拼贴艺术的名词解释
拼贴艺术是一种创作方式，通过将不同的材料、图像、文字等拼贴在一起，形
成具有独特意义和表达形式的艺术作品。这种艺术形式可以追溯到近一个世纪前的现代主义运动，尤其在达达主义和装饰艺术中很受关注。拼贴艺术家利用剪贴、粘贴和组合等手法，将不同的元素融合在一起，创造出视觉上丰富多样的作品。
拼贴艺术的历史可以追溯到1912年，当时一位法国艺术家布拉克在他的画布
上粘贴上了一张印刷品。这一创新行为被视为现代拼贴艺术的起源。随后，拼贴艺术在达达主义运动中获得了广泛关注。达达派的创始人之一，德国艺术家霍博斯特·施瓦姆贝尔格（Hannah Höch）以及法国艺术家曼·雷（Man Ray）都致力于这一艺术形式的探索和应用。
拼贴艺术的特点是多样化和丰富性。艺术家可以使用各种材料来创作拼贴作品，如报纸、杂志、照片、绘画、剪贴画和纸张等。这些材料可以是现成的，也可以是经过处理和改造的。拼贴艺术的创作方式灵活多样，艺术家可以将不同的元素进行裁剪、拼贴和重新组合，以创造出具有视觉冲击力和丰富层次感的作品。通过将不同的元素组合在一起，艺术家可以传递出复杂的意义和主题，引发观者的思考和联想。
拼贴艺术强调对现实世界的重新构造和深度审视。艺术家通过选择和组合各种
元素，可以改变事物原有的意义和价值，对社会、政治和文化等方面进行评论和批判。例如，达达派的拼贴艺术家霍博斯特·施瓦姆贝尔格常常使用杂志中的照片和
文字来探索女性身份和社会角色的问题。她通过将不同的图像进行拼贴和重新组合，展示了女性的多样性和矛盾性，进而挑战了当时社会的既定观念和规范。
拼贴艺术也可以被视为反抗商业化和大众消费的趋势。拼贴作品往往使用现成
的材料和图像，如广告、商标和商品包装，将其置于不同的文化和社会背景中。艺术家通过改变和重新组合这些图像，对商业和消费主义提出了质疑，暗示了现代社会中物质化和标签化的问题。
拼贴艺术在当代艺术中仍然具有重要意义。随着数码技术的发展，艺术家可以更加灵活地运用拼贴艺术的创作方式。他们可以使用计算机软件和图像编辑工具来制作拼贴作品，将不同的元素进行处理和组合。拼贴艺术作为一种多媒体形式，也越来越多地与其他艺术形式进行融合，如绘画、雕塑、摄影、视频等，创造出新颖而充满创意的作品。
总之，拼贴艺术是一种将不同元素拼贴在一起创作作品的艺术形式。它具有多样性、丰富性和深度审视现实的特点。通过选择和拼贴不同的材料和图像，艺术家可以创造出具有独特意义和表达形式的作品，引发观者的思考和联想。拼贴艺术在当代艺术中仍然具有重要意义，并与其他艺术形式进行融合，推动着艺术的创新和发展。
拼贴艺术介绍 据说立体派拼贴 (Collage) 的灵感来自毕卡索和布拉克看到巴黎街头贴满层层海报的墙面，而法文Coller就是粘贴东西的意思。 最初，毕卡索将有真实质感的物件贴在画布上，企图打破二度平面的绘画，制造空间虚实的视觉效果。没想到后来有助于延伸发展出“新”的绘画创作材料、技巧和理念。 技巧 「拼贴」一词源于法文coller(胶黏，to stick)，在英文中，它是动词也是名词：作拼贴，即是将纸张、布片或其他材料贴在一个二度的平面上，创作出一件拼贴作品。 毕卡索创作的第一件精致的拼贴，即1912年的「有藤椅的静物」(Still Life with Chair Caning)：他在画布上粘了一片印有藤编图案的油布，以此方式取代直接在画布上画出藤编图案。从此模糊了艺术中真实与幻象的区别。 第一次世界大战后，达达的艺术家们更丰富?拼贴?概念，不论是文字片语、残缺图片、大量制作的广告印刷品、报纸杂志上的黑白或彩色照片，动手剪贴都可以成为很好的材料。 事实上，拼贴的手法多元化，不仅仅在创作的颜色、肌理和质感上有变化，其中游戏的性格和反讽的趣味，非现实的重组和叙述手法，后来都深深影响了二十世纪新的艺术创作形式和观念。 另外，拼贴是一种比较随性的一种表现，它可以是不具任何意义的，自己觉得不错就行了。拼贴的材料几乎是没有限制的，只要找的到的东西都可以。拼贴完成的作品，用来当作装饰品，可能比较适当，因为挂着别人看不懂的东西，然而拼贴做的月历，感觉也是不错，利用几块木板的组合，再随手涂鸦即可完成。 代表画家 毕加索（Pablo Picasso） 布拉克 理查?汉米尔顿(Richard Hamilton) 大卫?哈克尼(David Hockney) 马克斯?恩格斯特(Max Ernst) 约翰?哈特费尔得(John Hearfield) 无限可能
设计的概念（design）：从字面上说，最基本的词义是设想与计划。在做某项工作之前预先制定方案、图样等。 CI设计：企业的整体形象设计，即CI设计，又称企业识别设计，是指将企业经营理念和企业精神文化，通过统一的视觉设计加以整合和传达，使公众产生一致的认同感和价值观，从而创造最佳经营环境的一种经营战略。有三个主要的层面：理念识别、行为识别、视觉识别。 意匠：意图与匠心，只创作中的构思与设想，在文学艺术方面，与设计同义。 环境艺术设计：所关注的是人类生活设施和空间环境的艺术设计。 工业设计：是在现代工业化生产条件下，运用科学技术与艺术结合的方式进行产品设计的一种创造性方法。 平面设计，其设计的对象和范围限定在“二维”的空间维度之中。主要是图形、文字等形象和信息要素的综合设计。广告：广告是一种用登报、广播、招贴等形式介绍商品、服务性事业等的宣传方式。 陶：陶器的材料是粘土，烧造温度低，一般在1200℃以下，表面有的有釉、有的无釉。 瓷：瓷器的材料是高岭土即瓷土，含有的长石、硅、铝等成分比粘土要多得多，烧造温度在1200℃以上，表面有釉。唐三彩：指产生于唐代开元天宝年间，流行于西安洛阳地区的低温多彩釉陶冥器。是中国陶瓷史上的里程碑。 釉下彩：纹饰是绘在经素烧的胚胎上，绘饰后再罩以透明釉，经高温一次烧成，其纹饰在透明釉下，所以称之为 釉下彩。青花是釉下彩中的主要品种，其特点是在白瓷胎上用含金属钴的青料绘饰纹样或图画，烧成后文饰成蓝色。明式家具：明式家具主要指那种以硬木制作于明代和清代前期，江南一带，设计精巧，制作精致，风格简洁的优质家具。明式家具在工艺制作和造型艺术的成就上已达到当时世界上的最高水平，是中国设计智慧的杰出代表。 民间工艺美术：民间工艺美术，简称民间工艺、民艺，指劳动人民为适应生活需要和审美需求就地取材，以手工艺生产为主的工艺美术品。它大致包含三大类内容：一是诸如民间年画、剪纸等具有突出审美情趣的艺术品；二是家具、交通工具、服饰等偏重实用的器物；三是如神像、供品、祭祀器具等带有宗教色彩的物体。民艺的设计普遍具有原发性。还具有功利性特征、民俗性特征以及工艺性特征。 巴洛克：16、17世纪，文艺复兴以后，欧洲的设计艺术进入一个新的发展时期，史称“巴洛克”、“罗可可”时期。这一时期以浪漫风格为特征，追求标新立异、活泼浪漫，造型夸张，奔放，深受贵族阶级的欢迎. 洛可可：18世纪法国路易十五时代盛行的设计风格称为“罗可可”，它是“巴洛克”设计风格的延续与变异，其特征是纤细柔美的造型与华丽的繁饰，自然主义的装饰题材与夸张的色彩组合在一起。 工艺美术运动：以追求自然纹样和哥特式风格为特征，旨在提高产品质量，复兴手工艺的传统；强调手工艺，明确反对机械化生产；在装饰上反对矫揉造作的维多利亚风格和其他古典风格；提倡哥特式风格和其他中世纪风格，讲究简单、朴实无华和良好的功能；主张设计的诚实、诚恳，反对设计上的哗众取宠、华而不实的趋向；推崇自然主义、东方装饰和东方艺术的特点。 视觉传达设计：视觉传达设计是为了创造性的构成并传达视觉信息所作的设计，通过视觉媒介表现完成传达信息的目的。它是对视觉环境进行管理、构成，并以综合的立场创造出于人类最为匹配的视觉传达的创造性活动。视觉传达设计以眼睛为主要的信息载体，进行造型的表现性设计。分类：印刷设计、广告设计、包装设计、书籍装帧、展示设计、影像设计、视觉环境设计、企业整体形象设计 展示设计：展示设计是伴随着商品经济而产生、发展和繁荣的。现代展示设计扩展为：提高展示陈列的吸引力和感染力，在最佳的空间和环境中使信息传播者和接受者共同满意，使主办者和承办者获取最大的利益。展示是一种最直接和有效的信息传播方式，以宣传、介绍、交流、传播和推销为目的。他是一门专业性很强的综合性学科，具有三个方面的主要特征：多元空间的视觉传达设计、综合性信息传达设计、多学科技术综合应用的设计。 新艺术运动：1890-1910年期间，在欧洲兴起了一场装饰艺术运动，涉及建筑、家具、产品众多艺术领域。是一个注重艺术设计形式的运动。幽香时和法国是主要策源地。最著名的是比利时设计师凡德威尔德和维克多霍塔。“霍塔旅馆”是新艺术设计中最经典的作品之一。 包豪斯：包豪斯是1919年在德国魏玛成立的一所设计学院，这也是世界上第一所推行现代设计教育、有完整的设计教育宗旨和教学体系的学院，其创始人是德国著名建筑设计师、设计理论家沃尔特格罗皮乌斯。 乌尔姆设计学院：1953年乌尔姆设计学院在小城市乌尔姆成立，一直到1955年才正式招生，比尔担任第一任校长。乌尔姆设计学院的目的是培养工业产品设计师和其他现代设计师，提高工业产品设计、建筑设计、平面设计等的总体水平。要求学生必须接受科学技术、工业生产、社会政治三大方面的训练，成为企业中的一个组成部分。乌尔姆设计学院的建立和发展，是设计教育理工化的一个重要开端。从那个时候开始，世界的设计教育就形成以艺术为依托和以理工为依托的两大体系。这两个体系的区别在于设计教育的内容上，以理工为依托的主要是工业设计和建筑设计，以艺术为依托的主要是平面设计、广告设计、包装设计、插图设计等。 后现代设计：20世纪60年代以后，西方一些国家相继进入了“丰裕型社会”，注重功能的现代设计的一些弊端逐渐显现出来，功能主义从50年代末期的被置疑发展到面临严重的衰退和危机。生活富裕的人们再也不能满足于功能所带来的有限价值，而希求更多更美更富装饰性和人性化的产品设计。因此催生了一个多元化设计时代的到来。
拼贴艺术的名词解释 拼贴艺术是一种创作方式，通过将不同的材料、图像、文字等拼贴在一起，形 成具有独特意义和表达形式的艺术作品。这种艺术形式可以追溯到近一个世纪前的现代主义运动，尤其在达达主义和装饰艺术中很受关注。拼贴艺术家利用剪贴、粘贴和组合等手法，将不同的元素融合在一起，创造出视觉上丰富多样的作品。 拼贴艺术的历史可以追溯到1912年，当时一位法国艺术家布拉克在他的画布 上粘贴上了一张印刷品。这一创新行为被视为现代拼贴艺术的起源。随后，拼贴艺术在达达主义运动中获得了广泛关注。达达派的创始人之一，德国艺术家霍博斯特·施瓦姆贝尔格（Hannah Höch）以及法国艺术家曼·雷（Man Ray）都致力于这一艺术形式的探索和应用。 拼贴艺术的特点是多样化和丰富性。艺术家可以使用各种材料来创作拼贴作品，如报纸、杂志、照片、绘画、剪贴画和纸张等。这些材料可以是现成的，也可以是经过处理和改造的。拼贴艺术的创作方式灵活多样，艺术家可以将不同的元素进行裁剪、拼贴和重新组合，以创造出具有视觉冲击力和丰富层次感的作品。通过将不同的元素组合在一起，艺术家可以传递出复杂的意义和主题，引发观者的思考和联想。 拼贴艺术强调对现实世界的重新构造和深度审视。艺术家通过选择和组合各种 元素，可以改变事物原有的意义和价值，对社会、政治和文化等方面进行评论和批判。例如，达达派的拼贴艺术家霍博斯特·施瓦姆贝尔格常常使用杂志中的照片和 文字来探索女性身份和社会角色的问题。她通过将不同的图像进行拼贴和重新组合，展示了女性的多样性和矛盾性，进而挑战了当时社会的既定观念和规范。 拼贴艺术也可以被视为反抗商业化和大众消费的趋势。拼贴作品往往使用现成 的材料和图像，如广告、商标和商品包装，将其置于不同的文化和社会背景中。艺术家通过改变和重新组合这些图像，对商业和消费主义提出了质疑，暗示了现代社会中物质化和标签化的问题。
拼贴艺术的概念 拼贴画(Collage)的灵感来自毕加索和布拉克看到巴黎街头贴满各种海报的墙面, 拼贴艺术就是把各种海报的元素剪切下来, 然后 通过艺术家的组合, 拼贴成一些有创意的画面。 最初, 毕加索和布拉克将具有质感的物件黏贴在画布上, 企图 打破二维平面的绘画, 制造空间虚与实的视觉效果。没想到在这个艺术形式出现后却延伸发展出了新的绘画创作材料、技巧和理念。 1912年, 毕加索创作出了第一件较为完整的拼贴画<藤椅上的静物>(Still Life with Chair Caning)他在画布上黏贴了一个藤编, 用实际的藤编取代直接在油画布上画出的藤编图案, 制造了艺术中真 实和幻象的区别, 这在当时是非常有意义的。 在中国，拼贴画属于工艺美术范畴。具有民族特色和装饰美感。其实中国的拼贴画的出现要比西方提出拼贴画的观念早得多, 只是 没有被归类到艺术史里而已, 常常被当成工艺美术, 事实上, 我们 看20世纪的所有艺术门类, 在这些概念被提出之前早就有了, 所以在艺术领域里, 我们不能说谁发明了什么艺术形式或流派, 只能说 谁提出了某种观念, 把原本早已有的艺术形式包括在民间出现的艺 术形式, 重新挖掘出来再创新。 在西方，拼贴画属于现代派艺术范畴。西方的拼贴画常把偶然获得的材料，如报纸碎片、布块、糊墙纸贴在画板、画布或其他质地上。20世纪初期，毕加索和布拉克把拼贴画技发展为立体主义艺术的一
个重要方面。到了60年代，拼贴画成为流行艺术的一种重要形式。 由于拼贴画的制作简易、有趣，即使没有美术基础的学生也能动手尝试一下。拼贴画作为一种视觉语言, 通过学习可加深学生对美术中的色彩、形状、质感等要素的理解，提高手工制作能力和美术创新能力。儿童眼里的世界，充满着各种神奇的色彩，无论是花木草丛、飞禽走兽，都是他们所追求的对象，而且在其内心会构建起一个有趣的故事, 他们的思维常常是奇思妙想, 拼贴画特别适合儿童表达他 们脑子里各种大胆联想。 拼贴画会根据学生的心理成长过程和认知特点，运用绘画最基本的规律，加上对材料的组合, 深入浅出、形象生动地给学生有一个直观感受，激发学生用自己的眼睛去发现事物中的美，去体味美的规律，并通过多画、多想，逐步掌握独立思考能力，提高审美情趣。
拼贴艺术简史CollageArt Collage (from the French: coller, 'to glue' is a technique of an art production, primarily used in the visual arts, where the artwork is made from an assemblage of different forms, thus creating a new whole. 拼贴这个词来源于法语的Coller，意为“胶水”，是一种技巧，来将各种不同材质的物品黏在一起从而展现一个新的艺术形象。 艺术家库特·史威特﹙Kurt Schwitters﹚的作品《和图画》（Das Undbild）1919年 A collage may sometimes include magazine and newspaper clippings, ribbons, paint, bits of colored or handmade papers, portions of other artwork or texts, photographs and other found objects, glued to a piece of paper or canvas. The origins of collage can be traced back hundreds of years, but this technique made a dramatic reappearance in the early 20th century as an art form of novelty. 拼贴（collage）是二十世纪艺术的一个重要特征。一般来说，拼贴是指把照片、新闻剪报或其它薄的材料裱糊在绘有细节的画布上，它是一种绘画上的技巧。 Hannah Höch, Cut with the Dada Kitchen Knife through the Last Weimar Beer-Belly Cultural Epoch in Germany, 1919, collage of pasted papers, 90x144 cm, Staatliche Museum, Berlin.
综合材料艺术 综合材料艺术是指通过运用多种不同的材料，包括但不限于纸张、布料、金属、木材等等，创作出独特的艺术作品。它不仅包含了绘画、雕塑等传统艺术形式，还融合了装置艺术、拼贴艺术等现代艺术形式，具有非常广泛的表现手法。 综合材料艺术的独特之处在于它可以使艺术家的创作更加自由、更具想象力。传统的绘画和雕塑作品通常限于使用特定的材料和工具，而综合材料艺术则打破了这种束缚，艺术家可以根据作品所要表达的意境和主题，灵活运用各种材料和技巧进行创作。这使得综合材料艺术作品的形式和样式丰富多样，充满了创作的可能性。 综合材料艺术的创作过程也是非常有趣的。艺术家不仅要思考作品的构思和主题，还要选择合适的材料和工具来实现自己的想法。在创作的过程中，艺术家会尝试不同的组合和搭配，通过拼贴、剪贴、粘贴等手法，将各种材料融合在一起，创造出独特而精致的效果。这种创作方式不仅需要艺术家的创造力和技巧，还需要他们对材料的理解和运用能力。 综合材料艺术作品的表现形式多种多样。它可以是平面的绘画作品，也可以是立体的雕塑作品；可以是装置艺术中的大型装置，也可以是小型的手工制品；可以是拼贴画，也可以是立体拼贴作品。而这些作品往往具有丰富的层次感和纹理感，给人以身临其境的感觉。 综合材料艺术不仅给人们带来了美的享受，还有深层次的思考
和体验。众多材料和元素的融合，使得作品具有丰富的象征意义和文化内涵。艺术家通过材料的选择和处理，传递自己对社会、环境、人性等问题的思考和观点，引起人们对现实生活的思考和反思。这种艺术形式不仅是一种表达方式，更是一种思想的传递和交流。 总之，综合材料艺术是一种非常有创造力和表现力的艺术形式。它通过多种材料的融合和处理，创造出独特而丰富的艺术作品，给人们带来美的享受和思考的机会。综合材料艺术不仅具有艺术价值，还有深刻的文化内涵和社会意义。希望越来越多的人能够关注和欣赏这种特殊的艺术形式，并为其发展做出贡献。
学前儿童美育名词解释 学前儿童美育是指在幼儿园阶段，通过一系列的教育活动和艺术表现，培养幼儿的审美观念、艺术修养和创造力，提高其审美能力和创新能力的过程。下面是学前儿童美育中的一些重要名词解释。 1. 美学教育：美学教育是培养幼儿艺术鉴赏能力和艺术创造力的一门学科。通过让幼儿学习不同艺术形式的知识，提供艺术欣赏和创作的机会，引导幼儿发展美感和美意识。 2. 艺术鉴赏：艺术鉴赏是指幼儿通过学习、观察、欣赏不同形式的艺术作品，培养对艺术的理解和审美能力。艺术鉴赏可以帮助幼儿发现美的感受和表达，并培养其对不同艺术形式的兴趣和探索能力。 3. 创造力培养：创造力是指幼儿的思维能力和想象力，以及其对问题的独特解决能力和创新能力。创造力培养通过提供丰富的艺术材料和创作机会，鼓励幼儿自由表达和思考，培养其创造力和独立思考能力。 4. 表演艺术：表演艺术是幼儿通过舞蹈、戏剧和音乐等形式表达自己的情感和想法，提高幼儿的表达能力和沟通能力。表演艺术包括幼儿舞蹈表演、幼儿音乐会和幼儿剧场等，可以培养幼儿的身体协调性、音乐感知能力和舞台表演能力。 5. 视觉艺术：视觉艺术是通过视觉形式表达的艺术形式，包括绘画、造型、雕塑和摄影等。通过学习视觉艺术，幼儿可以培
养观察力、想象力和表现力，提高幼儿的艺术创作和欣赏能力。 6. 手工艺术：手工艺术是通过手工制作和创造艺术品的艺术形式，包括剪纸、折纸、拼贴和陶艺等。手工艺术可以锻炼幼儿的动手能力、耐心和创造力，提高幼儿的艺术创作和审美能力。 7. 美术教育：美术教育是通过教学和指导，培养幼儿对美术知识的理解和应用能力。美术教育包括绘画、色彩、构图和创作等方面的学习，可以提高幼儿的绘画技巧和审美能力。 8. 艺术游戏：艺术游戏是通过游戏方式进行的艺术活动，旨在培养幼儿的创造力和想象力。艺术游戏可以包括绘画游戏、造型游戏和艺术创作游戏等，通过游戏的方式激发幼儿的兴趣和动力，提高其艺术表达和创造能力。 学前儿童美育名词解释的以上内容，主要是对于学前儿童美育中的一些重要名词进行了解释和说明，希望能够对学前儿童美育有进一步的了解和认识。
模仿的艺术：古希腊人认为，在艺术的广大领域里面有两类不同的艺术形式：一类是不模仿自然的艺术，如外科手术、赶马车；另一类是模仿外部世界的艺术，如绘画、雕塑、史诗、悲喜剧、音乐等。古希腊人用“模仿的艺术”这一观念来指称这些模仿现实和自然的艺术。美的艺术：18世纪法国理论家巴特在《内涵共同原理的美的艺术》这本著作里，将“美的艺术”作为现代艺术的概念真正确立起来。首先，巴特所说的“美的艺术”的门类是音乐、绘画、诗歌、雕塑和舞蹈。其次，从巴特选择的五种“美的艺术”类型看，他是认同“美的艺术”也是“模仿的艺术”这一古老艺术观念的。 康德的形式论：康德是德国古典美学的创始人，他提出“先验形式”的概念，认为审美判断不涉及概念、利害和目的，却是普通令人愉快的。首先，康德定义道：“美是无任何利害的愉悦对象。”其次，由于这种审美判断不涉及主体的私人欲念，不涉及概念并且普遍使人愉快，再加上人类具有“共同感觉力”的假定，因此尽管审美判断是个人主观的单称判断，但仍具有普遍性。再次，康德由此区分了“纯粹美”和“依存美”。最后，在康德的理论体系里，审美判断之所以可能，主要不在审美客体，而在于审美主体头脑中的“先验形式”。 有意味的形式：克莱夫贝尔认为，“有意味的形式”是审美的假设，是艺术的基本性质，也是检验艺术和非艺术的标准。依据贝尔的论述，这个命题是由“纯形式”和“审美情感”两部分组成。形式必须是人们以对象本身为目的而产生审美情感的“纯形式”，这种纯形式必须排除现实生活的全部内容。所谓“有意味的形式”就是我们可以得到某种对“终极实在”之感受的形式。同时在对这种“终极实在”的感受中，“对纯形式的观赏使我们产生了一种如痴如快的快感，并感到自己完全超脱了与生活有关的一切观念。” 格林伯格的媒介论：克莱门特格林伯格是当代美国著名的艺术批判家。格林伯格运用形式主义抽象表现主义构建了理论支持。格林伯格提倡的所谓的“媒介论”，就是形式论的美学形态在现代美学体系中的延伸。他认为最重要的现代主义艺术应该抛除错觉主义，不再力图复制三维立体空间；每一种艺术形式，都必须按照对应其特殊内在形式而产生的标准进行发展，并用这样的内在标准加以评判。 表现论的基本含义：艺术理论中的表现论是在模仿论之后产生的，甚至是对模仿论的一种反动和超越。同时，它也是一种与现代主义艺术实践密切相关的理论。表现论认为艺术的真正本质是表现主体内在的情感，强调主体情感在艺术中的绝对价值，关注从挤压到释放的艺术创作特征。 克罗齐的表现论：直觉即表现。由于直觉具有与个体、意象相关的特征，所以“直觉是表现，而且只是表现”。由于直觉只与个体的、意象的知识有关，所以表现和直觉就是艺术，反过来说艺术也即直觉和表现。说到底，直觉、表现、艺术是同一的。克罗齐认为，直觉就是抒情的表现，由于直觉与艺术是同一的，所以艺术也即抒情的表现。 科林伍德的表现论：科林伍德得出了“表现情感”的艺术即为真正的艺术。表现情感的真正艺术是：第一，在未表现之前，情感不知为何物，所以表现就是一个探究情感性质的过程；第二，对于表现者来说，在不明白表现的情感是什么时，他处在一种或烦躁或兴奋激动或压抑的心理状态中，而明白并表现之后则轻松和解放了、第三，对于表现者，表现情感本身就是目的；第四，表现情感只与表现者有关，所以表现情感也就是自我表现。科林伍德的艺术表现论，还包含着另一个重要的前提，那就是表现情感之所以必须是自我的，是因为只有表现者才知道是否真有某种感情，这涉及艺术家的真诚问题，也涉及艺术的真理性问题。 惯例论的艺术定义：迪基提出了对艺术和艺术品的定义：1.人工制品。2.代表某种社会制度的一个人或一些人授予它具有欣赏对象的资格或者地位。迪基对自己的艺术定义给予了详尽的解释。首先，所谓艺术的基本或类别的意义，在迪基的理论中具有重要地位。迪基总结了艺术的三种意义：第一种是基本或类别的意义。第二种事次属的或衍生的意义。第三种是评价的意义。其次，艺术的基本意义还指艺术是代表某种社会制度，也即艺术世界中的一个
大卫·霍克尼摄影作品简析—— 从"单眼的视角〞到"时间的冥想〞大卫·霍克尼，美籍英国画家、摄影家、摄影师，当今国际画坛最具创造力和影响力的的艺术家之一！其作品空间的经营理念及手法颠覆了文艺复兴时期创立的焦点透视法,大卫·霍克尼也声称自己对作品空间的理解是受到综合立体主义、绘画及其摄影拼贴实践的启发,他利用作品中精心构建的多维空间变化引导观看者通过想象和理解对画面形象进展重构与再创造,从而传达出他对空间的时间性特征的独特理解和感受。他以摄影拼贴艺术而知名，创作手法是使用照相机拍摄同一对象的不同局部，再拼接回原来的整体，其作品总是能让人眼前一亮，似乎创造了一个全新的奇妙的感官世界，这一独特的形式被人们称之为"霍克尼式〞拼贴。 "霍克尼式"拼贴是使用宝利来相机从不同的的局部来记录对象，后把这些局部融合为一个整体。受到相机的视场变形以及人手操作的影响，不同的局部照片之间无法做到完美的拼贴，可能会出现重叠或者错位，甚至视觉的偏移。然而就是这种看似不完美的缺陷，融合而成的整体却给人以奇妙的拼贴层次感和立体感，给人一种鲜明强烈的视觉冲击。 霍克尼的摄影理论可以生动的表述为"时间的冥想〞。他颠覆了文艺复兴时期创立的沿袭至今的摄影艺术手法——焦点透视法，他认同立体派的观察方式，认为焦点透视的观察方法单一且静止，是得了麻痹症的独眼巨人的视角！他说"所有的照片都存在一个共同的问题，那就是无法表达时间〞，于是他创造出这种
由各个方向融合而成一个立体整体，给人以镜头在转动的错觉的摄影方式，这种重叠、扭曲的构图方式使得照片看似非整体却又是一个整体，似乎在记录不同时间的对象的静止状态，从而表达一种时间的味道！将多在不同时间拍摄的出自同一类型表现对象的照片叠加合成到同一个画面之中。这种叠加在时间维度上就是对于时间切片的叠加，通过对不同时间的影像选择，通过叠加完成最终的影像。不同时间的影像特征各自有所不同，当多个影像叠加到画面中后，便会将表现对象随着时间的变化生动地展现出来，比方花开花落、都市变迁、容颜变老等。这些艺术影像很像印象主义绘画，而且细观组成最终影像的每一幅影像，这些作为素材和影像单元的单独影像各自存在其自身的真实性和合理性，所有的影像单元拼接在一起，表现对象的完整性和真实性最终得以成功展现。有人将这种新奇的摄影手法生动表述为：时间的冥想！ 图为大卫霍克尼作品母亲，母亲的面部，单一视点消失，从多个角度，不同的焦距，综合表现出一位历经岁月，慈祥得意的母亲形象，仿佛镜头在对着图中的母亲在转动，颇有时间的味道。 对于大卫霍克尼来说，在静止的二维平面上仅仅表达一个简单的物理运动或者场景精致片段是缺乏的，他更希望表达出景物在人的主观认识中表现出的深度、运动性、时间感。中国卷轴画中对于散点透视法的运用让大卫霍克尼大受启发，它吸收了卷轴画游观的处理方法使观者的视点跟随画面的引导而游走，并在这个视觉引导过程中，重新构建独属于观者自己感知的画面空间。 "最精彩的绘画除了毕加索的艺术就是中国的卷轴画〞，大卫霍克尼在中国卷轴画中发现了全新的空间表现形式——以时间为依据展开画面的形象、时空关系，随着画面移动而游走的视点赋予作品以叙事性，让人有身临其境的感觉。这
数字媒体艺术模拟卷三 一、名词解释 1、图像拼贴 2、蒙太奇 3、巴洛克风格 二、简答 1、简述图像拼贴与现代西方艺术流派的关系。 2、数字图像拼贴与创痛媒体拼贴艺术有何区别和联系？ 3、本雅明是如何看待机械复制时代的艺术特征的？ 三、论述 1、简述科学与艺术的关系，为什么说“数字艺术是科学和艺术的结晶”？ 2、试析西方现代艺术思潮的形成原因和科技对其发展轨迹的影响。
数字媒体艺术模拟卷三 一、名词解释（3*10） 1、图像拼贴 答案：见笔记。 2、蒙太奇 答案：见笔记。 3、巴洛克风格 答案：见笔记。 二、简答(15,15,20) 1、简述图像拼贴与现代西方艺术流派的关系。 得分点：1、1-1.5页之间 2、最好加举例说明哦。 答案：见笔记 2、数字图像拼贴与传统媒体拼贴艺术有何区别和联系？ 得分点：1、1-1.5页之间 2、既要写区别也要写联系哦， 答案：一、概述 二、联系：运用的技巧和手法 三、区别：见笔记从后现代艺术发展的角度说明数字拼贴的意义。 3、本雅明是如何看待机械复制时代的艺术特征的？ 答案：见笔记。
三、论述 1、简述科学与艺术的关系，为什么说“数字艺术是科学和艺术的结晶”？ 得分点：1、2.5-3页左右。 2、不举例说明扣5分以上。 3、参考笔记。 答案：1、科学与艺术的名词解释。 2、科学与艺术的联系。 3、举例说明科学与艺术的联系，可以是事件，可以是达芬奇。 4、说明数字媒体也是艺术与科学相融合的学科。 2、试析西方现代艺术思潮的形成原因和科技对其发展轨迹的影响。 得分点：1、2.5-3页左右。 2、要先理解清楚，这里是问西方现代艺术思潮，不是设计学概论中提问的西方现代设计思潮。这里所指的艺术思潮包含两个大方向，现代主义和后现代主义。 3、无论你知不知道，题目里都给出了明显的提示，就是科技，所以科技发展如果不能计算进去就一定扣分。 答案：1、先交代西方艺术设计思潮包含些什么。 一、原因： 1、主要开始科技的影响，包括放映机，摄影等的影响。 2、可以从哲学发展（比如弗洛伊德）、战争等角度稍作阐述。 二、轨迹 1、未来主义 2、达达主义 3、超现实主义 4、光效应艺术与动力艺术 5、录像艺术
美术教育粘贴的名词解释 美术教育是一种培养学生艺术素养和创造力的教育形式。它旨在通过学习绘画、雕塑、摄影和其他艺术形式的技巧和技巧，培养学生的审美观念、艺术表达能力和创作能力。美术教育不仅仅是传授艺术技能，更重要的是培养学生的思维能力和个人审美意识。 粘贴是美术教育中常用的一种表现形式。它是将图像或纸张等素材剪切或撕碎后，在画布或纸张上重新拼贴，形成新的艺术作品。粘贴可以是平面的，也可以是立体的，它不仅给作品带来了丰富的质感和层次感，还为艺术家提供了更多发挥创意的空间。 在美术教育中，粘贴可以有很多不同的形式和技巧。例如，剪纸粘贴是一种常 见的形式，它使用剪刀将彩纸剪成各种形状和图案，然后粘贴到画布上。这种技术可以产生丰富多彩的作品，有时还可以结合其他材料，如纱线、金属片或贝壳等，以增加作品的质感和立体感。 另一个常见的粘贴技巧是拼贴画。拼贴画使用杂志、报纸、照片和其他图像素材，将它们剪切或撕碎后，重新组合成一个整体。这种技巧可以表达出不同的主题和情感，同时也可以形成独特的视觉效果。拼贴画可以通过改变图像的大小、比例和颜色来创造出各种不同的效果，使观众产生不同的视觉和情感体验。 在美术教育中，粘贴不仅仅是一种技巧，更是一种表达和探索的方式。通过粘贴，学生可以将自己对于世界的观察、思考和情感表达融入到作品中。他们可以通过选择和搭配不同的素材，创造出自己独特的图像和故事。粘贴可以激发学生的想象力和创造力，使他们在艺术创作中拥有更多的可能性。 此外，粘贴还可以促进学生的观察和分析能力。在进行粘贴时，学生需要仔细 观察和思考素材的形状、颜色、纹理和结构，然后将它们组合成一个有意义的整体。
名词解释拼贴艺术 拼贴艺术，是一种富有创意和独特魅力的艺术表现形式。它通过将不同材料、元素、图像和文字进行巧妙地组合与拼接，形成一种全新的视觉艺术作品。拼贴艺术在创作过程中，充分发挥了艺术家们的想象力和创新精神，使得每一件作品都具有独特的个性和丰富的内涵。 拼贴艺术的历史可以追溯到古代，那时的艺术家们就已经开始运用各种材料进行创作。然而，它在现代艺术领域的崛起要归功于20世纪初的立体主义运动。在这一时期，艺术家们开始摒弃传统的绘画和雕塑手法，追求一种更加多元、更加具有表现力的艺术形式。拼贴艺术便在此背景下应运而生，并迅速成为现代艺术的重要组成部分。 拼贴艺术的创作过程充满了随机性和即兴性。艺术家们往往需要根据作品的主题和自己的审美观念，挑选出合适的材料和元素。这些材料可以是纸张、布料、照片、报纸、杂志等，甚至可以是日常生活中的废弃物。然后，艺术家们会将这些材料进行切割、修饰和组合，使之形成一个有机的整体。在这个过程中，艺术家不仅要注重作品的视觉效果，还要兼顾作品的触感和质感。 拼贴艺术作品的题材丰富多样，既可以表现现实生活中的场景和人物，也可以展现抽象的观念和情感。通过对材料的巧妙运用，艺术家们可以将作品中的各个元素相互融合，营造出一种既真实又梦幻的艺术氛围。此外，拼贴艺术还具有强烈的互动性，观众可以通过观察和触摸作品，感受到艺术家想要传达的思想和情感。 在我国，拼贴艺术逐渐受到了越来越多艺术家的关注和喜爱。他们以独特的视角和精湛的技艺，创作出许多具有中国特色的拼贴艺术作品。这些作品不
仅展现了我国丰富的文化底蕴和民族特色，还为世界艺术舞台注入了新的活力。可以说，拼贴艺术已经成为一种具有广泛影响力的艺术形式，在全球范围内备受推崇。 总之，拼贴艺术是一种充满创意和想象力的艺术表现形式。它将各种材料和元素进行巧妙地融合，展现出独特的视觉魅力和深刻的内涵。随着现代艺术的发展，拼贴艺术将继续发挥其无限的可能性和创造力，为人类的艺术宝库贡献更多精彩的作品。
1、有意味的形式 这是从艺术的本质对艺术的定义，由20世纪英国美学家、艺术鉴赏家克莱夫·贝尔在其《艺术》一书中提出来的，认为艺术的本质在于“有意味的形式”。所谓“形式”，就视觉艺术而言，指有线条和色彩以某种特定方式排列而组合起来的纯粹的关系，他把通过形式组成的画面所可能有的指示、意义、记录的信息、传达的思想以及教化作用等现实生活的内容全部排除在外；所谓“意味”，是这种纯形式背后表现或隐藏着的艺术家的独特审美情感，审美情感是意味的唯一来源。艺术就是艺术家创造的、能激发观赏者审美情感的纯形式，是美的形式，也即“有意味的形式”。有意味的形式突出了艺术的审美本质方面，比表现说更进一步，但是把“意味”及“审美纯形式”与一切现实完全切断，抽象的谈论审美情感和有意味的形式，则陷入了形式主义和神秘主义。 2、陌生化 “陌生化”是俄国形式主义什克洛夫斯基在《作为手法的艺术》一文中提出的核心概念，也是形式主义文论中最富有价值而且至今仍有启迪意义的思想。所谓陌生化就是讲对象从正常的感觉领域中移出，通过施展创造性手段，重新构造对对象的感觉，从而扩大认知的深度和广度，不断给读者以新鲜感的创作方式。文学的价值就在于让人们通过阅读恢复对生活的感觉，在这一感觉过程中产生审美快感。如果审美感觉的时间越长，文学作品的艺术感染力就越强，陌生化手段的实质就是要设法增加对艺术形式感受的难度，拉长审美欣赏的时间，从而达到延长审美过程的目的。 3、结构主义 结构主义是二十世纪下半叶最常用来分析语言、文化与社会的研究方法之一。它的直接源头是俄国形式主义。广泛来讲，结构主义企图探索一个文化意义是通过什么样的相互关系被表达出来。通常大家将索绪尔的作品当做一个起点。20世纪60年代结构主义思潮开始盛行，法国文学研究由于受这一思潮的影响，形成了罗兰·巴特的符号学理论为代表的结构主义文论，他同列维·斯特劳斯、福柯以及阿尔都塞等人被称之为结构主义文论的“巨头”，在文论界和整个西方思想界产生了巨大影响。他们对作品进行整体的模式研究，追踪作品的“深层结构”，注重二元对立的方法。 4、互文性 作为一种诞生于结构主义和后结构主义的文本理论，已经大大突破了理论研究和可操作性术语的范畴，它以其对文学传统的包容性、对文学研究视野的可拓展性，在文学研究和文学写作中扮演者越来越重要的角色。“互文性”又称为“文本间性”和“互文本性”，这一概念首先由法国符号学家、女权主义批评家茱丽娅·克里斯蒂娃在其《符号学》一书中提出：“任何作品的本**像是许多行文的镶嵌品那样构成，任何本**是对其他本文的吸收和转化。”其基本内涵是，每一个文本都是其他文本的镜子，每一个文本都是对其他文本的吸收和转化，它们相互参照，彼此牵连，形成一个巨大的开放网络，以此构成文本过去、现在、将来的巨大开放体系和文学符号学的演变过程。 5、新批评“文学本体论” “新批评”一词，源于美国文艺批评家兰塞姆1914年出版的《新批评》一书。新批评是英美现代文学批评中最有影响的流派之一，它于二十世纪二十年代在英国发端，三十年代在美国形成，并与四五十年代在美国蔚成大势。五十年代后期，新批评减去衰落，但新批评提倡和
学前儿童美术教育名词解释及简答题 1.模仿说：这是一种关于艺术起源问题的最古老的理论，始于古希腊 哲学家。这种学说认为：模仿是人类固有的天性和本能，艺术起源于人类 到自然的模仿。在古希腊哲学家看来，所有艺术都是模仿的产物，美术以 如此。1.2游戏说：游戏说认为金属等，塑造可视的平面或立体的视觉形象，以反映自然和社会生活，表达艺术家的思想观念和感情的一种艺术活动。它主要包括绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术。1.5绘画是造型艺术 中主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体充分的体验和表达。 4.2发展性原则指在进行学前儿童美术教学时，要处理好当前需要与长远 发展的关系，造成儿童身心的一种可持续发展。4.3因材施教原则指的是 要根据学前儿童具体基础和接受能力，区别对待，使每个学前儿童都能的线、圆弧线、折线等。这些线条杂乱的混合在一起，他们并不代表什么意义，纯粹是儿童一种本能的、无意识的活动，也可以说是个体最初的绘画 活动。 5.2命题画：教师提出绘画的主题和要求，幼儿按指定课题完成作品。命题 6.6沿轮廓剪：指按照已画好的轮廓线来剪出所需要的物体形象的方法。6.7折叠剪指纸经折叠后剪出图案的方法。6.8撕贴把手指作为工具，利用双手的配合来四处所需形象，再贴成平面的画面。用手撕出来的形象，其轮廓线蓬松、柔软、艺术起源于游戏，她是包括美术在内的艺术发生理 论中较有影响的一种理论，其代表人物是德国著名美学家席勒和英国学者 斯宾塞，人们也因此把游戏说成为“席勒-斯宾塞理论”。 1.3表现说：这种学说认为艺术起源于人类表现和交流情感的需要。 情感表现是艺术最主要的功能，也是艺术发生的主要动因。持这一理论的 主要有英国诗人雪莱、俄国文学家托尔斯泰等，还有欧美的一些当代美学
04026设计美学复习详细资料一、人名、成就、名言、作品 伽利略——科学家;现代科学研究方法的奠基人； 培根——科学家;被誉为“自然大臣”；书籍新工具、提出“知识就是力量”； 笛卡尔——科学家;笛卡尔二元论逻辑； 牛顿——科学家;三大运动基本定律和万有引力定律； 法拉第、麦克斯伟——科学家;电磁理论； 阿尔文托夫勒——美国着名未来学家；书籍第三次浪潮 塞尚——印象派画家;现代艺术之父； 莫奈——印象派画家;阿尔让特依大桥 修拉——印象派画家;点彩画法；大碗岛的星期天下午 毕加索——立体主义画家;对现代设计影响最大的艺术家； M.金兹堡——俄国构成主义设计师；书籍风格与时代 艾尔利兹斯基——俄国构成主义主要代表;海报红楔子攻打白色 康定斯基——抽象表现主义画家,包豪斯教师； 杜斯伯格——“风格派”理论家、发言人； 蒙德里安——荷兰“风格派”核心人物,画家;红黄蓝系列油画 里特维德——“风格派”家具、建筑设计师;红蓝椅子 鲍姆伽通——德国哲学家;书籍美学 康德——德国哲学家黑格尔——德国哲学家 彼得托齐纳——捷克设计师,提出技术美学的概念； 鲍列夫——苏联美学家； 泽姆佩尔——德国建筑学家,最早研究美学的学者,其理论成为现代设计理念形成的基础； 约瑟夫帕克斯顿——“万国博览会”英国“水晶宫”的设计师； 拉斯金——英国艺术理论家;把造型艺术称为“大艺术”,设计称为“小艺术”； 莫里斯——英国艺术设计家、作家;拉斯金思想的传承人,英国工艺美术运动奠基人；书籍乌有乡消息、乔叟集书籍装帧第一书；设计史上第一次提出整体设计概念；
穆特修斯、凡德威尔德——德意志制造联盟成员,双方发生着名的争吵； 沙利文——美国现代主义建筑大师;提出“形式服从功能”； 斐迪南保时捷——电动汽车之父,开发出“大众汽车”、“甲壳虫”； 弗兰克皮克——30年代英国工业设计代表人物,英国设计与工业协会主席； “七人集团”——意大利现代主义建筑师团体,强调“理性建筑”； 吉奥庞蒂——30年代意大利最富才华的设计师、建筑师、教育家,意大利设计师协会创始人;创办多姆斯杂志； 亨利福特——美国福特汽车公司创办人;“T型”车； 哈利厄尔——美国工业设计师,通用汽车公司设计部主任,开创了企业成立设计部门的先河,也是推行“有计划的商品废止制”的主要人物;1955年设计出卡迪拉克“艾尔多拉多”59型小汽车、“艾尔多拉多”型小汽车； 雷蒙德罗维——美国工业设计师;设计出不少流线型交通工具； 罗斯诺普——美国飞机设计师;设计出“飞翔的翅膀”是世纪最经典的飞机造型； 格罗皮乌斯——德国建筑师,包豪斯首任校长,后任哈佛大学建筑学院院长;包豪斯宣言 迈耶——包豪斯第二任校长； 米斯凡德罗——包豪斯第三任校长,后移居美国,任教于伊利诺伊理工学院;提出“少就是多”观念；巴塞罗那椅 纳吉——包豪斯教师,对包豪斯发展方向的转变起重要作用,后移居美国芝加哥设计学院； 穆希——包豪斯最年轻的教师;霍恩街住宅 贝耶——包豪斯教师,现代字体设计的奠基人;移居美国； 保罗雷纳尔——字体设计家,“未来体”Fotura的创造者； 马塞尔布鲁耶——包豪斯教师,首次设计出钢管椅,开创现代家具新纪元； 英格绍尔、格里特绍尔——乌尔姆设计学院创办人； 马克思比尔——包豪斯毕业学生,乌尔姆设计学院首任校长； 马尔马纳多——乌尔姆设计学院第二任校长； 马克思布劳恩——德国布劳恩公司创办人,长期与乌尔姆设计学院合作;“布劳恩原则”； 古戈洛特、拉姆斯——乌尔姆设计学院教师,为布劳恩公司进行产品的系统设计,成为德国系统设计的典范;“白雪公主的棺材”电唱机； 奥托艾舍——乌尔姆设计学院教师,“德国汉莎航空公司”企业形象设计； 埃托索托萨斯——意大利“孟菲斯”设计组织的灵魂人物;红色打字机、“设计对我而言;;;”； 卡尔马姆斯登——瑞典现代家具之父;提出“适度则永存,极端则生厌”；