香港电影历史中武侠人物志黄飞鸿(一)
由于特殊的历史文化原因，香港电影中出现了多个武侠历史人物，这些电影人物中，大部分在历史上确有其人，诸如黄飞鸿、方世玉、霍元甲、叶问、洪熙官等等。其中黄飞鸿的形象是香港电影及电视剧中出现最多的武侠人物，1949年，香港第一部以黄飞鸿为主角的电影《黄飞鸿传上集之鞭风灭烛》问世，由此触发了香港银屏上黄飞鸿形象的滥觞。至1997年的《黄飞鸿之西域雄狮》，近50年间香港共拍摄了约100部以黄飞鸿为主角的影片，此外还有大量的黄飞鸿电视剧，以及出现了这一形象但并非主角的电影。香港电影在不同的时代，由不同的电影人演绎着不同的黄飞鸿形象，渐渐使这一历史人物成为香港文化中的重要一分子，也成为港人文化生活中不可或缺的一部分。本毕业论文搜集整理于
历史上的黄飞鸿原名黄锡祥、字达云，1847年农历七月初九出生于广东佛山镇。黄飞鸿童年、少年均在佛山度过，自6岁起随其父黄麒英习武，因家境贫寒，经常随父在佛山、广州等地卖武售药。13岁时，黄飞鸿在佛山豆豉巷卖武时遇到铁桥三的首徒林福成，得传“铁线拳”、“飞铊”等绝技，奠定了日后成为一代洪拳大家的基础。16岁时，黄飞鸿在广州西关第七甫水脚开设武馆，后在仁安街开设“宝芝林”医馆，门下弟子众多，为名重一时的武术家。他先后被记名提督吴全美、刘永福聘为军医官、技击总教习及广东民团总教练，并随刘永福在台湾抗击日军。黄飞鸿的一生有着非常传奇的色彩：一生习武、卖药，招收了很多武林弟子，其中梁宽、林世荣等以及黄的后续夫人莫桂兰均有着传奇经历；延续并发展了作为中国南派代表性拳法的洪拳中的许多绝技；多次路见不平相助、除暴安良、严惩恶人，特别是在1867年，一外国人携如牛犊大的狼狗在香港设擂向华人邀斗，飞鸿不甘华人受辱，赴港以“猴形拐脚”击毙恶犬，自此扬名香江。黄飞鸿虽有着诸多传奇经历，但并不像大部分影视剧中表现得那么光彩照人，他一生坎坷，晚年更遭受爱子遇害、“宝芝林”被焚、儿子失业等连串打击。1925年农历三月二十五，黄飞鸿病逝于广州城西方便医院。黄飞鸿的传奇的经历，尤其是很多有关他的非凡的武侠故事，对于重娱乐、重类型的香港电影来说，无疑是一大笔珍贵的资源，因此，香港电影史上便呈现出了独一无二的“黄飞鸿现象”。
香港电影中对黄飞鸿形象的演绎大体上可分为三个时期，这三个时期中，银幕上的黄飞鸿虽都是武林高手，但无论其外形或气质、个人性格等都有着较大的差异，甚至放在一起比较根本不会觉得这是同一个人。第一个时期为上世纪40年代末至60年代末，这个时期是香港电影史上演绎黄飞鸿形象最多的时期，共有75部以黄飞鸿为主角的影片问世，全部为粤语武侠片，而且主创人员较为固定，一般为粤剧武生出生的著名演员关德兴出演黄飞鸿(73部)、著名粤语片导演胡鹏执导(57部)。这一时期的黄飞鸿电影人物，在人物造型上最符合历史人物的原型，但在性格特征上出现了明显的由民间草莽英雄向儒侠的渐进式变化。在最初的几部影片，塑造黄飞鸿性格时较多保留了民间传说中市井草莽气。片中的黄飞鸿虽勇悍十足，但并不谦恭忍让，被人当面抢白后会愤愤不平。如在《黄飞鸿传之鞭风灭烛》、《黄飞鸿血战流花桥》(1950)《梁宽归天》(1950)、《广大十虎屠龙记》(1950)中，有着这样的情节：其徒弟梁宽到妓院招妓，与人争风吃醋大打出手，此举并未受到师傅的任何责备，反而黄飞鸿本人在影片中一直保持着风流本色；梁宽和对手互致对方于非命后，黄飞鸿为替徒儿报仇，竟然向仇人遗孀要求开棺毁尸。这些情节表明，这一时期的黄飞鸿电影尚“有着民间的野性，可见黄飞鸿的儒侠形象并非一开始便如此，而是演变出来的。”
黄飞鸿的民间野性形象在1950年代初初现影坛后似乎昙花一现，在以后的几年中销声匿迹。直到1955年，黄飞鸿在《黄飞鸿花地抢炮》中以较全新形象再次出现，该片大卖其座，不但令黄飞鸿形象再度复活，也为当时疲软的香港武侠电影注入了一针兴奋剂。从此黄飞鸿电影进入了高峰时期，可以这样说，兴盛于1950年代后半期的黄飞鸿系列粤语武侠片，构成了这一时期香港武侠电影的主流。这一时期，黄飞鸿的形象由开始时期的民间草莽英雄渐渐过渡为儒侠君子，影片的内涵也有了较大的改变。其背景仍为清末的乱世，片中有着相对固
定的人物性格和人物关系，作为慈父、严师、老成持重的黄飞鸿是整个片系的精神形象，围绕这个精神形象建构而成的是宝芝林药局及其家族和师徒关系。其徒弟梁宽、林世荣、鬼脚七、牙擦苏等全部来自低下阶层，并且都有着这样或那样的人性弱点。这些徒弟和他们的师妹、师母、师叔等人物构成了一个自足的家庭模型。影片的内容一般都是这样的模式这个家庭遇上内部纠纷必由家长黄飞鸿或教训或摆平；遇上外来侵犯则先是由师傅黄飞鸿出面解决，总是先礼后兵，实在不能忍让才动武。而即使取胜之后，也往往以忠、恕待之，或为其医治病伤，劝其向上，或留一条生路以使其改过自新。可以这样认为：这一时期的黄飞鸿形象除人物造型外，在举止行为、性格特征等方面也最接近历史人物的原型。
王晶：“拿来主义”的商业创作 王晶于20世纪80年代成为香港最重要的商业片导演之一。王晶本人在片场摸爬滚打了几十年，深谙香港观众的观影心理，熟透商业电影规律，他的影片创作从内容到形式都具有纯粹而鲜明的商业美学指向。甚至他拍电影不为叫好，只为赚钱，他需要的是能吸引住观众眼球，以观众需求为第一要素。其中虽有对经典和流行的嘲弄，但社会讽刺意味大为减弱，且取材和表现手法上更偏于俗。王晶这一时期执导了许多周星驰主演的“无厘头”喜剧片。在这些影片中，周星驰大牌明星的光环尽管遮住了幕后的王晶，但周星驰电影中“无厘头”风格的形成亦有王晶的贡献。1996年之后，王晶不再满足于仅担任导演角色，开始往监制和制片人的方向发展。和其他强势电影人一样，王晶监制的影片一般也主要由他操控，亦属于王晶电影。 将各类商业类型元素集于一身、形成高密度噱头的杂烩式风格，是王晶电影的首要特色。在王晶电影中，往往集中了动作、喜剧、悬疑、情感、传记、色情等多种类型元素，且将各种元素推向极致；此外，叙事情节点密集，“是集体创作剧本的典型，噱头层出不穷，开场即叫人喘不过气，60秒钟内若非出现笑料，便有追逐或悬疑场面”[1]。其中各种胡闹元素穿插的搞笑手段、赌术、骗术特别是色情和人体排泄物等是其营造噱头的主要部分，其《鼠胆龙威》（1995/新峰，导演：王晶，主演：李连杰、张学友）便是这种杂烩风格的最佳体现。该片有元奎极之生动的动作设计，有如泉涌现的笑料，有不讲章法的调子极转弯，也有屎尿及色情笑话，如酒店大堂里守卫大开杀戒的一场，一个重伤男人
爬到龙威藏身之处，龙威吓得半死，男人却死命抓住龙威的那话儿，求他相助。王晶电影的这种杂烩式风格，在一定程度上具有后现代主义电影中的“拼贴”特色。然而，纵观其影片，剧作结构则几乎全为传统的戏剧式结构，具有较强的故事性，王晶只不过是“把由来已久的片段式结构发挥到喧哗的极致……彻头彻尾是用最传统的方法，把流行电影传统翻新，使之重现生气”。[2]他将繁荣时期香港电影各种类型元素集于一体的手法，从某种程度上可称得上对香港商业电影成就的完美总结。 王晶电影的第二个特色表现为“拿来主义”式的模仿，也是其标志性特色。对经典的电影桥段进行跟风、模仿，在香港影坛来说早已是见怪不怪的现象。特别是当某一类型的影片卖座时，大家群起而跟之，直到将这类影片拍滥。作为商业导演的王晶，同样也会跟风、模仿。但王晶毕竟不是平庸之辈，他深知“像我者死，似我者生”的道理，在模仿与跟风时采用“拿来主义”的方式，即不是完全的照搬，而是在拿来的同时，再进行适合自身特色的美学改造，“创新”与“跟风”双管齐下，取得了明显效果。如《鼠胆龙威》有好莱坞影片《虎胆龙威》的很多影子，由于香港影片的投资规模和特技技术都不能跟好莱坞比，王晶就把重头戏放在擅长的武打场面，在此基础上加适量的爆炸场景，既保持了自己的风格，又兼顾了影片的可观赏性。稍后，在《无间道》（2003）震撼香江，抗起救市之大任时，王晶用《无间道》中男女一号之外的原班人马，写就一部《黑白森林》（2003/中国星、市委，编剧：王晶，导演：王晶、麦子善，主演：黄秋生、刘青云），其跟风之快，改编之妙，令观众咋舌。但和当时风头强劲的《无间道》不同，王晶作品依然固守了他
香港电影产业流变 本文应用西方经济学中的有关产业理论,对香港电影产业的发展进行多维度的诠释与分析,力求完整而深刻地描绘出香港电影产业的流变过程,并揭示出香 港电影的产业经验对内地电影产业发展的启示。全文共分五个部分。绪论部分主要对香港电影产业发展史进行历史分期。依照香港电影产业自身的发展特色及外部政治、经济、文化的影响,本文将香港电影产业发展分为初创时期、成熟时期、第一次繁盛时期、转型时期、第二次繁盛时期和多元化时期六个时期。 以后各章分别依照四种产业理论,对不同时期的香港电影产业发展进行分析、论述,以四种不同的维度诠释出其流变过程。第一章以产业组织理论中的“结构(Structure)——行为(Conduct)——绩效(Performance)”产业链中三元素之间关系的变化,论述香港电影产业结构的流变。在香港电影产业发展的初创和成熟时期,其产业组织遵循着传统的SCP范式:在结构的规范下,其行为也是最为简单的市场行为,而最终的绩效则完全受结构和行为的决定。历经50年代中后期的剧变后,香港电影产业组织突破了SCP范式,对绩效的追求成为决定一切的因素,其行为特别是结构开始以绩效为出发点,包括制片业、发行业等在内的产业结构发生了根本性的变化。 第二章以交易成本理论中的经济化和战略化的平衡问题,论述香港电影在效率和创新的互动中其产业模式的流变过程。香港电影产业的发展过程中,其模式的流变,即是效率与创新之间不断平衡、达到最佳配置的过程。在追求效率与创新的平衡中,香港电影产业模式经历了独立制片体制→大厂体制→卫星制→院线制营销模→多元化模式的流变过程。第三章以战略管理理论和项目管理理论,论述香港电影产业的竞争资源优势流变。 其中第一节以战略管理理论为主,分析香港电影中的产业资源流变轨迹。香港电影产业资源流变的过程,既为竞争资源和战略资源不断强化的过程。在这一流变过程中,香港电影产业逐渐打造出核心竞争力、获得了可持续性的战略优势。第二节以项目管理的有关理论,分析在香港电影产业发展史中的转折时期,如何 以战略性的项目实施来获得可持续性战略优势、促使电影经济的发展。 结语部分主要包括两方面的内容,第一节从结构、模式、资源、项目4个层面对香港电影产业流变规律进行总结,得出结论:香港电影产业流变总体上表现
浅析武侠电影的艺术特色 巢琦 14策划摘要：中国武侠电影源于中国的武术文化，并且与当时的文化背景和文化思想相融合。作为我国特有的一种电影类型样式，武侠电影将中国的武侠文化推向了世界，这其中，武侠电影所体现的独特的艺术特色和文化含义功不可没。 关键词：武侠电影文化背景文化内容 武侠电影对中国人而言，就如同超级英雄对美国人，都代表了一种地域文化的特色。而中国武侠电影更是把这种地域文化特色发挥到了极致。 一、与学派思想的结合 武侠电影所宣扬的武侠文化以各式侠客为主角，神乎其神的武术技巧为特点，刻画宣扬侠客精神①。而武侠文化在其发展的历程中不断革新，不断地与学派思想相结合。各个学派的思想核心为武侠文化提供了思想道义上的指导。 电影《太极张三丰》就是一部融入了道家文化的武侠电影，同时也是一部经典的香港武侠电影。电影中的“球，浑然圆通”“水，遇强则强”“不倒翁，镇定自若！”向人们传递着道家文化“以阴阳相抱、以柔克刚、以静制动”的思想②。而李安的《卧虎藏龙》中，周润发与章章子怡的对手戏的台词也无不体现着深厚的道家文化思想。而这种大道无言，天人合一正是侠客们所追求的，也是道家武侠电影的想让观众们感受到的。 二、武侠的中国美景 ①百度百科.武侠（武侠文化）[EB/OL]. https://www.doczj.com/doc/863012717.html,/subview/14947/5044383.htm#1, 2016–10–17/2016–12–27. ②槡独摇.武侠片与中国传统文化[EB/OL]. https://www.doczj.com/doc/863012717.html,/view/c144b6c7da38376baf1fae35.html?re=view, 2013–04– 15/2016–12–27.
编辑| 删除香港电影人物研究之四：徐克 赵卫防发布于：2007-07-08 11:49 银幕上的动感时空——论徐克电影 （原文发表于2007年第一期《当代电影》杂志） 作为香港影坛重要的商业片导演之一，徐克始终能把握个性与商业、偏锋与主流的有机融合。无论作为监制或导演，徐克对创作总是全方位地控制，使其影片具有明显的徐克烙印；无论是喜剧或动作类型，徐克影片总是以追求动感为主要美学指向，并试图对香港的动作经典类型片进行主题和形式方面的颠覆与超越。 与众多香港影人的经历相似，徐克亦于上个世纪70年代在国外修读完广播电视电影课程后返港效力于电视台。1978年，他在香港“佳视”推出了古装武侠电视连续剧《金刀情侠》，以悬疑气氛的营造和快捷利落的镜头语言显示出了求新求变的美学追求，也奠定了他之后以古装武侠片类型为主的创作路线。转入电影后，徐克更是显示出剑走偏锋、急激险怪的风格，然而他却又能巧妙地汇入商业电影的主流并不断创新突破，由“新浪潮”的旗手转变成为举足轻重的商业片导演。他在1984年创办“电影工作室”的时候，曾明确提出过对导演的要求：“1、要有自己的风格。2、要言之有物——即使功夫片，也要有话说。3、要…走群众路线?……商业片定要娱乐观众，让他们得到宣泄，心情转佳。”（1）上述三个要求既是徐克长期创作实践中的美学追求，又可以看作是他将偏锋与主流有机融合而赢得观众的法宝。他导演或监制的一系列影片，形成了鲜明的美学风格，奠定了其在香港影坛和观众心目中的地位。同时徐克又是一个力求创新的电影作者，他亦在不断创新中超越自身、颠覆经典。个性化的风格加上创新与超越，成就了徐克的辉煌，并使80年代以来香港商业电影的面貌不断更新。 关于徐克电影 在香港电影史上，由于一些影人具有特殊的票房号召力，不论他们的身份是监制、导演或是主演，他们都是影片创作的核心，主宰影片的风格，影片完成后被贴上他们的姓名标签，而其他主创均处从属地位，比如李小龙电影、成龙电影、周星驰电影等等，徐克电影亦是如此。这种约定俗成的概念既具有吸引观众的品
香港电影研究
摘要 凭借着百年来形成的强大电影工业体系、上千部的电影作品，香港电影一度在在国际影坛上大放异彩，形成“东方好莱坞”之佳誉。香港电影以汉文化为根基的同时，吸收了国际化现代电影包装的个性特征，形成独树一帜的风格与特色。当前，针对香港电影的研究在大陆学界已经逐渐形成一种风气，对于香港电影的研究有利于进一步进一步认识它在整个电影发展历史中的重要性。本文承袭这一风气，选取香港电影作为研究与论述的主题，通过简要分析香港电影的发展历史、香港电影的独特特色以及香港电影本身机制与运作存在的不足之处，完成对香港电影的整体剖析。最后，本文对香港电影未来的发展做一下展望作结。 关键词：香港电影；发展历史；特色；不足；展望
一、香港电影发展概述 香港电影是一门包含诸多要素的行业与学问，要对香港电影进行研究，作为基础，我们有必要先大致了解一下香港电影整体的发展历史进程，以便站在更为宏观的角度审视香港电影文化。 （一）香港电影的大致发展历程 自1897年电影开始在香港放映并逐步催生出香港本土电影以来，香港电影在发展过程中出现了很多的发展阶段，本文为了讨论方便，现按照时间阶段划分为如下阶段： 1、19世纪末-20世纪初，香港电影的催生阶段 1897年，“活动放映机”和“电影视镜”抵达香港，开始在酒楼、茶座等地点进行放映，随后逐步出现以“喜来园”为代表的临时电影放映影院，致使对影片数量的要求增高，进而催生了香港电影制片业的萌芽与初步发展。 2、20世纪前50年，香港电影制片业的萌芽阶段 这一阶段香港电影制片业处于萌芽阶段。1913，导演黎民伟拍摄了电影《庄子试妻》，粤语电影开始成形。1937年抗日战争爆发，以胡金铨为代表的许多上海电影人南下香港，保障了1938年第一部国语电影《貂蝉》的产生。 3、20世纪50年代-60年代，香港电影的繁荣期与高峰期 20世纪50、60年代是香港电影的繁荣期与高潮期，中联电影企业有限公司的《四千金》和《江山美人》获得亚洲影展的最佳影片奖。武侠片和喜剧片成为这时期的主流影片，极大的丰富了港人的业余生活。 4、上世纪70年代-80年代初，香港电影转型时期 这一时期，风靡一时的武侠片开始向新派武侠转型，开始侧重于表达娱乐和本土意识。通过李小龙《精武门》、《猛龙过江》，香港功夫片畅销全球，成龙的《醉拳》等也深刻印证了功夫喜剧的香港本土化过程。 5、上世纪80年代中期-90年代初，香港电影进入繁荣期 上世纪80年代末90年代初香港电影进入了繁荣期。这一时期的代表作《英雄本色》、《倩女幽魂》等成为至今流传的不朽经典影片。同时，武侠片和喜剧片再成主流，《家有喜事》创下票房最高纪录至没被打破。此外，以《烈火青春》
中国武侠电影中的传统文化观_电影艺术论文 中国武侠电影中的传统文化观_电影艺术论文 电影艺术论文 武侠,顾名思义,“武”即武术、武力,“侠”即侠义。中国的武侠文化源远流长,可追溯至春秋时代,司马迁在《史记》中专门着有《游侠列传》。当电影传到中国,与中国传统的武侠相结合,从而形成了具有中国特色的功夫电影。 武侠对于中国人而言,就如同超级英雄至于美国人,并且,武侠因为 其植根于中国传统文化的悠久历史与丰富内涵,而显得更加丰满。“千古文人侠客梦”,每个男人都有一个武侠梦。作为一种类型影片,且是中国独有的类型电影,武侠片融入了中国的人生观与价值观,全 面地反映了博大精深的中国文化。武侠电影之所以能够被推崇,与其中所蕴含的侠义观念,能被中国人所接受,产生道德观上的认同,有着重要的关系。武侠文化是中国传统文化的一部分,而侠义精神则是武侠的内涵核心,行侠仗义,打抱不平,已经成为一种传统的民间美德。 一、武侠电影中的武德信仰 (一)武侠文化的内涵 武侠文化作为中国特有的一种文化现象,对中国人有着巨大的吸引力。这是平民的一种伦理文化。司马迁在史记中描述的“游侠”形象,“其行虽不轨于正义,然其言必信,其行必果,已诺必诚,不爱其躯,赴士之厄困。既已存亡死生矣,而不矜其能,羞伐其德,盖亦有足多者焉”。①在过去法治不健全的社会,人民受到不公正的待遇而无法得到保护,自然将希冀放在了抱打不平为民请命的侠客身上。 侠义精神是武侠文化的基本内核,也是平民百姓在现实生活中理想 化期待的产物。人们在观看武侠电影的时候,心中自然也有一个心灵的参照,即现实社会中的情态,反映在武侠社会中,观众随着剧中人物进行人格上的升华,从而获得心理满足。正如在文学中,陶渊明所代表的形象,是古往今来无数仕子心灵的家园,武侠世界也称为了普通中 国人短暂逃离现实的一个精神乐园。 (二)侠义观念
在之前香港电影人物研究系列中，除杜琪峰外其他均为1990年代之前的香港影人，他们的创作高峰基本集中在1990年代之前（其中徐克跨越这个时代）。在之后的这一系列中，本博主将陆续推出1990年代之后的香港影人研究文章，如周星驰、成龙、王晶、王家卫、刘伟强、陈果、关锦鹏等人的研究。而且这些文章将不像前面的那样系统、全面，大都是就某一方面的分析，故难免有偏颇之处，希望喜爱电影特别是香港电影的朋友们给予批评指正，本博主将不胜感激！ 成龙：续演英雄神话 （本文主要探讨90年代之后的成龙电影，在此之前的成龙作品不作深入展开） 和周星驰电影的概念一样，成龙电影亦是泛指成龙主演的影片，这些影片绝大部分为动作片，成龙除是主演外，有时还承担兼职、编剧、导演等其他角色。总之，这些影片中成龙为创作灵魂，他主宰着影片的风格，也成为香港电影的品牌之一。成龙电影从70年代的功夫喜剧一鸣惊人，到80年代的警察片趋于成熟，逐步完善了商业美学模式。90年代后，成龙在银幕上演绎最多的形象依然是警察，继续以往警察片中英雄神话的叙写。成龙的形象在强化后逐步被定型：象征不平凡的英雄，充满斗志、永不言败；而国际化背景、挑战身体极限的动作以及独特的电影语言，利用高科技手段来营造爆炸、追逐、烟火灯光特效等特技等也定型于这一时期成龙电影的美学模式中。
这一时期成龙电影的第一个特征，表现其英雄形象起落沉浮的变迁。1995年之后，成龙电影开始由香港背景转移至国际化的背景，以更为广阔的视觉空间来凸现这一香港警察英雄，也成功打入了欧美市场。早在80年代初，成龙便在“嘉禾”的安排下与好莱坞合作制片，主演了“嘉禾”在美拍摄的《杀手壕》（1980）、《炮弹飞车》（1981）等影片，但在好莱坞并未获得大的反响。1995年成龙推出的以美国纽约为背景的动作片《红番区》（1995）却在美国引起轰动，首周票房高达1000万美元[1]。该片的成功改变了成龙电影的制片方针，之后他的大部分影片都以国际化大制作为主，背景移至海外。开始阶段，其故事空间以西方国家的城市为主；而且片中成龙的“警察身份”也有了很大的变化：从一般的香港本岛警察升级为超级警察，进而成为国际刑警，甚至是超级特工。这种空间与角色的扩展，更能显示出成龙跨国界、跨民族的动作技艺，无论是《红番区》中的纽约街头追逐、《霹雳火》（1995）中日本赛车场上的竞技，还是《简单任务》（1997）中乌克兰雪山上的惊险逃亡、《我是谁》（1998）中的非洲土著舞蹈以及《特务迷城》（2001）中土耳其迷城内的连环恶斗，都使成龙的英雄神话得到进一步的张扬；成龙面对的已不再是本土的黑帮势力，而是庞大的国际犯罪集团，除身体打斗与枪战外，更加凸现了成龙在各类危险场面中展露的个人智慧[2]。 国际化路线的成功，让成龙渐渐离开了他滋生的母体——香港，1999年他凭《尖峰时刻》登上了美国《时代》杂志，，一举奠定了他在好莱坞动作明星的地位，在好莱坞连续拍摄了《上海正午》（2000）、
香港电影十大经典警匪片 提要: 香港电影中的警匪片有着近百年的历史，是跟香港电影史同步发展的——第一部香港电影《偷烧鸭》就是一部已经有了警匪片雏形的作品，讲的是警察抓小偷的故事，由梁少坡摄制，“亚细亚影戏公司”1909年出品。此后，香港电影中不少的上演了这样的警匪故事，而至今也成为了香港电影的主流之一。 香港电影中的警匪片有着近百年的历史，是跟香港电影史同步发展的——第一部香港电影《偷烧鸭》就是一部已经有了警匪片雏形的作品，讲的是警察抓小偷的故事，由梁少坡摄制，“亚细亚影戏公司”1909年出品。此后，香港电影中不少的上演了这样的警匪故事，而至今也成为了香港电影的主流之一。 1、 《无间道》系列 对于“无间道”系列，还有什么好说的呢，如果还没有看过就尽管找来看看，如果有机会更应该到电影院看看第一和第二部(第三部拍的差了很多，而第二部最好，在剧情上)。
虽然不能达到港片救市的目的，但是，“无间道”系列的经典地位却是无可置疑的。2、 《枪火》 依然是银河映象的作品，也是杜琪峰导演的经典之一，尤其是在导演的场面调度及演员 的表演上——个人觉得《PTU机动部队》在场面调度上不如《枪火》，而在剧情上不如《非 常突然》。 《枪火》讲的是黑社会老大受到追杀，于是找到五个保镖保护生命并追查是谁想追杀他， 但是在保护的过程中，其中一个保镖跟老大的老婆发生了性关系，于是，当追查出幕后凶手 后，这个保镖也成为了别人的枪火的目标…… 3、
《非常突然》 香港电影很少有这种非常突然的好人坏人全部死光光的警匪片，大概也是银河映象才可能出现了，呵呵。《非常突然》确实是非常突然：非常突然的抢劫，非常突然的暴徒，非常突然的捉贼，非常突然的爱情……再到最后的非常突然的死亡! 4、
中国电影发展简史 早期中国电影（1931年以前） 中国电影事业发端于20世纪初。1905年，北京丰泰照相馆创办人任景丰拍摄了由谭鑫培主演的《定军山》片断，这是中国人自己摄制的第一部影片。1913年，美国人经营的亚细亚影戏公司拍摄了由郑正秋编剧、张石川导演的中国第一部有故事情节的短片《难夫难妻》。1917年上海商务印书馆拍摄时事短片。次年成立活动影戏部，此后拍摄了两部中国最早的长故事片《阎瑞生》和《红粉骷髅》。1922年，张石川与郑正秋、周剑云等组织明星影片公司，1923年完成由郑正秋编剧、张石川导演的《孤儿救祖记》，影片严肃地涉及了当时的社会实际，表现手法具有较浓的生活气息，演技自然、亲切、朴素。与此同时，出现了大中华百合影片公司、神州影片公司、长城画片公司、民新影片公司等一批较具规模的影片公司。邵醉翁兄弟于1925年创办天一影片公司，首先取材于民间故事，拍摄一批古装片，并在上海掀起拍摄古装片的热潮，还以此立足于南洋市场。1925～1927年间，上海先后成立140家中小型电影公司；广州、北平（今北京）、天津等城市亦拍摄影片。1928年明星公司开拍《火烧红莲寺》后又形成一股武侠片热潮。此后的4年间上海各公司拍摄了400多部故事片，其中一大半是“火烧”、“武侠”、“神怪”之类光怪陆离、粗制滥造影片。1928年，民新、大中华百合等影片公司组合成联华影业公司，先后拍摄了《恋爱与义务》、《恒娘》、《桃花泣血记》等片。1930年，明星影片公司和友联影片公司试制成功蜡盘发音有声影片《歌女红牡丹》和《虞美人》。1931年华光片上有声电影公司在日本完成中国第一部片上发音影片《雨过天晴》。到1935年，中国完成了从无声电影到有声电影的过渡。 左翼电影运动（1931～1937） 1930年后，在中国共产党领导下，先后于上海成立了中国左翼作家联盟和中国左翼戏剧家联盟。九一八、一二八事变后，上海的抗日战争爆发，电影界的有识之士深感时代需要反映现实的影片。1932年5月，明星影片公司聘请黄子布（夏衍）、郑君平（郑伯奇）、钱谦吾（阿英）担任编剧顾问，与郑正秋、洪深等一起组成编剧委员会。1933年3月中国共产党的电影小组成立，由夏衍任组长，成员有钱杏邨、司徒慧敏、王尘无和石凌鹤。电影小组的成立推动了明星、艺华、联华等影片公司的电影创作，也影响了天一和其他小公司的电影创作。当年生产了《狂流》、《都会的早晨》、《春蚕》、《姊妹花》、《民族生存》、《三个摩登女性》、《小玩意》等一批优秀影片，左翼电影运动取得辉煌成就。国民党统治当局在开展对中国革命根据地第五次军事“围剿”的同时，加强了对革命文化的“围剿”。针对这种更为尖锐、复杂的形势，左翼电影工作者进行更加隐蔽的斗争，创作出《渔光曲》、《新女性》、《大路》、《神女》、《生之哀歌》、《逃亡》等有影响的片目，与此同时，左翼电影工作者还开辟了新的制片阵地——电通影片公司，拍摄了《桃李劫》、《风云儿女》等优秀影片。这个时期还创作一批优秀电影歌曲，如影片《大路》里的《大路歌》和《开路先锋歌》，《桃李劫》里的《毕业歌》和《风云儿女》里的《义勇军进行曲》等，随着影片的放映，产生了广泛的社会影响。中国共产党领导的一二九运动将全国人民爱国运动推向一个新高潮，上海电影界为适应新的形势，建立起电影界的抗日民族统一战线。继“国防文学”口号提出后，1936年2月，“国防电影”作为电影创作口号也被提出。1936～1937年7月，上海各电影公司拍摄出一批不同题材样式和内容的国防电影，有《生死同心》、《压岁钱》、《十字街头》、《马路天使》、《迷途的羔羊》、《狼山喋血记》、《壮志凌云》、《青年进行曲》等影片。
第39卷第5期 唐山师范学院学报 2017年9月 Vol.39 No.5 Journal of Tangshan Normal University Sep. 2017 ────────── 收稿日期：2017-05-08 作者简介：周海魁（1990-），男，安徽铜陵人，硕士研究生，研究方向为学校体育学。 -103- 浅析中国武术与武侠电影之间的作用 周海魁，胡万祥，汤利侠 （安徽工程大学 体育学院，安徽 芜湖 241000） 摘 要：从武术的角度审视中国武侠电影，探索其产生及发展历程。分析武术技击，武术文化对武侠电影的影响，以及武侠电影对武术传承与发展的影响，肯定武术与武侠电影之间相互作用。武术为武侠电影的发展提供了基础，更是武侠电影的核心竞争力，离开了武术，武侠电影就失去了其特有的东方魅力，武侠电影的高速发展也为武术的传播提供了很好的平台。 关键词：武术；武侠电影；侠；天人合一 中图分类号：G852 文献标识码： A 文章编号：1009-9115(2017)05-0103-04 DOI ：10.3969/j.issn.1009-9115.2017.05.030 Analysis of the Impact between Chinese Martial Arts and Martial Arts Movies ZHOU Hai-kui, HU Wan-xiang, TANG Li-xia (College of Physical Education, Anhui Polytechnic University, Wuhu 241000, China) Abstract: Through the method of literature, interview, observation and logical analysis, this article try to look at the Chinese martial arts from the perspective of martial arts and to explore its generation and development process. By analyzing the influence of martial arts strike, martial arts on martial arts films and the influence of martial arts films on the inheritance and development of martial arts, the paper affirms the interaction between martial arts and martial arts films. Martial arts are the core competitiveness, which provides a basis for martial arts film for the development of martial arts film. Without the martial arts, martial arts film will lose its unique charm of the East. The rapid development of martial arts films provides a good platform for the spread of martial arts. Key Words: martial arts; martial arts movies; chivalrous swordsman; harmony between man and nature 1 武术在武侠电影中的作用 1.1 武术技术的作用 几千年来，经过历史的沉淀，武术成为中华大地上的一块瑰宝，源远流长、博大精深。武术门派也不断林立，拳种众多，据《中国武术大典》统计拳数套路有750多种，器械套路有720多种。这些拳种在中国传统文化的作用下，武术技术中都包含了中国的哲学与美学思想，处处彰显着中国文化中的人文情怀。武术技术是指武术的外在表现形式，套路演练，下面是几种拳术的技术特点。长拳的特点是姿势舒展、动作灵活、快速有力、节奏鲜明[1]；太极拳行云流水、连绵不绝、处处有弧形、动作圆活、前后贯穿；形意拳动作简练、发力沉着、朴实 明快、结构严谨；八卦掌沿圈走转、势势相连、身灵步活、随走随变。武侠电影中的武打镜头形式多样，都是由武术技术所提供。其中，演练与对打是武术技术在武侠影片主要的表现形式[2,p15]。 影片中由个人、多人或集体操练各种拳法技术的过程称之为演练。这也是武术训练中不可或缺的锻炼形式之一。在众多武侠电影中都出现过武术演练的场景。如在袁和平指导的《少林寺》李连杰偷窥武僧练武的一段戏中，枪法、长刀术、绳椎木、螳螂拳、地躺拳等比较集中展示了中国武术的风格特点；李连杰在山上一个人演练武术，把长拳的舒展大方、起伏转折发挥的淋漓尽致。这些武术技术都是武术没有加任何特技的真实展现。在黄百鸣监
香港经典武侠电影配乐赏析 [摘要] 20世纪80年代，香港武侠电影进入内地，由此揭开了武侠热在中国内地汹涌澎湃、经久不衰的序幕。 武侠电影不仅以其天马行空、汪洋恣肆的武打设计和行侠仗义、为国为民的侠客风骨为人所称道，里面富有特色的音乐更是影片不可或缺的重要因素。一支支精彩的配乐，不仅用优美昂扬的旋律唤起了潜藏于中国观众内心的英雄豪情，更以其传统的中国民族音乐风格，渲染出了浓郁的江湖文化，从而造就了一部部经典的香港武侠影片。[关键词] 香港；武侠电影；经典；配乐；江湖文化 “天下风云出我辈，一入江湖岁月催。皇图霸业谈笑中，不胜人生一场醉。提剑跨骑挥鬼雨，白骨如山鸟惊飞。尘事如潮人如水，只叹江湖几人回。”(电影《东方不败》) “武侠”二字，不仅贯穿了中华五千年的历史文化，更是千百年来亿万中国人心中无法割舍的精神寄托。从《史记·刺客列传》中的专诸、豫让、聂政、荆轲，到《水浒传》中的武松、鲁达、杨志、林冲；从“抚剑独行游”的陶渊明，到“纵死侠骨香”的李白；从仗剑游天下的韩信，到铁棍闯江湖的赵匡胤，无论是文人墨客、英雄豪杰，还是凡夫俗子、三教九流，都有着浓厚的武侠情怀。以“武”剪除强暴，以“侠”扶助弱小、行侠仗义、纵横江湖，同样是每个普通人心中的梦想和期待。 武侠电影的出现，给予了人们放飞梦想、一解情怀的机会与空间。一幅幅刀光剑影的江湖画面，一段段恩怨缠绵的儿女情愁，一招招出神入化的盖世神功，一座座侠肝义胆的英雄塑像，武侠电影带给了我们一幕幕的神奇和精彩、一次次的兴奋与向往。在武侠电影里，寄托着我们普通大众的豪迈激情，而香港的武侠电影更是其中的翘楚。 20世纪八九十年代，随着一批优秀导演和演员的出现，香港武侠电影迎来了一个发展的黄金时期，徐克、袁和平、王家卫、成龙、李连杰、甄子丹……在他们的共同努力下，一部部武侠经典取得了巨大成功，同时也把香港武侠片推上了武侠电影艺术的顶峰。’ 一部香港经典武侠电影，除去武打设计、侠客主题外，还少不了精彩的电影配乐——或豪情悲壮、或慷慨激昂、或缠绵悱侧、或意蕴深远。武侠电影配乐能够使电影观众把听觉想象与视觉形象结合起来，强化主题和情感，达到视听的统一。香港武侠中经典的配乐在影片中往往起到点睛之效，不仅合乎主题，更将武侠世界崇高、深远的意蕴推向一个更高的境地。此外，这些经典配乐还根据武侠
香港武侠电影与中国传统文化精神 【摘要】：武侠电影作为中国独有的和影响巨大的类型片种，在中国电影发展演变的历史中占据重要的地位，武侠片把香港电影推向国际化、品牌化和明星化的时代，形成了中国整体文化结构中一道独具魅力的景观。武侠电影之所以如此受欢迎，与其中反映的中国传统文化精神密切相关，电影中“侠”的英雄好汉形象和英雄表现出来的精神深深吸引了观众，所以武侠电影主要是从心理上得到了广大观众的认同。 【关键词】：香港武侠电影中国传统文化精神 “凡有中国人的地方，就有人在看武侠”，这一点也不夸张，武侠电影作为中国独有的和影响巨大的类型片种，在中国电影发展演变的历史中占据重要的地位，早在1928年推出的《火烧红莲寺》造成轰动效应以后，武侠电影渐臻成为中国电影图式中一个独具文化内涵的传统电影类型。20世纪60年代以来，武侠电影成为香港影坛的中心，至70年代达到鼎盛，80年代和90年代的香港武侠片又与多种类型片结合，取得了引人注目的成就。武侠片把香港电影推向国际化、品牌化和明星化的时代，形成了中国整体文化结构中一道独具魅力的景观。香港武侠影片的产品至今早已超过千部，作为香港社会精神圈最好的展示，某种意义上说，正是这些武侠影片在视听的层面上支撑起了特定时期的香港文化。 武侠电影之所以如此受欢迎，除了扣人心弦的故事情节，紧张暴力的画面，帅气潇洒的演员，更重要的原因是武侠电影它所反映出来的精神，一种“侠”的形象，深深感动了观众。 金庸在《神雕侠侣》中借郭靖之口说出了他对“侠”的理解：“侠之小者，锄强扶弱，匡扶正义；侠之大者，为国为民，鞠躬尽瘁。”金庸的小说侧重于一个“侠”字，其笔下几个脍炙人口的主角，往往都是从乱世之中成就侠名的英雄，萧峰、郭靖、杨过、张无忌、袁承志等等，突破了旧武侠小说中传统侠客的作用，即不仅限于行侠仗义，更是要进一步为国家与民族而出生入死，退一步为了天下苍生而奋不顾身，这也是儒教伦理所规定的侠之大者素有的风范。 侠的形象在各部武侠电影中都被饱满的塑造了起来，侠的一言一行、一举一动都深深体现了中国传统精神，形成了一种“侠文化”。
动画突起—动画领域的大发展与双龙会 先说点故事吧。 话说1977年，全美国人都在看George Lucas的《星球大战》的那一年，一个叫John Lasseter的小伙到Disney打工，并发誓对Disney效忠。无奈一心要想在电脑图形技术上有所成就的他，竟被看他不上眼的动画部主管Ed Hansen 开除。不得已他投奔到了ILM的动画部。日后发明RenderMan的Ed Catmull当时也在里面，俩人一见如故。1984年，John Lasseter和Ed Catmull合伙捣鼓出了他们的第一部3D短片《The Adventures of Andre and Wally B》。1986年，Apple的总裁Steve Jobs从George Lucas手中花了500万买了这家公司，并给它取了个名字：Pixar。 几年下来，Pixar除了做点短片冲击冲击奥斯卡奖之外，就是研发电脑图形技术。在1993年，Disney老大来找Pixar签约做动画长片的时候，Pixar已经开发出来了三项核心专利动画技术：Marionette、Ringmaster和伟大的RenderMan。老大的合约中包括了3部电影，Pixar制作，Disney发行。然而1995年《Toy Story》上映之后，3.58亿的票房让全世界都开始注视这家在图形表现方面领先全球的小公司，Disney也明白了自己小瞧了Pixar。 于是在1997年6月，Disney和Pixar再次会晤，重新修改了那份合同，不仅调整了利润分配，当年的3部电影也变成了5部。这一刻，动画界老大摆出的这个姿态，就是全球动画界对CG技术的姿态。而这一刻，也标志着代表着传统动画和Disney，一起开始老去。 而就在这一年，一位来自Disney的高层Jeffrey Katzenberg溜了小号，拉着一个音乐总监David Geffen，外加超级大腕Steven Spielberg，组建了Dreamworks SKG（梦工厂），并且Jeffrey Katzenberg成为CEO。SKG就是哥仨的姓的首字母。从第二年开始，好戏将上台。 还是在这一年，一家成立于1987年的负责电影CG特效的小公司被20th FOX 买下。这家公司的名字叫做Blue Sky。 一场关于CG的动画风暴，在这个泰坦尼克号沉没的1997年，全面酝酿。 1997CG的蛰伏与亚洲的光芒
浅析中国武侠电影的发展现状 中国的武侠电影，犹如美国的西部片，已成为民族类型电影的标识之一。无疑是中国电影独一无二的招牌，在世界电影市场中独树一帜。武侠电影一直是中国电影的中坚力量，也一直是中国电影高票房的代表，它们对于年度国产电影票房的贡献一度超过40%。2000年，李安凭借《卧虎藏龙》，获得奥斯卡四项大奖，票房收入超过1亿美元。2001年，张艺谋以《英雄》在国内将2.4亿人民币票房收入囊中。2011年的中国电影市场上一共有35部影片票房过亿，其中国产片18部，而武侠电影占了一半。然而武侠动作大片对中国电影产业的贡献却依然掩盖不了其近10年发展进入瓶颈的现实。 中国的武侠电影始于上世纪二十年代，一部《火烧红莲寺》风靡大江南北开启了武侠电影的大门。“武侠时代”是从1967年开始，这一年张彻导演了王羽主演的《独臂刀》，此片一举突破百万票房，创造了香港电影的新纪录。很快，胡金铨的《龙门客栈》上映，再次刷新了票房纪录，他们把武侠片变成主流的商业电影。九十年代的《新龙门客栈》堪称经典，在武侠电影的世界，徐克是一面不倒的旗帜。虽然中国的武侠电影风靡世界，但是真正被国际认可，却是从李安的《卧虎藏龙》开始。《卧虎藏龙》的成就，不仅使得西方电影观众对中国电影有了更大的认同，同时也使张艺谋、陈凯歌等导演开始了对武侠电影创作尝试，使得武侠电影的创作队伍不断壮大。 3000万美金的大投资，全明星整容的《英雄》创造了2.4亿的票
房，自此以来中国的武侠电影进入大片时代。新世纪以来的武侠片大都投入了巨大的人力物力，制作精良，无论服装、配乐、还是摄影都无可挑剔，给观众带来了空前的视听效果，这所有一切都是出于商业利益的考量。无可否认，新世纪以来的武侠电影在武打动作与场景的设计上让人眼前一亮，《卧虎藏龙》中竹林打斗的场景堪称经典。大片还倾向于对海外市场的渴望，对中国来说最容易出口的是武侠电影，因为英雄主义、刺激没有国界之限，还有古代中国的神秘感。 现今的时代，一部分武侠片失去了本该传扬的侠义精神，甚至变成了娱乐大众的一种赚钱工具。几乎三成观众是因为影片密集的宣传而前去观影，无法想象如果没有那些偶像明星的噱头，没有公映前的一系列炒作与宣传，武侠电影的票房又会是怎样的一种状况。《武侠》上映打出了“微观武侠”、“医学武侠”等创新牌；徐克导演的《龙门飞甲》更是不惜“血本”打出3D牌；影片的宣传强调武侠寻变的心思，但这种创新的背后隐藏着一个无奈的现实，作为国内最拿的出手的武侠电影，如今已日趋没落、鲜有佳作。我们不知道，是观众不再喜欢，还是导演不再自信，而让纯粹的武侠片举步维艰难以为继？ 《满城尽带黄金甲》被观众吐槽内容完全是中国的《雷雨》，过分的宣传人性的丑恶与复杂暧昧。武侠片中充斥着疯狂凶残而又血腥的杀人场面，《夜宴》中的空中“棍杀老臣”、《满城尽带黄金甲》中的“杀人如麻”，就如同在炫耀奇异的杀人技法，完全不能理解创作者的心态。作为中国特色的武侠电影，总让人感觉缺少了什么，如果不在内容上下功夫，而是一味的靠视觉的轰炸，将会离观众越来越远。在
美国西部片与武侠电影（转载） 白日做梦发布于：2008-06-18 10:35 西部片顾名思义，就是以20世纪上半叶美国西部为故事背景，以美国人民开发西部荒野土地为题材的的影片，同武侠电影是中国特有的影片类型一样，西部片也是美国特有的一个影片类型。他最能体现美国人特有的民族性格和精神倾向。这其中有很多地方是与中华民族有相同的。 1904年著名导演埃德温．鲍彻的拍摄了他的代表作品《火车大劫案》这是最早的一部西部片，在这部只有14个场景的短片中，有歹徒犯罪、警察追逐、荒原小镇、最后好人战胜坏人等等这些西部片一直使用至今的元素。西部片因为其与美国人民的生活有一定关系，所以大受欢迎。约翰．福特于1938年拍摄了他的代表作品《关山飞渡》，这部影片是第一部在艺术上趋于成熟的西部片。在此之后西又出现了弗莱德．齐纳曼、乔治．史蒂文森、霍华德．霍克斯、山姆．富勒等西部片的重要代表人物，并且为广大观众奉献了自己的优秀作品霍克斯的《红河》1948和齐纳曼的《正午》1952还有史蒂文森的《原野奇侠》1953，等公认的西部片电影。代表了好莱坞西部片所能达到的最高水平。但是西部片的创作并没有停止，直到2007年仍有新的西部片问世如《决战犹马镇》。西部片对武侠电影的影响主要集中在早期，早期中国电影尚处于幼年阶段，加之中国社会当时的特殊国情，美国电影在中国泛滥，尤其西部片，由于其剧情的简单和人物对白的精炼，对于字幕的依赖相对要少，中国观众读解时就比其他影片要轻松的多，所以，颇受当时观众的喜爱。许多早期武侠电影都是模仿美国西部片，甚至，早期的武侠电影中出现过，带着大呢帽、身穿小裤腿，扎着宽腰带的中国式“西部英雄”。 1.西部片与武侠电影一样都反映了本民族的审美情调，而各民族精神中是有相同的地方的，所以，西部片和武侠电影都是在精神实质上是相同的。 西部片的内容并不是当年美国东部居民开发西部历史的记实，它是将开发西部过程中的一些真人真事或者民间文学的东西加以神话的色彩，主人公集中代表了（39西方电影史）美国人民坚忍不拔、不畏艰险、见义勇为、扶弱凌强的英雄精神，反映了某种道德的神话或者寓言，体现这善必胜的中心思想，观众在西部片里寻求的不是故事情节或者人物性格，而是某种精神上的宽慰和道德上的满足。回到前面我曾今讨论过的关于武侠电影的侠义精神一节，我可以看到，中国武侠电影体现的侠义精神：不畏强暴、见义勇为、锄强扶弱的精神，与西部片异曲同工。 2.西部片的主人公出现频率最多的是牛仔，这些牛仔大多是外省人，他们见义勇为，却常常在事后孑然而去，这与中国武侠电影里，尤其是早期武侠电影《红侠》、《女侠李飞飞》相似，影片中的主人公也是给人一种神龙见首不见尾的感觉。 西部片里牛仔的地位与武侠电影里的侠客也颇有相似之处，这些来自外省的牛仔，他们孤单的行走在荒蛮的西部土地上，文明和法律对这片土地的约束并不是很明显，要在这里生存下去，又不违背自己的道德观念，就必须有好的身手，在这里，牛仔不同于普通的农场主，不是政府和警察，更不是匪徒，他有自己的立场，而这个立场是最孤单的。同武侠电影里的侠客一样，他们不是统治阶级，也不是被统治阶级，而是被赋予了英雄的光环的，主流社会之外的一个游离分子。
本文不对周星驰电影进行全面的分析，只是简要论述其“无厘头”风格的转型。 周星驰：“无厘头”[1]艺术的转型 言及香港“无厘头”喜剧电影，自然会提及其主演周星驰，他鲜明的表演风格总是主宰影片的基调，形成了经典的“无厘头”风格。在周星驰主演的影片中，作为演员的他逐渐成为影片的核心，导演等其他主创越来越显得微不足道，他们已经慢慢降级成为每次轮换的道具和增添删改的票房调料，所有人认可的只是“周星驰的电影”。[2]周星驰原在电视台作儿童节目主持人，1990年他因主演影片《一本漫画走天涯》而奠定了明星地位，并开创了“无厘头”风格。他的前期作品如《赌圣Ⅱ》（1990）、《整蛊专家》（1991）、《逃学威龙》系列片（3集，1991—1993）、《审死官》（1992）、《鹿鼎记》系列片（两集，1992）、《武状元苏乞儿》（1992）、《唐伯虎点秋香》（1993）等影片不仅屡破香港单片票房纪录[3]，而且奠定了其“无厘头”式喜剧的基本形态。在主题形态上，这类喜剧片对现实、历史中的经典、权威、秩序等统统采取调侃和消解的方式，来契合“九七”前特定时期港人的社会生活方式、焦虑心态和行为价值取向。具体表现为对现代时尚进行滑稽模仿，对过去经典进行调侃，最终对现代、传统和经典都进行嘲讽和否定。如《逃学威龙》（永盛、三和，编剧：黄炳耀，导演：陈嘉上，主演：周星驰、张敏）通过警察假扮学生到学校做卧底，实则对
现代教育制度和英雄观进行嘲讽和解构；《武状元苏乞儿》（永盛、中国电影合拍公司，编剧：陈建中，导演：陈嘉上，主演：周星驰、张敏）中把现代考试作弊手段搬至古代考文状元的考试现场，把考武艺拍成中国古式谐趣奥运会，对古今中外都进行了一番嘲讽；更有甚者在《唐伯虎点秋香》（永盛、中国电影合拍公司，编剧：陈文强，导演：李力持，主演：周星驰、巩俐）中，江南四大才子竟然扭着时装模特步滑稽不堪，美女都是一些丑八怪，经典文学中的“才子佳人”母体得到了史无前例的嘲讽和解构。在人物塑造方面，“无厘头”喜剧中的主人公均类似玩世不恭的街头骗子，他们言谈举止随意粗俗，没有理想、没有优秀品行，甚至没有正常人的思维，显示出强烈的反英雄、反传统特色。无论是《逃学威龙》中被人捉弄的警察，还是《鹿鼎记》（永盛，导演：王晶，主演：周星驰、张敏）中花言巧语、到处蒙骗的韦小宝，以及《武状元苏乞儿》中受尽社会曲折、被迫乞讨的苏乞儿等等均是如此。在形式表现上，“无厘头”喜剧无论叙事或表演等方面都显示出了强烈的反传统、反逻辑特征，对传统的电影叙事与表演予以无情甚至是刻薄的嘲讽，并到了无以复加的程度，传统法则被完全否定。其每一部影片均有标新立异的情节构思，交错杂糅的故事结构，怪诞奇异的时空转换，稀奇古怪的道具设计以及令人啼笑皆非的无逻辑噱头，而且这些光怪陆离的电影时空任意穿梭于传奇野史、古代想象和现代科技中[4]，充满了对规则和逻辑的颠覆。这类喜剧片的对白形态也颇有特色，其中混合了广东俚语、港式英语以及地道的街头痞话，形成了一场精彩的语言游戏，又以夸张式口语化和重复性加以表现，进而体现出了刻意的玩世不恭和嘲