此情可待成追忆
（化院01级本科周一歌）
我没有msn space，今天是一时心血来潮上了好友的space，却始料不及地被深深触动了。触动我的东西很简单，只是space的背景音乐和相册中一张摄于小陆21周岁生日那天我们全宿舍的合影。当那段凄婉悲凉的苏格兰风笛缓慢流泻出的时候，我清晰地感觉到心头一阵酥麻。照片上那个烫着卷发正在许愿中的小陆，那个与我们同居了四年天天一同睡下一同起床一同闲话西窗的小陆，现在一如她所愿已经到了大洋彼岸的另一个遥远的国度，却不能再与我们同时观看日出日落......刚才还在嬉笑的我居然立时心有戚戚，听着，看着，不禁潸然。
周二去浦口，回来的时候被可恶的校警拦下校车。可怜我已经整两年不曾乘着公交车在鼓楼和浦口间游弋，费了好大劲才找到了新的乘车地点和车次。坐在车上的刹那间有些恍惚，仿佛又回到了当年那个无数次挤高新线的时代。就在那高新线上，我曾静静地观看过南京的四季轮回，我曾将初恋时美滋滋的笑声甜蜜地撒下，在没有校车接送我们排练的艰苦岁月里我也曾在每个周末的清晨背着琴在拥挤不堪的车上赶赴鼓楼，我和我的小提琴当时就在这满当当的人群中一路摇晃，颠簸......一如我的四年大学时光，也就这样摇晃着，颠簸着离我而去。
毕业快一年了,我不曾为那段岁月留下过任何文字，甚至连这样的念头都没有过。大学四年在我生命的章节里是一段并不明媚的段落，迷茫挫败，失意失恋，甚至我曾一度恐惧地感到自己即将枯萎......我说不清对这几年究竟有多少感情，甚至都不能保证在毕业聚餐时我的泪水里是否包含了百分之百的真诚，因为当时由于酒精的刺激我的眼泪到后来只是一种生理性的流淌。然而在毕业以后的日子里，我却发现自己始终无法淡忘那段岁月，相反，竟记得如此这般的清晰。是的，这四年中一切的一切都已经打上了我生命的印记。不管爱与不爱，它都不再为我所有。即使再细小再琐屑的事物我也无法挥挥手就顺利摆脱，哪怕只是排练时弓毛上落下的一粒松香的尘屑，哪怕只是食堂里的一碗口味纯净清澈见底的免费汤......
在人生最美好的年华里我美丽过，憔悴过；得意过，失意过；恋爱过，失恋过......或许这些都是我人生的必经，更何况还有一位哲人曾说过未经失恋的人不懂爱情未曾失意的人不懂人生。呵呵，很好，我终于不想去埋怨和躲避它了，很
好。就如吴淡如所言，“如果很多年后，你以美丽而优雅的姿势回哞一瞥，你会惊奇地发现，没成功的也很美丽，对你的人生很有创造力。”
记得寒假里有一天我耍赖钻进妈妈的被窝，当时很奇怪在妈妈的怀里怎么都找不到一个舒适的姿势，不若以前很快就能蜷成小猫一样美美睡去。也许，也许我对妈妈的怀抱已经不像小时候那么眷恋了吧，是的，虽然我还是爸爸妈妈的囡囡，但我已经是个大人了，越来越多的事情都要自己打拼，不能再倚靠在父母的臂膀之下了。有一天我还会把我自己的孩子抱在怀里，就像妈妈抱着我一样。人生大概就是这样不断地告别旧的时代，旧的角色，再不断地进入新的时代，新的角色。最后以一个终极的角色站在河的此岸遥望河的彼岸，感慨着，喟叹着，追忆那似水的年华，重温那昔日的容颜，回味那纯美的情感。
俱往矣。但我曾走过。
明天更漫长。
《艺术歌曲的成熟——舒伯特的歌曲》教案 讲课人：宋延华 教学年级：高中一年级 教学类型：音乐欣赏课 课时：一课时 一、教材分析： （一）《艺术歌曲的成熟--舒伯特的艺术歌曲》是人民音乐出版社高中音乐鉴赏教学中的内容。这一章节介绍了浪漫派音乐的不同题材与音乐特点。本课重点认识舒伯特艺术歌曲的音乐特点与思想性，尤其剖析了作为艺术歌曲中不可或缺的钢琴伴奏部分，本课时是接下来学生对浪漫派器乐体裁作品学习的前奏。 （二）本节课内容适合音乐基础教育普通高中一年级学生。 （三）本课分别从艺术歌曲《鳟鱼》和《魔王》中体验和分析艺术歌曲的特点。 二、学情分析 高中学生经过小学与初中的音乐学习已经具备了基础的音乐理解能力与音乐感受能力。他们正值青春期，这个年龄段是人生观、价值观形成的重要阶段，社会道德、伦理等观念逐渐形成。这个年龄段的学生情感需求强烈而不稳定，音乐教育恰恰是一种独特的审美性、情感性的教育，富有感染力的音响会丰富学生内心对美的理解，而音乐作品深层次的内涵与思想性也会随着音乐体验潜移默化影响学生的生活态度。 三、教学目标： （一）、情感态度与价值观目标：通过欣赏歌曲《鳟鱼》和《魔王》，感受、体验音乐思想情绪，理解音乐形象，提高学生对艺术歌曲的兴趣，最主要的是让学生提高辨认是非的能力，面对社会中的种种诱惑能够学会擦亮自己的双眼，不被表面现象所蒙蔽。 （二）、知识与技能目标：初步认识、了解著名音乐家舒伯特的生平及其重要代表作，学习演唱舒伯特艺术歌曲《鳟鱼》，欣赏艺术歌曲《魔王》，并引导学生自己总结艺术歌曲的音乐特点。 （三）、过程与方法目标：通过教师范唱、学生演唱、启发、讨论探究等过程与方法，学生充分参与课堂。 四、教学重、难点：
基本乐理教程 第一章音及音高 音是由于物体的振动而产生的 音有高低、强弱、长短、音色等四种性质。 音的高低是由于物体在一定时间的振动次数（频率）而决定的。振动次数多，音则高；振动次数少，音则低。 音的长短是由于音的延续时间的不同而决定的。音的延续时间长，音则长；音的延续时间短，音则短。 音的强弱是由于振幅（音的振动围的幅度）的大小而决定的。振幅大，音则强；振幅小，音则弱。 音色则由于发音体的性质、形状及其泛音的多少等而不同。 由于音的振动状态的规则与不规则，音被分为乐音与噪音两类。音乐中所使用的主要是乐音，但噪音也是音乐表现中不可缺少的组成部分。 第二节乐音体系音列音级 在音乐中使用的、有固定音高的音的总和，叫做乐音体系。 乐音体系中的音，按照上行或下行次序排列起来，叫做音列。乐音体系中的各音叫做音级。音级有基本音级和变化音级。 乐音体系中，七个具有独立名称的音级叫做基本音级。 基本音级的名称是用字母和唱名两种方式来标记的。
字母体系：C D E F G A B 唱名体系：1 2 3 4 5 6 7 钢琴上白键所发出的音是与基本音级相符合的。钢琴上五十二个白键循环重复地使用七个基本音级名称。 两个相邻的具有同样名称的音叫做八度。 升高或降低基本音级而得来的音，叫做变化音级。将基本音级升高半音用“升”或“#”来标明。降低半音用“降”或“b”来标明。升高全音用“重升”或“×”来标明。降低全音用“重降”或“bb”来标明。 如：升C或#C 降C或bC 第三节音的分组 为了区分音名相同而音高不同的各音，我们将音列分成许多个“组”。 在音列中央的一组叫做小字一组。它的音级标记用小写字母并在右上方加数字1来表示。 比小字一组高的组顺次定名为：小字二组、小字三组、小字四组、小字五组。 小字二组的标记用小写字母并在右上方加数字2来表示。 比小字一组低的组，依次定名为小字组、大字组、大字一组及大字二组。
音乐欣赏课教案 学校莱西市成人中专授课年级一年级教师姓名刘奎华
莱西市成人中专刘奎华 尊敬的各位评委： 大家好！ 我叫刘奎华，是成人中专的一名音乐教师。我今天说课的内容是职业学校《音乐欣赏》教材中第五单元中国曲艺音乐的欣赏曲目《重整河山待后生》。 根据大纲的要求，我在音乐欣赏课教学中，把“突出审美，深化歌曲主题”这根主线贯穿教学过程的始终，无论从课的外部模式还是内容结构都力求能体现新的教育教学思想。每个环节的设计都注重培养学生的实践能力和创新精神，突出“学生主体，教师主导”的作用，在生动有趣的氛围中学习音乐、感受音乐、表现音乐。 教材分析 《重整河山待后生》是由吴宇红主编社会科学文献出版社出版的《音乐欣赏》教材中第五单元中国曲艺音乐的内容，是大纲规定的重点欣赏曲目；曲艺音乐——京韵大鼓的学习，可以让学生更好地了解中国的民族民间音乐。 《重整河山待后生》是电视剧《四世同堂》的主题歌。该曲运用京韵大鼓的基本唱腔创作而成，具有浓郁的京韵大鼓韵味。歌曲旋律跌宕起伏、情绪激昂，表现了旧中国劳苦大众在日寇铁蹄下不屈不挠、不甘沦落的民族精神，欣赏该曲对提高学生审美能力，培养热爱祖国、热爱民族音乐文化的思想感情具有重要意义，同时作品的音乐要素及表现手法生动鲜明，有利于学生掌握必要的音乐知识和欣赏技能。 本课应训练的基本能力： 1、通过学唱名句的主旋律，提高学生的识谱试唱能力。 2、让学生为歌曲设计速度、力度和情绪的表现，及培养学生的想象力和创作能力，又能让他们体验到成功的喜悦。 学情分析 通过前面对民歌、歌剧、戏曲的学习，学生对我国民族民间音乐产生了浓厚的学习兴趣，为学习曲艺音乐打下了良好的情感基础。 教学目标 1、德育目标 2、知识目标 3、能力目标
高中音乐鉴赏基础知识 音乐的基本要素：音的高低（频率）、长短（振幅）、强弱（时间）、音色（发音体性质） 音乐的形式要素：节奏、旋律、速度、力度、音色、和声、调式、曲式、织体等 节奏：音乐运动中音的长短和强弱 节拍：强拍与弱拍的均匀交替叫节拍 常见的声乐演唱形式：合唱、齐唱、轮唱、重唱、对唱、独唱 合唱：由多人演唱多声部歌曲的形式，按照声部组合的声区和音色的不同分为同声、混声两种 齐唱：多人按照同度或八度的音程关系演唱同一个曲调（即多人演唱同一旋律的形式） 轮唱：多个声部按一定的时距相互追逐，演唱同一旋律，交叠出现时构成良好的和声关系 重唱：两个以上的少数人同时演唱的形式，每人唱一个声部，各自独立而又相辅相成 对唱：两个人对答式的演唱单声部歌曲 独唱：由一个人独立演唱的形式 常见的器乐演奏形式：独奏、重奏、合奏、协奏 独奏：由一个人演奏一件乐器的表演形式 重奏：每个声部均由一个人演奏的多声部器乐曲或演奏形式 合奏：按乐器种类不同进行分组，各组分别担任某一声部，共同演奏同一首乐曲；同类乐器分组共同演奏同一首乐曲也叫做合奏 协奏：一件或几件独奏乐器与管弦乐队竞奏 主调音乐：是以一个曲调为主，其余声部作为伴奏以陪衬或加强这一曲调的作品 复调音乐：由两个或两个以上的曲调以对位法的法则结合在一起的多声部音乐 奏鸣曲：是一种由三个或四个相互对比的乐章组成的器乐套曲 交响曲：按照奏鸣曲的曲式原则作成的一种管弦乐套曲 奏鸣曲式：是乐曲的结构形式之一，分为呈示部、展开部、再现部三大部分 艺术歌曲：是由作曲家为某种艺术表现的目的，根据文学家诗作而创作的歌曲。 声乐套曲：由若干首内容上有些关联的声乐曲组成的套曲 练习曲：是为练习某种乐器演奏和嗓音演唱技术而创作的乐曲 音乐会练习曲：技术练习与艺术创作的结合，将技术练习融合于艺术构思中，成为音乐会上常见曲目的乐曲 标题音乐：是浪漫主义作曲家将音乐与文学、戏剧、绘画等其他姊妹艺术相结合而产生的综合性音乐形式。是一种用文字来说明作曲家创作意图和作品思想内容的器乐曲 交响诗：按照文学、绘画、历史故事和民间传说等构思创作成的大型管弦乐曲 印象主义音乐：19C末20C初由法国作曲家德彪西首创的一种音乐风格。作品多以自然景物或诗歌绘画为题材，突出瞬间的主观感受，音乐语言上突破大小调体系，重视和声、织体和配器的色彩，擅长表现幽静朦胧、飘忽空幻的意境。 民歌 民歌：是劳动人民在社会实践中为表情达意而口头创作的一种歌曲形式，具有集体创作和不断流传的特点。一般分为劳动号子、山歌、小调（儿歌、风俗歌） 民歌的音乐特征： ①音乐具有本民族本地区的风格特色
音乐作品欣赏的步骤和欣赏感受 音乐是最古老的艺术之一，无论是在过去还是在现在甚至是将来,音乐都是祖先赐给我们的特殊的礼物。音乐可以给人听觉以愉悦，净化人的灵魂，使人们的精神得到一种高度的享受。音乐还能帮你排除忧愁和悲伤，使你从痛苦中解脱。因此，当我们在非常郁闷时，忽然一支优美动听的旋律飘至耳畔，烦恼、不快立刻烟消云散，无有踪迹。所以学会如何欣赏音乐作品对丰富我们大学生活乃至对以后生活都有十分积极的作用。而这个学期通过对民族器乐欣赏课的相关学习，让我对音乐作品欣赏的步骤和欣赏感受有了初步的认识。 一、音乐作品的欣赏步骤 1、对音响的感受 音乐是声音的艺术，声音只有靠耳朵才能感受，音乐也只有靠听觉进而通过思维才能理解。因此提高听觉对音乐音响的感受能力，可谓音乐欣赏的第一步。人的各种感官感受客观事物的能力，并不是一成不变的，听觉能力可以通过训练逐步提高。经过培养的耳朵，可以同时听出多个不同音高的音，可感受数十种不同的音色。因此要提高欣赏水平，必须先习惯用听觉品味各种音乐作品，只要在欣赏音乐时注意聆听，你就会发现各种音乐都能引起我们知觉上的种种快感。鲜明生动的节奏能使人不知不觉地合拍而动，甚至手舞足蹈。优美委婉的旋律，犹如飘忽不定的彩带，时起时伏，推动着音乐不断前进。主旋律与副旋律的交叉配合，作为背景的和声音组的衬托，各种音色的相互交叉对比，基础低音的起伏，节奏的律动，节拍的循环以及速度、力度的变化等等，这一切因素把音乐点缀成一幅幅五彩缤纷的锦缎，从而体现音乐之美感。 2、联想与想象 在日常生活中，人类的视觉、听觉、触觉、味觉等感官往往可以彼此打通，见红而暖，见青而寒，望梅止渴，听声能类形，这在心理学中称为“通感”或“感觉移借”。欣赏音乐的时候，一定要用心去听，一面听一面进行联想或想象音乐这门抽象的艺术，实在是对幻想的一种催生剂。妙音入耳，神驰千里，它能使欣赏者唤起多种不连贯的图景与联想，使人沉浸在瞬息万变的感觉之中。当然，也有不少乐曲没有具体的故事情节，而只是反映人们错综复杂的情感，当你听到这种乐曲的时候，其想象可不受任何限制和束缚地随意想象。想象力是欣赏音乐所必需的一种心理功能，它决定了欣赏者各自能达到的幻景与其逼真的程度。音乐作品更多地偏重于情感的抒发。人是最富有情感的动物，音乐一旦引起人们情感上的共鸣，即会产生意想不到的艺术效果。欣赏者只有从音乐中真正体验出喜怒哀乐等各种不同情绪，才算迈进欣赏艺术的殿堂。音乐有独特的语言及习惯的表现方法。一般来说，舒展匀称的节奏常表现辽阔、平和、优美的情绪；动荡不规则的节奏表现担忧、彷徨或惊慌失措的情绪。旋律线上行象征着情绪的高涨；旋律线下降象征着情绪的低落；直行的旋律线象征着坚不可摧、亲密无间的情绪；曲调大幅度的跳进象征着情绪的剧烈波动。此外，大调显得精神愉快，小调相对比较忧郁、黯然，不协和的和弦犹如在奋进、在挣扎，协和的和弦则表现平静、安详。总之我们可以通过这些音乐的表现要素去理解音乐，通过这些音乐表现要素提高我们对音乐的想象力。音乐听的越多，音乐想象力的积累就越多，有了较多的音乐语言的积累，就能不断提高我们对音乐的理解能力和感知能力。
《音乐基础知识》课件说明 一、课件设计理念和特点： (一)设计理念： 课件的制作旨在通过创新课堂教学模式来实现学生音乐综合素质的提高。新的教学模式应体现知识性和趣味性相结合的原则，充分调动教师和学生两方面的积极性。本课件采用大量的图片、声音、动画、影像等多媒体素材进行编辑，使它们融为一体并具有交互性，从而制作出丰富多彩的交互式多媒体应用系统，以提高教学的生动性和直观性。 （二）课件的四大特点： 1、页面设计生动，激发学习兴趣。 现在所能看到的文字实际上我都将它们处理成图片，因为我觉得这样可以使用更加丰富多彩的字体，而且课件在不同的主机上使用，不会随着主机字体的不同而影响画面的效果。因此这个课件的图片多达539张，大多数图片都事先经过Photoshop和画图功能制作过，包括背景，小插图等，使得页面设计活泼生动，增强学生的注意力，提高学习的兴趣。 通过图片的处理，还可以呈现动态的效果，提高教学效果。如：在“音的高低”一章的“五线谱怎样记录音的高低”一节中，点击红色的字体“五线谱”，会出现一副动态的图，这其实是做了20来张图片，将它们创建成一个组，然后将组里的图片按顺序交替呈现，形成现在所看到的这样一个动画的效果。这样能吸引学生的注意力，给学生非常直观的教学效果。“谱号”的方法也是一样的，动画感观让学生马上能掌握谱号的正确书写方法。 2、操作简便灵活，提高教学效率。 在制作过程中，我做了大量的按钮及其精确的动作编辑，使得课件在使用的过程中操作简便，使用灵活。 例如：在“常见记号”一章的“波音”或“延长音记号”中，看到红色的文字，鼠标移 入光标会变成的形状，则表示对该知识点还有扩展或补充。点击可出现对象，若想要此对象退出，点击背景即可，或者点击另外的红色的文字，也可以让此对象退出而其相对应的对象出现。 再如：每章的课堂练习里，由于选择项多，也是做了大量的按钮及动作编辑。仅这一页，对象多达60多个，而且要做到选择任何一个答案，都要有相应的绿色符号图片出现，还要有相应的声音和“√”、“×”图片出现，而选择另外一个答案时，则要出现另外一组对象和退出其他几组对象。因此制作起来动作的编辑很多。制作很麻烦，但做好的效果却不同一般。 3、优化影音媒体，提高学生感观效果。 课件中涉及大量的乐谱，所有的乐谱都是事先用“作曲大师”软件制作好，也是作为图片放进去。音乐则是用cooledit软件制作。这个软件能将音乐处理得比较细腻，比如它有个功能，就可以将音乐片段结束处可以处理渐弱消音，这样不会因为音乐的突然停止而影响欣赏的效果。 每章的“课堂练习”页面上能点击链接处进入供学生欣赏的音乐影像。影片采用DVD 解码，并截取片段，转换格式做成。为了让学生在欣赏的同时达到更好的效果，我想在下面打上字幕，可这个软件没有字幕的功能，我就试用了文本对象的过渡功能，就是将文本对象设定不同的进入时间和不同的呈现时间，然后再一点点计算秒数甚至是毫秒。想不到真的可以做成字幕的效果。制作很麻烦，但做好给人的效果完全不同一般，还是值得一做的。 4、强化师生互动，提高学生主体地位。 课件中设计有供学生填空或选择的练习题，能及时地对学生掌握知识的情况进行测试并
主讲教师：张宁 第一章概述 一、什么是音乐 音乐是一种声音和时间的艺术，是通过有组织的乐音在时间上流动的音响来创造艺术形象，表达思想感情或描写客观事物，反映社会现实生活的一种艺术。 音乐是有组织的声音 声音包括乐音和噪音,是按照声音的频率划分的，过去人们以为乐音才是音乐，到了近现代音乐家们把噪音也作为一种音乐的创作元素称为噪音音乐。 二、为什么要开设音乐欣赏课 三、音乐欣赏的过程——心理状态 1、知觉欣赏的层次 2、情感欣赏的层次 3、专业欣赏的层次 四、怎样欣赏音乐 1、作者和作品的时代背景 一首音乐作品，总是表现了作曲家对现实生活的感受，反映了一定的时代特征。因此，要比较深刻地领会作品的思想内容，就必须了解作品产生的时代背景。 2、作者的创作个性 不同的作曲家由于生活时代、经历、素养和艺术趣味的不同，表现出各自不同的创作思想和个性，这就使得作品具有不同的思想内容和艺术风格。另一方面，作曲家的创作思想和创作个性也会随着其本人的经历而发生变化。 3、民族特征 一切音乐作品都植根于民族民间音乐。不同的地域和民族，其民间音乐具有各自不同的风格和特征。好的音乐作品不仅具有強烈的时代气息，同时也有鲜明的民族特征。 4、音乐语言的表现功能 音乐语言要素： 旋律节奏速度力度音区 音色和声复调调式曲式... 一部音乐作品的思想内容和艺术美，必须通过这些要素的有机结合才能表现出来。（一）旋律： 1、概念：又叫曲调，是按照一定的高低长短和强弱关系组成的音的线条。 2、因素：高低和长短 1 1 5 5 6 6 5 — 4 4 3 3 2 2 1 —??????1、高低——音高 乐音体系、音列 音阶： 1 2 3 4 5 6 7 (ì) 唱名：Do re mi fa sol la si (do) 音名：c d e f g a b （C） 2、长短——节奏 1、组织起来的音的长短关系，即节奏。 2、节奏的属性 1）强弱关系
音符 在简谱中，记录音的高低和长短的符号，叫做音符。而用来表示这些音的高低的符号，音符是和音高紧密相连的,没有一个不带音高的音符。音高 音符的数字符号如1 2 3 4 5 6 7就表示不同的音高。在钢琴键盘上可以很直观地理解音符和音高。广义上说音乐里总共就有7个音符。 钢琴上的琴键由黑键和白键组成，共有88个键盘。上图标示出这88键盘以及对应的音符和音高。现在重点看黄线框里面的音符---七个白键和五个黑键。搞懂了这12个音符和位置规律就可以将所有88个键盘掌握了。 黄线框里面的音符上下都不带圆点的一般叫中音区音符。如果您记忆的话先将中央1（C)牢记在心---这可以说是所有88个键盘位置的基础。至于说为什么还叫C您可以参考有关调式的解释。这7个白键的就是如我们通常唱的1 2 3 4 5 6 7 这七个音符。那么5个黑键呢？请看下面有关半音/全音的解释。 黄线右面的音符上边出现有圆点的，则表示要将该音升高一个音组，行话说“高8度”。如出现加两个圆点就表示将该音升高两个音组，余类推。在音符下边出现有圆点的，则表示要将该音降低一个音组，即“低8度”。如出现加两个圆点就表示将该音降低两个音组，余类推。 用手依次弹上面各组键盘，你会直观地感到音的“高低”了。音符的长短 音乐中的音符除了有高低之分外，当然还要表示长短之分。这里引用一个基础的音乐术语----拍子。拍子是表示音符长短的重要概念。 表示音乐的长短需要有一个相对固定的时间概念。简谱里将音符分为全音符、二分音符、四分音符、十六分音符、三十二分音符等。在这几个音符里面最重要的是四分音符，它是一个基本参照度量长度，即四分音符为一拍。这里一拍的概念是一个相对时间度量单位。一拍的长度没有限制，可以是1秒也可以市2秒或半秒。假如一拍是一秒的长度，那么二拍就是两秒；一拍定为半秒的话，两拍就是一秒的长度。一旦这个基础的一拍定下来，那么比一拍长或短的符号就相对容易了。休止符 音乐中除了有音的高低，长短之外，也有音的休止。表示声音休止的符号叫休止符，用“0”标记。通俗点说就是没有声音，不出声的符号。休止符与音符基本相同，也有六种。但一般直接用0代替增加的横线，每增加一个0，就增加一个四分休止符时的时值。半音与全音音符与音符之间是有“距离”的，这个距离是一个相对可计算的数值。在音乐中，相邻的两个音之间最小的距离叫半音，两个半音距离构成一个全音。表现在钢琴上就是钢琴键盘上紧密相连的两个键盘就构成半音，而隔一个键盘的两个键盘就是全音。 白键位置上的3和4音、7和音之间构成半音；而1和2之间，2和3之间，以及4和5、6和7之间构成是全音。而1和2之间隔着一个黑键，1和2与这个黑键都构成半音。变化音 将标准的音符升高或降低得来的音，就是变化音。将音符升高半音，叫升音。用“#”（升号）表示，一般写在音符的左上部分，如下所示： 标准的音降低半音，用“ b "(降号）表示，同样写在音符的左上部分：基本音升高一个全音叫重升音，用“x"(重升）表示，这和调式有关。基本音降低全音叫重降音。用“ bb”（重降）表示。 将已经升高（包括重升）或降低（包括重降）的音，要变成原始的音，则用还原记号“”表示附点音符 附点就是记在音符右边的小圆点,表示增加前面音符时值的一半, 带附点的音符叫附点音符。例如：四分附点音符八分附点音符：反复记号 ，表示记号内的曲调反复唱（奏）。如果从头反复，前面的可省略。例如： A B C D E F 实
分析舒伯特歌曲的时代内容 论文关键词:舒伯特艺术歌曲时代内容时代影响 论文摘要:本文中主要从舒伯特生活的时代背景、复辟的时代性对舒伯特创作造成的影响、生活环境的窘迫导致音乐内容的变化,来谈谈19世纪作曲家们普遍性的特点。 舒伯特一生创作了许多不朽的艺术歌曲,把艺术性的歌曲凡俗化,使之更亲切近人,这在音乐史上的贡献是巨大的。 一、舒伯特生活的时代背景 十九世纪初期随着社会状况的急剧变化,欧洲社会普遍的形成一种新的思潮?——浪漫主义思潮,这对舒伯特产生了很大的影响,浪漫主义音乐是十九世纪资产阶级思想家在音乐情感上的一种反映,他是一个比较复杂的社会现象。 舒伯特在作品中表现的这种个人情感以及生活遭遇,在当时奥地利社会具有一定的社会代表性,十九世纪初的封建复辟,使奥地利和德国的一些知识青年陷入深深的苦闷当中,法国大革命破灭,以拿破仑为代表的法国大资产阶级建立政权后不久,便将保卫新政权的革命战争转为对外进行的扩张和侵略,结果遭到失败。奥地利人民先是受到法国大革命的精神鼓舞,之后又在反对拿破仑侵略的战中中付出沉重的代价。结果却是换来封建统治的全面复辟,当时奥地利的社会是十分沉寂的,四周一片黑暗。 舒伯特通过自己的亲身感受和真实体验,把实实在在存在的社会现实完整的通过他的作品表现出来。通过他那一首首倾诉哀肠的作品,人们可以更清楚的了解到他所处于的社会的黑暗和当时一代知识分子的苦痛、矛盾,这一点正是舒伯特作品在今天具有的时代意义与时代内容。 二、复辟的时代性对舒伯特创作造成的影响 复辟时代的奥地利青年正处在一个十字路口,当时在德奥文艺界产生的早期浪漫主义思潮正是在这样的社会历史条件下出现的,舒伯特正是当时主观消极情感音乐思潮中的代表人物。 舒伯特怀着天真幼稚的幻想走进社会,在走进社会以后舒伯特亲身经历了社会的残酷与现实,但是他也在渴望着,在他的思想中还是充满了矛盾的,既有绝望的情感又有对未来充满希望的情绪,舒伯特就是在这样一个光明与黑暗、希望与失望、现实和幻想中徘徊的。 三、生活环境的窘迫,导致音乐内容的变化 (一)1818年以前创作早期
四川农业大学经济管理学院 音乐基础知识与赏析 课程报告 题目：《卡门》赏析 专业：国际经济与贸易（商务方向） 班级：国商201301 姓名：赖笑雪 学号：20136137 指导老师：张莉
日期：2014年6月11日 《卡门》赏析 经济管理学院国贸(商务)专业赖笑雪 20136137 摘要 法国梅里美的作品《卡门》1847一发表，便成为经典之作，生长在吉普赛的卡门，不会对任何事后悔，她希望自由地生活，自由地死亡，就像展翅于空中的自由飞翔的鸟，她永远不会为了任何事哪怕是生命而放弃自由。卡门，是一种浪漫和野性的自由精神，谁都可以是卡门，但是谁又都难以成为卡门。尽管被无数人翻唱，但欣喜的是我能每一次感受它每一个音符里饱含的情感。 关键词：卡门吉普赛爱情不羁
前言 《卡门》是一部音乐创意十分出色的作品，是一部真正综合概括了19世纪抒情艺术的歌剧，也是一部在艺术历史上地位十分重要的歌剧。 作曲家比才的代表作品——歌剧《卡门》，一百多年来一直是世界歌剧舞台上最受欢迎并且久演不衰的作品。作为法国杰出的作曲家，比才是浪漫主义终结和现实主义兴起的接力者，尼采曾称他为“地中海的太阳”，也曾受到李斯特的高度赞扬。在音乐中作者把浓郁的民族色彩、激动人心的戏剧矛盾冲突、个性鲜明的音乐语言、富有表现力的交响发展表现的淋漓尽致。 （一）作者简介 乔治·比才（Georges Bizet，1838－1875），法国作曲家，生于巴黎，世界上演率最高的歌剧《卡门》的作者。 九岁起即入巴黎音乐学院学习作曲。后到罗马进修三年。1863年写成第一部歌剧《采珍珠者》。 1870年新婚不久参加国民自卫军，后终生在塞纳河畔的布基伐尔从事写作。在他的戏剧配乐《阿莱城姑娘》（都德编剧；后配乐被改编为两套管弦乐组曲）和《卡门》等九部歌剧作品中，体现了浓厚的现实主义色彩，社会底层的平民小人物成为作品的主角。 在音乐中他把鲜明的民族色彩，富有表现力的描绘生活冲突的交响发展，以及法国的喜歌剧传统的表现手法熔于一炉，创造了十九世纪法国歌剧的最高成就。 （二）作品赏析 即使我不能完全明白曲中的专业音符音调和节奏，但是仍然能够明白在空气中洋溢着浪漫与激情的十九世纪，在美丽的西班牙小城塞维利亚，有一位迷人的吉普塞姑娘用她短暂的生命轨迹奏响了一曲震慑人心的爱情咏叹。她的名字叫卡门。当她爱上一个男人，她会全心全意；当她不再爱的时候，就义无返顾地放弃。放荡不羁的卡门轻而易举地诱惑了年轻的士兵堂·何塞，并引发了何塞对她疯狂的爱情。
大学音乐基础与欣赏 大学音乐基础与欣赏课是大学生实施美育的重要手段，如何使该课程更有效地发挥其作用，提高学生审美能力、创新意识和实践能力，成为全面发展的有用人才，教学方法的改进和完善是十分必要的。下面是，让我和你们一起去探索一下吧! 大学音乐基础与欣赏是指欣赏者通过对音乐基础知识的学习、音乐作品聆听和感受，获得精神的愉悦、理性的满足以及音乐美的享受活动。大学音乐基础与欣赏课程是一门容量大的综合性课程，也是一门理论与实践相结合的课程，学习该课程需要欣赏者根据一定的音乐理论知识对作品进行赏评。对于非艺术专业的大学生来说，其音乐基础知识相对缺乏，课程的讲授具有一定的难度。如何全面地提升非音乐专业大学生的音乐基础素养，并科学有效地指导其进行音乐欣赏，成为迫切需要解决的难题。笔者认为上好大学音乐基础与欣赏课程应从以下几个方面入手 一、尊重学生的个性，充分了解学生音乐素质的现状 高职院校的大学生进入学校前，通常以文化课作为录取的标准。学生的音乐素质，跟中小学音乐教育水平和学生自身对音乐艺术的兴趣爱好有极大的关系。因此，大学生的音乐水平差异性大，有些学生具有识谱视唱、甚至演唱、演奏水平，但还有一些甚至是音乐盲。面对音乐素质参差不齐的现状，大学音乐基础与欣赏授课前必须对学生
的音乐艺术水平进行调查摸底，搞清楚有多少学生具有识谱能力，有多少学生具有演唱能力，有多少学生有音乐兴趣爱好，有多少学生不懂乐谱、不会唱歌、甚至不喜爱唱歌，有多少学生喜欢乐器，喜欢什么乐器，演奏水平有多高，他们都喜欢什么风格的音乐等等。根据对学生调查的基本情况，对其进行综合分析，提出问题，并制定对应教学计划进行教改措施。 二、创新课堂教学，发挥学生的主体作用 大学音乐基础与欣赏教学要达到教学过程最优化，至关重要的一点就是教师课前如何合理规划课堂教学内容设计，优秀的课堂教学设计是课堂教学成功的第一步，也是教学活动不可或缺的重要环节。课堂教学设计是教师研究教学内容与教学方法，分析教学对象，制定教学目标，选择现代多媒体教学的过程。(一)合理制定教学目标教学目标体现了教学实施的方向和达到的预期效果，是实施教学活动的出发点和依据，也是教学活动的最终归宿，它贯穿于整个课堂，在教学活动中起着指明方向的重要作用，因此，教学目标要指向清晰，表述具体。教师在上一节课时，要想实现哪些课堂任务,达到什么样的效果，这就必须根据音乐欣赏课本身的特点、学生的心理特点和学习规律精心设计教学目标。 三、保证学生教学质量，提高学生的兴趣 兴趣作为一名”老师”是学生学习最直接的动力源泉。学生学习兴趣的培养，是音乐欣赏教学的基础与前提。音乐教学属于情感教学，是音乐欣赏教学的基础与前提。音乐教学属于情感教学，而学生的学
小学音乐“感受与欣赏——音乐风格与流派”教学研究与案例评析 一、核心内容学科知识的深层次理解 1. 感受与欣赏 感受与欣赏是音乐教学中重要的音乐学习内容之一，是整个音乐学习活动的基础，是培养学生音乐审美能力的有效途径。良好的音乐感受能力与音乐欣赏能力的形成，对学生丰富情感、提高文化素养、增进身心健康具有重要意义。其中包括：音乐表现要素、音乐情绪与情感、音乐体裁与形式、音乐风格与流派四个方面内容。 2. 风格 风格是从一系列作品内容与形式中显现出来的总的特色。 3. 流派 流派是指在一定历史条件下，一些在思想倾向、美学见解、风格特点等方面基本相似的作曲家自觉或不自觉地形成的音乐派别。一个音乐派别的主要标志是这些音乐作品在创作上有基本相同的特色。例如古典乐派、浪漫乐派、民族乐派等。 4. 音乐风格与流派 音乐风格与流派指不同国家、地区、民族音乐所特有的种类、唱腔、特点、派别和代表人物等。 《课标》中对这部分教学的具体要求如下： 1 — 2 年级：聆听不同国家、地区、民族的儿歌、童谣及小型器乐曲或乐曲片断，初步感受其不同的风格。 3 — 6 年级：聆听中国民族民间音乐，了解有代表性的地区和民族的民歌、民间歌曲、民间器乐曲和以京剧为代表的中国戏曲及曲艺音乐，体验其不同的风格；聆听世界部分国家的民族民间音乐，感受不同的音乐风格。 7 — 9 年级：聆听中国民族民间音乐，简单描述其不同的地域特点和民族风格，能够说出戏曲、曲艺的主要种类和代表人物；聆听世界部分国家的民族民间音乐，能够对其风格特点进行简单描述；聆听世界不同国家的优秀音乐作品，能够说出主要音乐流派的代表人物。 5. 感受与欣赏的教学意义 感受与欣赏教学是音乐教育的重要内容。随着对音乐本值的深入研究，我们越来越认识到音乐感受与欣赏教学的重要性。2011 年新版的《音乐课程标准》中也指出：“教学中应激发学生听赏音乐的兴趣，鼓励学生对所听音乐表达独立的感受和见解，养成聆听音乐的习惯，逐步积累欣赏音乐的基础。” 6. 感受与欣赏“音乐风格与流派”的重要教学内容 综上所述，我们可以这样理解，在小学阶段，若想让学生们感受和欣赏到音乐的风格与流派，通过聆听和学唱中国民族民间音乐是较好的途径。这是因为：民族音乐是指汉族及 55 个少数民族流传于民间的各种音乐及音乐形式。它基本上是劳动人民大众在长期的社会实践中创作的，并在流传过程中不断经过集体的加工、整理而形成的。民间音乐是受城市文化影响最小的那一阶层人民的音乐，是或多或少有着时间和空间限度的音乐，这种音乐是受到音乐的冲动而即兴创作的。民间音乐的影响不只是局限于个别作品中，每个作曲家的创作都孕育于民间音乐的精华之中。民间音乐从创作、传承、演唱（奏）都融会了人的灵性和大自然的性格，尤其是集体的、长时间的智慧和美的提炼，使得民间音乐成为人类文明的“母体”之一。其曲调有高度的概括性，朴实而真挚，容易在聆听的瞬间就被感动。中国的民族民间音乐具有鲜明的音乐风格特点 , 同时也传承着中华民族优秀的音乐文化，是学生感受音乐风格、了解音乐文化、建立良好审美情趣的优秀教学内容。
音乐被称作是“声音的美妙组合”。为了给入门者引路，本章用浅显易懂的词句探讨作曲家组合自己的乐音所使用的6要素。大致熟悉这些要素，有助于你理解为什么某些时代的某些作曲家创作的音乐，听起来与其他时代的其他作曲家创作的音乐差异如此之大，例如，为什么莫扎特与斯特拉文斯基如此不一样。 这６要素是：节奏（Rhythm）、结构（Texture）、曲式（Form）、旋律（Melody）、音色（Tone Color）、调性（Tonality） 节奏 《韦氏大词典》将节奏定义为“音乐的一个方面它包括了与乐音向前进行有关的所有因素（如重音、节拍和速度）”。“进行”在这里是个关键词，节奏即是音乐的进行。实际上，节奏这个词是由希腊字“rhein”即“流动”衍生出来的。呼吸有节奏，潮水的涨落、钟表的滴答声以及火车车轮的咔哒声也都有节奏。J.S.巴赫的《勃兰登堡协奏曲》具有“鲜明、有力的”节奏。 我们用脚拍打出的就是节奏，它是“曲调的快慢缓急”。《鸳鸯茶》（Tear for Two）一曲，用脚打出的节拍不同于美国民主党在总统提名大会上百所不厌的《幸福的日子重现》（Happy Days Are Here Again）的节拍。约翰?施特劳斯的圆舞曲《蓝色多瑙河》的节拍也不同于水手歌的节拍。拍子的频率、规律性和持续长短有所不同。格利高利调式圣歌具有“自由节奏”，其音乐的节奏是紧跟着语言的节奏的。像维瓦尔第的《四季》和巴赫的《勃兰登堡协奏曲》那样的巴洛克时期作品，节奏平稳清晰。20世纪音乐的突出特色之一是，在匈牙利的巴托克和俄罗斯的斯特拉文斯基等作曲家的作品中，采用了民间的、标新立异的“乡村”（peasant）节奏。巴托克的《怪异的满洲官吏》（Miraculous Mandarin）和斯特拉文斯基的《春之祭》（Rite of Spring）的节拍，是在莫扎特的奏鸣曲或舒伯特的交响曲中从未听到过的。印象派作曲家德彪西在像《月光》（Clairde lune）这样的作品中引进了一种流动的节奏，因为他不想让自己的乐曲有一个固定的、一成不变的方向。 节奏的一个要素是节拍（meter），它的定义是“系统地测定和安排的节奏”。作曲家可选择二拍、三拍或四拍等等。既是教授又是作家的马克利斯（JosephMachlis）在《音乐欣赏》（ The Enjoyment of Music）中提出了几个常见例子，譬如；当唱“一闪，一闪，亮晶晶”时，你可以听到并感觉到一／闪、一／闪中的一／二、一／二的节拍。 节奏的另一个要素是速度（tempo）。节拍说明什么是重音，但并未说明奏出这些重音的速度是多快或多慢。作曲家在总谱上标上符号，告诉演奏者应当用多快或多慢的速度演奏该乐曲。他们一般使用传统的意大利文的单字或词。其中最常见的是： 广板（Large） 非常缓慢庄严而缓慢的（Grave） 慢板（Lento）慢速 柔板（Adagio） 行板（Andante）中速 小行板（Andantino） 中板（Moderato）
舒伯特作品赏析 弗朗茨·舒伯特（1797—1828）是19世纪初叶音乐名城维也纳，继海顿、莫扎特、贝多芬等伟大音乐家后，出现的一颗灿烂的新星。一说到他，大家自然会起那些脍炙人口的歌曲，如《鳟鱼》、《野玫瑰》等等，那动人的旋律，会自然地回响在人耳旁。可对不了解舒伯特一生经历的人来说，是很难想象作曲家是在怎样艰苦环境中创作这些作品的。他的一生，是简单而平凡的。一生的贫穷同他的性格一样，清寡而内向。但是舒伯特丰富的情感与思想，还有他的内心生活，却流露出他的别具一格与精彩。他的一生，是充满艺术功绩、喜悦、欢乐与最深沉的哀伤的一生。他的一生就是他的艺术，他的艺术就是他的一生。看一看他最初的童年，就会发现：他的生命本身就是一种不间断的音符的表述，是一连串不停地插上幻想羽翼并借助超自然之力而飞翔的梦幻与创作。舒伯特的周围以及他内心的一切除了音乐还是音乐。正因如此，就让我们去认识我们初步认识一下这位伟大的作曲家吧。 一、创作历程 舒伯特是18—19世纪以来第一个以优秀的歌曲创作而闻名于世的音乐家。在他短短的一生中，共创作了600多首歌曲。那首动人心弦的歌曲《纺车旁的玛格丽塔》是在他年仅17岁写出的；而《魔王》、《野玫瑰》等至今仍在世界上广为流传的优秀歌曲，是他18 岁那年写成的。据说，贝多芬临死前读了几首舒伯特的歌曲后，曾惊叹地说道：“真的，在这个舒伯特身上闪耀着神奇的火花！”舒伯特的歌曲感情真挚；内容丰富；形式多样，词、曲、钢琴伴奏三者密切配合、水乳交融。他的歌曲创作继承了前人的艺术成果，又把歌曲艺术提高到了一个新的水平，并具有鲜明的民族风格。所以，人们把舒伯特誉称为“歌曲之王”。 除了歌曲以外，他还创作许多器乐作品。他的创作基本可分为两个时期。第一时期：1813—1817年在这一时期中，舒伯特首先在歌曲领域里形成了自己独特的风格，他的歌曲半数是在这几年写出的。这个时期他也创作了一些交响曲，但这些作品还不够成熟。第二时期：1818—1827年，也是舒伯特创作中心时期。在这几年中，他除了继续写作歌曲外，还创作了声乐套曲、交响曲、室内乐等大型作品，并写下了《音乐瞬间》和《即兴曲》等钢琴小品。这一时期他的大型创作逐渐走向成熟，并形成了自己特有的风格。19世纪初叶，随着社会状况的急剧变化，欧洲文学艺术普遍形成了一种新的潮流——浪漫主义的潮流。这种新的文艺潮流，也对舒伯特产生了很深的影响。使他的音乐创作在题材内容上、形式结构上以及艺术手法上，都形成了一种与海顿、莫扎特、贝多芬等古典乐派作曲家迥然不同的新风格——浪漫主义的音乐风格。如果说，贝多芬是西欧古典乐派的登峰造极者，那么舒伯特就是西欧浪漫主义音乐的开拓者和奠基者之一。和贝多芬那些充满英雄性、斗争性以及结构极其严谨的音乐相比，舒伯特的音乐作品形式自由，富有抒情性，着重于对人心理的细腻刻画，
《录音作品赏析》期中考试 07录本张陶陶 我国民族乐器历史悠久，以其品种丰富，独具特色，自成体系文明于世，是我国民族音乐文化中的瑰宝之一。按照民间分类法可以分为以下四类: 吹管乐器: 笛子唢呐管笙 拉弦乐器:二胡京胡板胡高胡 弹拨乐器: 古琴古筝琵琶三弦 打击乐器: 锣鼓钹板 吹管乐器 （1）笛 传统的笛子为竹制，有六个按音孔、一个吹孔和一个笛膜孔。古代叫横吹，后来又叫横笛。至少在汉武帝时期已经非常流行。笛子的种类很多。主要是筒音（最低音）为a1（实际音）的曲笛和筒音为d2（实际音）的梆笛。笛子均采用低八度记谱。梆笛比曲笛高四度。曲笛常用的指法是筒音为徵，其次为商和为宫。梆笛常用的指法是筒音为宫，其次为徵。笛是我国流传面最广的民族乐器，其历史悠久，汉代的"横笛"又名"横吹"。笛的音色清脆明亮，常用于独奏。其高音区高亢明亮，适合表现辽阔无际的意境；中音区甜美圆润适合表现田园风味或优美流畅的歌唱性旋律。笛的演奏技巧丰富，有滑奏，波音，顿音，断奏等技巧。传统笛子有梆笛，曲笛之分。梆笛以伴奏梆子戏而得名。形体较短小，音色刚健明亮，演奏重于舌上技巧的运用。代表作为《喜相逢》。曲笛以伴奏昆曲而得名。音色较圆润柔和，形体较长，演奏上重气息的控制。代表作为《鹧鸪飞》。 （2）唢呐 唢呐在金元时由波斯，阿拉伯传入中国，在中国民间流传甚广，是军乐，戏曲，歌舞以及民间婚丧喜庆吹打乐中的重要乐器。唢呐主要由哨子，杆，铜碗等组成。按大小可分为大唢呐，中唢呐，小唢呐。唢呐的音色突出，粗犷高亢，音量极大。强奏时能表现热烈欢腾的气氛或宏伟的气魄；弱奏时能吹出箫一般轻柔优美的音
色。其丰富的演奏技法还能模拟鸟叫，人声等，是表现力很强的独奏乐器，在合奏中常担任主奏。代表作为《百鸟朝凤》 （3）管 管初用于宫廷乐队，后广泛流行于北方民间，成为东北，华北，山东，山西等地吹打乐队中的主奏乐器之一。管由哨子和木制管组成，管上有八个音孔。按管身的粗细长短可分为小管，中管，大管。管的演奏技巧丰富，特别是滑音，能模仿人声，箫声，动物鸣叫声，是表现力极强的独奏乐器。代表作为《江河水》（3）笙簧管乐器 春秋战国至汉以前，笙与竽为同一乐器，区别在于音列排列及簧片数目不同。宋以后竽逐渐消失。笙主要由笙斗，簧片，笙管组成。笙斗用铜制，笙管用竹制。笙的音色甜美，柔润，明亮，既能吹甜美的旋律，又能运用吐音技巧发出近似弹拨乐器的音响。在合奏中起调和作用。代表作为《凤凰展翅》。箫，又叫洞箫，直吹，六个音孔，没有膜孔。传说源于西汉西羌，所以又叫羌笛，当时只有四个音孔。其实，关于箫类乐器的记载可以上溯到周代。最常见的箫筒音为d1，按实际音记谱，筒音作为徵音，称G调箫。箫的音量很小，强弱幅度也不大，音色恬静、甘美、柔和、深沉，穿透力强，常用中音区，低音区微弱而有特色。笙，早在殷商时期的甲骨文中就有记载。流传至今，为多管乐器，由簧片振动引起管内空气柱振动而发音。传统的笙为十三簧和十四簧，近代有所改进，普遍使用十七簧和二十一簧以上的笙，式样极多，音位排列、音域、演奏手法各有不同。笙的音色甜美、柔润，比二胡明亮，比笛子柔美，还能方便地吹奏和音。因此除了用作独奏乐器外，还经常在乐队中充当各种音色融合的作用。 弦拉乐器 （1）二胡 胡是我国流传最广、最有代表性的拉弦乐器，属弦鸣乐器。二胡的构造分琴筒、琴杆、轸子、琴弦、千斤、弓子等几个部分。二胡普遍采用五度定弦。范围大致是从g-d1到e1-b1。现代采用金属弦后，普遍定弦为d1-a1，尤其在乐队中是如
音乐基础知识与歌曲赏析论文 音乐选修课之谈 大学选修课，是我们大学生活不可缺少的一大部分。在众多的选修课中，我选择了南老师这一门音乐课程，虽然我不怎么懂得音乐，但是听音乐对我来说是一种享受，因此音乐选修课就成了我每周最期待的课。 音乐是一门艺术。艺术的风格、艺术的形式，正如大千世界千姿百态、绚丽多姿。它们之间是互补互存，百花齐放，而绝不是什么竞争关系。可以说，一部音乐的历史，就是将音乐与生命割裂的历史，就是将音乐与生活分离的历史，就是将音乐变成音乐家的音乐的历史！这就是人类文明的发展所建立的历史功绩。音乐对于人的道德、情操的影响，内修的作用，古今中外已经有许多思想家、哲学家、音乐家做过无尽的、精辟的论述，应该说，音乐对于当今人欲、物欲横流的社会比起历史上任何一个时期都更为需要。 音乐选修课作为一门学科，它通过教授音乐这门听觉艺术，来反映人们的思想、情感以及社会生活，使学生对音乐产生浓厚的兴趣、爱好，具有对音乐美的感受、表现能力和初步的鉴赏、创造能力，教会学生如何认识生活、感受生活并一定意义上创造生活，从而促进学生健全的人格和健康的个性，促进学生的全面发展，这也是南老师经常讲到的音乐中蕴藏着人生的道理，我们要学会玩儿音乐。 首先，音乐有助于学生记忆力的发展。其次，音乐能激发学生的想象力和思维力，使学生的想象力得到淋漓尽致的发挥。第三，音乐能培养学生的节奏感，促进时间直觉的发展。在教会我们认识生活，感受生活的同时，音乐还可以帮助学生如何更好的适应社会。勿庸之言，音乐选修课对于开拓型人才的培养，对于学生个性的发展和完美人格的塑造，具有举足轻重的作用。 音乐之美之谈 现代社会的迅速发展，不但促进了音乐艺术的空前繁荣，而且使音乐在人类社会生活中展现了越来越重要的作用，音乐审美水平，已成为人类精神文明的一个重要标志。 从价值的范畴来讲，音乐包含着审美价值和功用价值。在功用价值方面，音乐能改善物理环
电影声音的发展情况 电影声音概论 影视声音工艺 影片实例分析 拍摄与制作中的实际问题 从无声片到有声片的过渡 1877年12月6日，爱迪生用第一台锡箔圆筒留声机录制了人类的声音《玛丽有只小绵羊》，人类对声音的记录有了突破。 第一部公认有声片《爵士歌王》 1928年迪斯尼公司《汽船威利》是声画同步的，以光学方式记录在胶片上的。 1.电影镜头的长度受到了限制。 2.早起的传声器灵敏度和指向性不好，为了保证声音质量而舍弃了流畅的 运动镜头。 3.为了保持声音连续性，蒙太奇的使用也受到了影响，镜头的剪辑无法按 默片的方式处理。 4.为了追求利润，为了抓住观众，对白片泛滥，粗制滥造。 因此早起电影声音的出现遭到了很多默片大师以及电影理论家的反对。 1928年，蒙太奇学派爱森斯坦、普多夫金、亚历山大洛夫联合发表了《关于有声电影的宣言》，这是关于电影声音的最早的理论论述。 爱森斯坦等人认为有声片的发明，已经导致电影中已有的先进技术被引向了错误的方向，对于声音的潜力的错误理解不仅阻止了电影作为一种艺术的不断发展和完善，并很有可能摧毁所有已经取得的成就。这种“错误的理解”就是对白片。在他们看来，对白片中的声音只是体现声音的自然属性，片子里的声音只是对应屏幕上的各个动作，这样使用声音将会摧毁蒙太奇艺术。他们希望声音的出现强化和扩大蒙太奇。 他们意识到声音的出现解决了默片的一些问题。如：默片中的大量字幕； 默片中用来解释说明的镜头，为了延缓节奏加入的一些特写镜头。 他们要求声画蒙太奇的对位使用才能为蒙太奇的发展和完善提供新的潜力。 1929年2月1日米高梅公司《百老汇的旋律》 采取对口型的制作方式完成声音制作。 后期配音的制作工艺由此产生。