业必修课，也是硕士研究生入学考试的必考科目之一。可见，"西方音乐史";在整个音乐类专业课程中的学科地位是十分重要的。作者在多年"西方音乐史";研究和教学的过程中，通过对课程现状进行仔细地分析，发现该课程无论是从教学内容还是教学方法、手段及课程设置等方面都存在着巨大的改革空间。本文试图从这三方面入手，结合教学实践中总结的经验，提出教学改革的具体措施，进而达到优化"西方音乐史";教学现状的目的。 一、教学内容的改革 1.教学内容的纵向延伸 在传统的"西方音乐史";教学内容中，我们常常以古希腊时期至20世纪初为起止端线，而对20世纪现代音乐一笔带过，严重缺失。而20世纪现代音乐深刻的音乐内容、多样的音乐手法、迥异的音乐风格，是之前音乐史任何一个时期都不能比拟的。所以针对20世纪以来西方音乐文化发展的研究，是我们全面学习该课程的必须内容，这样才能使学生有一个完整的西方音乐史脉络。 西方音乐在经历了18-19世纪的辉煌之后，20世纪音乐呈现出多元发展的态势，在上半叶两次世界大战，下半叶局部战争不断、局势复杂变化的环境中，音乐的各门各派、