国画是我的爱是我的梦。从小我就喜欢写写画画，虽然还不知道什么是国画？但每每在学校、公园看到画家即场挥毫我都是挤到最前，生怕看不清楚，画家寥寥几笔就画出了生动的画面，盛开的牡丹、幽深的山水、雀跃的竹林、圣洁的荷花等等，这是我最初的国画认识。随着年龄的长大我对国画有了进一步的认识从电视、书本、关盘、报纸、画展。而这些也只是肤浅的感性认识，但它已经深深吸引了我，我反复寻找着生命的起源，苦苦寻觅着心中的向往。悠悠几千年的历史文化它的深远它的博大，也许是我今生都无法探索彻底的，即使是这样我也会全心全意地去寻找、去发现、去创作。
我在大学期间只是稍微接触过国画，没有进行系统的学习是我大学生活中遗憾。但是没想到机会来的这样快。2014年，潍城区教育局组织教师进行国画培训。这给我们系统学习国画提供了极大地便一下我学习国画的心得体会：只有学习才知道肤浅，只有苦练才能进步，这是我的体会也是我的收获，我在不断的努力中进步也在刻苦学习中得到提升。我这个从来没有拿过毛笔的来画中国画，这叫我一开始就不知所措。幸好遇到了一位好的专业老师，他教我们画国画时要用意念来画，虽然说我现在还不能够体会到其中的真谛，但在我这些天学习的过程中慢慢的我了解到原来中国画光靠认真仔细是不行的，而是要靠心神一起，就像老师说的中国画里要有一种气，要有一种神韵在里面，画中国画就像在表达一个人的思想，反映着一个人的性格，表达着作者当时的一种心情。中国画画到现在我感觉到，要想把中国画画好就必须要用心来画，要把你的思想融会贯通到画里，画的要磊磊落落，要潇洒，要浑然天成。画中国画是一种享受，我到现在才明白过来，不享受的状态下画中国画是画不好的。尽管我现在的状态还不是很好，还没能够领会中国画的精神，但是在几天的学习中我领悟到中国画确实是最伟大的艺术，它是在塑造有灵气的画面，画中的山山水水具有灵性，活灵活现，从中能体现出作者大气磅礴的豪迈与洒脱。
中国画的学习是我所学课程中最叫我放松的一门课程，虽然有时我不在状态，但是我会尽量把心情调节好后再继续进入状态，我认为不在状态的时候最好不要动笔，不然的话会越画越糟糕。中国画让我又一次找到了放松心情的良药，就如写毛笔字一样，虽然我没有写过毛笔字，但是我想应该一样吧学国画到最后我才慢慢懂得老师课上所说的话，心神一致，屏气凝神，专注又不失洒脱，大气又不失凝滞。再画到某种程度的时候，就会在不知不觉中超脱自然，在笔墨之间把个人的情感个性在无形中流露出来，使个人与画浑然一体。但是在洒脱之余又要格外注意整幅画的笔墨布局以及视觉效果，我认为这是比较困难的。
首先是“笔墨”问题。“笔墨”一词在中国画的发展历史上经历了一个漫长的发展过程，是一个由“笔”向“墨”发展的过程。“笔墨”一词用今天的理解，就是用笔用墨的方法、规矩、规范或指笔墨关系的内在构成程式，即笔墨的结构。笔墨的结构是中国画艺术的核心，它处于构建中国画艺术的塔尖之上，是最深层的核心元素，是决定中国画纯粹性的主导因素。
中国画要想画好，首推用笔，从“骨法用笔”到立形存质，以至赵孟頫先生提出“书画同源”之说，都是在讲用笔。后人称元代王蒙“叔明笔立能扛鼎、五百年来无此君”，也是讲用笔。程大利先生称扛鼎之笔为“金刚杵”，很是形象。刀杀人取其锋、枪伤人取其锐、杵致人死而无外伤，必立透纸背矣！柯思九则总结了写竹竿用篆法、枝用草书法、写叶用八分法。他们强调的都是画者必工书，强调绘画与书法的关系，笔情墨趣成了欣赏中国画的主要内容。“笔”先指毛笔运笔的方式、方法，运笔而留下的笔痕、笔迹以及在宣纸之上留下的形状印记，它是笔墨语言的基本元素。运笔速度的快慢、提案、节奏的变化以及笔锋在运笔过程当中的中侧变化，直接影响笔痕、笔迹的形状，以及由此引起的视觉感受。运笔的方式方法古人总结了很多，如“十八描”，这是人物画；山水画则称之“勾”、“断”、“皱”、“披”；花鸟画中，“勾”、“点”、“描”等等。黄宾虹先生则把下笔过程总结归纳为“平、圆、留、垂、变”五种。用笔的程式和构成是中国画标记性特征，具有独立的欣赏和审美价值
“气韵”这是第二个问题。中国画的“气韵”又称“韵味、神韵、神气”，是学习中国画之中比较神秘而又说不清楚的问题。中国画的“气韵”之说是始自六朝南齐人物画家谢赫的《古画品录》。他提出“六法”作为品评当时人物画的标准：一、气韵生动是也；二、骨法用笔是也；
三、应物象形是也；四、随类赋彩是也；五、经营位置是也；
六、转移模写是也。从此，六法之首的“气韵生动”成为中国画根本性审美标准。
因为笔中有阴阳，笔中有墨，墨中有笔，推而广之，“六法”“六要”每一法每一要都要有气有韵，一同结合起来，一幅绘画作品才能达到“图真”、“传神”、“得其气韵”的审美效果。
其实国画的认识每个人都有自己的世界观，国画传统美的概念是上留天下留地，繁而透、空而厚，水墨容情，色泽单纯一般不超过三四种，这是一种纯朴而又充满无限灵气的自然美。随着社会的发展生活水平的提高，人们更向往的是一种复杂的美，绚烂多彩的美，既有西方的色彩又有东方的纯朴，这都在我潜意识的追求中。
中国水墨画介绍 水墨画：由水和墨经过调配水和墨的浓度所画出的画，是绘画的一种形式，更多时候，水墨画被视为中国传统绘画，也就是国画的代表。也称国画，中国画。基本的水墨画，仅有水与墨，黑与白色，但进阶的水墨画，也有工笔花鸟画，色彩缤纷。后者有时也称为彩墨画。在中国画中，以中国画特有的材料之一，墨为主要原料加以清水的多少引为浓墨、淡墨、干墨、湿墨、焦墨等，画出不同浓淡（黑、白、灰）层次。别有一番韵味称为“墨韵”。而形成水墨为主的一种绘画形式。 简介 水墨画，是中国绘画的代表，也就是狭义的“国画”，并传到东亚其他地区。基本的水墨画，仅有水与墨，黑与白色，但进阶的水墨画，也有工笔花鸟画，色彩缤纷，后者有时也称为彩墨画。中国水墨画的特点是：近处写实，远处抽象，色彩微妙，意境丰富。 黑白调子的水墨画早期都是以山水画的形式来表现的，虽然仅有黑与白，但因为纸色的关系，其实是略为偏黄的。彩色的水墨画在近代有泼墨山水的应用，也有水墨动画的应用。 与水墨画有关的还有水墨版画。与一般版画不同的是，水墨版画虽然也是木刻版画，但使用宣纸作为纸材，在不同的地方重复水墨印刷，层层渲染的效果，使得每一张作品都明显不同，也具有水墨画的美感。 中国画的一种。指纯用水墨所作之画。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明朝及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。 “墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提后人宗之。 长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。水墨画是中国画的一个分支结构，是组成中国画体系的元素之一。从物理的角度，水墨画就是用毛笔蘸着墨和水的合成物，描绘在宣纸上的一种绘画形式。 艺术特征 水墨画是中国汉族特色较强的一种绘画艺术形式，借助具有本民族特色的绘画工具和材料（毛笔、宣纸和墨），表现具有意象和意境的绘画。其特征主要有两个方面，一是从工具材料上来说，水墨画具有水乳交融，酣畅淋漓的艺术效果。具体地说就是将水、墨和宣纸的
中国画的构图法则 构图虽然是一个非常活跃的艺术创造过程，但并不是无法可循。中国画在其长期的发展演变中建立了许多符合自身审美要求的构图法则，如布势、主次、对比、均衡、疏密；开合等等。除此之外，中国山水画家在构图上有“五字法”的形象性的概括描述——按“之”、“甲”、“由”、“则”、“须”五个字的结构样式来分割空间：“之”字是左推右让、“甲”字是上重下轻、“由”字是上轻下重、“则”字是左实右虚、“须”字是左虚右实。再如“散点透视”中的“三远法”……种种法则，使我们在研究、学习中国画构图时有了较为明晰的思考方向。这些是民族艺术中逻辑思维和形象思维交织演化的宝贵遗产。 1．布势 布势的“势”可以理解为气势、局势、大势，是画面总体运动趋势的具体指向。这有点儿像画人物写生，首先要找出所要描绘人物的基本动态线，以确定 人物各部肢体的运动方向和大致状态。一幅画也隐含着这样一组 动态线，它构成了画面的内在旋律，把画面中的各个组成部分有 机地组织在一个运动体系中，是表达画面生命力、达到“气韵生动” 的重要因素。中国画是很讲究“置阵布势’’的，即所谓的“远观其势， 近观其质”。有的画虽然技术上很精到，但看上去却杂乱无章，这 正是对“势”的把握不够所致。一幅画如果失去了“势”的引导，在形 式美上也就失去了最起码的魅力。 势是有大小之分的，正如整体与局部的关系一样。大的整体的 艺术形象是由很多小的局部结构组成的，这个时候整体关系是主 要的，局部必须服从整体的需要。画中的势也是如此，如果大势 没有经营好，只注意小势是无补于整幅画面的局势的。因此，在 构图初期考虑形象安排时，首先就要从布置大势人手，继之布置 小势。如吴昌硕的《错落珊瑚枝》(见图)，主要的枝干和树叶构成 大势，单独下垂的小枝构成小势。画中的局部形象越多，势的把 握也就越复杂，越难以控制，同时也就显得更加重要。 势的存在形式可分为横势、竖势、曲势、斜势、团势、放射势。 2、主宾 画面所要表达的主题内容需有主有宾，画面的构成也要有主有宾。因此，在构图时不能 把所要描绘的形象平等对待，更不能喧宾夺主，需要 营造—个构图中心，从而达到最充分地表现主体的效 果。这是比较容易理解的，否则一幅画就会平淡散乱、 主题不明确。一幅画的构图中心事实上承担着两个使 命，它不仅作为构图处理上的主要焦点，而且也应当 作为最清晰地表达内容的手段，只有两者吻合一致， 构图才能获得最大的表现力。 主体与宾体是相互联系而又从属分明的关系：宾体 因主体而存在，为衬托和突出主体服务，失去了主体 也就失去了宾体的存在意义；主体因宾体而丰满厚实、 得到深化。没有宾体，主体就像—棵大树没有枝叶， 画面会显得单调乏味(就—般情况而言是这样，特殊情 况，如某些肖像画除外)。如何家英的这幅《秋暝》(见 右图)，黄昏中，一个清纯少女在漫天的黄叶烘托下，
水墨画基础知识介绍 水墨画基础知识介绍 中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔 工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”来说，用豪放简练的笔 墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括水平，要有 以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意 到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法实行综合的使用。 从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科， 它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。 中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。 中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观 情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视 是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体准确地在平面上表现 出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透 视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用 焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限， 摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在 一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它能够根据画者的感受和 需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己 的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知 的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清 明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。
中国花鸟画教案 [教学内容]：中国花鸟画技法及中国花鸟画传统与现代材料与技法 [教学目的]：通过中国画概况的讲授，使学生能系统的了解中国画的发展历史和基本概况。 并通过学习使学生初步掌握中国花鸟画的造型特点、艺术特点和基本至画法步 骤，领会中国花鸟画独特的审美特点，提高欣赏水平和表现水平，了解中国花鸟 画的教学特点和基本方法 [教学方法]：讲授、观摩、示范、个别辅导、集体讲评。 [教学重点难点分析]：本课教学对象为四年制本科学生、教学重点在于工笔花鸟，特别是现代工笔花鸟画的基本技法学习。教学方式采用临摹、个别辅导相结合。在学生掌 握技法的基础上，逐步培养学生的审美意识领会能力，掌握中国花鸟画独特的审 美表现特点。 一、中国画概述及中国花鸟画的发展流变 中国画的历史悠久，深深涵泳于中国传统哲学文化之间，形成了独特的艺术表现手段和艺术表现形式。中国画历史虽然悠久，发展也很成熟，但其“中国画”之得名并不早，大致在清末民初“西学东渐”之时，国人面对西方艺术为了树立中国艺术的独立品格才提出了这个概念。 学习中国画，首先要从总体上对中国画有一个概括的认识，诸如中国画的风格特点、艺术规律、美学思想等，树立一些基本的概念，掌握正确的学习方法，才能逐步的掌握中国画的艺术表现技巧。而要在中国画的传承与创新方面取得相应的成就，必须努力学习中国的传统文化，提高自身的各种修养，包括吸收西方文化的精粹，融会贯通，才可能会有进一步的发展。 中国传统绘画，受着中国传统哲学的深深涵养，扎根于中华民族深厚的文化土壤之中，数经千年的发展，形成了独特的文化素养、审美意识、思维方式、美学思想和哲学观念等完整的艺术体系。中国画的发展历程就是中国画的立意、意境、经营、笔墨、程式、风格等一系列艺术创造的经验和理论不断成熟的过程。这些经验和理论，既符合艺术发展的一般规律，又独具鲜明的中国作风和中国气质，有着明显的中国文化的传承与精神阐发，与世界各国的艺术相比较，更具有鲜明的民族风格和民族特点，不仅为中国人民所喜闻乐见，而且得到了
中国画的基础知识 一．中国画的艺术特征 中国画作为中国的一种独立的艺术形式，讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似 之间”的感觉，有别于西洋画讲求“以形写实”。国画独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，国画可分 为工笔、写意和兼工带写三种形式。从艺术的分科来看，国画可分为人物、山水、花鸟 三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果 等画可归入在花鸟类。 国画的构图或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的，但它能够很好表现特殊的意 境和画者的主观情趣。在透视的方法上，国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受 固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，采用散点透视或多点透视，这是中国 的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。 在用笔和用墨方面，是国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆 等变化，以表现物体的质感。而对于用墨，则讲求勾、皴、擦、点、染交互为用，合理 调配，以塑造型体，烘染气氛。国画的用墨之妙，在于有浓谈相生相融。由于国画与书 法在工具及运笔方面有许多共同之处，有“书画同源”之说。 以上谈的国画的特点，主要是指传统的国画而言。但这些特点，随着时代的前进。艺术 内容和形式也随之更新，并不断地发生变化。特别是“五四”之后，西洋画大量涌入， 国画以自己宽阔的胸怀，吸收了不少西方艺术的技巧，丰富了国画的表现力。但是，不 管变化如何，国画传统的民族的基本特征不能丢掉，国画的优良传统应该保持并发扬光大。 南北朝时代的谢赫作为中国第一个绘画理论家，提出的“六法论”为后世画家、批评家、鉴赏家们所遵循的原则，全面系统总结了传统绘画的创作实践。所谓“六法论”是指： 气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移摹写六个方面。一、气韵 生动所谓的气韵即画面形象的精神气质。中国国画的要求就是要在描绘出拟物的外形之外，还要表现出拟物的精神。二、骨法用笔用笔，顾名思义就是我们所说的中国国画特 有的笔墨技法。骨法用笔其实就是就是指如何把笔墨技法恰当地将对象的形状和质感绘 画出来。与气韵作比较的话，气韵指“神”，则骨法用笔指“形”。三、应物象形绘画 者在描绘对象时，必定要顺应事物的本来面貌，用造型手段把它表现出来。不过在追求 艺术创新时，是可以在尊重客观事物的前提下，进行概括、取舍、想象和范围内的夸张。 四、随类赋彩随类赋彩是指色彩的应用，我们可以根据不同的描绘对象、时间、地点， 运用不同的色彩。五、经营位置经营位置是指构图的设计方法及应用，绘画者可以根据 画面的需要，进行形象调用。也就是通过勾画合理的空间布局。六、传移摹写传移摹写 指对真人真物进行临摹写生，或对古代作品进行临摹。这种方法也是对自然学习和传统 继承的一种方法，值得我们借鉴。 二 . 中国画的笔墨特点 1.笔墨概说 A.中国画使用中国特有的毛笔具有笔锋尖、笔毫齐、笔柱圆、笔毛柔软而富于弹性等特征，这种笔配合上中国特有的墨、色,并发挥水的作用使得笔下的线条,表达创作者丰富的感情。
一：中国画简介 中国画，简称"国画"，它是用毛笔、墨和中国画颜料在特制地宣纸或绢上作画，题材主要有人物、山水、花鸟，技法可分工笔和写意两种，富于传统特色。 二：国画分类 国画可分为人物画、山水画、花鸟画三种。 1：人物画 （1）人物画的历史进程： 我国的人物画，历史悠久。据记载，商、周时期，已经有壁画。东晋时的顾恺之专尚画人物画，在我国绘画是上第一个明确提出"以形写神"的主张。唐代闫立本也擅长人物画。还有吴道子、韩斡等等。都为人物画做出了卓越的贡献。唐以后画人物画的画家就更多了，历代都有。 （2）人物画的画法和表现方法： 要画好人物画，除了继承传统外，还必须了解和研究人体的基本形体、比例、解剖结构，以及人体运动的变化规律，方能准确的塑造和表现人物的形和神。画人物有几种表现方法，各有所长，如：白描法，勾填法，泼墨法，勾染法。 2：山水画 （1）山水画的历史进程： 山水画(俗称风景画、风光画或彩墨画)，是专门的艺术学科，历史悠久。自唐代以来，每一时期，都有著名画家，专尚从事山水画的创作。尽管他们的身世、素养、学派、方法等不同；但是，都能够用过笔墨、色彩、技巧，灵活经营，认真描绘，是自然风光之美，欣然跃于纸上，其买相同，雄伟壮观，气韵清逸。 （2）山水画的组成： 山水画的组成包括：山、水、石、树、房、屋、楼台、舟车、桥梁、风、雨、阴、晴，雪、日、云、雾及春、夏、秋、冬气候特征等. 3：花鸟画 （1）花鸟画的介绍： 中国花鸟画多姿多彩，引人入胜。它与山水、人物画并列为中国绘画艺术的专门学科。花鸟画就广义讲，应包括花鸟、禽兽、昆虫、鱼介等。 （2）花鸟画的画法和表现主题： 花鸟画的画法大致可分为二类： （一）工笔花鸟； （二）写意花鸟； 昆虫亦有工、写之分。表现的方法有：白描（又称双勾）、勾勒、勾填、没骨、泼墨等等。他和山水一样，有悠久的历史。花鸟画的学习步骤不外乎临摹、写生、创作。表现的主题有：竹、兰、梅、菊、牡丹、荷花等；禽鸟有：鸡、鹅、鸭、仙鹤、杜鹃、翠鸟、喜鹊、鹰；昆虫有：鹦鹉、蝴蝶、丰、蜻蜓、蝉，杂虫有：蝈蝈、蟋蟀、蚂蚁、蜗牛、蜘蛛等。 三：国画的欣赏 初看国画，要欣赏的不是画面如此简单，还要看一下几项是否精美。 1：画工 画家的作品，可表现出作者的成就。画面的形象，就是画工的具体，我们往往主观批判该画的好与坏，就是受画工的影响最大2：书法 一：中国画简介
书法作品格式简介 1.条幅：以长宣纸全开及对开(半截或半折)，直书之作品为条幅。 2.楹联：两张对开条幅，分别书写上下联语者，亦称对联、对子或楹帖。 3.中堂：将料纸全开或比全开稍小而单独或并挂于楹联间之条幅。 4.斗方：将宣纸裁成八开左右大小(约1尺见方) 之体裁，称之。 5.匾额：又称横披，条幅横书装框或刻于木板悬挂于壁上。 6.条屏：以中堂、条幅等尺幅相类之料纸，写成一组作品，依诗文长短。 7.扇面：尺寸如扇形，有纨扇与折扇，亦可装裱或轴成册。 8.册页：将小幅作品装裱以便翻阅，合之成册，展开成册故名册页，其内容或相互连贯，或单独成立。 9.手卷：亦成横轴，不便悬挂，只适合在书桌上伸展，观后卷置之横幅作品 常用落款用词 一、称谓 ⒈长辈：吾师、道长、学长、先生、女士(小姐)； ⒉平辈(或小一辈)：兄、弟、仁兄、尊兄、大兄、贤兄(弟)、学兄(弟)、道兄、道友、学友、方家、先生、小姐、法家(对书画或某一方面有专长之称)；
⒊关系较亲密：学(仁)弟、吾兄(弟)； ⒋老师对学生：学(仁)弟、学(仁)棣、贤契、贤弟； ⒌同学：学长、学兄、同窗、同砚、同席。 二、上款客套语或敬词 雅赏、雅正、雅评、雅鉴、雅教、雅存、珍存、惠存、清鉴、清览、清品、清属、清赏、清正、清及、清教、清玩、鉴正、敲正、惠正、赐正、斧正、法正、法鉴、博鉴、尊鉴、肠鉴、法教、博教、大教、大雅、补壁、糊壁、是正、教正、讲正、察正、请正、两正、就正、即正、指正、鉴之、正之、哂正、笑正、教之、正腕、正举、存念、属粲、一粲、粲正、一笑、笑笑、笑存、笑鉴、属、鉴、玩 三、下款客套语或敬词 ⒈书法题款用：敬书、拜书、谨书、顿首、嘱书、醉书、醉笔、漫笔、戏书、节临、书、录、题、笔、写、临、篆； ⒉绘画题款用：敬、敬赠、特赠、画祝、写祝、写奉、顿首、题、并题、戏题、题识、题句、敬识、记、题记、谨记、并题、跋、题跋、拜观、录、并录、赞、自赞、题赞、自嘲、手笔、随笔、戏墨、漫涂、率题、画、写、谨写、敬写、仿； ⒊篆刻边款用：刻作、记、制、治石、篆刻。 四、书法作品落款时间的农历传统雅称摘要 ⒈一月：孟春、初春、上春、端月、初阳、端春、孟陬、春阳、首阳、肇春；
中国画西化介绍范文 目前，在一些受西画风格影响严重的“海归”画家中，很多人都在以西画的创作理念来营造画面。比如，有的运用“焦点透视法”并效仿水粉画和水彩画的画法，有的还效仿木炭画法、素描画法、套色木刻及铜版画法，有的甚至直接把国画当作摄影作品来进行创作。在他们笔下诞生的“中国画”仅仅是以毛笔和水墨在宣纸上制作完成而已，除此之外看不到任何“中国画”的特色，可以说“笔墨”二字的意义已丢失殆尽。“魔民外道，横踞法席”(清钱谦益《绛云楼题跋》)，往往让青年学子深深迷惑而盲目追随。倘我辈熟视无睹，不作厉声指喝，其后果不堪想象。故，我宁愿受当代“外道”、“法席”们的攻击，也不愿让后人指责、唾骂。诸君须知，当一种艺术生硬地去效仿另一种艺术时，即意味着这一艺术的没落。站在传统立场上说，把铅笔当毛笔来使用是成功的，因为我们已具备使用毛笔的经验和能力；若把毛笔当成铅笔来使用，则是失败的，因为这纯属本末倒置。我们若将中国画作成像水彩、水粉、油画、木炭画、版画等一样的效果，即是绝对的没落与失败。此流画人，他们怙恃西洋画之技法与理念，轻视、偭背本民族的传统，丢弃中国画必须具有的笔墨真谛，还恬不知耻地以为这是“前无古人”的艺术创造。此辈犹如病狂之人，往往互染其病，却不知病症从何而来，更不知应当如何医治。正如清初学者钱谦益所言：“如群瞽拍肩而行之于涂。惟须至人指引，不然则扪籥以为日，执箕以为象也。”
或许可以这么说：只有 * 画理念加以剖析、理解，才有可能得到真正的认识；没有真正地了解中国画的理念，就没有资格谈 * 画的发展。 当今的中国画坛，那些以西方绘画理念去“发展”、“创新”、“变革”中国画的人，可以说占了大多数。可是我们也要知道，有的时候真理是在少数人这一边的。如果试图用西画理念来“改造”中国画，无疑是缺乏理性思考的错误之举。我认为，中国画姓“中”，它与服饰、建筑、交通、通讯、医药等实用领域性质不同。在我们的文化领域里，诸如国画、书法、京剧、昆曲这样的民族艺术是绝对不能“中西合璧”的。正如马与驴交合，可以生出一头骡子，但骡子是不能再生育的。这便是“道”。再如，吴冠中的“中西合璧”，我认为也是一个失败的版本———由于他缺乏书法及金石文字的功底，缺乏高超的笔墨技能，作品极易被人仿造。其实，林风眠的画也只不过是一头“出色的骡子”，不能传代！画史上搞“中西合璧”者不胜枚举，这里我必须提及的是郎世宁、蒋兆和、徐悲鸿三位前辈。 意大利画家郎世宁的作品，以西画的表现技法套用了中国画的形式框架来营构画面，再现了十足的东方韵味，博得了东方人的青睐。他是成功的，因为他所绘还是西洋画，是以西画为本体的“中西合璧”。 现代人物画大师蒋兆和早期的作品借鉴了木炭素描的技法，以毛笔、宣纸等传统材料所作的水墨画让人耳目一新。同时，他充满激情的表达，使作品散发出感人的“热辣”气息。他的“中西合璧”在其艺术草创期便一炮打响。然而他中晚期的作品便不能与之前同日而
Chinese painting as one of Chinese traditional art forms, coming from Chinese calligraphy, is a bridge to show Chinese people’s value in life and nature, individual and c ollective, internality and externalism. It is subjectively expressing people’s inner reaction towards the whole society. Conventionally, China’s painting is directly connecting with calligraphy. They are integrative. In Chinese people’s thinking, a traditional poet should be of the capability of painting, calligraphy, poem and music. So as one of the basic skills to be an eligible literator, the skill of painting is indeed important. The painting is the outside expression of the poem content and the image of calligraphy, and it is also the exterior show of people’s inner world. The poem is painting and painting is poem as well. Additionally, many people’s personal ambition or lifelong aim can not be realized by the earthly work, and then the paint their ideal world into their painting. This is one of the origins of Chinese unique painting school, which is literary-painter school. This is a special one only existing in China. Through this artistic form, many expressions on culture could be felt. In gener al, China’s painting was flowering after Han Dynasty.During the time of three kingdoms and the period of Wei and Jin Dynasties, it was a process from unification to separation. The instability of politics, the turbulence of society and depression of economy bought the unusual change in ideology. At this time, the ruling class was thoroughly influenced by the Confucianism and the folk ethos was also changed as it went. The troublous society made a good opportunity for religion spread. The urgent demand and extensive acceptance of all walks of life to Buddhism were available. The character painting extremely expanded and developed instantly. Most of the paintings are concerned about the Buddhism and the stories related. In Tang Dynasty, due to the freedom of religion-believing, the Buddhism painting extremely expanded, including most of China’s world-renowned frescos. The most typical and outstanding representative painter in this period was Wu Daozi, who was famous for his character paintings (religion paintings) and paintings on mountains and waters. In Song and Ming Dynasties, it was the golden time for Chinese paintings. As the flourish of the literature, the painting was also widely welcomed in public. The greatest masters in Song and Ming Dynasties mostly were good at the painting with high-level image. Nowadays it is valued too much! Many schools of paintings were in these periods. Especially in Song Dynasty, there was a very outstanding Emperor was excellent in painting and calligraphy. He created his own painting style and founded the rare royal painting school. However he was not advisable and welcome in politics as an Emperor. In Ming Dynasty, there were also more great painters meanwhile the excellent literators who were tragically failing in royal examination. In China, if you want to understand the painting, you will be learning a little bit about the traditional poem, calligraphy and the exams. Besides, you also should know the general list of Chinese history.
第一课国画工具材料与笔墨介绍 一、教学目的： 1培养对民族绘画的感情。 2认识干湿浓淡墨色。认识中国画的特点。 二、重点难点： 1，认识中国画特点。 2，墨分五色的认识。 三、准备:毛笔、墨汁、调色板、旧报纸、宣纸、抹布。 四、教学过程: （一）课题导入: 今天，我们要学国画。 （二）新授: 1、介绍中国画: 中国画是我过传统的一种绘画形式，具有强烈的民族特色，与民族风格，称国画。历史悠久，风格独特，在世界美术领域中自成体系。 2、介绍工具: a)笔:羊毫笔、狼毫笔、白云笔。b)墨:有松烟、油烟。c)纸:宣纸--生、熟。d)砚:砚用的是石头。e)色:可用水彩颜料代替。 3、各种工具的保管方法。 分类: 1，题材:人物、山水、花鸟。2，方法:工笔、写意。 墨分五色: 焦、浓、重、淡、清。 笔法:中锋，侧锋。 分辨: 浓淡墨。中侧锋。干湿画法。 学生练习，教师指导。 （三）小结:讲评。
第二课墨与彩的韵味 一、教学目标 引导学生体验水墨画的韵味和审美情趣，从中感受中国传统文化的魅力，认识美术的文化性与历史继承性。 二、教学重点和难点 1、教学重点:指导学生掌握材料和水分的关系，调动学生主动性，放开手脚，大胆创意，表达自己的感受。 2、教学难点:引导学生对水墨画的韵味的理解和感受，并表现在自己的画上。 三、课前准备 范画数张，生宣纸数张，毛笔，笔洗，画毯，中国画颜料等。 四、教学过程: （一）组织教学: （二）导入新课: 1.学生体验: (1)拿出生宣纸和毛笔，让学生谈一谈，宣纸和图画纸有什么不同?教师总结:宣纸和毛笔以及墨是中国画的工具。这也是中国画不同于其它画种的主要特征。 (2)让学生动手用墨和水在宣纸和图画纸上随意涂画，然后看看有什么不同? (3)教师展示范画并提出问题:这些画是用什么材料画的?有什么特点?学生分组讨论，教师总结:这些作品是利用水和墨在宣纸上的冲化、融渗产生的浓淡变化，通过墨与彩的泼洒、点染、堆积形成墨、色、水相互辉映的效果。这种效果妙在似与不似之间，令人回味无穷，这就是水墨画的韵味。
国画入门,中国画欣赏,中国传统艺术 篇一：中国传统艺术赏析——传统水墨画的艺术赏析论文 中国传统艺术赏析 ——传统水墨画的艺术赏析 摘要：面对全球化浪潮，中华文化在与异域文化的交流碰撞中，会产生矛盾，会出现火花。但其优秀成分最终会融入本土文化的洪流中，成为传统文化的一个组成部分，中国水墨画的发展也不例外，中国水墨画具有十分悠久的历史渊源，同时也具有与时俱进的时代风格。它不仅是中华文化的国宝，也是传承中华民族精神的主要载体。作为民族的优秀文化遗产，它将在新的时代精神相结合中获得新生。本文通过简单介绍水墨画，进而对齐白石的画进行简要赏析。 关键词：中国水墨画齐白石艺术赏析 正文： 通过一段时间美术鉴赏课的学习，我对中国画这种艺术形式产生了浓厚的兴趣，尤其是中国水墨画。通过对一些文章及其视频进行简单的学习，也产生了一些思考，论文将针对水墨画进行一番陈述和探讨。 水墨画又被称为国画，被视为中国传统绘画的代表，基本的水墨画是指的仅有水与 墨，画面为假单的 黑白色，但进阶的
水墨画，也有工笔 花鸟画，色彩缤纷。 墨为中国画特有的 材料，水墨画中用水与墨的不同比例配出浓墨，淡墨，干墨，湿墨，焦墨等，可以用来花车不同浓淡的层次。 水墨画有自己独特的特征，历史上南朝谢赫的古画品录里有评论说中国画讲究“气韵生动”，“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉，不拘泥于物体外表的肖似，多情调抒发作者的主管情趣。与西洋画的不同之处在于，西洋画是“再现”的艺术，中国水墨画则是一种“表现”的艺术，国画主要表现的是“气韵”，“境界”。 （一）水墨画的分类 水墨画可分为人物画，山水画，花鸟画，界面等几种。人物画是我国传统的画科之一，内容以描绘人物为主。因绘画侧重不同，又可分为人物肖像画和人物故事、风俗画。据记载，人物画在春秋时期已经达到很高水准。从出土的战国楚墓帛画，可以看到当时人物画的成就。人物画一直是中国传统绘画最主要的画科。山水画，简称“山水”，中国画画科之一。是以描写山川自然景色为主题的绘画。在魏晋六朝，逐渐发展，但仍多作为人物画的背景；至隋唐，已有不少独立的山水画制作；五代、北宋而益趋成熟，作者纷起，从此成为中国画中的一大画科。主要有青绿、金碧、没骨、浅绛、水墨等形式。在艺术表现上讲求经营位置和表达意境。花鸟画，我国传统绘画画科之
中国传统艺术赏析 ——传统水墨画的艺术赏析摘要：面对全球化浪潮，中华文化在与异域文化的交流碰撞中，会产生矛盾，会出现火花。但其优秀成分最终会融入本土文化的洪流中，成为传统文化的一个组成部分，中国水墨画的发展也不例外，中国水墨画具有十分悠久的历史渊源，同时也具有与时俱进的时代风格。它不仅是中华文化的国宝，也是传承中华民族精神的主要载体。作为民族的优秀文化遗产，它将在新的时代精神相结合中获得新生。本文通过简单介绍水墨画，进而对齐白石的画进行简要赏析。 关键词：中国水墨画齐白石艺术赏析 正文： 通过一段时间美术鉴赏课的学习，我对中国画这种艺术形式产生了浓厚的兴趣，尤其是中国水墨画。通过对一些文章及其视频进行简单的学习，也产生了一些思考，论文将针对水墨画进行一番陈述和探讨。 水墨画又被称为国画，被视为中国传统绘画的代表，基本的水墨画是指的仅有水与 墨，画面为假单的 黑白色，但进阶的 水墨画，也有工笔 花鸟画，色彩缤纷。 墨为中国画特有的
材料，水墨画中用水与墨的不同比例配出浓墨，淡墨，干墨，湿墨，焦墨等，可以用来花车不同浓淡的层次。 水墨画有自己独特的特征，历史上南朝谢赫的古画品录里有评论说中国画讲究“气韵生动”，“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉，不拘泥于物体外表的肖似，多情调抒发作者的主管情趣。与西洋画的不同之处在于，西洋画是“再现”的艺术，中国水墨画则是一种“表现”的艺术，国画主要表现的是“气韵”，“境界”。（一）水墨画的分类 水墨画可分为人物画，山水画，花鸟画，界面等几种。人物画是我国传统的画科之一，内容以描绘人物为主。因绘画侧重不同，又可分为人物肖像画和人物故事、风俗画。据记载，人物画在春秋时期已经达到很高水准。从出土的战国楚墓帛画，可以看到当时人物画的成就。人物画一直是中国传统绘画最主要的画科。山水画，简称“山水”，中国画画科之一。是以描写山川自然景色为主题的绘画。在魏晋六朝，逐渐发展，但仍多作为人物画的背景；至隋唐，已有不少独立的山水画制作；五代、北宋而益趋成熟，作者纷起，从此成为中国画中的一大画科。主要有青绿、金碧、没骨、浅绛、水墨等形式。在艺术表现上讲求经营位置和表达意境。花鸟画，我国传统绘画画科之一。以描绘花卉、竹石、鸟兽、虫鱼等为画面主体。四五千年以前的陶器上出现的简单鱼鸟图案，可以看作最早的花鸟画。据唐代张彦远《历代名画记》中的记载，东音和南朝时，画在绢帛上的花画已经逐步形成独立的画科，并且出现一些专门的画家。五代、两宋间，这一画科更趋
中国国画的特点的介绍，一共分五步进行讲解，其中部分观点来自中国专业字画交易平台-易从字画商城，查看更多好的字画作品也可以直接登录易从字画商城网站。 中国国画的特点一：传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。 中国国画的特点二：中国画有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。 中国国画的特点三：从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。 中国国画的特点四：中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。 中国国画的特点五：在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被当做中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。 以上谈的中国国画的特点，主要是指传统的中国画而言。但这些特点，随着时代的前进。艺
中国水墨画的发展史 据史书记载，中国最早的水墨画产生于东晋（公元317——420年）时期。戴逵的《吴中溪山邑居图》、顾恺之的《雪霁堂五老峰图》是最早出现的水墨画。 顾、戴之后，水墨画进一步发展，并且出现了专门评论水墨画的论著。可见，水墨画在当时已经比较流行。其中宗炳和梁元帝为有名的水墨画评论家。 唐代（公元618——907年）是水墨画发展的鼎盛时期，出现了许多有名的大画家，如吴道子、李思训父子、王维等人。吴道子被后世称为画圣，他的水墨画一改前人细巧之积习，行笔纵放，如雷电交作，很有气势。李思训善画着色山水，他的儿子李昭道也是有名的水墨画家，师其父而有自己的风格，后世称他们父子的水墨画为大小李将军山水。王维襟怀高旷，迥超尘俗，首创渲淡画法。以水墨皴染之法而作破墨山水，以清淡闲逸为归。水墨画发展到唐代，出现了水墨画的南北两个画派。吴道子、李思训为北宗之祖，王维则为南宗之祖。 五代时期（公元前907——960年），水墨画进一步发展创新。这个时期有名的水墨画家有荆浩、关同、徐熙和黄筌。荆浩尤妙山水，善为云中山顶，四面峻厚，笔墨横溢。关同初师荆浩，刻苦钻研画道，中年之后，又学习王维的画法，自成一家。他喜作秋山寒林与村居野渡、幽人逸士、渔市山驿。他的画讲究用笔，笔愈简而气愈壮，景愈少而意愈长。徐熙善画花果、草虫。他的画“落墨以写其枝叶蕊萼，然后傅色，故骨气风神为古今绝笔。”黄筌善画禽鸟、山水，成一家之法。他画的花鸟，先以墨笔勾勒后傅以彩色，浓丽精工，称为双勾体。从徐、黄两个人的画来看，徐熙代表南宗，黄筌代表北宗。民俗节庆网 宋代（公元960——1279年）水墨画家最有代表性的要数李成、范宽、董源、巨然四人。李成初师关同，后来也自成一家。后人评论他的画时说：“其画精通造化，扫千里于咫尺之间。山林泽薮平远寒林写于笔下，其妙入神，古今一人。”范宽、董源、巨然的画都有“不装巧趣，皆得天真”的特点。 元代（公元1271——1368年）水墨画家主要有黄公望、王蒙、吴镇和倪瓒四大家。黄公望则推为元季之冠，他师学董源、巨然，后来自成一家。他初居富春（今浙江富阳），领略江山自然之美。他总是随身带着纸笔，凡遇到美丽的景色就当场写生。后来移居虞山，使他有机会观赏虞山一年四季乃至每天早晚不同时间中虞山风光的变化。由于他师法自然，因此他的水墨画风光秀丽，变化万千。 明代（公元1368——1644年）水墨画分浙派、吴派和院派。浙派代表画家为戴进、蓝瑛，院派则以仇英、唐寅最有名气，吴派的画家主要有沈周、文征明等人。在浙派画家中，戴进当推第一，他的山水、道释、人物、花鸟、翎毛、走兽无所不工。沈周、文征明、董其昌、陈继儒被誉为吴门四大水墨画家。 清代（公元1644——1911年）水墨画家以四王为最著名。他们是王时敏、王原祁、王鉴和王荤。另外，佛门画家道济和八大山人也在水墨画坛享有很高的声誉。
宋代美术发展概述 姓名：柏赛 学号：0902******* 专业：思想政治教育 学院：社会发展学院
宋朝（960年—1279年）采取重文轻武的施政方针，一方面虽在军事上积贫积弱不敌北方邻国，另一方面，相对而言，宋朝也是中国历史上经济与文化教育最繁荣的时代之一。农业、印刷业、造纸业、丝织业、制瓷业均有重大发展。宋代大兴水利，大面积开荒，又注重农具改进，各种新的农具在宋朝出现，农业发展迅速。航海业、造船业成绩突出，海外贸易发达。儒学复兴，政治较稳定，兵变、民乱次数与规模在中国历史上相对较少较小。 科学技术也有长足的进步。两宋的科技成就，不仅成为我国古代科学技术史上的一个高峰，而且在当时的世界范围内也居于领先地位。对整个人类文明发展产生重大而深远影响的我国古代四大发明，其中的三项——活字印刷、火药、指南针——就是在两宋时期完成或开始应用的。而沈括的《梦溪笔谈》被认为是“中国科学史上的坐标”。其他比如数学、天文、物理、化学等方面两宋时期都取得了重要的成就。 经济的繁荣，社会的稳定，科技的高度发达，都给工艺美术的发展提供了难得的时机与条件，宋朝的美术取得了辉煌的成绩。 美术多元发展 这一时期，宫廷画院规模齐备，名家层出不穷，传世之作很多，作为主流的院体画达到巅峰。而由于城市经济发达，商业性绘画大量出现，职业绘画异常活跃。有一些隐居乡野的文人将吟诗作画看作是风雅生活的一部分，因而这一时期，非主流的文人画也形成潮流。 宫廷绘画、职业绘画和文人绘画共同推动宋代美术的发展。 院体画，是指由宫廷设置的画院画家的画。正式的画院出现于五代的南唐和西蜀。两宋时期，院体画形成完备的理论和制度。这类作品为迎合帝王宫廷
朔州师范高等专科学校 《中国画》 课程标准 美术教育专业 美术系
一、课程的性质、目的与任务 通过课程的学习使学生了解基本的中国画发展史方面的知识及掌握中国画方面（山水、花鸟、人物）的基础技法、造型规律，树立中国画的审美意识和造型观念，在中国人物画，山水画、花鸟画理论修养和实践表现方面，具备比较全面的认识能力和扎实的表现能力。 二、教学的基本要求或建议 本课程是美术学专业学生的专业必修课程，也是一门以理论指导的专业技法课程。其教学内容涉及中国山水画，中国工笔花鸟画和写意花鸟画，中国工笔人物画和写意人物画。采取理论讲授，课堂示范、课堂练习辅导的教学方法，做到理论和实践相结合，并适当运用多媒体教学，提高教学方法。 三、内容纲目及标准 第一部分绪论（建议学时数：4课时）第一学期学习目的和要求：本单元主要从中国画发展史、中国画的分类及其工具特点使学生从理论上了解中国画的基本知识。 重点和难点：了解和掌握中国画发展史、中国画的分类及其工具特点，使学生从理论上了解中国画的基本知识。 （一）中国画的表现方法 1、追求神似 2、注重意境 3、抒情寓意 4、突破时空限制 5、以墨线为造型的主要手段 6、采用程式化的表现手法。 （二）中国画的综合性 1、中国画的题款 2、中国画的印章
（三）笔墨纸砚，文房四宝 1、中国画毛笔 2、宣纸 3、中国画墨 4、砚 第二部分山水画（建议学时数：28）第一学期 教学目的：通过中国山水画部分的专业学习，使学生了解山水画的用笔、用墨、用色的表现技法，掌握山水画的造型艺术规律，熟悉中国画的工具材料，掌握中国山水画临摹、写生的基本方法。 教学的重点难点：山水画的用笔、用墨方法 一、山水画的用笔技法 （一）用笔 （二）山石的画法 （三）树木的画法 二、山水画的用墨法 （一）墨与水和笔的关系 （二）传统山水画的用墨法 三、山水画的用色 （一）墨与透明色 （二）墨与不透明色 四、中国山水画构图的形式法则 五、山水画独特的透视处理 第三部分花鸟画（建议学时数：64课时）第二、第三学期教学目的：通过本章的学习，使学生了解写意花鸟画的基本规律和基本要求，掌握工笔花鸟、花鸟白描、写意花鸟画表现的一般技法。 教学的重点难点：工笔花鸟中骨法用笔与勾勒技法，写意花鸟画的几种常用