长期油画作品写生方法步骤
2 构图和小色彩稿
静物摆好后，接下去选择作画位置，最好是自己认为最能恰当表现你的构思设计的位置。但如果是几个人同画一组静物时就总有少数人的位置不够理想，这就需要着手构图时在画面上作适当的调整。画架要摆得和对象保持恰当的距离，以能把对象整个放在自己的视域以内为好。因此画静物或头像都可以稍近，不宜过远，半身人像就要退得比较远。要避免背光或正面迎着光作画，以免影响眼睛对画面色彩的视觉。有时因为光线的折射，使画布上的油画颜色产生反光而看不准色彩时，就要调整一下画架的角度或画布的高低位置。如果画布比较大，必须站着作画。画时作者和画布的距离不要靠得太近，一般至少保持一臂的距离，以能够使你很方便的同时看到整幅画面为恰当。当画大的轮廓构图或铺大块色彩关系时更应退远些，以便于统观全局，画布支在画架上可以稍微向前倾斜一点，以避免画面反光。画布最好能放在可以同时看到对象和画面的角度，以利于写生时将画面和对象作直接的比较。一切就绪言以后，可以开始构图和画小色彩稿。如果在小色彩稿上构图没有把握，可以先用铅笔在速写本上作示意性的铅笔构图。主要根据已选好的画布尺寸比例确定对象在画面上的位置、构图结构和黑、白、灰大关系。不必画得很具体。铅笔小构图也不必很大，香烟盒大小就足够了。这样可以很快画
完，一张不行可以再构一张。
如果在色彩稿上构图有把握，铅笔小构图可以不画。直接取一小张做好的油画纸版或画布（32开或16开大小）用画笔搅上一种油画颜料，如生褐、土绿等透明颜色（也可用桔黄、粉绿、群青、黑等其它颜色，根据各人习惯），参照已经画好的铅笔小构图，根据对象在纸版上作好单色构图。注意大的特征，不必画很多细节，然后上油画颜色。具体画法类似油画第一遍色。
小色彩稿的要求是：
⑴记录下最初的色彩感受，抓住形体结构和色彩结构的主要特征。
⑵确立色调的基本倾向，解决大关系。色彩响亮，不求完整细致。
画小色彩稿特别要注意抓住最初的感受，这是在摆静物和选择位置的时候已经逐渐明确起来的最可贵的东西。以后随着写生时间的延长，视觉逐渐失去最初的敏感程度，写生进入艰苦阶段后，这种抓住了开始时新鲜感受的生动活泼的小色彩稿，可以重新唤起你的写生热情，恢复麻木了的视觉。
在对象光线条件变化的情况下，小色彩稿还可以作为色调的依据，避免在写生中盲目地改动色调，造成色调的不统一。
画小色彩稿必须有明确的目的要求，不要把它画成一张细致的小油画。也不能随便涂几笔就完事。要求没能达到，在画油画时就不能作到心中有数，以后也没有参考价值。画小色彩稿的时间不
宜过长，过长的时间势必会导致追求细节的完善，就可能使色彩稿失去总色调的响亮度和色彩的新鲜感。如果一张画不好，宁可再画一张。
（三）画布上的素描稿
根据小色彩稿或速写本的构图在画布上作素描稿。作素描稿的办法不外四种：
⑴先用木炭在与画布同样大小的纸上画详细的素描稿，再拷贝到画布上去。这种办法对初学者来说有一定的好处。尤其是画肖像画形象可以比较准确，而且由于画了一次详细的素描，加深了对对象的理解。但也要防止使作者拘谨起来，失去直接写生的生动性。
⑵直接在画布上作木炭稿，再喷上固定剂，使炭粉固定在画布上，然后用油画颜色作画。这种办法素描造型比较严谨，缺点是留在画布上的黑色炭粉会影响第一遍上色时的色彩透明度，使颜色发黑变脏。而且过分完整的素描，也常常使你在画色彩时拘束起来；由于担心破坏原来已经较好的素描而产生小块小块填补颜色的现象，不敢大胆塑造。
⑶用木炭在画布上轻轻作稿，主要色出结构，比例，特征，不作明暗调子，然后用布掸去浮在表面的炭粉，只留下轮廓痕迹，再用油画颜色勾画出主要的结构关系，这种办法比较适用。
⑷直接用一种或几透明的油画颜色在画布上直接画素描稿。这种办法表现生动，对进一步上色效果也好，但要有一定的造型基
础方可应用，为了作稿过程中便于修改，画前可先在画布的主要部分用画笔涂少量调色油，并准备一小块棉花或质地柔软的旧布，用来揩去画错的部分。
画布上素描稿的要求：一要“准确”，二要“简洁”。不要画过多的明暗层次。“准确”就是对象的构图位置、比例结构、形体特征和主要细节要准确而肯定，不得马虎或似是而非。“简洁”就是要抓住要点和关键之处，不作很多明暗调子而达到应有的效果。一般可以线条为主，适当地在重要的关节和体面转折处加点明暗以帮助表现出体积，便于矫正形体结构。不画过多的明暗层次是为了避免在上第一遍色时影响色彩的透明度，影响对色彩的视觉。
在把画布上的木炭掸去之后，就开始用油画颜色土绿或生褐等透明颜料醮松节油，根据木炭留下的痕迹作素描。特别要注意，用颜色勾画仍然要对着对象，并使素描稿更加确切，形体更加结实。在勾画形体时，同样要注意到结构、体积、空间等因素，而不要用同样粗细、同样深浅的线条沿着已有的木炭痕迹事务主义的描一遍对象的内外轮廓，弄得象平而后铁丝框一样，破坏空间体积感。这会给下一步上色带来困难。总之，写生的每一步骤都要为下一步工作创造条件。
用油画颜色勾画素描稿，也可根据对象的色调，运用几种不同的颜色来作稿。也可用与对象色调完全相反的色彩来作稿。如青色调用桔黄勾，黄色调用青紫色勾，暖红色调用绿色勾等，这种素描稿能够在上色彩时增强色彩的对比效果。在写生结束时某
些部分仍然可以保留，画面会更显得生动活泼。
（四）画第一遍色
第一遍色的任务是组织色调，解决大的色彩关系。
在完成油画的素描稿后，开始上第一遍色。首先你要注意一下调色板的排列。如前面一章所说的几种排列都是可行的，但在作画时并不需要把油画箱里的各种颜料都挤到调色板上去，这样反而会影响作画时寻找必需的颜色。只要挑选表现对象所必需的颜料就够了。颜料最好当天用完，不要留到第二天用。当然，这不大容易做到。如果第二天画时颜料表层已经结皮，可以轻轻将表皮揭去继续使用。
在开始上色时要根据对象的色调，选择必要的颜色组成调色系统。浅色、深色、冷色、暖色、中间色都在调色板上各自的范围内进行调合，不要互相混杂，以免把颜料搞混浊。这一点对油画的顺利进行很有必要，它有利于很快找到所需要的色彩，百不会把调色板搞得一片混乱，以致没有一块空隙可以用来调所需要的颜料。油画笔也要大致分开，深的、浅的、冷的、暖的。如果笔上颜色已脏或需要另调别的颜色时，可用旧报纸或旧布将笔上的脏颜色揩去再使用。
要趁精力饱满时着手上第一遍色。可以从铺整体的色彩关系开始，不要一开始就把注意力放在描写细节上，也不要一件物体一件物体孤立起来画，而要统观全局，组织整个画面的色调。
画第一遍色一般从暗的和深的色块开始，用较大的笔，调
较薄的颜色或不厚不薄的颜色画大块的色彩关系。为了使油画快干，利于深入塑造，第一遍色的调合油可以用松节油，或掺少许亚麻油（调色油），尽可能画得薄。暗部或深色尽可能不调白粉，以保持颜色的透明度。
第一层色要努力解决全画的大的色彩关系，即背景环境和几件物体在色彩上的冷暖差异、它们的对比和联系、整体的、比较大的色块的冷暖倾向。力求关系准确，以表现出色调的总倾向。画时胆子要大，不要一点点画，但要注意不要破坏主要的形体结构。这个阶段要注意以下几点：
⑴要整体的观察比较色彩关系，不要孤立地把眼睛盯住某一块地方或某一件物品，这样色彩反而看不出来，这种盯住一点观察色彩的习惯写生时是最忌的。因为所有色彩都是在相互比较中才显示出来，如果没有比较，就无法正确认识色彩的倾向，无法确定这一物体色彩与背景色彩的微妙差异。因此要养成用整体比较的方法观察色彩的习惯，画静物首先要注意背景环境和主体的色彩关系。理由很简单，因为静物是处在背景环境的包围之中，如果将绿色的背景画成蓝色，则整个静物的主体在色彩上就大不一样，改成红色变化就更大。初学的同志往往不重视背景环境的色彩在油画写生中的价值，这也是造成油画色彩孤立的一大病因。正确的观察方法应该是始终看到主体和背景环境所形成的大关系。在画物体的任何一分色彩时，都要同时看到背景并和背景环境作比较，不能只在物体本身冷暖变化。（当然物体本身的色彩
冷暖变化也是要找出来的。）这就是整体的比较。因此必须在画任何一件物体的时候要画出它和背景的色彩关系，互相比较着画，而不是把它们各自孤立起来画。如果画人物，应该始终抓住头部、衣服、背景这三个大关系的色彩。在画头部某一部分的色彩时（如画面颊），也要同时看到背景，不能只和面颊周围的颜色比较。同样，在画背景颜色时，要同时看到它和头部衣服的关系。
⑵要用色彩的观点来观察对象，而不是单纯的黑白明暗观念。对油画来说，自然界是一个千变万化、极其丰富的色彩世界，并不象画素描时那样只是黑白明暗。因为黑白明暗在油画中都表现为色彩，每一种黑白深浅层次都为色彩所替代。因此要努力去区别各种层次所表现出来的色彩。识别的办法就是比较。哪些是偏红、偏黄、偏暖的调子，哪些是偏青、偏绿，偏冷的调子。切不可用黑白的观念去代替对色彩的观察，把对象看成哪里深一点，哪里浅一点，并在深暗的地方调黑色，在明亮的地方加白色，否则，必将把画面弄得灰暗、粉气，最后变成一幅没有生气的用油画颜料画的素描。
⑶调配颜色要放到画布上校正。前面两点讲的主要是要树立正确的观察方法和强调色彩的观念。至于如何准确地调出你已观察到的色彩则需要经过多次写生和经验的积累。必须懂得什么颜色应该由那几种颜料相调。为了较快地熟悉调配色彩，可以做一些调色实验。以便掌握各种色彩调配后的效果。但是仅仅能调出颜
色是远远不够的。因为调色板上调出的颜色即使看来非常准确，一放到画布上，就变得完全不是那么回事了。这是由于颜色在调色板这个环境与画面这个环境完全不同。在调色板上看来是偏土黄的颜色，到了画面的红背景上就变得偏绿了。因此很重要的一点是要把调好的颜色放到画布上去比较，比较一下画布上这块颜色与周围颜色的关系和对象这部分颜色的关系是否相符。如果不符，并不一定立即刮去，可以再调一笔加上去，也可以加在旁边。不够红可以加点红的，不够绿可以点绿的，或加点蓝的放在旁边，使它产生绿的感觉。太艳了，可以加笔灰的，太灰了，可以加点饱和的色彩。如果反复加了几次，颜色画混浊了，完全不对了，可用刮刀刮去重画。因此在调色板上调色不要反复调得过熟（调合颜料种类不要过多）。只要看出是哪几种颜色调的，稍加调合就可以放到画布上去比较，不对再加，直到关系舒服为止。由此可以看出，在很多情况下颜色实际上是在画布上调合的。
鉴别所画色彩是否正确，并不是指画布上这块颜色和对象上的那块颜色是否一模一样，而是指所表现的这部分色彩效果（几个色块组成的色彩关系）和对象这部分色彩效果是否恰到好处。如果正好，就可以停下来，再画别处。并不要求每一单个的颜色都要和对象一模一样。如果去临摹对象的每一块颜色，就会变得非常被动，抓不住生动活泼的色彩变化，最终失去对色彩的整体效果。因此，画绿树不一定都用绿颜色，画人的皮肤，也不能只用肉色、土黄、赭石之类颜料。只要用心注意色调和色彩关系，笔下的色
彩自然会变化无究。
比较色彩关系是否正确，还不能只在原地看，要经常退得稍远些看。因为在近处看来似乎准确得和对象一模一样，远看时也就灰暗了。因此一般要画得比对象稍微强烈一点。
⑷要把注意力集中在画面中心主体部分，不要忙于去画面四角边沿的东西。也可以从自己最有把握和色彩最敏感的部分开始画，再逐渐发展开去，但不要用整段时间孤立地去画背景上或物体上某些次要的部分。也不要把一个部分画得过于完整详尽，这样会使这一步骤的主要任务“大体关系”受到影响。
⑸第一遍色的背景务求表现出色彩的空间感，找出背景上下左右的色彩变化以及和主体的关系。一般说，背景不要涂平。凡属大块面积的色彩应力求有变化，不要平涂一片。有时同一种颜色由于用笔方向不同，色层厚薄不同，也同样可以达到色彩冷暖变化的丰富效果。背景和暗部的色层一般不要画得太厚。
⑹当天画完后，画得不好的部分或太厚的部分可以用刮刀刮去，以便下次在干了的底子上重画。
第一遍色最好趁颜色未干时一次完成，而且不能马虎了事。要尽最大努力画出静物的色彩关系，组织好整幅画的色调，初步看出它的色彩效果；而不要只是打个底子，寄希望于下次再出效果。（五）形体的塑造和深化
在第一遍上色解决了大的色彩关系，组织好画面的色调空间关系以后，接下去对静物每一个部分进行深入塑造，这是油画写生最
艰苦的时期，这个阶段的主要任务是用色彩充分地塑造对象的形体结构、质感和空间。
可以从主体部分开始画起，用较厚的颜色深入细致地用不同的笔触塑造每一个局部的结构形体、色彩空间等关系。趁颜色湿润的时候一次解决一大块地方，尽可能基本上画完。
这一阶段要特别注意的是：
⑴在完成某一部分的塑造过程中不要忘记整体关系。要经常保持清醒的头脑，并经常退到远处来考察来这一部分在整体中的关系是否正确。观察色彩时仍然要注意整个静物全面的效果，不要老盯着正在画的这部分。整体看，局部画。局部表现要尽量充分。但不要画得过分，要适可而止。
⑵当天画完以后，对那些画得不好而且颜料堆得太厚的部分应当用刮刀小心刮去，留待下次干透再画。第二天画时，如果画面湿润，可以继续接下去画。如果已经干透，可以用蒜在已干的色层上轻轻擦一擦再接着画，以利于色层的衔接。如果半干半湿（有些粘手，或表层结皮而里层还末干透），则让这部分暂停，画其它部分。切忌在半干半湿的情况一在上面继续作画，这样会造成油画吸油，色彩变暗变灰，影响整个画面的明暗和色调关系。如果发生吸油的情况而使原来的色彩关系不对时，不要急于去修改，可以用笔醮一点点调色油均匀地擦在吸油部分，可以暂时恢复原来的色彩效果。但注意用油不要太多，用得越少越好，只要恢复原来颜色就可以了。
⑶需要连续画几天的长期作业，经常会因为天气及其它因素的变化造成对象色调变化的情况。如晴天和阴天的光线对静会产生不同的影响。因此在画某一局部时，发现对象色调已和原来不同，就必须充分注意到原来画面色调的和谐关系，不要轻易改变画面色调。在画局部关系时，不能只看对象，照抄对象的色彩，更要注意画面效果，否则常常会因为一个局部而牺牲整体，破坏原有色调的统一。（可以这样来理解写生时你和对象的关系，即开始根据对象给你的印象作画，后来根据你的画面效果作画。）
⑷要从结构出发，大胆地用色彩去表现形体。表现手法可以多样，用画笔涂、摆、擦、拖、扫、揉、捺、拍、点都可以，也可以用调色刀去画，用手指揉。初学的同志常常由于怕损坏了原有的素描底子，小心翼翼地用颜色填补空白，而产生一块块颜色拼凑的情况，这就可能把油画搞成一块多种颜色拼凑的支离破碎的花布，失去油画的整体感。在用笔触表现形体时可以象做泥塑那样用颜色互相揉合，大小笔触结合运用。颜色也可有厚有薄，在形体结构或明暗交接的地方，可以用深色压浅色，也可以浅色压深色，使其交接处衔自然。暗部颜色尽可能薄而透明，使其能深进去；而明部可以厚些，个别部分为了突出形体或表达光的效果可以画得更厚，甚至突出画布表面。
这个阶段还要善于利用第一遍底色，如第一遍色的某些部分已恰到好处，应尽可能保留下来，不必再画一遍。在要重画的部分还可采用色彩重置的办法，在原来的颜色底子上用油画笔一掠而
过，使底层颜色仍能通过第二笔的笔触空隙透出一部分而达到丰富的色彩效果。
有的同志以为深入塑造就是要画得很细致，这是对深入塑造的误解。其实深入不是指画出对象的所有细节，也不是越细越是深入，而是指形体更为确切，色彩更为结实，造型更为概括，画面更为完整。
（六）整体调整
在深入塑造的结束阶段，静物的每一个部分都已深入画过，这时可能出现的问题是原来第一遍的整体色调大关系可能有所破坏。如：有的部分太孤立，有的色彩太跳跃，有的色彩不明确，画脏了，有的地方比较琐碎。同时由于画的次数过多，油画变得灰暗，没有开始时那么新鲜明亮。这时需要回到第一次画大关系时的新鲜印象（小色彩稿这时有参考价值）。并运用大笔醮上油色，从整个画面上下左右进行调整。调整的时候要退远看，总观画面效果，包括从色调、明暗、形体结构、空间、体积、构图等方面进行概括、加强或减弱，去掉不必要的，突出主要的。目的在于使一切细节从属于油画的整体，使整个色彩响亮而和谐，主体突出并具有表现力。
最后阶段的概括调整，也可适当采用透明画法，如某一局部的造型已比较好，而且已经干透，但色彩需要加暗或者需要稍暖或稍冷，就可以用透明度较好油画颜料醮调色油在这部分薄涂一层。涂时注意用油不要过多，以免淌下来或积在画布上。油的质量以
白色透明为好。
以上油画静物写生的方法步骤讲的是长期作业的全过程，它同样适用于画人物写生。如果你想用半天左右时间把静物画完，步骤也是一样的。
油画写生的方法步骤当然不只一种，每个画家都有自己习惯了的方法步骤，用不同的方法可以达到不同的绘画效果。这里介绍的是美术院校教学中采用的最基本的教学方法。它强调循序渐进的严格步骤，造型的准确性，色调的整体和谐与色彩的响亮效果。这种严格训练的意义在于培养学生的审美素质和造型能力，当学生的学业达到较高层次的时候，并不一定要始终按照这一种方法去作画，而应当从中找到自己的路子。这就是人们常说的从有法到无法，最后达到更高的境界。譬如：我们在步骤中讲到的必须先铺第一层色解决大的色调，然后才可深入。有的画家却是从局部画起，如：“从头部画起，再一步步扩展开去，并不先铺大关系。在这种情况下，只要能照顾整个画面的整体效果，这样做也是可以的。又如有的画家喜欢在深色底子上作画，有的人喜欢在已画过的旧布上作画，情况自然又不一样，这时不是先从暗部画起，而是从明部或淡色先画了。有的人喜欢用大刷子画画，有的人喜欢用小笔触作画，有的人全部用刮刀作画，有的人追求画面轻快的效果，颜色用得很薄，有的人追求凝重的体积，色层堆得很厚，这些情况在作画步骤上都很不一样。而透明画法的步骤更不相同。它的基本原则是以素描为主，在严格的素描造型完成以
后，用透明色多次渲染而成。对初学者来说，首先熟悉并掌握一各基本方法，再旁及其它是更为有利的。
油画风景写生心得 10月份中旬，我们开了油画风景写生课程。老师带领我们前往济源王屋山进行写生。 下边，首先谈谈我对油画风景写生的理解和看法。 油画风景写生及其意义： 风景画是以大自然为题材的绘画。其审美价值的高低在于作者是否真实完美地表达出自己的审美理想，使被描绘的景物传达出人的神韵和生活气息，能否体现出民族的审美情趣。通过所描绘的景物来抒发情怀，引导观者的参与共鸣，并给予美的享受。 风景写生是油画家很注重的一种观察，是感受自然，体验生活，历练、提高自身素养的重要手段。从某种意义上说，写生不仅仅是画画，更重要的是体验，酝酿心中的意境。为使画面的构成和谐而具有美感，还有地域特点和画家的情感合拍等因素，“删繁就简”、“查漏补缺”是很好的取舍手段。色彩搭配的是否对比响亮、协调美观、情境合理，直接关系到作品的成败、优劣。对一个风景油画家来说，积累丰富的写生经验，真实地描绘出自己的情感和思想，表达出对自然的理解、感怀和认识，以此才能抵达美感追求的最高境界。发现美是艺术家的首要任务，艺术家的眼睛是敏锐的，也是具有穿透力的。画家面对大自然时，会在事物表象中发现内在的韵律，这韵律在画家的内心世界中构成美感。 我想要探讨的是油画风景写生作为绘画专业的基础课程——画家到大自然中去“师法自然”，培养画家良好的视觉阅历和高雅的审美能力，同时锻炼画家体会自然、观察自然、归纳自然和表现自然的能力，吸收传统师承方法的宝贵经验——有着其他写生课程所无法取代的意义。风景油画家要达到绘画艺术的最高境界，需要画家付出千百倍的辛勤努力。 艺术是心灵的写真，只有真诚才能动人。我在写生过程中，渐渐对油画风景写生有了一些体会和感受，认为任何一个画家都难以避免原生态景物的“挑战”，如果蔑视自然写生，初学者就会显得很盲目，画得杂乱无章，既没有主题，又无法感染人。造成这种情况的主要原因是：一是没有用心灵观察感悟自然；二是掌握色彩基本原理的能力不够；三是绘画基本功粗浅，造成不能够驾驭画面。作为初学者，我认为应该多画多思考多尝试。我认为要注意以下几点：一是经常到大自然中去写生，丰富自己的内心世界，提升认知能力和感悟能力；二是用心去体会和感受物象，认真观察景物的内在美，从内心深处去感悟自然万物的美好属性；三是多尝试用主观色彩去概括物象，不要一味“对景写生”；四是多看古今中外大师的作品，从中体悟色彩语言的准确表达方法；五是要广泛阅读古今中外与油画艺术有关的文学、哲学、音乐学、影视学、戏剧学等书籍，把个人经验汇入整个文化的源流，以此训练自身更高的艺术境界。 油画风景写生的观察方法： 首先，观察是首要因素，在还没有观察之前，不要急于动笔，先观察，后思考，然后再考虑画面的色、光、点、线、面和所承载的意义。实践证明，针对一个要写生的风景时，我们要用近一半的时间静静观察，反复揣摩眼前的物象，通过充分解构与分析，深思熟虑后开始严谨地构图。作为画家，要培养独到的观察力，比如面前的景物，什么地方使你激动，什么使你产生“诗情画意”，要在整个写生的过程中，紧紧抓住这个令你心动的兴奋点，至于画面中的其他景物皆为陪衬，这样写生起来，就会随心所欲，体味出运笔写诗的感觉。在写生的过程中，
《对印画》教学设计 教学目标： 1、让学生学会不用画笔，利用排水法、对印法、粘贴法、喷刷法、化水法、吹法等制作方法来创作图案。 2、在制作图案中，发现肌理，认识肌理，创造肌理，从而获得无笔画的经验。 3、激发学生的学习兴趣，发现无笔画的乐趣，体验肌理产生的美感，激发对美的追求欲望。 教学重难点： 重点：各种图案制作技法的掌握。 难点：颜色搭配与色彩浓度的掌握。 课前准备： 教师：课件，作画工具材料，示范作品等。 学生：水粉颜料，纸张等。 教学过程： 一、视图导入 1、多媒体课件出示波洛克作画照片一幅请同学们仔细观察：照片中画家是如何作画的？与我们通常作画有什么截然不同的地方？ 2、课件出示波洛克作品一幅让学生感受不用画笔直接描绘而是通过一定技法完成的画面。 3、揭示课题：小技法——无笔画。 二、知识剖析 1、对波洛克作品提出以下问题：此绘画作品的表现形式是什么？你在画面中都看到了些什么？你认为画面中有没有很具体的形象？引导学生分析点、线、面、色彩这些造型的基本要素。 2、多媒体出示两幅色彩效果完全不同的画面。对画面可提出这样的问题：这两幅作品分别采用了那种色彩搭配方式？画面有什么截然不同的效果？给你什么感受？这样在色彩的问题上加深学生的理解，为完成画面做一个知识的铺垫。 三、技法分析
对印法——首先把彩色卡纸对折后打开，然后将水粉或水彩颜料直接挤在卡纸上，再对折，用手掌挤压颜料，最后打开，这样就形成一幅左右对称的画面。画面效果色彩鲜明，有肌理感。挤压时可轻可重，打开时可快可慢。由于手法不同，会产生不同的画面效果。在这儿，要启发学生开动脑筋多发现多创造，用不同的手法（如：揉搓、多次快速打开等）创造出丰富多彩的画面。 单印法——将颜料依据需要涂抹在一张完整的卡纸上，然后把另外一张卡纸覆盖其上挤压后打开，或将一幅对印画剪掉其中一半所得。对于单印法可简单的一笔带过。 1、请同学们仔细观察大屏幕出示的一组作品（单印法作品），画面有什么特点？这样的画面效果是用笔直接描绘出来的吗？如果不是，请同学们思考是采用什么方法绘制出来的？ 2、回答问题后，请一位同学进行简单尝试。 3、教师作示范。 4、比较学生与老师的画面，同学有没有发现有什么明显不同的地方？在绘制的过程中，手法上有何不同？全体学生做初次尝试。 四、完善画面 观察：多角度、全方位。 添加：多次压印；直接用笔描绘或剪贴。 裁剪：合理有效地选取局部进行裁剪。 1、大屏幕出示对印法作品。 （1）请同学们观察图中造型。 （2）翻转作品，请同学们继续观察图中造型。 得出结论：可全方位多角度观察。 2、提问画面是否完整？如果不完整，应该怎么办？根据图中造型进行联想和想象，添加完成。同时得出添加方法之再次对印。 3、出示作品。 请同学判断图中造型，并及时将德育（“神六”宇宙飞船）渗透其中，得出添加方法之直接用笔描绘或剪贴。 4、总结以上内容，得出完善画面方法之一：适当添加。 5、出示作品《春意盎然》请同学根据图中的色彩和造型分析画面给你的意
台山市敬修职业技术学校 教师课时授课计划表（教案） 科目：色彩NO： 1 本次授课目的与要求： 认识色彩规律，培养学生正确的色彩观察方法，和学生的色彩表现能力，使学生掌握一定的色彩的理论知识和色彩变化的规律。从而能较好的掌握水粉工具与颜料的性能，并掌握水粉画的方法与步骤。 教学方法：讲授法、示范法 复习旧课要点：色彩构成的基础知识、色彩搭配、24色色相环 新课难点、重点与解决措施： 1、重点：色彩调色的方法；色彩在美术创作中重要的意义。 2、难点：水粉写生常见问题和解决方法。 教学过程及时间分配： 第一部分：复习旧知识（15分钟） （一）色彩基础知识 1．色彩的基础理论知识有哪些内容？ （1）色彩三要素：色相、明度、纯度 纯度：色彩的鲜明、饱和程度，又称饱和度。 （2）色彩的混合：一般绘画学习讲的是颜料的混合。要想调配、混合出丰富的色彩，就必须掌握色彩混合的规律与特点。 （3）色彩的冷暖： 2．如何认识物体的固有色、光源色、环境色？ （1）固有色：指物体本身的色彩， （2）光源色：指光的色彩， （3）环境色：物体周围环境对物体反射的色彩以及物体之间相互作用的色彩。
第二部分：新课内容：（70分钟） 1．如何把握色彩画面的“素描”关系？（5分钟） 2．水粉画的基本画法有哪些？（5分钟） （1）干画法：（2）湿画法：（3）干湿结合画法： 3．水粉画的用笔方法有哪些？（5分钟） “勾”：“涂”：“摆”：“擦”：“点”： （一）布置静物（10分钟） 布置静物是一件创造性的工作。 （二）观察研究 不能陷入局部孤立地观察色彩，还要回到整体以观察色彩。 （三）水粉静物写生的方法和步骤（40分钟） 1、构图与画轮廓 2、铺大色调 3、大体塑造 4、深入刻画 5、整体调整 6、体积表现： 7、质感表现 （四）水粉写生常见问题分析：（5分钟） “火”，“灰”，“脏”，“花”， 课外作业：完成一张单色稿的正方体 课后记：通过本课的学习和实践，学生能更加深刻地体会到，要再现现实生活中生动、自然的形象，不仅要掌握一定的绘画技巧，还要善于观察和把握表现对象的形象特征。
五年级美术《静物写生》 教学目标： 1．通过教学活动，让学生了解写生的意义，培养学生认真观察事物的习惯及重要性。 ２．通过学习活动，使学生初步掌握写生的方法，在学习中不断提高观察事物的能力。 3.体会写生的乐趣。使学生更加的热爱美术，更好的能发现生活中的美。课堂类型：造型表现 教具学具：各种静物、写生工具（主要根据农村学校条件选择性的准备） 教学重点：写生的基本方法，写生的构图知识。 教学难点：简单的素描学会用线描的方法表现静物 教学过程： 一．导入阶段： 1．欣赏一组照片（感受其中蕴含的美） 师问：哪一张好看的，为什么？ 生答：略 2．导入课题：《静物写生》 二．发展阶段： 1．什么是静物：生活中的日用器皿、文具、玩具、运动器具、以及蔬菜果品、盆栽植物等，都可以用美术的形式表现. 2．什么是静物画 静物画是西方绘画中的一个门类。它指以日常生活中无生命的物体为主要描绘对象...也就是说从概念的意义上, 西方的静物画与动物画只在极小的范围内有一定的重合现象。 3．欣赏一组静物写生画 师问：哪一幅好看，为什么？生答：略 4、学生实践：派学生代表（小组组长）选择静物（由于农村条件限制可根据多媒体画面，进行实物选择） 5、观察静物的组成结构：高、低、大、小 前、后、左、右等（学生讨论） 三．拓展阶段： 1、写生要注意什么？（学生讨论）师小结：写生对象的真实性 2、如何用线条表现静物？（学生讨论）师小结：利用线条的长、短、粗、细、曲、直等特点，来描绘写生对象（师示范）
3、制作步骤： （1）、用取景框构图（2）、在画纸上定好写生对象位置（高和宽） （3）、按从前到后的顺序描绘（4）、仔细描绘，做到统一有序四．学生作业： 1．作业要求：完成一幅静物写生 2. 学生练习 3.教师巡回辅导。 五．作品展示：学生代表向全班同学展示并评述自己的作品。 六．教学延伸与拓展： 思考：多练习线描，在静物写生的基础上，可进行风景写生。锻炼自己仔细观察生活的能力。 教学反思 《静物写生》一课，重点培养学生观察能力与造型能力。学生通过实物写生练习，观察事物必须细心敏锐，才能准确画出物体结构，造型能力才能有所提高。 画好一幅画，经过细心观察后的构图是关键，画的在形象逼真，没有一个好的构图也是徒劳。虽然经提示都知道主体要画中间，但是还是有的同学“跑偏”，画面不稳定，还有的同学胆子太小，放不开手脚，画得太小，整张纸太空、不饱满的感觉，还有的太大，好像要把纸涨破，都是构图不合理导致的。在处理静物的空间前后层次感时，有一部分同学透视感强，很快能表现出来，但还有部分同学透视观念不强，出现了远小近大的现象，使前后层次混乱，画面给人不舒服的感觉，我鼓励他们今后要多观察，找透视规律，加强练习，一定会对自己以后画画有非常大的帮助。透视问题是美术学习中的一大难点，今后要在平时训练中不断提醒并改正错误认识。 学生通过写生练习，不但观察能力和绘画能力大有提高，更重要的是培养了他们的耐心和细心，这对学生学习各门功课都有好处。
各位评委，各位老师： 大家好！ 今天我说课的题目是静物写生的方法与步骤，现在就教材、教法、学法、教学过程四个方面加以说明。 一、说教材 1、教材的内容、地位、作用 静物写生的方法与步骤这节课是中等职业教育国家规定教材工艺美术专业《色彩》一书中的第四章静物写生的第四节课。本课分为五个小节，观察思考——构图起稿——着色——深入刻画——调整完成，以及两个附带知识点。教材遵循科学性、针对性、实践性原则，每章节均采用基础知识，技能训练程序和表现方法要点“三段式”结构，本节课就是这一结构的中间环节“技能训练程序”。并将结构造型，色彩表现方法相结合，由浅入深，循序渐进地展开训练，提高学生的色彩表现能力和审美能力。 本节课也是内蒙古自治区中等职业学校对口升学工艺美术设计必考课程的指导与重点。静物写生作为水粉写生中的基础，为学生今后学习人物写生、风景写生奠定基础。 2、教学目标 根据教学大纲中的要求：“坚持以全面素质教育为基础，以能力培养为本位的思想为指导，注重提高学生的全面素质，培养创新精神和实践能力。”《色彩》教材也要求：“以培养对色彩敏锐的感受能力，了解色彩绘画的基础原理，基础知识及基础技法，掌握正确的观
察方法和表现方法，学会运用色彩规律和使用色彩语言表达自己的审美感受。” 结合工艺美术专业的特点，参照学生的知识水平和理解能力，我把本节课的学习目标定为： 德育目标：提高学生对各种物象色彩表现的审美能力，陶冶情操，激发学生更加热爱本专业。 知识目标：掌握静物写生的方法与步骤并加以运用。 技能目标：通过静物写生作画的方法、步骤的学习，培养学生的色彩表现能力。 情感目标：在写生过程中，培养学生耐心、细致、持之以恒的学习品格。 3、教学重点和难点 根据静物写生的方法与步骤运用的重要性，确定本节课的重点：深入刻画阶段的主要任务——培养色彩的观察力与表现力。 根据静物写生的方法与步骤在美术创作活动中的复杂性，把难点确定为：调整完成阶段的主要任务——注重整体与局部的关系。 二、说教法 根据本节课的知识要点和学生的特点，我主要采用提问法、任务驱动法和创设情景法 等教学方法。 依据静物写生知识运用的特点及学生的实际绘画水平，围绕上述的重、难点，我主要采用“案例分析——引导——示范”的三步骤方
风景写生的方法与步骤 【任务描述】 本任务通过风景写生的绘画过程来体现风景写生的具体方法与步骤。完成图如下：【任务分析】 风景写生和静物写生不同，由于户外的光线变化、光源色、环境色相对不稳定，因此在写生过程中应多分析比较自然状态下的色彩倾向。 【任务达成】 （一）观察与起稿 选择好景物后，应该确定构图的位置以及景物的比例关系，确定作画时间。用铅笔起稿，尽量做到快速准确，用简练的线条来完成。一般情况下，风景写生只能在一个角度绘画一两个小时，所以画同一幅画时可能需要两三次在同一时间相同光线和角度下完成。（二）着色 着色一般是自上而下，自左而右，自远而近的过程，当然根据画者不同着色顺序可以适当改变。远处的景色要画得深远含蓄，而中景应该画的比较丰富充实，近景则表现得简洁概括，这样比较容易掌握画面的层次关系。 （三）深入刻画 深入刻画是找色块之间的色彩关系、明度关系、虚实关系。通常在光线照射下，受光位置偏暖色，背光偏冷色，近景偏暖，远景偏冷，天空偏冷地面偏暖。在风景写生过程中最
常见的问题就是色彩的概念色。由于我们在观察对象时，一旦用颜色来表现常将某块颜色归入某个概念。比如绿树、蓝天、白云，而在画面表现时可能需要不同的色彩倾向去表现。（四）调整完成 在具体表现过程以后，需要从画面的整体感觉出发加以调整、充实。使画面色彩和造型趋于完整和丰富。 【相关知识】 风景写生的方法与步骤：就是从观察起稿-着色-深入刻画-调整完成的一个循序渐进的过程。 【相关作业】 画一幅简单的风景写生 【色彩能力评价】 结合自己完成的任务，评一评个人的色彩能力。 姓名任务 任务目标 完成、修改次数等级 完成情况 绘制二十四色相环次 评价组内
浅谈油画风景写生的方法 王寿辉 指导教师：郭仁海 内容摘要：油画作为一种外来的艺术形式，在中国的发展已百年有余。中国油画在百年的发展过程中，取得了令人瞩目的成就。油画风景是“世界语”，是人类心灵与万物深切联结的恒久方式之一，其本质是对生命的强烈热爱和深远关注。在中国油画空前繁荣的时代背景下，中国的风景油画也得到了迅猛的发展，使得国内出现了许多专门从事风景创作的油画家，如张冬峰、任传文、赵开坤等。本文从基本的油画风景写生的方法来阐述如何才能够画出一幅好的风景油画作品。 关键词：油画风景观察构图色彩 引言 油画作为一种外来的艺术形式，在中国的发展已经有百年有余。中国油画在百年的发展过程中，取得了令人瞩目的成就。油画风景是“世界语”，是人类心灵与万物深切联结的恒久方式之一，其本质是对生命的强烈热爱和深远关注。在中国油画空前繁荣的时代背景下，中国的风景油画也得到了迅猛的发展，使得国内出现了许多专门从事风景创作的油画家，如张冬峰、任传文、赵开坤等。那么如何才能够画出一幅风景油画作品呢？本文将从以下几点加以论述。 一、如何观察与选择对象 绘画的过程是一个审美与艺术创作的过程，艺术创造的过程，就是指运用色彩将生活中的各种素材转化为具体的艺术形象。整个过程都要遵循艺术创作的规律。任何优秀艺术作品的产生都是源自于艺术家对自然的观察感受，然后通过自己得想法，再借助于各种不同材料，成为佳作。 美术家阿恩海姆在论著中说：“如果我们的眼睛是父亲，那么手便是母亲。艺术作品的产生靠眼与手的高度合作。艺术家们在他们的艺术实践中总是把观察放在第一位的。”由此可见，观察对于艺术家来说，是极其重要的。艺术的创作也就是通过观察，深入自然，产生心灵的愉悦，以饱含的情感在画布上尽情的表达，但我们所说的通过观察深入自然，并不是强调对自然的模仿，而是用心感受自然，寻找一种感动。从日常生活的方方面面去寻找，或许感动你的只是墙角的
有趣的对印画课后反思 《有趣的对印画》是大班才艺课的第一堂美术课。为了让孩子学得开心，充分引导孩子的想象，课前我精心做了很多教具、范画，预想会有一个好的教学效果，但结果并不是我所期望的这样。我总结了一下，存在以下几点问题：一、选择的教学内容与幼儿的知识经验不相适宜。 “体验、探索、创作”是我上这节课的设想。课前我虽然认真准备了教案、教具，但我忽略备“学生”，忽略了我所执教的对象只是大班的幼儿。他们从来没有接触过水粉工具，也不理解“印画”和“对折”这两个词的含义，对于成人来讲这是再简单不过的词，可对五岁左右的幼儿却是从未接触过的，我的教学内容没有与幼儿的知识经验联系起来，幼儿面对一些听不懂的词，感到既没兴趣又无法引起他们积极地思考。 二、教师的教学用语缺乏艺术性。 在本节课中，除了教学内容偏难导致教学效果不理想之外，还有一个原因那就是教师的教学用语缺乏艺术性。 1、教师提问的教学用语方向不够明确。 对于任何年龄段的人来说，有具体、明确的要求都是很重要。对幼儿更有必要。他们年龄小、目标意识弱，在做事之前很难清楚地知道自己做什么。这时，教师的语言指导显得尤为重要。 “请小朋友仔细观察，你发现了什么？”结果幼儿的回答都是与本堂课无关的发现，幼儿始终没有关注对印画每一幅画的左边、右边都是相似的这一关键性问题。这是因为教师的教学指导用语不够具体、明确。 “你发现了什么？”是开放性的语言，没有方向，幼儿没有明确的目的。因而迷失了探索的方向。如果改为“请小朋友仔细看看，这些画的左边、右边长得是不是一样？”会更好，更能引发幼儿的思考。 2、教师的教学用语没有“儿童化”。 幼儿园的课堂教学更要求老师的教学用语“儿童化”。教师要焕发童心，进入角色，用纯真的语言，天真的表情，吸引幼儿的注意力，开启他们的好奇心，本堂课，这一点我是非常缺乏的。
课题:静物写生的基本知识课时:2课时 课型:综合课 授课对象:初中二年级 教材分析:本课通过素描静物的写生练习，使学生由浅到深的掌握素描的基本知识，学习静物素描的表现形式，为以后的素描风景和素描头像打下基础。 教学目标： 1.知识和技能目标：通过本课的静物写生，提高造型能力和表现力。 2.过程和方法目标:通过讲授、认真观察分析使学生掌握基本的构图方法和作画步骤。 3.情感态度和价值观目标：师生之间要多交流，让学生更容易接受静物写生的基本知识，提高学生的观察力和表现力。 教学重点：掌握正确的构图方法以及对静物的形体结。 教学难点：如何表现物体的空间感和体积感，把握正确的作画步骤，并注意画面的节奏感。 教学方法： 1.教法：通过讲解和示范让学生掌握静物写生的构图方法和作画步骤。 2.学法：让学生认真观察并且实践学习静物写生。 教具准备:写生台、台布，静物、范画作品。 学具准备：铅笔、素描纸、橡皮檫、削笔刀、画板。 教学过程： 一：组织教学：（2.分钟）清点学生人数，检查学生用具准备情况。 二：引入新课：（5分钟）回忆上节课内容，引出新课。 同学们，上节课我们进行了石膏写生，已经基本掌握了素描的基本技法，学习了“三
大面，五大调”，也学习几种常见的构图方法，这节课我们主要学习静物写生的相关知识。 三：讲授新课：（30分钟） （一）静物写生与石膏写生的区别 相关思考提示：（学生回答） 结合自己所学的知识讲一下他们的区别？ 老师讲述： 1、形体上的不同：静物画中，各个物体的形状颜色变化比石膏更丰富，更复杂，所以同学们在写生时一定要注意把不规则物体概括为规则形体，从而把握其透视规律。 2、质感的不同：石膏的质感是一样的，静物画是有不同的质感物体组成的，有粗糙的、细腻的、有硬得也有软的。 3、色彩上的不同：石膏几何体都是白色，静物是由不同色相的物体组成的，因此要注意线条软、硬、粗、细的运用产生的不同效果。 （二）：静物写生的意义 静物画就是以静物为题材的绘画，对一些瓶罐、果蔬、文具、乐器等的巧妙的摆放和不同色彩，不同质感的描绘，静物比石膏更富有生活气息，通过静物写生可以有效的提高构图能力和表现能力。为以后的素描造型提供更为丰富的内容。 （三）静物的选择 1、摆放静物要有一定的主题或情趣，静物与静物之间应有相关性并相互影响，不能随意凑合。 2、注意物体之间色彩的不同性，物体质感和形状的差异性。 3、注意台布的选择和摆放。台布在画面中可以起主领画面调子的作用。 （四）静物的组织原则 1、物体的造型应互相穿插，摆放静物不要放在同一水平上，一定要有前有后，有紧有疏，有竖有横，有正有斜，物体的造型上要注意高、矮、胖、瘦等相互穿插，总之，要在统一中求变化，在变化中求统一。 2、摆放静物要确定自己要表现的主题，把主要物体放在主要的位置，其他物体作为客体进行烘托画面气氛，使画面主次分明，合乎情理。 3、为了加强意境，要适当选择好的光线和背景，并根据背景的不同，选择不同的静物摆放，使静物组合更加完美。 （五）静物的写生步骤
《静物写生》 教学目标： 1．通过教学活动，让学生了解写生的意义，培养学生认真观察事物的习惯及重要性。 ２．通过学习活动，使学生初步掌握写生的方法，在学习中不断提高观察事物的能力。 3.体会写生的乐趣。使学生更加的热爱美术，更好的能发现生活中的美。课堂类型：造型表现 教具学具：各种静物、写生工具 教学重点：写生的基本方法，写生的构图知识。 教学难点：简单的素描学会用线描的方法表现静物 教学过程： 一．?导入阶段： 1．欣赏一组照片（感受其中蕴含的美） 师问：这几张照片中哪一张比较好看呀，为什么呢？ 生答：略 2．导入课题：《静物写生》 二．?发展阶段： 1．什么是静物：生活中的日用器皿、文具、玩具、运动器具、以及蔬菜果品、盆栽植物等，都可以用美术的形式表现. 2．什么是静物画 静物画是西方绘画中的一个门类。它指以日常生活中无生命的物体为主要描?绘对象...也就是说从概念的意义上,?? 西方的静物画与动物画只在极小的范围内有一定的重合现象。 3．欣赏一组静物写生画 师问：哪一幅好看，为什么？生答：略 4、学生实践：让学生自主选择静物 5、让学生观察静物的组成结构：高、低、大、小 前、后、左、右等（学生讨论） 三．?拓展阶段： 1、写生要注意什么？师小结：写生对象的真实性 2、如何用线条表现静物？师小结：利用线条的长、短、粗、细、曲、直等特点，来描绘写生对象（师示范）
3、制作步骤： （1）、用取景框构图????（2）、在画纸上定好写生对象位置 （3）、按从前到后的顺序描绘?（4）、仔细描绘，做到统一有序 四．?学生作业： 1．作业要求：完成一幅静物写生? 2.学生练习? 3.教师巡回辅导。 六．教学延伸与拓展： 思考：多练习线描，在静物写生的基础上，可进行风景写生。锻炼自己仔细观察生活的能力。
湖南工业大学硕士研究生课程考试试卷 考试科目：书画研究（A 卷）课程编码： 考试形式：开卷（开/闭卷）考试时间：分钟 适用年级：一年级学年学期：2011-2012 学年第一学期考生学号：M11050403004考生姓名：侯鹏飞考生专业：美术学 考生注意事项：1、本试卷共页，试卷如有缺页或破损，请立即举手报告以便更换。 2、考试结束后，考生不得将试卷、答题纸和草稿纸带出考场。 ----------------------------------------------------------------------------------------------------------- 题目： 选取一个与“中外美术史”密切相关的论题，写一篇不少于3000字的学术论文。 要求： 1、符合学术论文写作的规范（包括标题、摘要、关键词、注释、参考文献等的写作规范） 2、要写出一定的新意。严禁抄袭。 3、请提交打印稿。
从希施金浅谈写实风景油画的绘画技巧 摘要：写实风景油画可以说是历经了整个油画的发展历史，虽然在照相机问世以后， 众多画派画家对于写实风格的绘画存有偏见和争议，但它能仍然存在至今，并被 广大绘画爱好者所钟爱，就一定有它不可替代的原因。 希施金的绘画原则是“临摹画不应当加上想象”。我是不是可以理解为希施金认为 写实画作，应该充分尊重客观事实？答案显而易见，这也论证说明了写实油画的 特点，客观性和真实性。希施金的风景油画作品构图饱满充实，仿佛是自然环境 随意切割的一块，而未加任何修饰。但是这样的构图又是照相机不能比拟，也是 不可取代的。从某种意义上讲，或许这正是艺术的灵魂所在。 那么希施金的风景油画艺术具有什么样的特点？他的写实风景油画中典型的 创作素材有哪些？而这些素材又有怎样的绘画技巧？带着这些问题，接下来我将 做详细的阐述。 关键词:希施金绘画技巧创作油画 一、希施金风景油画的创作背景及其艺术特点 1.希施金风景油画的创作背景 伊凡·伊凡诺维奇·希施金（Ivan I. Shishkin）（1832—1898）是十九世纪后半叶现实 主义风景画的奠基人之一,巡回展览协会的会员与 创始人。 希施金自幼就生活在丛林之中,对丛林怀有深 厚的情感,这也使他获得有关丛林的很多常识,从学 画起就立志画大丛林。在学习绘画期间，他的导师 也都一致支持他对俄罗斯大自然的创作兴趣，赞成 他在艺术上专以描绘森林、树木为己任的独立发展 道路的选择。 图1 他为了描绘大自然的造化，不知疲倦的跋山涉 水，进出森林，写生作画。他一直没有停止对松树的描写，画了大量速写和习作。 这期间，他对树木、野花、杂草的写生与精心研究，甚至达到了科学家般的程度。 他以自己毕生的精力长期严肃地进行森林风景的创作，描绘俄罗斯北方大自然的 宏伟壮丽。他笔下的森林已不是单纯的写生而是溶进了他对祖国壮丽山河的热爱，
色彩静物写生教案 《色彩静物写生》教案及教学反思课 题色彩静物写生 ——有陶罐的蔬果静 物 示教 者杨镇宽 课 型实践、示范课 课 时2课时 教 具 2B铅笔、水 彩纸、水彩 笔、色彩颜 料、调色盘 等。 教学目标 本节课是针对高 三美术考生考前训练 而准备的一节示范 课。通过教师示范， 使考生能进一步掌握 静物色彩写生的基本 步骤，怎样在考试规 定时间内完成较完整 的色彩画，培养考生 的临场应变能力和自 信心。 教 学 重 点 静物色彩画 的表现技 法。 教 学 方 法 ①示范、讲解 ②学生写生 训练、 教师巡回辅 导。 教 学 难 点 如何把握画 面整体效 果、色彩变 化、虚实关 系、体积关 系、水的运 用。 教学内容一、组织教学：（2分钟） ①说明考前示范的目的，要求学生认真看、认真听。 ②组织学生站于教师两边或后方观摩。 二、示范、讲授：（30分钟） ⒈观察：静物形体的变化、色彩的对比、透视规律。 ⒉起稿：用2B铅笔起稿，注意构图饱满、形体透视、比例准确。 ⒊着色（考试时一般用二至三遍色完成）：注意①固有色、②环境色、③色彩变化、④明暗变化、⑤前后关系、⑥主次关系。 ⒋刻画：注意①形体结构明显、②色彩变化统一、③物体边线虚实变化、④主次明显、画面生动、具有冲击力。 ⒌调整：整体——局部——整体。 三、作业要求与辅导：（55分钟） ⒈作业要求：根据老师的示范过程，对同组静物进行写生练习。
⒉学生写生练习、教师巡回辅导。 四、总结：（3分钟） 对学生的习作进行肯定，增强学生的自信心。 教后反思 色彩是美术联考的必考科目，主要是考查考生对色彩的感受能力、认识能力和色彩技法表现能力。有一定的专业训练并有一定基础的考生在考场上如何正常发挥、施展自己的才华，是一个值得关注的重点问题。因为很多考生在平日里有较强的绘画写生能力，在考场上却表现得手忙脚乱，无法正常发挥水平，以致考试成绩没有体现自己的专业能力，这是十分令人扼腕的。就我带美术高考生的这十几年经验，我认为能否出色地发挥水平与考生的心理素质及在考试的限定时间内采用正确和有序的作画步骤密切相关。 因此，我设计这节课的目的是通过教师示范，使考生能进一步掌握静物色彩写生的基本步骤，并在考试规定时间内完成较完整的色彩画，培养考生的临场应变能力和自信心。教师通过示范，使学生对色彩的感受能力、认识能力和色彩技法表现能力等潜能得到充分发挥。在教学过程中，我采用了直观式教学，通过示范、讲解等方法，让学生亲耳目睹，直接感受后进行练习。经过我对这节课的精心设计和实施，收到了明显的教学效果。从学生完成的作业来看，大部分学生对画面的控制能力有了很大的提高，达到了我预设的教学目的。
静物写生教案 文稿归稿存档编号：[KKUY-KKIO69-OTM243-OLUI129-G00I-FDQS58-
《静物写生》 教学目标： 1．通过教学活动，让学生了解写生的意义，培养学生认真观察事物的习惯及重要性。 ２．通过学习活动，使学生初步掌握写生的方法，在学习中不断提高观察事物的能力。 3.体会写生的乐趣。使学生更加的热爱美术，更好的能发现生活中的美。 课堂类型：造型表现 教具学具：各种静物、写生工具 教学重点：写生的基本方法，写生的构图知识。 教学难点：简单的素描学会用线描的方法表现静物 教学过程： 一．?导入阶段： 1．欣赏一组照片（感受其中蕴含的美） 师问：这几张照片中哪一张比较好看呀，为什么呢 生答：略 2．导入课题：《静物写生》 二．?发展阶段： 1．什么是静物：生活中的日用器皿、文具、玩具、运动器具、以及蔬菜果品、盆栽植物等，都可以用美术的形式表现. 2．什么是静物画 静物画是西方绘画中的一个门类。它指以日常生活中无生命的物体为主要描?绘对象...也就是说从概念的意义上,?? 西方的静物画与动物画只在极小的范围内有一定的重合现象。 3．欣赏一组静物写生画 师问：哪一幅好看，为什么生答：略 4、学生实践：让学生自主选择静物 5、让学生观察静物的组成结构：高、低、大、小 前、后、左、右等（学生讨论）三．?拓展阶段： 1、写生要注意什么师小结：写生对象的真实性 2、如何用线条表现静物师小结：利用线条的长、短、粗、细、曲、直等特点，来描绘写生对象（师示范）
3、制作步骤： （1）、用取景框构图????（2）、在画纸上定好写生对象位置 （3）、按从前到后的顺序描绘?（4）、仔细描绘，做到统一有序四．?学生作业： 1．作业要求：完成一幅静物写生? 2. 学生练习? 3.教师巡回辅导。 六．教学延伸与拓展： 思考：多练习线描，在静物写生的基础上，可进行风景写生。锻炼自己仔细观察生活的能力。
画家詹姆斯·霍顿长期致力于风景写生，写生时他不仅使用油画颜料，还会使用其他的一些媒材。他通常会带着有支架的便携油画箱以及凳子到处“游荡”，去寻找各种可能的视角，直到找到他最满意的角度才会坐下来。这幅在画室里的示范画是复制一幅他之前在法国庇里牛斯山的写生，他尽可能地采取了与原作同样的绘画过程。 1．霍顿常常会使用有色底来进行绘画，保持一小部分区域不被颜料覆盖，最终出现在完成的画面上。现在画面的整个构图已经用稀薄的颜料画了一遍。
2．绘画的第一个阶段要先研究所选风景的色彩和调子。画家在画布的大部分地方都点上了色点，从而建立起画面各个区域之间的大关系。在这个阶段他会全神贯注于画面的整体效果，几乎不会去画任何细节。
3．天空和山之间的大关系在早些时候已经建立好，因为在画面早期阶段出现的错误会比较容易修正。画家要将这幅画一气呵成’，笔触将会出现在最后完成的画面上。霍顿使用达玛树脂、精制亚麻仁油和松节油来混合成媒介剂进行调色。
4．在这个局部图中我们能够看见，画家使用湿画法来进行绘画，每一个单独的笔触要么相互叠加，要么彼此之间留有一定缝隙，因此画布的底色能够从这些缝隙中显露出来。注意画家在这里是怎样利用复合色来绘制画面中那些平面区域（天空）的。
5．当在现场写生的时候，天空的颜色会很早就被画家记录下来，因为天气因素是很容易在短时间内发生改变的。环绕在山顶的云朵是画家特别想要捕捉的对象，在这里他使用湿画法，在天空颜色较深的区域上添加了一些浅色的云。霍顿的调色盘上通常有六七种颜色，另外还有黑色和白色。绘制这样小幅的作品，他通常只使用圆头的画笔。 6．在局部图6中我们会看见，画面上有很多的地方没有被颜料覆盖，在这些间隙中露出了画布的色底，在这之后添加的一些颜色就会渗入这些间隙中。这样就避免了颜料过度堆积的现象出现。在局部图7中画家在为画面添加细节，他在画房顶、窗户还有其他的一些建筑细节的时候特别的小心，因为要保持它们的整齐干净。
第十三课对印版画 【教学目标】 1、认识对印版画；了解对印版画的不同表现方法。 2、学习对印的方法和技巧，掌握对印的步骤。培养学生耐心、细致、有序的学习习惯。 3、锻炼学生的发散思维，激发学生不断追求创新的创造意识。 【教学重点】 学习对印的方法。 掌握对印的步骤。 【教学难点】 对印时水分的把控。 如何巧妙适时的完善画面。 教具准备： 水粉颜料，调色盘，画笔，洗笔筒，彩纸，白纸，小夹子、课件、美术课本 学具准备： 水粉颜料，调色盘，画笔，洗笔筒，彩纸，白纸，抹布、小夹子、美术课本。教学课时： 1课时 教学过程： 一、课前准备 二、寻找生活中的美，欣赏倒影之美，发现并理解“重复”， 1、师：同学们，老师这里有两张照片，你来猜猜这图上哪个是真实的景象？对这是水中的倒影，那么在我们美术学中，我们也可以将这样两个相同的物体出现的画面称之为“重复现象”。 2、那我们可以运用什么方法来表现这种重复现象呢？（板书：印）今天我们就一起来学习——对印版画 二、新授 1、版画的定义： 在学习之前，老师首先来提问：什么是版画呢？
版画就是用一个底版能重复印出许多相同画面的艺术表现形式。而对印版画就是用对称印的方式制作出两个相同的图案，只不过方向相反。这和以前我们学过的“对称剪”是一个道理。 那我们如何通过我们现有的材料来表现这种重复美呢？ 2、带着问题观察： 请你带着这样的问题，打开课本28页。仔细观察，看看谁是火眼金睛，能找出小女孩完成作品的步骤和材料，同桌2人讨论谁的观察最准确，并总结完成的过程。 生小组讨论观察； 小结说说制作过程 ①2张不同颜色的纸夹在一起； ②在一张纸上画出主体图案； ③边画边印； ④主体完成后给两幅相同的画添加不同的装饰和背景。最后总结印制的步骤。教师板书：1、画。2、压3、添 3、尝试实验： 那我们首先来解决对印这个难题，谁来在白纸上尝试印制一个简单的图案，快速完成后，说一说自己遇到的问题。 教师指导中强调水份的控制和色彩的直接使用，提出注意点: 不要颜色涂得很靠拢。用湿笔，颜料不加水。涂大块面先印，水粉色干得快，速度要稍快点。按照一定的顺序印，可以从上到下，或者从下向上。可以重复涂印，使画面色彩更丰富。画面的内容会左右或上下相反，比如名字。 当然，请你要注意，你所选择的颜色和你彩纸的颜色尽量不要太接近。 4、欣赏：课本中的版画（双纸对印）作品。 提问：对印版画都是用两张纸印的吗？你在课本中还发现了什么？学生仔细观察课本29页学生作品，教师引导发现区别：有单纸对印、有双纸对印。 板书：对印形式：双纸对印；单纸对印 欣赏分析：学生作品欣赏单纸对印的作品。 学生边欣赏教师边提问，让学生分析画面里使用的方法。
浅谈油画风景写生 说到油画风景写生我们大家都知道，这里主要谈论的是室外的风景写生，它是油画风景创作的一种主要的手段，也是油画风景创作的前提和收集大量素材的主要途径，油画风景写生还是艺术家体验现实生活表现大自然風貌的主要形式。通过这样不断的写生可以提高我们的观察能力、分析能力、绘画色彩的运用和丰富多样的技法表现能力，还能培养我们的审美能力，感受空间以及油画创作的能力。 标签：油画风景观察方法油画风景写生步骤油画风景的创作 笔者写这篇论文主要是，利用我自己这些年来所学到的一些绘画基础、绘画理论、绘画技法的一些基础性知识，传授给热爱美术，特别是油画风景的爱好者，给他们提供一些简单的风景写生技法，及基础的理论知识，从而让更多的人能简单的了解这门学科，并加热爱生活、热爱美。 一、油画风景写生的意义和目的 油画风景写生是一种能让我们的观察能力、自身素养提高和感受自然，体验生活，的重要手段。在写生时为使画面的构成和谐而具有美感，还要有当地特点和画家的情感合拍等因素，就的“删繁就简”、“查漏补缺”懂得取舍等方法。在色彩搭配上是否对比响亮、协调美观、情境合理。我们到大自然中去“师法自然”，可以培养我们良好的视觉阅历和高雅的审美能力，同时锻炼我们体会自然、观察自然、归纳自然和表现自然的能力，有着其它写生课程所无法取代的意义。我在写生过程中，渐渐对油画风景写生也有了一些体会和感受，我认为如果不重视对自然风景的写生，在创作过程中是艰难的，创作不出生动好的作品来的，就算创作出来了也是打动不了观者的，并且对于初学者会显得很盲目，画得杂乱无章，既没有主题，又无法感动人。造成这种情况的主要原因是：一是没有用心灵观察感悟自然；二是掌握色彩基本原理的能力不够；三是绘画基本功粗浅。很多学画的人我想都会有过这样的经历，我认为只要要注意以下几点就能够解决的：一是经常到大自然中去写生，通过这样来丰富自己的内心世界，提升认知能力和感悟能力；二是用心去体会和感受物象，认真观察景物的内在美，从内心深处去感悟自然万物的美好属性；三是多尝试用主观色彩去概括物象，不要一味“对景写生”，四是多看古今中外大师的作品，从中体悟色彩语言的准确表达方法；五是要广泛阅读古今中外与油画艺术有关的文学、哲学、音乐学、影视学、戏剧学等书籍，把个人经验汇入整个文化的源流，以此训练自身更高的艺术修养。 二、油画风景写生要点 1.学会观察 首先，观察是首要因素，在还没有观察之前，不要急于动笔，先观察，后思考，然后再考虑画面的色、光、点、线、面和所承载的意义。实践证明，针对一
风景画是人类追求回归自然的一个精神家园，优秀的风景画作品往往寄托着人类对自己所生活的那个空间的依恋和对真、善、美的无限情思。 风景写生与静物写生的方法大同小异。但由于大自然景色仪态万千，我们不可能像对一组静物那样对其进行预先的设置以符合自己的需求。差不多一切自然景物都是自然生长出来的，我们所能做的仅仅是在这种平凡的景物中去寻觅和发现——在一所茅屋、一条小径、一垛麦草、一缕炊烟中去体会一种超乎寻常的美感。 我们进行风景写生时应当特别注意如下几个方面： 1．立意 进行风景写生时应首先有一个明确的立意，即营造出一种意境，其他的一切如色调、造型、用笔和强弱处理都无不围绕着这个立意进行。同时我们也可以通过这样的练习学会借用景色抒发自己的情感，这样我们可以一开始就站在一个比较高的起点上。 2．色调 把握色调是画好一幅风景写生的关键。如果把一幅风景画比作一
首交响乐，那么色调就应该是这首乐曲的主旋律。要认真分析物体的色彩变化，同时又将大自然的万紫千红纳入一个统一的色调之中，这似乎是个矛盾，同时也是我们进行风景写生的意义所在。 在把握色调的时候，一定要做到动作迅速，首先将那些繁杂的景物概括成几个大的色块，特别是对那些彼此非常接近易于混淆的色彩更要注意一定程度上的区分，如人们常说的“秋水共长天一色”的水和天，细看之下二者之间的区别还很明显。 3．层次空间 在进行风景写生的时候应特别注意画面的层次和空间。一般说，一幅完整的风景写生应当包含有远、中，近三景。主体景物往往是处于中景的位置上，而近景多作粗略的处理。 4．细节刻画 风景写生时对于细节的刻画应当适可而止。由于户外写生时一般都有一定的时间限制，因此我们不需要（也不可能）将精力放在对景物的精雕细刻上。我们只需画出物体的基本造型特征就可以了，更重要的是去提炼和体会那种用笔的意趣。
色彩静物写生 l 水粉画的常见问题： 1．灰和脏 2．生与火 3．焦与黑 4．粉与白 5．话与乱 6．腻与闷 l 水粉画：即是用粉质颜料作画的一个画种，其历史十分久远。我国古代的壁画、帛画及工笔重彩画、民间彩塑均采用了近似于胶粉画的着色方法；西方的油画也是在胶粉画的基础上发展起来的。 现代的水粉画是直接从胶粉画的基础上发展起来的，它的使用非常广泛。如各类宣传画、年画、彩色连环画、壁画以及舞台设计制作、包装等，都离不开这个画种。另外，水粉画技法能够吸收水彩画、中国画、油画、版画等相关特点，更加促动了它的完美发展。 水粉画在我国已经成为色彩基础训练的主要画种。因为水粉画具有众多的优点，假如能举一反三地灵活使用， l 教学目的：学好水粉画，既能够向油画和水彩画发展，又能够为装饰画等打下色彩造型基础。 l 水粉画的特性和技法以及作画步骤： 一．水粉画的特性
每一个画种因为本身使用的材料及工具性能不同，必然产生其他 画种不同的特点及相对应的表现技法。研究和发挥水粉画的性能特点，是作画时扬长避短地取得理想的画面艺术效果的关键。 1.水粉画与其它画种之间的关系 水粉画在性能上是介与水彩画和油画之间的一个画种。水粉颜料 干画厚涂时象油画，湿画薄涂时则象水彩画。但是它既难以达到油画 的深邃浑厚，又逊色于水彩画那样透明轻快的效果。 2.水粉画的色彩特点 优点：水粉画的色彩鲜艳瑰丽、饱满柔润。水粉颜料具有比较强 的遮盖力，这是水彩画不能达到的，但当它水多色薄地实行大面积渲 染时，又令油画为之逊色。水粉画的材料简单，使用方便，画幅能大 能小、作画能放能收，是一种非常灵活的、表现力强的绘画形式。 l 难点：水粉画颜料在干湿不同状态下色彩变化很大，色域不 宽，在已经干固的颜色上覆盖时衔接比较困难，画得过厚的颜料 干后容易龟裂脱落，还有难以长期保存等不足。 3.水粉画的工具和材料 主要包括纸、笔、颜料、画板或画夹、调色盒或调色板、洗笔的 容器等。 （1）纸以坚实稍厚的而又不吸水的为佳，比如白卡纸、绘画纸、白板纸等。如需要达到特殊的技法效果，能够采用宣纸、有底色的纸等。 （2）笔以有弹性而又有储色力的笔为上品。有扁头水粉笔、化 妆笔、油画笔、底纹笔和毛笔等。各种笔或方或圆或尖，或硬或软， 或长或短，能够根据技法的需要和每人的习惯选用。