艺术家与匠人
叶廷芳
艺术与文学一样，都是人的心灵的产物。
同样一件作品，可以出自于艺术家之手，也可以是匠人的作为。但彼此的价值含量或艺术品位往往大相径庭。因为艺术家的天性是创造，而匠人的习性是重复(这里所说的“艺术家”和“匠人”都不在于他们的外在身份，而在于他们的内在实质)。创造凭借的是想象，而重复则是模式的照搬。艺术想象是一种智慧能量的消耗。故那些不同凡响的石破天惊之作，皆出于那些智慧过人(这种智慧来自与生俱来的天赋加上后天的努力)的艺术家之手，它们所透露的审美信息和艺术韵味总是让人只能意会，不能言传；知其奥妙，却妙不可言。无怪乎自古以来虽有无数的人画过女人的微笑，却只有达?芬奇的《蒙娜丽莎》让人折服不已，谈论不尽。因为达?芬的大脑不仅属于绘画，而且也属于天文、地理、数学、物理、化学，这些综合的成分使他的大脑成了经年多汁的“泡菜坛子”，从那里面出来的菜都是鲜美的！难怪古罗马建筑学家维特鲁威要求建筑师（西方的建筑师也属于艺术家）掌握11门知识，其中有的知识门类看起来似乎与建筑毫无关系，如医学、心理学等。其实，大脑“灵犀”里有了多种元素的储备，就容易“触类旁通”或融会贯通；有时则经过糅合发酵，酝酿出某种未曾有过的“香醇”，一种艺术中“有意味”的韵致，这就是作品中“灵气”的体现。
凡是有灵气的作品是不可模仿的，因此原创的美都是一次性的，是不可重复的。这是匠人的局限，尤其是中国匠人的局限。中国与欧洲不同，她的知识和技术传授方式自古以来就不是采用集群性、规模性的学校教育，而是依靠师徒传授制度。这种制度的局限性与落后性是显而易见的：徒弟一般只能就地求师，很少有选择的可能性；他只许跟着师傅依样画葫芦，不敢越雷池半步。师傅只能教他自己懂得的那点手艺，最后还得留一手；他没有横向联系，不知道现今这一行的最高水平在哪里；他也谈不上什么相关的基础知识，离上述维特鲁威要求的相差何止十万八千里！自负的师傅还往往坐井观天，让徒弟高山仰止。在这种桎梏下，一个人即便有某种创造的天性，在徒弟阶段多半就被扼杀了！于是，陈陈相因，不断重复前人，也不断重复自己，成了匠人的习性，也成为他们的宿命。这也许可称为中国的“匠文化”。
中国旧时代的知识分子，尤其是技术人员，从来没有享受过现代意义上的“家”的地位。例如，我们有举世无双的木构建筑，但我们的“鲁班”们从来没有改变过“工匠”的身份；我们有过杰出的表演艺术家，他们却从来没有改变过“戏子”的地位；我们也不乏世界一流的美术家，他们照样被称为“画匠”！这种培养匠人与贬低杰出人物的“匠文化”的长期延续，造成了我国艺术家相当普遍的“匠人心态”，其主要特征是创造意识薄弱，习惯于承袭前人，仿效他人，重复自己；不敢超越，不敢反叛，从而窒息了自己的创造灵气，而增添了创作中的匠气。须知，灵气乃是艺术个性的灵魂，而匠气则是平庸的同义语。正是这种被动性的匠人心态，我们的艺术史少有更新换代的变革。其实，更新换代才是艺术发展的规律，而反叛则是这种变革的动力。故最近听到一位现代意识觉醒了的艺术家这样说：“传承是一种美德，反叛是我的责任”。这两句话看起来似乎互相矛盾，其实是一致的。“反传统”并不是不要传统或不尊重传统，它只是“不重复”传统而已。事实上，正是那些反传统的人才开了新思潮的先河，从而丰富并发展了传统。只要回顾一下现代主义思潮兴起以来美术中的毕加索、音乐中的勋伯格、舞蹈中的邓肯、建筑中的高迪以及文学中的卡夫卡就足以说明问题了。这就不难理解，从世界范围看，现代的文学、艺术家都以重复为忌、为耻，所以戏剧家迪伦马特说：“任何古代大家和现代名家都不应享有让人永远仿效的不公正特权。不过他们可以作为我们的激发者和对话者。”
（摘自2007年1月2日《文汇报》，有删改）
1.联系第二自然段，说说艺术家创造一件伟大的充满“灵气”的艺术作品需要哪些条件？（4分）
2.为什么作者认为“‘传承是一种美德，反叛是我的责任’这两句话看起来似乎互相矛盾，其实是一致的”？（6分）
3.联系全文，指出作者主要运用什么手法来阐述自己的观点的，并作简要分析。（4分）
4.文中说：“我们有举世无双的木构建筑，但我们的‘鲁班’们从来没有改变过“工匠”的身份；我们有过杰出的表演艺术家，他们却从来没有改变过‘戏子’的地位；我们也不乏世界一流的美术家，他们照样被称为‘画匠’！”联系上文简要分析形成这种情况的原因。并请联系我国历史，再举出一种类似的情况。（6分）
梁鸿字伯鸾，扶风平陵人也。父让，王莽时为城门校尉，寓于北地而卒。鸿时尚幼，以遭乱世，因卷席而葬。后受业太学，家贫而尚节介，博览无不通，而不为章句。学毕，乃牧豕于上林苑中。曾误遗火延及它舍，鸿乃寻访烧者，问所去失，悉以豕偿之。其主犹以为少。鸿曰：“无它财，愿以身居作。”主人许之。因为执勤，不懈朝夕。邻家耆老见鸿非恒人乃共责让主人而称鸿长者于是始敬异焉悉还其豕鸿不受而去归乡里。
势家慕其高节，多欲女之；鸿并绝不娶。同县孟氏有女，状肥丑而黑，力举石臼，择对不嫁，至年三十。父母问其故。女曰：“欲得贤如梁伯鸾者。”鸿闻而聘之。女求作布衣、麻屦，织作筐、缉绩之具。及嫁，始以装饰入门。七日而鸿不答。妻乃跪床下请曰：“窃闻夫子高认，简斥数妇，妾亦偃蹇数夫矣。今而见择，敢不请罪。”鸿曰：“吾欲裘褐之人，可与俱隐深山者尔。今乃衣绮缟，傅粉墨，岂鸿所愿哉？”妻曰：“以观夫子之志耳。妾自有隐居之服。”乃更为椎髻布衣，操作而前。鸿大喜曰：“此真梁鸿妻也。能奉我矣！”字之曰德曜，名孟光。
居有顷，妻曰：“常闻夫子欲隐居避患，今何为默默？无乃欲低头就之乎？”鸿曰：“诺。”乃共入霸陵山中，以耕织为业，咏诗书，弹琴以自娱。
后至吴，依大家皋伯通，居庑下，为人赁舂。每归，妻为具食；不敢于鸿前仰视，举案齐眉。伯通察而异之，曰：“彼佣以使其妻敬之如此，非凡人也。”乃方舍之于家。鸿潜闭著书十余篇。及卒，伯通等为求葬地于吴要离冢傍。咸曰：“要离烈士，而伯鸾清高，可令相近。”葬毕，妻子归扶风。
缤纷画廊旨在推动中国青年艺术家成长，并搭建一个连接藏家与艺术家交流的平台。 邹亮 1979生于辽宁沈阳2003毕业于鲁迅美术学院雕塑系，获学士学位2008毕业于中央美术学院雕塑系，获硕士学位现居北京，职业艺术家 沈瑞筠 2007硕士芝加哥艺术学院 2004硕士蒙卡利州立大学艺术系 2000学士广州美术学院 陈红汗 1969年生于中国六安；毕业于法国国立高等巴黎一塞尔吉艺术学院（ensapc）；现任教于天津美术学院-现代艺术学院-数字媒体艺术系。 李青 1981年出生于浙江湖州 2000年毕业于中国美术学院附中 2000牟毕业于中国美术学院油画系 2007年毕业于中国美术学院油画系，获硕士学位现居中国杭州 孟昊 1983青岛，中国 2003年毕业于中央美院附中 2008年毕业于中央美院雕塑系，高中到大学期间多次获得奖学金，并有多幅作品被校美术馆收藏 张超 1987年出生于内蒙古鄂尔多斯。 2007年考入四川美术学院雕塑系，获得学士位。 2013年考入四川美术学院雕塑系，在读研究生。 陈洁 1979年出生，1999-2004西安美术学院雕塑系，学士。2004中央美术学院雕塑系，硕士。2009任教于湖北美术学院雕塑系。 郑江 1980生于杭州 2007年毕业于中央美术学院，获得本科文凭 2010年获得了北京中央美术学院研究生学位。 史钟颖 1975年出生于云南，北京林业大学艺术设计学院副教授、造型基础部主任，中国美术家协会会员，中国雕塑学会会员。1999年中央美术学院雕塑系学士毕业，2007中央美术学院雕塑系硕士毕业，任教于北京林业大学。 王琪 1977年生于山东。中国雕塑学会会员。 1994-1999年在中央美术学院雕塑系读大学本科，获学士学位 1999-2002年在中央美术学院雕塑系读硕士研究生，获硕士学位 2002年至今在北京电影学院美术系任教 周鸿激 2006年-2011年
22. 阅读下面的材料，根据要求写作。 人们常认为，“孤”意味着孤独、孤单，与“孤”相关的词也大多带着批评和劝诫的 意味，如：“一意孤行”“孤芳自赏”“孤注一掷”……生活中，也许你会时常感叹自己 太孤独，没有谈笑风生的朋友，缺少缺少志同道合的知音。但人生旅途中，许多时候我们 需要学会孤身一人，直面风雨，勇敢上路，正如清代诗人袁枚在《独秀峰》中所云：青山 尚且直如弦，人生孤立何伤焉。 读了上面这段文字后，你对“孤独”是否有了新的看法，“孤独”会让你想起什么样 的经历，产生怎样的感想呢？请选好角度，明确文体，自拟标题；不要套作，不得抄袭； 不少于800字。 【答案】孤独 孤独，是人生而具有的本性。孤独是一条黑暗的铁轨，你永远不知道前面会有什么， 毁灭抑或光明。有人说：“如果你想走得快，一个人走。”时代的先驱与社会的推进者是 走得快的人。他们都是孤独者。 为何?因为没有世俗繁琐的牵绊，没有与同伴内讧的机会，他们孤独向前，仅凭孤勇。 梵?高孤独，身为一个艺术家，他的孤独感尤其明显，人们无法理解他的作品。贫困、饥饿将他压迫得发疯，用手术刀为自己刻下最后一笔。但是一亿七千万的《向日葵》却证 明他的水平比同期作者前进几许，他不是疯子。他只是一个孤独行前于其他画家的人。 孤独者往往不能得到当时世人的理解，因为他们的思维方式高于现世，不能被固定的 先入为主的民众所理解与支持。孤独的先行者便会从内心感到一种难以驱散的阴霾，只能 埋首于他们孤独的事业之中。爱因斯坦性格孤僻，小时曾被老师责骂不可理喻，却提出了 相对论这个伟大的观点;司马迁蒙受奇耻大辱，在众人不齿之下，含泪挥就一部坎坷壮阔的史诗;哥白尼坚持真理的火炬不会熄灭，提出的日心说不被世人理解，便用生命去推动真理的前行。 所以，疯子是孤独的，天才也是孤独的。 真正孤独者是坚贞于自己的内心，抵得住诱惑，淡泊以明志，宁静以致远。居里夫人
课程内容：艺术的基本特征?学习目标：通过本节课的学习能够初步理解艺术作品是由形象性、主体性、审美性三个基本部分构成。 ?学习重点：艺术的主体性。 ?学习难点：审美性（价值判断）。 韩雪松
（一）形象性 ?形象性要做到三个统一。 ?1、艺术形象是客观与主观的统一； ?客观指艺术作品的形象的具体、可感；主观指在作品必须体现一定的思想感情。这两个方面常常表现为主观因素消溶在客观形象之中。?只表现客观或主观的作品不能称为艺术作品。?齐白石讲作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世。这就是讲的这个道理，这句话可以用在一切艺术创作中。
?2、艺术形象是内容与形式的统一； ?在艺术欣赏中，首先作用于欣赏者感官的是艺术形式，但艺术形式之所以感人、影响人，是由于这种鲜明地形象体现了深刻的思想内容。 ?同一内容由于艺术的形式不同会表现出不同形式：?如雕塑:形体、质地、空间； ?音乐:时间性、复演性、非语义性、不确定性； ?舞蹈:情感、节奏、韵律、人体结构与运动； ?戏剧:扮演性、剧场性、戏剧性。 ?就艺术整体来讲以上这些都是艺术的个性，单就一门艺术而言，它又表现为个性与共性的统一。这就讲到下面一点：
?3、艺术形象是个性与共性的统一； ?个性是多样的，共性具有普遍性和概括性。艺术形象必须具有鲜明、独特的个性。与此同时，艺术形象又必须具有典型性。典型性就是我们常常说的举一反三，甚至从“一”知“十”。 ?这里的“一”就是共性，“三”和“十”就是个性（多样性）。 ?共性就是典型和代表性。如罗中立创作的《父亲》形象，朱自清创作的《背影》中的父亲形象。
（二）主体性 ?主体性从两个方面去理解,一是创作主体；二是欣赏主体。?1、从创作主体的角度看： ?艺术是客观化追求主观化的过程。客观是艺术本身具有的形象，主观则是艺术家主体的表现。很难想象一件艺术作品只有客观化，而没有主观的表现会成为艺术作品？如中国绘画，唐代张彦远说：“若钿饰犀栉。或水不容泛，或人大于山，率皆附以树石，映带其地。列植之状，则若伸臂布指。”什么意思呢？就是说山水画一开始十分具有装饰性，说明这时人的能力只能是追求客观，还没有达到追求主观的时候。到唐代，花鸟、人物、山水、树石、蔬果等等只要是人的眼睛所能看到的都被竭力的表现，元代倪瓒的山水画则是不求形似，只求逸笔草草，这就是到了主观表现的阶段。西方绘画也是如此。
谈谈对艺术家的看法 计算机科学系软件开发与项目管理 49号王云艺术概论是一门研究艺术活动基本规律的课程，是阐述艺术的基本性质、艺术活动系统以及艺术种类特点为宗旨的科学体系。是高校艺术院校学生必修的基础理论课程之一。艺术概论是对艺术活动进行分析、研究，以揭示艺术的本质和规律，指导人们按照艺术的特殊规律进行艺术创作和艺术鉴赏，提升人们的艺术修养，充分发挥艺术的各种功能的学科。 一种文化现象，大多为满足主观与情感的需求，亦是日常生活进行娱乐的特殊方式。其根本在于不断创造新兴之美，借此宣泄内心的欲望与情绪，属浓缩化和夸张化的生活。文字、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影等任何可以表达美的行为或事物，皆属艺术。 艺术家指具有较高的审美能力和娴熟的创造技巧并从事艺术创作劳动而有一定成就的艺术工作者；既包括在艺术领域里以艺术创作作为自己专门职业的人，也包括在自己职业之外从事艺术创作的人。是一个原于自然，发于心灵的艺术作品创作者。 艺术家，这个好听的名词，不知使多少人陶醉？也不知让多少人悲伤？更不知多少人为之付出终生的心血而没有实现为自
己身边的人得到幸福的机会，但它还是在不断的吸引那些为艺术而艺术的痴情浪子。 艺术家并不是单纯的创造艺术品的人，他们要做的是通过创造艺术品来表达人你的内心境界。艺术家往往能创造出一些优秀的作品，而优秀的书法作品都是处在欣赏的主流，不可能被遗忘，更不会被漠视。同时作品中的创造精神等因素，又能够给予效仿者许多启示。人都有本质力量，艺术通过对个别的显现，让不同时空场景的人，超越了自身经历与时空的限制，体验到了许许多多个别的生命、个别的情感，使现实生活在艺术作品的美感中得到丰富。 艺术家就是通过艺术来表现人类内心的感悟或情感的人。艺术家的贡献往往在与记录了某一时期的代表性的人类意识形态，或是开创了具有划时代意义的意识形态，或是创造了新的艺术表现方式。 艺术家是打破社会常规的先行者，他们为我们所敬仰，在艺术家的思想里世俗的条条款款在他们眼里是阻碍自己活跃思维的绊脚石，这不得不让他们去打破沉寂已久的世俗规范，在平常人看来那正是他们想冲破思想枷锁、体味灵魂自由的最高境界，艺术家做了他们一辈子也做不到的事，艺术家凭借丰富的情感世界，体会到了常人无法感受法的人生甘苦和常人一辈子不会有的坎坷经历，这些都让艺术家的地位超越了他的时代，也是他们为
关于艺术修养 什么是艺术家呢？ 艺术家都是一些有着独特禀赋和个性，有修养的人。比方说，勃拉姆斯在李斯特演奏时竟然睡着了，而布鲁克约的狗被训练的对着瓦格纳的音乐嚎叫，威尔第讨厌街头管风琴演奏他的歌剧咏叹调而一气之下租下所有街上管风琴锁起来，还有齐白石的吝啬，梵高的神经质等等，都说明不能完全从凡人角度去理解一个艺术家，所谓艺术家就是指融集深刻艺术思想，饱满情怀鲜活艺术表达能力和创造经典艺术作品于一体的人，简单的讲，艺术家就是指从事艺术创造或表演活动而有一定成就一定修养的人。 艺术修养的主题是人，没有这个主体，艺术活动便无法存在。艺术修养从根本上说是艺术家从特定的精神，审美和文化角度对世界的理解，思考和创造性的品质，苏珊·朗格认为：艺术结构与生命结构具有相似之处，这使得艺术品成为一种生命形式。他说：“真正能够使我们直接感受到人类生命的方式便是艺术方式。” 修养都不是先天的，都是需要在艺术创作或艺术欣赏的实践中，逐步锻炼和培养的。首先要多读、多听、多看，多接触各种艺术形式和艺术流派。只有在博览的基础上，才有可能辨别真伪优劣，培养出较高的艺术鉴赏能力。各种艺术形式之间都存在有机的联系，对各种艺术形式培养起一定的兴趣，会有助于艺术修养的提高。各种艺术流派之间也是有内在联系的，只有广泛通晓各种艺术流派，才可能有比较有鉴别，才可能采各家之精华，培养起高尚的艺术情趣。提高艺术修养首先要树立正确的世界观。世界观同人们的整个精神世界如心理状态、道德观、艺术趣味、审美能力等紧密地联系在一起，如果没有正确的观念作指导，欣赏者就不可能领会艺术作品的艺术美，也不可能接受艺术作品所表达的思想倾向。要培养自己的审美趣味，扩大自己的欣赏视野，从而提高艺术修养水平。要想欣赏音乐，需要有会听音乐的耳朵；要想判别形态的美，就需要有锐利敏感的眼睛；要想接触古今中外一切优秀的文艺作品，就需要阅读他们、欣赏他们，借以锻炼自己的形象思维能力。只有这样，才能提高审美趣味，加强审美感受，从而有益于身心健康。要提高鉴赏能力，正确引导自身的审美趣味，还需要向那些具有某种专长的人在欣赏方面以指导、帮助。往往专家的意见可以影响、甚至改变自身的兴趣和观点。对艺术作品进行具体的分析、讲解，有助于人们加深对作品的认识、理解和感受。深刻认识现实社会生活。艺术具有认识价值。一部优秀的艺术作品，能深刻而典型地反映社会历史，能成功地再现生活。提高艺术修养，有助于全面的欣赏艺术作品，深刻地认识作品的社会意义，更全面地理解社会、人生和现实生活，从而增强历史责任感。增加生活情趣，得到更多的艺术享受。艺术具有享受和娱乐的价值。注意艺术修养，可以丰富自己的精神生活，得到更多的更高尚的艺术享受，从而增强对生活的感情。这样，在群体中的形象也将更加丰满、更富有人情味，更能够和群体融合在一起。 修养艺术意识具有很重要的作用：首先，艺术意识与形象思维有密切关系，而形象思维在人的身心整体修养中占有相当重要的地位，形象思维具有很强的整体性质，对人的精气神的影响比较明显。艺术型的人往往善于运用形象思维调动人体的内在能量，来实现某一人体的整体功能。其次，艺术给人以美的享受，与人的身心整体的内在和谐、内在愉悦和幸福享受有异曲同工之妙，都有益于人的身心健康。《荀子·致仕》有“美意延年”之说。不仅如此，对艺术美体会较多者，往往易于体会休养身心过程中的内在变化和愉悦心情。我们应该修养艺术意识，提高艺术意识修养水平。这要求我们提高欣赏艺术美的能力，使自己生活愉快美满；提高创造艺术美的能力，使自己生活艺术化。诚然，艺术意识修养水平与每个人的生活
题目：毕加索一生爱过许多女人，其中女艺术家多拉.玛尔曾经被毕加索爱过，然而又被抛弃。她曾直面毕加索本人说：“作为艺术家，你可能非常杰出，但是就是道德而言，你却一文不值！”毕加索反驳道：“良心上的问题只是自己的问题，与别人没有关系。” 你同意毕加索关于艺术与道德的观点吗？简述理由 艺术家本人的人品和艺品（艺术作品的价值）有一致性吗？按照中国的传统观点，人品=艺品，人品好，艺品也自然好；有人则认为，人品不等于艺品，认为两者之间没有必然联系。你是怎么认为的？ 答：首先，我不同意毕加索的这种说法，原因如下： 毕加索认为良心上的问题只是自己的事情，与别人没有关系。这首先就是一种形而上学的观点，他否认了事物之间的普遍联系。人作为一种社会性的动物，当他降生到这个世界的那一刻起就已经注定了他要和这个世界上的很多人和事物发生千丝万缕的联系，即使是你一个小小的决定都可能影响到别人的人生，这和“蝴蝶效应”的道理是相通的，一只小小蝴蝶的影响力尚且如此，更何况一个有着丰富情感和改变世界能力的人了，而且毕加索当时就已经在社会上拥有很大的名气，是一个具有相当影响力的人物，怎么可以说他自己的道德问题与别人无关呢，最多只能说是他并不在乎自己良心上的问题给别人造成的影响，仅此而已。 对于艺术家的人品和艺品，我认为两者之间并不存在绝对的一致性。在中国的传统观念中，一般认为一个人的艺品是由他的人品所决定的，正如古文中提到的那样：“其文拙而其心正，则正心能补文字之不足；其心不正其笔妙，则不正能陷妙笔入俗贱。文，皮毛之技艺，心，乃人之根本.。舍本而逐末，概今日做文者之大哀！”，文章写得不好没有关系，只要你心性正直就能弥补文章上的缺陷，
诗歌的艺术特色是从文体的角度说的，和散文、小说、戏剧等文学体裁相对而言。 特点是:语言凝练、常用象征、充满想象、篇幅较短、分行排列、具有抒情性（抒情诗，即使是叙事诗也讲究抒情。） 语言特点:高度凝练，押韵，朗朗上口，常用对偶、夸张、比喻等修辞手法，古诗要求更为严格，比如讲究平仄、对仗等。 艺术特色 求助编辑百科名片 艺术特色，也称“表现手法”。作家、艺术家在创作中所运用的各种具体的表现方法。在文学创作中，有叙述、描写、虚构、烘托、渲染、夸张、讽刺、抒情、议论、对比等手法。 中文名： 艺术特色 艺术风格： 雄浑、旷达、豪放等 表达方式： 叙述、描写、议论、 抒情 结构形式： 首尾照应，开门见山，先总后分等 修辞手法： 对偶 比喻 拟人等 写作技巧： 赋比兴、衬托、对比等 目录 基本信息 1、表达方式： 2、结构形式： 3、修辞手法： 4、写作技巧： 5、艺术风格 表现手法 详细解释 展开 基本信息 1、表达方式： 2、结构形式： 3、修辞手法： 4、写作技巧： 5、艺术风格 表现手法 详细解释 展开 编辑本段基本信息 表现手法从广义上来讲也就是作者在行文措辞和表达思想感情时所使用的特殊的语句组织方式．分析一篇作品，具体地可以由点到面地来抓它的特殊表现方式，首先是字词、语句上的修辞技巧，种类很多，包括比喻、象征、夸张、排比、对偶、烘托、拟人、用典等等从作品的整体上来把握它的表现手法时，就要注意不同文体的作品，抒情散文的表现手法丰富多彩,借景抒情、托物言志、抑扬结合、 象征等手法；记叙文的写作手法如首尾照应、画龙点睛、巧用修辞、详略得当、叙议结合、正侧相映等；议论文写作手法如引经据典、巧譬善喻、逆向求异、正反对比、类比推理等；小说的描写手法、烘托手法、伏笔和照应、悬念和释念、实写与虚写等。 表现手法的分析是一种很泛的题目，答题时要注意完整地理解题目的答题
1论述艺术家从事艺术创作所应具备的修养和能力 艺术家的修养主要体现在以下几点： （1）先进的世界观和审美观。 进步的世界观好审美倾向决定着艺术家正确的创作目的与创作动机，影响着艺术作品的格调和品味。艺术家只有具备正确而深刻的思想见解和审美倾向，才能站在浩瀚的社会生活中敏锐地扑捉住艺术创作所需要的具有本质特征的素材，才能站在时代的高度观察历史好现实，从而把握和揭示社会生活的本质和规律，创作出具有生命力的艺术作品。 （2）广博的知识。 艺术家应具有广博的知识及合理的知识结构，人类社会的各类学科和知识都是相通的，艺术家掌握的知识越多，越广泛，越能够从更高、更宽泛及相互联系的角度把握社会和人生，使他们的作品具有更广泛，更全面的艺术表现力。许多伟大的巨著被人们称之为社会的百科全书（如《红楼梦》、《人间戏剧》等），作者若无广博的知识是绝难创作出来的。 （3）深邃的思想。 伟大的艺术家往往也是思想家，他对人生和社会有着独特的认识和精辟的见解。能否具有深邃的思想，是衡量一个艺术家修养与素质高下的重要尺度。艺术作品蕴含的思想深度往往同艺术家本人的思想高度成正比的，只有思想深刻、高瞻远瞩、独具慧眼的艺术家才可能发现常人所未见的真理，给人以深刻的思想启示。 艺术家必须具备专门的艺术技能。掌握某一具体艺术种类的创作技巧，熟练运用这门艺术独特的艺术语言，才能创造出供人们欣赏的艺术作品。例如，音乐家必须掌握旋律，节奏和声，复调等表现方法，电影艺术家必须掌握镜头，画面，音响，色彩等电影语言，画家必须掌握构图，造型，调色等艺术手段。 艺术家是专门从事艺术生产的创造者的总称。艺术家应当具备艺术的天赋和艺术的才能掌握专门的艺术技能和技巧，具有丰富的情感和艺术的修养，能够通过自己的创造性劳动来满足人们的精神需要。作为一种特殊的精神生产，艺术生产既不同于其他形式的精神生产，更不同于人类的物质生产，它具有自己独特的规律和特征。正是这些独特的规律和特征，使得作为艺术生产创造者的艺术家其能力和修养须具备有自身的个性化特点。 第一、艺术家必须具有专门的艺术技能，熟悉并掌握某一具体艺术种类的艺术语言和专业技巧。 我个人认为这是作艺术家最基本的条件，也是培养艺术家其他各项能力和修养的基础。艺术生产是一种特殊的精神生产，它与物质生产也有相似之处，这就是通过劳动者创造出“产品”来，对于艺术生产来讲，就是要创造艺术作品或艺术形象。这就要求艺术家应当具有艺术表现的技巧和艺术传达的能力。专业知识是艺术家的立足之本，没有扎实的专业基础，艺术创造无从谈起，谈何成为艺术家？以我们管乐为例，我的专业是单簧管，如果我想成为一名艺术家，要创作一首单簧管乐曲，首先我要懂得单簧管的技能，或者起码要知道乐器的发音规律和配器法，这样才能称的上是在搞艺术创作。不仅音乐如此，各个艺术种类的艺术家都需要专门的艺术技能和技巧，熟悉和掌握并熟练的运用该门艺术独特的艺术语言。并且掌握熟练的艺术技能和艺术技巧，将意味着一个经过长时间刻苦训练和艰苦探索的历程。 第二、艺术家须具备敏锐的感受，丰富的情感和生动的想象能力。 由于艺术生产是一种特殊的精神生产，它的突出特点是把艺术家强烈的主观因素渗透到艺术创作之中，并且“物化”为艺术作品和艺术形象。因此，艺术家在艺术创作中占有核心地位，艺术家的内在精神世界显得尤其重要和突出。艺术家自身的感受、情感、思想、心境、愿望等因素，对艺术创作都有着至关重要的意义。也正因为如此艺术家必须具有超出常人的敏锐感受力，异于常人的丰富情感，强于常人的艺术想象力。此时，我们在此学习音乐、研究艺术，就是要在音乐的环境中培养自己这种不同于常人的感受力，加之每天的专业练习，对于
论工匠与艺术家的差别 摘要：工匠和艺术家都是艺术工作者，两者在某些方面是相通的，但是又在内在本质方面有着差别。艺术家就好像是发明家，而工匠则是制造者。工匠和艺术家都可以完成艺术作品，但是他们的艺术作品在艺术价值和艺术品位方面还是有很大差别的。因为艺术家的天性是创造，而工匠的习性是复制。而创造凭借的是想象，加之以自己的理解和感受；而复制则是模式的照搬照抄，或者纯粹的重复。我认为艺术家是具备工匠娴熟技艺的基础上，又具有丰富想象力和创造力。 关键词：艺术家；工匠；创造；复制 一、发明家与制造者 首先，我认为工匠与艺术家最大的区别在于一个是“制造者”，另一个是“发明家”。他们完成艺术品的思路方法是不同的，艺术家是凭借自己的想象力创造作品，而工匠是依靠自己的娴熟技艺复制作品。因此，他们本质的差别就是创造与复制的区别。 艺术家指具有较高的审美能力和娴熟的创造技巧并从事艺术创作劳动而有一定成就的艺术工作者；既包括在艺术领域里以艺术创作作为自己专门职业的人，也包括在自己职业之外从事艺术创作的人。是一个原于自然，发于心灵的艺术作品创作者。工匠则是具备工艺专长的从事艺术制造劳动的匠人。 艺术家日常工作中注重创造，以创造为原则。技术和技巧作为一种工具被使用，在运用的过程中，技巧技术也不断变化和翻新。但凡艺术家都是技术技巧的创造者，他们能成就大业和他娴熟技艺分不开，更和他对技巧的创造相关联。而工匠则就不同，更多的是教条机械的工作，他们总是缺乏创造的勇气，工作就是重复过去的经验，热衷于客体的再现甚于表现，描摹成分多于提取锤炼的成分。 艺术家是进行艺术创作的主体。作为创作主体所具有的构成因素中，发达的审美感受能力、创造性的想象、丰富的情感和娴熟的艺术表现技巧是艺术家的主要内涵。丰富的生活经验和对生活的敏锐而深刻的洞察力是艺术家必须具有的素质。对人生的严肃态度、对人类命运的巨大责任感是艺术家的主要道德品格。艺术天赋对于艺术家来说，也是十分重要的。成功的艺术家总是具有某种突出的艺术天赋，就某些艺术种类如绘画、舞蹈、音乐艺术来说，创作主体艺术天赋的重要性显得尤为突出。而工匠是经过长时间的反复训练，已达到技艺娴熟的程度，工匠不一定要具备丰富的创造能力，他们追求的是复制能力的精湛，工艺技术的娴熟。 二、文化的差异 工匠则是模式的照搬，而艺术家创造凭借的是想象。艺术想象是一种智慧能量的消耗。故那些不同凡响的石破天惊之作，皆出于那些智慧过人的艺术家之手。它们所透露的审美信息和艺术韵味总是让人只能意会，不能言传；知其奥妙，却妙不可言。就如自古以来虽有无数的人画过女人的微笑，却只有达芬奇的《蒙娜丽莎》让人折服不已，谈论不尽。究其奥秘，盖因它的作者是个多才多艺、学识渊博的“巨人”。他的大脑不仅属于绘画，而且也属于天文地理数理化，这些综合的成分使他的大脑成了经年多汁的“泡菜坛子”，从那里面出来的菜都是鲜美的！大脑“灵犀”里有了多种元素的储备，就容易“触类旁通”或融会贯通；有
论艺术家的修养气质和文化素养 摘要： 艺术修养是一个艺术家不可缺少的，他也需要具有一定文化知识。学识修养将会帮助艺术家从整体上提高艺术创作的境界。由于生活是丰富多采的，艺术也必然要涉及到生活的各个方面。这样，了解生活的各个侧面，增加自己的学识就显得非常重要了。文化修养是艺术家必备的素质。从定程度上说，文化修养制约着艺 术家的创作水准。 关键词： 艺术家素质修养 正文： 艺术家素质的高低决定着作品的艺术质量,因而要求艺术家要有深厚的思想修养和艺术修养.笔者概括提出了艺术家的素质结构.艺术家的素质由五个方面构成--进步的世界观和审美理想、深厚的文化素养、丰富的生活积累、超常的艺术思维活动能力,精湛的艺术技巧和表现才能.一个艺术家,不仅要有扎实的基本功和稳重的功底,还要有丰富的文化底蕴,不平凡的社会经历,对事物独到的见解,丰富的想象力.能想到别人想不到的.多观察生活,善于发现生活中有意思的东西,多接触新鲜的事物.一个艺术家应该大胆地创新,艺术品具备三个条件,难度,独创性,情感.艺术家的最高境界就是创作出真正属于自己独特的东西,别人根本模仿不来的.别人根本无法取代的.真正属于自己的风格还得自己去探索去研究.不断地学习,不断地更新自己,不断地进步,艺术是块永远都探索不完的圣地.是个永不满足的过程. 艺术直接产生与创造它的主体-----人，也就是艺术家，这是无可置疑的。任何一个艺术家都是在一定的家庭，一定的社会制度和社会生活、一定的民族文化以及一定的世界潮流与时代精神等因素的影响与熏陶下逐渐成长起来的，因此每个艺术家的生活内容思想感情.文化意识和审美情趣等无不打上这些方面的印记。那么对于艺术家来说，自身拥有的素养和艺术创作之间会产生怎样的关系呢？
论工匠与艺术家的异同 摘要：工匠与艺术家之间，大体上不存在高低贵贱之分，他们从事着不同分工的工作。但二者有一定的关联，也可以相互借鉴与相互启发。有时，艺术家需要追求工匠的精湛，工匠需要有一些艺术家的品质。 关键词：工匠，艺术家，创作，修养，真诚，自由，师承 Abstract: the craftsman and between artists, by and large, does not exist of high and low points, they engaged in a different division of work. But both have a certain correlation, also can use for reference each other and mutual inspiration. Sometimes, artists need to pursue the exquisite craftsman, the craftsmen need some artists of quality. Keywords: craftsman, artist, creation, accomplishment, sincere, freedom, and contacts 中图分类号：J文献标识码：A文章编号： 在人类社会的发展过程中，其实，工匠是先于艺术家而产生的。在人类社会的原始阶段，缝制兽皮衣服，制作炊饮器皿、狩猎工具等等实用物品，是生产劳动的主要内容之一，当时的人类最迫切需要解决的是生存的问题，审美是附带在实用物质中的。而当生产力得到大大的提高，社会分工逐渐完善后以后，作为专供欣赏的独立的对象—艺术，才逐渐从实用物质对象中分化出来，并日渐发展起来。回想古希腊的艺术，也是在奴隶与自由民比例高达六比一，自由民不用从事具体而繁重的体力劳动，解放出来的优秀头脑和身躯，才有机会成为卓著的艺术家，并创造出伟大的艺术作品。 在中国目前所见年代最早的手工业技术文献《考工记》的篇首，便开宗明义提出了“百工”的概念，指出了其在社会中所处的位置，并规定了百工的职责范围：“国有六职，百工与居一焉。……审曲面势，以饬五材，以辨民器，谓之百工。知者创物，巧者述之守之，世谓之工。百工之事，皆圣人之作也。”根据《考工记》中对“百工”的职责要求，“百工”主要是为民众的衣、食、住、行等各方面提供民器，它是一种创物的行为，也是神圣而庄严的事情。有智慧的人创造发明设计，而心灵手巧的人发扬并传承它。创造发明之“创物”与传统之“述守”在手工艺生产中相辅相成，互为因果。 工艺品大至上可分为两类，一类是实用物品，一类是装饰欣赏品。前者如纺织品、家具、餐具等，后者如首饰、牙雕、景泰蓝、木雕、漆画等。
真正的艺术家_关于艺术家的议论文1000 字 本文从网络收集而来，上传到平台为了帮到更多的人，如果您需要使用本文档，请点击下载按钮下载本文档（有偿下载），另外祝您生活愉快，工作顺利，万事如意！ 艺术，是一种虚无缥缈、不拘于形式的精神灵魂的交流，它如朦胧夜空中飘渺的月影，如荒芜悲凉之地的一朵盛开的鲜花，如寂寥无垠的夜空中璀璨的星辰一般，在不经意的回眸之间，给你最深沉的灵魂的撞击。而真正的艺术家就是艺术的使者，用一颗悲悯的、孤独的、富有创造力的心，将生命献祭于艺术，再在灵魂中重生。 真正的艺术家是悲悯的，对人的苦难抱有同情并始终真挚关注着人类的命运。 周天黎说过：“艺术创作的一种最高境界是表现悲剧性之美感；是一个画家自己的生命，灵魂，良知对真、善、美最真诚的祭奠！”那些真正触动人心并得以永世流存的艺术作品，哪一个不是包含着无数美好情感和对困苦的同情与反抗？ 正是因为米勒对那些勤劳质朴的劳动人民始终怀有深深的悲悯和赞美，才得以用那满腔对劳动人民的热爱交织成了《晚钟》。得到灵魂深处的空旷与虔诚，
他的作品中最感人的是对细节的描写，每一条深深浅浅的皱纹，每一块冻疮的茧都是他最深沉的悲悯之情，是他对质朴、纯良的赞美，是他对爱的献祭！又如周天黎的《生》，上方是十字架上的乌鸦，下方是残桩断藤中盛开的杜鹃，两种极端强烈的反差，美丽和绝望重叠在一起，造就出凝重的艺术感染力，令人悲悯，令人震撼。新的生命竟从死亡中得到重生，造就生命的尽头便是死亡，死亡的尽头便是重生的？震撼！ 真正的艺术家是孤独的，只有孤独、敏感的生命，才能脱离紫陌红尘，触碰到灵魂深处的孤独。 真正的艺术家对艺术都有极致的爱，最极致的爱就是用生命去爱它，这种爱注定是伟大的，也注定是悲壮的，不得人理解的。古人云“古来圣贤皆寂寞”“高处不胜寒”，当你的思想到了最高的境界，你便注定无法受到凡尘俗人的理解了。一个孤独的人，是不会留念滚滚红尘中的浮华名利的，当你的生命中只剩下了一个东西，你便会真正地洗尽铅华，摆脱了尘世、肉体、传统礼教文化的束缚，在一方属于自己的自由天地用灵魂歌唱，即使肉体泯灭，灵魂的歌也会永远悠远、清亮。 梵高是孤独的，没有人欣赏他，于是他用生命浇灌出了一簇热烈盛开的太阳花，永远盛开；梅兰芳是
一部关于电影的电影 -----论电影《艺术家》的艺术之美《艺术家》这就是一部关于电影的电影,在简单的故事背后,隐藏着复杂的情感,它不就是黑白默片那么简单,它所展现的电影工业的发展对世界的电影艺术,对个人带来的艺术影响,导演把自己对电影情感转化成一种怀旧的艺术形式,它就像就是一封情书一样,充满了浪漫的香气,还具有高雅的艺术格调,在欢笑与泪水背后,您会默默的起立为它鼓掌。 然而众多艺术家在十分困难的环境下对现实主义、人性与人道主义等艺术作品创作方面有着不懈的追求,同时也在电影的娱乐性追求中做出很大努力,取得了可观的成绩。娱乐性就是艺术的本质特性之一,也就是电影艺术的重要特性。对电影娱乐性的表现,正就是对艺术内在规律的遵循,同时也就是对人民大众文化权益的尊重。"在电影表现中适度融入娱乐性元素,使之不仅具有丰富的时代特色,同时具有浓郁的民族特色。电影艺术创作的娱乐性表现具有鲜明的特点,就是特定时代与社会各种因素促成的。电影对当代电影创新具有重要的启示,包括对艺术规律与电影规律的遵循,艺术家使命与艺术良知的彰显。 当然《艺术家》并不就是我们想像的那么艺术,它的形式或许大过于它的情感。但就是复古却就是势不可挡的一种趋势,它好瞧不再于它拥有多么让人情绪起伏极大的故事,也不在于故事有多么的高深莫测。《艺术家》并不就是所有人都能拍出来的,能够在潜移默化中勾起一种怀旧的思绪,《艺术家》的艺术并不就是集中在那些拿捏精准的摄影上,它抛给了我们一个十分值得思考的问题:“电影,就是不就是必须很花哨？”技术革新就是好事,但就是一味的追求技术,忘却艺术则就是对电影最大的不敬,如果再深入研究一下这个问题,您才终究会发现这部电影就是多么的高明,极简主义的《艺术家》狠狠的为当代的电影打了一剂强行针,在打破了时间的隔阂之后,《艺术家》用最古旧的手法还原了电影作为一门艺术在这个世界上存在的意义,这才就是它最让人欣喜与动容的地方。从艺术的审美性上讲,人类审美活动中的一种高级、特殊的形态。所谓审美,简单地说,就就是感受、领悟客观事物或现象本身所呈现的美:具体地说,它指的就是人在其社会实践过程中与客观事物或现象所历史地发生与建构的一种特殊的表现性关系。 事实上,从《艺术家》的艺术风格上讲,它的艺术风格就是非常复杂的,它既与艺术家主观方面的特点有关,也与题材的客观方面的特点分不开,它涉及到艺术作品内容与形式的各个层面,更就是从艺术作品的整体上呈现出来。同样的,艺术派别的形成有时就是自觉的,有一定的组织形式或共同宣言;有时就是不自觉的,仅仅因为创作风格类型的相近而组合在一起。这些艺术派别有的局限于一种艺术门类或体裁,有的则包括不同艺术门类或体裁的艺术家。 《艺术家》的最大亮点在于“精致的默片艺术”。当今的电影无疑就是一场华丽的视听盛筵,而来自法国的导演迈克尔·哈扎纳维希乌斯选择拍摄黑白无声片既就是一种冒险,也就是一种取巧的方式。她以这种特立独行的方式重现了上世纪20年代的好莱坞,一目了然地将《艺术家》与其它影片区分开来。 而《艺术家》正就是以黑白默片的表现形式拍摄,音乐、字卡交代剧情,音效、双关阐述默片与有声片的艺术形式与角色关系,其中,这无声的力量,值得玩味。片头衬着传统配乐的字幕图案来呈现演职员名单。以一段科幻冒险片引领开场,之后发现这不过就是电影院中正在播放的一部“戏中戏”,伊始就已透过为默片配乐的雄壮交响乐来暗示“有声”与“无声”的紧密结合,来营造反讽效果与隐喻意味,颇具巧思。 一般来说,艺术作品的特定内容必须借助于一定的艺术语言才能表现出来,成为可供人们欣赏的对象。没有艺术语言,也就没有艺术作品的存在。各个艺术门类,在长期的艺术发展中,都形成了自身独特的艺术语言。如绘画以线条、形状、色彩、色调等艺术语言,构成绘画形象;音乐以有组织的乐音、旋律、节拍、速度等艺术语言,构成音乐形象;艺术语言的类型
一个艺术家的人文修养 一个艺术家的人文修养 现在的我们也许算不上是个艺术家，但是，随着知识的积累我们的艺术水平不断的上升，文化修养对我们来说也很重要，上了3年的大学也积累了一定的知识下面就让我介绍一下我对艺术的认识和文化之间的关系 我们都知道，艺术来源于生活是对平凡生活中真善美的一种提炼以及深层次的挖掘，那么对艺术家来说要创作出好的艺术作品，丰富的生活积累是必不可少的了！丰富曲折的生活体验是艺术创作的基本材料和前提条件。对于一个有一定创作能力的艺术家来说，如果拥有丰富而有深刻的生活积累，特别是自己亲身经历的或与自己的命运发生联系的经历的深切感受。往往容易激发欲罢不能的创作冲动，从而得心应手左右逢源地构思和创作出内涵深刻感人至身的艺术作品。 除了丰富的生活积累是艺术创作的沃壤以外，艺术家的高尚道德情操和深厚的文化底蕴也是不可获缺的。 艺术创作是对生活中真实的美的再现是爱的一种发自内心的表现，那么要创作出一件好的艺术品。首先要拥有一颗热爱生活、热爱大自然的心。那么热爱的新就是艺术创作的源泉，如果艺术家没有一颗炽热的心，那就绝对创作不出为人民大众代言的具有强烈爱国和进步思想倾向的不朽之作的。正如毕加索说：“难道作为画家仅仅只有一双眼睛？作为音乐家只有一对耳朵？作为诗人就只有一具心琴？相反，艺术家同时也应该是一个政治家，他会经常感觉到与他有关的悲欢事件......绘画绝不是为了装饰住宅，它是抵抗和打击敌人的战斗武器”。而深厚的文化修养和艺术的创作本就是一对姊妹关系，艺术家的文化素养在创作艺术品时都直接、间接或潜在地影响到专业美术文化的生成与发展。有些艺术工作者凭借艺术家的天赋获得了技巧上的成功，但是由于缺乏文化底蕴而且显得后劲不足，这种现象十分普遍。历史长河中的艺术大师们哪一个是局限于一个专业领域之中的呢？就那达.芬奇来说吧，他即是画家、学者、史学家、军事家、建筑学家又是个医学家。就是当代的艺术工作者也都不是局限于一个领域中发展。很难想像，假若你对欧洲文化历史一无所知，却能演奏贝多芬、莫扎特，能够画好大卫、莫奈，有可能会像达.芬奇一样画出那么逼真的、唯美的油画来吗。艺术就像金字塔，基层越宽厚塔尖越拔的高。文化修养和一个热爱生活的心是艺术创作的动力是艺术家充分发挥特长的后劲。
大师与艺术家的区别及艺术创新的三个层次大师的作为：开宗立派，引领潮流——即起始新尊、建树新系，带来文化发展的新趋势。这样的人往往是各行各业中首屈一指的领军人物。比如说迈克尔?杰克逊，起始流行乐坛之新尊、建树歌舞双绝之新系，同业佼佼、无人能及；——同时招致一众追随者，引领时代歌舞文化之潮流。再比如李小龙，开宗立派功夫片①于电影领域，将此一中华文化推广至全世界，并得到了广泛的认可；——同样引领世界动作电影文化之潮流、招致一众追随者，至今无人能出其右：使其成为最为世人熟知与推崇的华人文化代表。以这两个例子为标准，大师的定义就是：首席榜样。依此定义去衡量文学戏剧界的罗贯中、莎士比亚、莫里哀；诗词界陶渊明、杜甫、李白、李煜；绘画界徐渭、塞尚、梵高、毕加索；电影界查理?卓别林、希区柯克、卡梅隆；时装界乔治?阿玛尼等等…都堪称大师级人物。用此一标准对照一下当今华人文学领域里的作家们、令我颇为诧异！王朔先生“应该②”也符合大师的标准，其作品开宗立派而且引领潮流——“可这厮脑袋长得那么圆，说起话来急赤白脸还梗着脖子…怎么就成大师了呢？”但是只要标准（定义）是站得住脚的，而且被衡量的对象也吻合了标准，我们就要承认现实而不能感情用事。所以：凡是符合定义内涵之各领域的
“首席榜样”们——就是大师！ 艺术的定义：表达的手段（见“什么叫做艺术…”一文）；家的定义：门户。从外表上看“家”一般都是一样的：一排排的房子万家灯火，一栋栋的别墅星罗棋布；但当你推开每一扇门的时候、映入眼帘的是不同的面孔、不同的装饰、不同的意趣、不同的感受。所以“家”之外在与称呼虽然是一样的，可具体到每一个门户又都是一亭一院、风格③各异；因此“艺术家”的定义就是：表达与方式风格独特，自成门户。他们与大师的区别在于：自成门户被广泛认可、但无成宗立派；风格独特成异卉奇葩、而不形成潮流。如此的艺术家比如：斯皮尔伯格、黑泽明、李安、张艺谋、吴宇森，憨豆先生、赵本山等④。由上述区别形成了艺术创新的前两个层次：一、开宗立派，引领潮流； 二、风格独特，自成门户。那第三个层次是什么呢？——新的角度，即新颖、别致的艺术视野；下面举两个例子。 还以电影为例、爱情片是影视作品中的一大主题，经典影片有《罗密欧与朱丽叶》、《简爱》、《爱情故事》、《泰坦尼克》等。四部经典从各个角度来描写爱情：家族尖锐对立下爱情《罗剧》，坚持自我、追求爱的尊严《简爱》，生死相依的爱情《故事》，冲破门第之见的爱情《泰坦》。可是在这些经典爱情影片之后，张艺谋先生还能另辟蹊径、
孤独的存在 -----对卡夫卡《饥饿艺术家》的解读 文/李莉 《饥饿艺术家》创作于一九二二年，卡夫卡在其临终前两个月作做出最后修改;这是一部论者甚多，歧义甚众的意味性作品。卡夫卡以抱负主义的表现手段展现了一个艺术家的生活际遇和人生的荒谬。小说故事复杂且深刻易读，但浏览以后留给读者的倒是无尽的思考。 饥饿艺术家为了地道的饥饿艺术而献出了生命，然则却没有人真正观赏这类艺术。他的不美观众只是在观赏他的饰演才艺;在不美观众眼里，他的饥饿饰演无异于马戏团的饰演。这让艺术家痛苦莫明，因为“除他自己以外，即使行家也没有人知道，饥饿饰演是一件如此轻易的事，这真实是世界上最轻而易举的事了”。 几年以后，饥饿饰演为人们所厌弃了。为了重振饥饿艺术，不幸的艺术家受聘于马戏团，不能不末尾了与兽类为伍的饰演。可是没有人宁愿在他眼前住足观赏，就连管事的也懒得为他换牌记数了。全部演出时代，谁也没有想起这位不幸的艺术家，更无人知道他究竟饿了若干天。直到饰演完毕的日子，管事才发明曾经累卵之危的艺术家。饥饿艺术家的临终遗嘱既充满抵触而又耐人寻味，卡夫卡写到： “我不时在欲望你们能赞美我的饥饿饰演，”饥饿艺术家说。 “我们也是赞美的，”管事迁当场回答说。 “但你们不应当赞美，”......“因为我只能受饿，我没有其余方法。”饥饿艺术家说。 “你究竟为甚么没有其余方法呢?”管事说。...... “因为我找不到适宜自己口味的食品。假设我找到如许的食品，请置信，我不会如许惊扰视听，并像你和大年夜家一样，吃得饱饱的。” 这是他最后的几句话，但在他那瞳孔曾经分散的眼睛里，流露着固然不在是自豪却依然是果断的信心：他要继续饿下去。 小说以饥饿艺术家被草草掩埋而了结，而浏览后给读者带来的震动却还缭绕心间。卡夫卡经过这篇小说究竟要表现甚么呢?加缪说：“卡夫卡的世界实践上是一个不成言说的世界，人满怀着痛苦鼓足勇气在澡盆里垂纶，而且知道甚么也钓不下去。”这是一种掉望，更是一种无人了解的孤独。以下从萨特存在主义的相干实际出发来进一步剖析《饥饿艺术家》，来证实其“孤独的存在”。 第一，“存在先于实质”。先有“饥饿艺术”的存在，然后才有饥饿艺术家肉体实质的表现。《饥饿艺术家》开篇第一句就是“近几十年来，人们对饥饿饰演的兴味大年夜为淡漠了”，接上去又是两句“早年自行举办这类花样的大年夜型饰演支出是相当可不美观的，明天则完
真正的艺术家_关于艺术家的议论文1000字 艺术，是一种虚无缥缈、不拘于形式的精神灵魂的交流，它如朦胧夜空中飘渺的月影，如荒芜悲凉之地的一朵盛开的鲜花，如寂寥无垠的夜空中璀璨的星辰一般，在不经意的回眸之间，给你最深沉的灵魂的撞击。而真正的艺术家就是艺术的使者，用一颗悲悯的、孤独的、富有创造力的心，将生命献祭于艺术，再在灵魂中重生。 真正的艺术家是悲悯的，对人的苦难抱有同情并始终真挚关注着人类的命运。 周天黎说过："艺术创作的一种最高境界是表现悲剧性之美感；是一个画家自己的生命，灵魂，良知对真、善、美最真诚的祭奠！"那些真正触动人心并得以永世流存的艺术作品，哪一个不是包含着无数美好情感和对困苦的同情与反抗？ 正是因为米勒对那些勤劳质朴的劳动人民始终怀有深深的悲悯和赞美，才得以用那满腔对劳动人民的热爱交织成了《晚钟》。得到灵魂深处的空旷与虔诚，他的作品中最感人的是对细节的描写，每一条深深浅浅的皱纹，每一块冻疮的茧都是他最深沉的悲悯之情，是他对质朴、纯良的赞美，是他对爱的献祭！又如周天黎的《生》，上方是十字架上的乌鸦，下方是残桩断藤中盛开的杜鹃，两种极端强烈的反差，美丽和绝望重叠在一起，造就出凝重的艺术感染力，令人悲
悯，令人震撼。新的生命竟从死亡中得到重生，造就生命的尽头便是死亡，死亡的尽头便是重生的？震撼！ 真正的艺术家是孤独的，只有孤独、敏感的生命，才能脱离紫陌红尘，触碰到灵魂深处的孤独。 真正的艺术家对艺术都有极致的爱，最极致的爱就是用生命去爱它，这种爱注定是伟大的，也注定是悲壮的，不得人理解的。古人云"古来圣贤皆寂寞""高处不胜寒"，当你的思想到了最高的境界，你便注定无法受到凡尘俗人的理解了。一个孤独的人，是不会留念滚滚红尘中的浮华名利的，当你的生命中只剩下了一个东西，你便会真正地洗尽铅华，摆脱了尘世、肉体、传统礼教文化的束缚，在一方属于自己的自由天地用灵魂歌唱，即使肉体泯灭，灵魂的歌也会永远悠远、清亮。 梵高是孤独的，没有人欣赏他，于是他用生命浇灌出了一簇热烈盛开的太阳花，永远盛开；梅兰芳是孤独的，没有人真正理解他，于是他用生命遗留了一曲繁华，在空白而又喧嚣的背景下永远寂寥。只有孤独的人，才能真正理解生命，也只有真正理解生命的人才能理解真正的艺术。 真正的艺术家是富有创造力的，艺术是一面镜子，上帝只会关照一心创作的画家，而不是光照镜子的人，一味地模仿，只是画匠而永远成不了艺术家。 我最敬佩的艺术家们都用独特的创造天赋与豪放不羁的胆
艺术的特征 形象把握与理性把握的统一 形象，即审美形象。在广义上包含审美的情境和意境，主要是指艺术活动中能引起人的思想或情感活动的生动、具体、可感的人物和事物形象。形象是艺术活动特有的存在方式，艺术作品作为人的精神生产的产品，依存于一定的物质载体，它必须是直观的、具体的，能为人的感官直接感知的感性存在。形象是构成艺术作品的基本要素，所以每个艺术形象都必须以个别具体的感性形式出现，把生活中的人、事、景、物的外部形态和内在特征真实地表现出来，有血有肉，有声有色，使人产生一种活灵活现的真实感。艺术形象又是艺术家认识体验生活的结果，是艺术家审美意识的结晶，因此艺术形象又具有艺术家审视、体验生活时把握到的鲜活性和具体性，通过人的视觉、听觉等感官能够感受、把握到艺术形象的色彩、线条、声音、动作，给人以闻其声，见其人，临其境的审美感受。 艺术形象贯穿于艺术活动的全过程。艺术家在创造的过程中始终离不开具体的形象。正如郑板桥画竹子，他观察、体验竹子的形象始于“园中之竹”、“眼中之竹”，艺术构思孕育了“胸中之竹”，而磨砚展纸倏作变相最后完成了“手中之竹”，可见竹子的形象自始至终伴随了画竹的全过程。艺术家不仅在创作过程中从不脱离生动具体的形象，其创造的成果艺术品，更须展现具体可感的艺术形象，并以其强烈的艺术感染力去打动每一个欣赏者。因此，艺术欣赏的过程也要通过对艺术形象的感情来引发对作品中情境、意境的体味。这足以说明形象贯穿了艺术活动的每个环节，形象性成为艺术区别于其它社会意识形态的最基本的特征，也是艺术反映社会生活的特殊形式，是创作主体对于客体对象瞬间领悟式的审美创造。它是感性的不是推理的，是体验的，而不是分析的。 同时，艺术形象的创造又不能离开理性，艺术中的形象是有意味的形象，是渗透了艺术家深刻理性思考的形象。它不是客观生活图景随意照搬，而是艺术家经过选择、加工并融入艺术家对人生理解，对社会事物的态度和理性认识的外化和彰显。鲁迅先生就曾说过:画家所画的，雕塑家所雕塑的“表面上是一张画、一个雕像，其实是他的思想和人格的表现。另外，艺术家从事创作活动中的理性思维，在把握时代氛围，遴选素材和题材，构思主题和情节，选择表现形式等方面均具有举足轻重的作用。艺术活动是形象把握与理性把握的有机统一。 情感体验与逻辑认知的统一 艺术中的情感即审美情感，是一种无功利的具有人类普遍性的情感。情感在艺术活动动