西方设计史纲
A Short History of Western Design
童慧明教授编
广州美术学院设计分院
设计艺术学系教材
2002 年5月
西方设计史纲
总论：设计史的基本观
当我们站在新世纪的门坎上，回望过去的90 年代，已经看不到所谓的“80年代风格”的出现。上世纪中叶的设计家和建筑师们会因产生一种崭新的、能够代表当时风格的需求而激动，但今天的设计家和建筑师们却陷入一个多元的、由过去和现代构成的多种风格并存的幻梦中。
曾几何时，对新技术的乐观态度启迪了塑造风格的设计家们信奉以机器生产为基础的单一美学理念，但这种现象在90年代以后已荡然无存。今天的消费社会所需要的商品反映了这个时代的分裂性和品味多元化。对这种变化，设计界已经心领神会，设计家们深知自己的历史使命，他们的责任在于如何针对这些多样性和随时都在变化中的需求创造出满足社会大众的商品。
基于这样的现实，“西方设计史纲”旨在重点描述和解释过去的一个半世纪中，西方发达国家设计发展过程中的主要事件和风格、人物，希望籍此激发新世纪的设计师们创新的灵感，并把设计先辈们不断改变自己的方向、以适应大众消费发展的创新精神发扬光大。
从1850年开始的工艺美术运动，经新艺术运动、功能主义、装饰主义、现代主义、波普艺术运动、后现代主义运动，西方设计舞台上发生的风格交替证明，在整个设计历史进程中，“折衷主义”是一种持续存在的思想内核。当新的风格失去活力的时候，必然会出现以新面貌复苏的旧风格，如此生生不息地演进。
今天，由于信息时代大众传播媒体的发达，这些风格可以凭借媒体更迅速、更频繁地出现在人们面前。消费者对“新颖性”不厌其烦地持续追求，也在不断定义着消费生活形态的特色，要求设计师必须绞尽脑汁，不仅要设计出满足消费需求的产品，而且要前卫地引领社会。
温故知新，在追求前卫风格的同时，设计师会发现过去的历史实在是自己创新的源泉和宝藏。
对刚刚跨入设计行业的年青学子来说，对“西方设计史”的学习无疑是一次学养的旅程，在探究今天的设计风格究竟由何而来的同时，学会从经济、技术、意识形态和文化的各个角度去认知“设计变革”这一复杂的社会发展现象，并且逐渐掌握如何在特定社会环境下使用适当设计风格的判断能力。
一辩证的社会发展史观
设计自诞生之日起，就决定了它处于人类社会科学技术、经济贸易、意识形态、政治军事和文化艺术发展的交汇点上，属于多元因素相互作用的边缘学科。一部设计史实际上就是设计在诸多社会因素相互促进、相互制约作用下发展衍化的历史，同时也是人类物质文明进化发展的历史。
学习与研究设计的历史，要求我们必须以辩证的社会发展史观认识设计的发展与进步，在吸收浩瀚的设计历史素养的时候能够以“多元”的观察方法从各个角度认知设计历史中的事件、观念和人物。
1. 社会进步催化设计诞生
人类文明社会的进步，是各个历史阶段设计发展的催化剂。
在人类历史进入工业化社会之后，任何一个国家或地区在从不发达走向发达的工业社会历程中, 尽管在时间上可能有几十年甚至上百年的差距, 也尽管会有社会制度的不同, 在设计发展进程中总避免不了这样四个主要阶段：
盲目的工业化大生产(供不应求的无设计的社会)；
重视促销媒介的设计(开始出现竞争)；
重视商品设计(市场竞争激烈)；
设计管理(通过优良设计保持领导市场) 。
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2. 科学技术推动设计发展
在所有影响设计发展的重要因素中，科学技术是第一推动力，历史上每次科技革命的出现，均带来设计发展的根本性突破。
A 第一次科技革命（蒸气机时代 1750 年）：
动力和机械的发明 → 工业生产中技术和美学的裂缝 → 现代设计形成
B 第二次科技革命（电气化时代 1900年）：
电子技术和新材料新工艺的发展 → 开拓了机电产品设计新领域，扩展了设计自由度
C 第三次科技革命（微电子时代 1950 年）：
微电子技术的发展 → 电脑的发明和广泛应用 → 设计手段的进步：CAD 和CAM
D 第四次科技革命（信息时代 1980年）：
信息技术的发展 → 设计向服务行业靠拢，向整合策划方向发展。
伴随人类社会文明程度的提高，设计的社会价值以及对社会发展的影响也越来越明显。尤其是在 20 世纪，当“现代设计”诞生后, 逐步由被动地接受科技发展的影响成长为一个独立的社会学科, 并作为科学技术的孪生兄弟, 交替主导着现代人类生活方式的变化，两者之间逐渐构成对立统一的相互关系：
A 当科技产生重大突破时, 技术在人类生活中作为主导；
B 当科技处于相对平稳发展时, 设计上升为影响生活方式的主导。
3. 艺术是设计创新的源泉
艺术作为人类精神生活的重要内容之一，自始至终成为设计发展中影响视觉审美形态变革的创新源泉，并因此引发设计观念的革命。历史上每次设计审美风格的更替与流行，无不是以艺术观念的转变为先导的。
在历史的某一阶段，艺术与设计表现为两个彼此关联的事务，但在另一阶段，却可能表现为相互融合、界限模糊的统一体（如中国古代美术与设计在的发展在晋朝之前是合一的，许多现代设计作品尽管也具备物质功能，但在实际使用中，人们更愿意将其视为艺术品）。
二. 对立统一观
1 设计自身的矛盾对立（内在）：
现代设计在形成发展过程中，始终暗含着一个对立的矛盾体系：
2． 设计因素因历史变革而改变重要性
在不同历史阶段，对立统一的两种矛盾因素在设计发展中常常交替上升，占
据主导影响地位。可分两方面看：
A 纵向看（历史的发展）
物质生活提高 → 精神因素占优势
物质生活下降 → 物质因素占优势
B 横向看（社会阶层的不同）
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贵族阶层→精神因素占优势
大众阶层→物质因素占优势
思考题:
1以辩证的社会发展史观学习西方设计史，学会由多角度观察设计运动、风格、事件、人物与作品。
2以对立统一观认识设计发展中的矛盾因素，在比较中思考设计变革的规律。
第一章技艺精湛的手工艺时代
――1850 年以前的设计
一导言(1750年以前)
自人类有历史记载以来，就开始了造物的旅程，远至原始社会，我们的祖先已经在打制石器过程中，朦胧地认知设计的基本元素。
技术的提升以及新材料的应用，是推动朝代更迭的发动机。在人类社会数千年的演进中，是各类工匠的智慧和创造，营造了各个时期社会生活的风貌。而“手”――这一人类区别于任何高等动物的肢体潜在的无穷创造力，也在这个过程中永无止境地释放着。
中国唐宋文明的璀璨，西方洛可可风格的奢华繁茂，既可视为是社会物质富足的写照，也可理解为是工匠们技艺水平的炫耀。但不管你怎样看，工匠们的确在凿刻着历史。
直到有一天，人类突然发现“手”的制造频率已不能满足自己贪婪的物质欲望。于是，智者们开始思考任何延长自己的“手”――“机器”呼之欲出了。不管人类如何留恋自己十分熟悉的、已延续了若干个世纪的手工艺时代，但还是要向其告别。
在尔后的世纪里，每每人类在创造力枯竭的时候，都会不约而同地回望遥远的手工艺时代，总觉得那个被称为“传统”的时代是自己美学和创造力的故乡，从中可以“充电”、可以修养身心，以应对自己所处的这个瞬息万变的时代。
1手工艺时代生产特征：
A 完全以手工具制作物品，单件或小批量生产成为其主要生产特征。
B皇朝宗教、官宦贵族等社会上层的特权阶级控制社会，封建行会壁垒严重。
C科学技术在生产领域中的发展极其缓慢，并且是小规模的、局部的运用。
D高雅文化与市井文化形成极大差别，高雅艺术（即所谓的“大美术”）与工艺美术（即所谓的“小美术”）界限分明。
2 手工艺时代设计面貌：
A手工艺人既是设计者又是制造者，设计与制造合而为一；既是技术的拥有
者，又是某个特定时代审美风格的传承者。
B设计服务以特权阶层为定位，流传下来的均是达官贵人的用品。
C设计品类集中在：木家具、玻璃与陶瓷日用品、金银器饰品等。
D生产规模小，工具简单，产品技术含量低，材质选用时较多考虑其象征意
义，而忽视其技术要求和使用功能。
E “设计”尚未从生产领域中独立出来，技术与美学是一种“天然的结合”。
3 手工艺时代的发展因素：
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A 行会制度
封建行会起初是秘密存在的，最早出现在10世纪的意大利，之后遍及英、
法、德等国。行会的目的是：防止行业内部及外来的竞争。会员入会要有严格的考试，各行会都有严密的规章制度，定价出售，不许做广告。因而产品以自身特色赢得竞争中优势的手段受到行会制度的限制，设计发展缓慢。
B 手工工场
中世纪商品经济发展较快的城市主要集中在地中海沿岸地区，手工工场在公
元14-15世纪开始大量出现。当时使用的工具相当简陋，手工工场中的劳作者都
是些既熟练掌握技术又了解传统式样的工匠，设计活动是自然的契合在生产过程
中的，很难确定某件产品的真正作者。
C “大美术”与“小美术”之分
文艺复兴时期，随着艺术的兴旺，许多有识之士开始考虑纯艺术和应用美术
之间的差别。被誉为“艺术之父”的意大利艺术家和工艺美术师瓦萨里（Giorgio Vasari，1511-1571）确信“Disegno”(该词后来逐渐演变成“Designer”，即“设计师”)是一种不同于艺术家的创造者，称他们的创造是手工艺式的。明确区分出了“大美术”（Fine Art）和“小美术”(Applied Art)概念,这个裂缝一直保持到“工艺美术”运动时期。
二．近代手工艺的主要设计风格
1巴洛克风格
14世纪末，欧洲沿海国家由于手工技艺的进步，社会劳动分工日益深化，城市商品生产繁荣，资本主义因素快速发展起来，与之相伴产生了资产阶级。这个新生的社会阶层为了动摇封建统治和确立自己的社会地位，在上层建筑领域掀起了“文艺复兴运动”，即借助古典文化来反对封建文化和建立自己的文化，其思想基础是“人文主义”。
文艺复兴运动在建筑领域最典型的表现就是以罗马教廷中的耶苏教会倡导的“巴洛克风格”。由于罗马教廷从西班牙得到巨额贡赋而出现新的建筑热潮, 主要是在罗马修建了大量中小教堂、城市广场和花园别墅, 因其拥有新的、鲜明的特征, 开始了建筑史上的新时期。
“巴洛克”这个词的原意是“歪扭的珍珠”，最初人们使用此词是带有贬意，但后来由于其突出的视觉效果并且开创了建筑美学的新天地才流传开来。
巴洛克风格从形式上看是文艺复兴的支流与变形，但思想出发点却与人文主义截然不同，其目的是要在教堂内制造神秘肃然、同时又带有标榜教堂富有的珠光宝气的气氛。其主要艺术形式有如下特点：
A 采用波浪形曲线或曲面、断折的檐部与山花、疏密有致的柱子排列来助长立面与与空间的凹凸起伏和运动感。
B 大量堆砌高浮雕和大面积的壁画作为室内装饰，来渲染脱离现实的宗教氛围。
2法国古典主义风格
17世纪，与巴洛克风格同时并进的有“法国古典主义风格”。
法国自16世纪始致力于国家的统一，到17世纪中叶成为欧洲最强大的中央集权国家。国王为了巩固君主制度，竭力标榜绝对君权，把君主制说成是“普遍与永恒的”，并在宫廷里倡导能象征中央集权的有组织、有秩序的古典主义文化，由此开始了建筑设计领域的古典主义风格新时期。这种风格具有如下特点：
A排斥民族传统与地方特色，崇尚古典柱式，强调柱式必须恪守古典（古罗马）规范，在总体布局、建筑平面与立面造型中突出轴线对称、主从关系，以及中心点和规则的几何形体。
B 强调外形的端庄与雄伟，内部竭尽奢华之能事，在空间效果与装饰上带有强烈的巴洛克特
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征。
这种风格尔后甚为先后走向君主制的欧洲国家所效仿。
3 洛可可风格
18世纪上半叶，在法国宫廷的室内装饰中又开始流行一种称为“洛可可”的
装饰风格。这种风格脂粉味很浓，很大程度上受到路易15时期贵夫人主持宫廷活动的影响。
洛可可装饰追求柔媚细腻的情调，题材常为蚌壳、卷涡、水草及其它植物曲线花纹，局部点缀以人物，并以很强的程式化图案语言表达，色彩常为白色、金色、粉红、粉绿、粉黄等娇嫩的色调。
同时，由于欧洲的远洋贸易带来了灿烂的东方文明。神秘的东方艺术也成为洛洛可可吸取营养的源泉，中式人物、花鸟画也在洛可可风格的室内装饰中频频出现，并以大量饰金的手法构成金碧辉煌的氛围。
三现代设计的孕育（工业革命时期1750年——1850年）
1. 时代特征：
这是个革新的年代。政治上，英国经过一个世纪的资本主义发展，已进入成熟期；法国和美国也在此时完成了政治革新。科学技术上，迎来了历史上的大发展，科学界经历了翻天覆地的变革，蒸汽机、纺织机等大批机械被发明，材料工艺和生产技术也有长足进步。经济上，世界性经济分工由于资本主义国家的扩张逐渐形成。思想文化领域，民主思想、理性精神深入人心。
2. 设计面貌：
A 手工艺人直接控制最终产品的传统方式受到了极大的挑战，生产中技术
人员和美术人员逐渐分离。
B设计服务的对象分为：贵族和大众两种。
C设计品类：玻璃、陶瓷、机具、家具、银器
D机器大量出现，技术和美学在生产领域第一次出现裂缝，但这种危机并
没有被普遍意识到。在解决这个问题时形成了两种途径：一种是回避使用机器，继续采用手工业方式生产；另一种是使用机器生产时，把技术和美学分开来对待，两者在产品中只是简单相加。
3. 重要因素：
A 大机器生产
蒸汽作为比以前风力、水力等更有效的动力，出现在工业革命早期，使机器
大规模的介入生产成为可能。这一时期的最显著特点就是大量的机器被发明出来，并且在机器一步步进入生产领域的过程中，原来的工匠显得无所适从。
B 行业变革
由于各生产领域并不是在机器出现后，便立即大规模采用机器生产方式，因
而设计在各个行业中的发展是不平衡的。纺织业、玻璃陶瓷业、家具业和小五金业是最早体现设计形成发展的几个行业。
1) 纺织业
从飞梭、纺纱机、织布机的发明，到1783年滚筒印花技术的出现，专门从事图案绘制的人员顺利的从生产领域中分离了出来，成为最早的染织设计师。
2) 陶瓷业
以英国韦奇伍德Wedgwood 陶瓷公司(1730-1795)为代表，该公司积极改革生产工艺，聘请设计师，1775年专业设计师就有7名，代表作是1763年开始生产的一种乳白色日用陶器，也被称为“女王”牌陶器。
3)家具业
以托马斯·切普代尔（Thomas Chippendale，1718-1799）的家具工厂为代表。1754年他出版了样本图集《绅士与家具指南》，具有代表性的是“中国风”家具。
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4)小五金业
以马修·保尔顿（Matthew Bowlton,1728-1809）1761年在索活创建的铸造厂为代表。主要生产金属纽扣、表链、别针、烛台等小饰品和生活用品，当时的生产规模已相当大，雇佣超过600人，并采用了镀银、镀金技术。
思考题:
1人类发展的历史即手工艺发展的历史，手工技艺的进化折射人类文明；
2艺术与手工艺的发展密切关联；
3工业化的出现是商业发展的结果；
4由于工业化的出现，近代西方国家在科技领域超越了东方；
5近代西方的三个主要艺术设计风格。
第二章为适合目的而设计
――1850－1900 年的“工艺美术运动”
在“工艺美术”旗帜下，这个运动或许可以被定义为……在“生活本身就是一种创造”的理念下推进一场运动，使人类的精神活动都被赋予创造力。
―――科博登.山德森 (T.J.Corbden Sanderson 1906)
一导言：
工艺美术运动的兴起源于 19世纪工业化所引起的意识形态反应――一般社会舆论认为工业革命已经剥夺了工匠们赖以生存并以此为傲的手艺，并导致工业化制造的产品品质和设计水准大大降低。对这种社会舆论产生导向的是为数不多、却极具影响力的个人和他们所从属的组织松散的社会团体。
工艺美术运动在 19 世纪中期之后英国的艺术活动和社会思想上扮演了重要角色，并促成了全欧洲和美国开始对装饰艺术给予新的评价。科技成果大量运用，生产方式极大转变，商业飞速发展。
工艺美术运动风格缘于工艺制造过程和工匠本身象征艺术崇高地位的认定。它代表着一种追求造型、机能和装饰之间的自然和谐关系，其中的一个原则就是一件事物必须符合它为什么被生产制造的目的。为了找寻合理的解决方式，一个风格的产生必须经由各个不同领域获得灵感，这些领域是艺术的，同时也是心智方面的，范围从哥德式样到含有浓厚地方传统色彩的抽象有机造型。
这个时期的式样通常都使用线条的、毫无装饰的或是有机形式所组合而成的简单造型，此现象部分是由于大量的早期哥特式建筑的影响所致，最明显的例子可从摩里斯公司等早期产品中获得印证。另一方面则承袭简洁和朴素的当地传统。这可以从当时许多工艺美术运动设计家那些造型简洁、毫无装饰、线条有力的家具作品上看出来。这些造型单纯的作品中，装饰主要是来自于制造和施工方式，木钉和接榫形成了家具表面的图案特色，铁锥的印子形成了金属器具表面轻微凹陷的材质，而陶瓷亮丽的颜色则是由于素烧过程所产生而来的。
对许多设计师而言，自然界的植物、鸟类和动物造型是非常重要的灵感来源。威廉. 莫里斯被视为这一运动最杰出的大师，几乎在他所有的纺织品和壁纸平面设计上都应用了自然造型。另一方面，英国的韦奇伍德陶瓷也因大量使用自然动植物造型而著名于世。
工艺美术运动远超乎仅仅是一种艺术风格的发展运动，其理念是「风格本质上是和社会相关的而且是社会必然呈现的结果」，工匠们被视为艺术家，而艺术活动本身则为一种高尚且对社会具有正面作用的动力。
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二工艺美术运动的启示：
英国各地的哥特式大教堂带给19世纪中期的设计师们无穷的灵感来源，每个细节都是那么单纯和和谐。对中世纪的艺术工匠而言，哥特式教堂可以说是当时设计上的圣经，不论在普通事物，或是在需要不同工艺技巧的设计上，哥特式风格都被实现于其中。因此哥特式的结构很快地被应用于当时的室内装饰和家具设计上。
但尖锐的拱门、圆柱和四瓣花式样则来自另一个主要的派别――中世纪风格，简朴的农舍仅用当地生产的材料，没有任何人工添加品以掩饰其建造方式。这种“遁世主义”使得设计家们钟情于日常所见到的自然美景、草原植物和胆怯的乡村动物。当时，古典的中世纪文化产生了最重大的影响，文学、印刷、礼仪、建筑和其他工艺品都是封建式的，这些工艺品包括编织的挂毯、彩绘玻璃、石膏和木工作品。
三工艺美术运动的理论基础：
对装饰艺术水准全面低落的关切，早在19世纪初就已经在有心之士的呼吁中反映出来。当这种呼声在19世纪中期达到热潮和强烈的批判时，也就不是新鲜或值得惊奇的事了。
早在1836年，英国就曾设立一个议会式设计选拔委员会来审核此类问题。为了协调这一个条例，当时英国举国上下都非常关切英国的道德价值观，一般衡量一个国家的道德和伦理结构可以由其艺术作品中反映出来，如果艺术水准很差的话，该国家的国格便不会好到那里去。
在众多的意见中，建筑师查理士·考克罗尔(Charles Cockerel)直言不讳地发表他个人的理念：“为了经济理由而以机械过程代替人类的双手和大脑，一定会降低艺术品质，最后甚至将毁灭艺术”。他的观念深受众人赞同：装饰艺术品质的低落大部分是因为工业化的结果，大量生产往往是牺牲品质的代价所换来的。
制造水准的低落，当时一般认为部分原因来自于设计水准不够的缘故，而设计水准不高的原因不在于设计人资质不够，而且是由于教育和启发创造力的休闲不足所导致。考克罗尔曾就此点批评政府努力不够，并指出美国政府在设立学院和学术发展机构，以指导艺术和制造方面较有系统和成效卓著，并且将普及层面由产品制造者扩展到社会的每一阶层。
英国政府的确有注意到这个问题，而且也开始了现代艺术学校和博物馆体系的规划：
A 1872年在伦敦创建“维多利亚与奥尔伯特博物馆”(Victoria&Albert)；
B1873 年创建国立的“中央工艺美术学校”，其宗旨在于训练设计师如何为产业做设计，但是到19世纪末叶并没有达到预期的目标。
此时，身为作家及装饰设计专家的欧文·琼斯(Owen Jones)重新提出他在1856年的提议：“除非所有的人们、艺术家、制造业者、社会大众受过较佳的艺术教育；除非大家认同一般设计原则，否则要提升当代的艺术水准是不可能的”。
接着，威廉.雷瑟比打着工艺美术运动的理念，先后于1896年担任伦敦中央工艺美术学校和后来的英国皇家美术学院（RCA）的院长，训练学生如何配合产业需求从事设计工作，雷瑟比的驱动力和启发成为20世纪英国和欧洲各国晚一辈设计学院人士遵循的典范。
1 哥特式建筑典范
奥古斯特·普金(Augustus W.N. Pugin) 是英国首先对设计水准低落提出批评的人士之一，他在大量推广其设计理念的同时，把美学价值的低落和一个国家的道德立场低落看成相关联的事。他的理念“一个国家的艺术是该国人民道德水准的代表”在19世纪中叶广为流传，要解决此一问题必须重整社会。
普金选择哥特式建筑作为设计参考的典范。对普金而言，哥特式艺术和建筑不仅代表一种风格，也是一个真正基督教社会的象征，只有回归到哥特式艺术和建筑才能治疗19世纪的社会疾病。
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为达此目的，他成为中世纪最为活跃的艺术斗士，并对尔后的工艺美术运动有长久和持续性的影响。在他之后，有约翰·拉斯金，再后一辈的建筑师和设计家如威廉·伯爵斯、理查·萧、威廉·莫里斯和间接受他影响的美术工艺运动后起之秀。
哥特式风格为普金提供了可以改革社会的工具。他经由设计建筑物和一般物品去阐发理念，并启迪后进的工艺美术猛将。普金最著名的计划是重建于1835到1837年间、以取代1834年毁于火灾的老建筑的英国新国会大厦装饰设计。新的哥特式国会建筑当时被视为英国的象征，而且因其宗教渊源与19世纪粗糙的工业化主义形成强烈对比，被认为提升了英国人民的精神和道德文化。
普金在24岁时出版了他最具影响力的著作《对比：14、15世纪大建筑物和今日类似建筑的比较》。在该书中他比较了哥特式建筑和其他建筑风格，以证明哥特式建筑在中世纪时反映了社会改革理念：这种理念稳定、诚实且具正面意义，因而能够产生好的艺术作品和建筑设计。在他的眼中，只有好的基督教徒才能产生出好的建筑。
这本书和其后出版的刊物如《基督教或尖塔型建筑设计原理》（1841）也同样显示了普金在设计方面的理念是超越当代的。这种理念一直到19世纪末，伯爵斯、萧和莫里斯等建筑师发起哥特式建筑复兴运动时才真正为世人所理解。
普金最重要的理念是“两种重大之设计原则”：
A 建筑物的特征一定要符合便利性、构建方式或适切优先顺序的需求。
B 所有装饰必须对建筑的主要构建有所增进。
另外一个普金所提出但稍晚才为人所了解的理念是“建筑设计必须尽可能采用当地材料和施工法”，他期望工艺美术运动的继起者重视传统和地区性的艺术和手工艺。
四工艺美术运动的精神
“工艺美术运动”是19世纪60年代开始兴起的一场设计运动, 代表人物主要有两人：威廉·莫里斯和约翰·拉斯金。
威廉·莫里斯所领导的工艺美术运动基本上是一种信仰复古运动。他认为一个好的木匠同时也必须是位绅士和律师。这可以由他充满中世纪风格的美学观点和积极追求以传统方式执行设计和制造所引以为荣的豪气明显表露出来。
在他的作品中，你可以觉查到对古老技术的重现，甚至可能会为其独特的融合性而惊讶，却找不到新的技术或新的材料。当时设计师喜欢用非工业原料的天然材质进行工作。
1 “水晶宫”博览会
1851年，普金参与了他最后也是最具影响力的设计计划――以中世纪宫廷风格的建筑作为在英国伦敦举行的“国际工业博览会”展场。该博览会由英国皇室发起，目的是纪念工业革命100年，检阅一个世纪以来工业化国家所取得的巨大成就。
博览会在伦敦海德公园内的“水晶宫”展览馆举行。建筑设计采用了约瑟夫·帕克斯顿（Joseph Paxton）类似大温室的方案。因其材料是钢铁和玻璃，并使用标准化构件，所以被称为“水晶宫”。该工程总工期不到9个月（该建筑1936年毁于大火），并由阿尔伯特亲王主持展览，欧洲各国和美国应邀参展。在短短五个半月之间，吸引了超过六百万国内外的观众。
水晶宫可说是19世纪下半叶设计界的一剂强心剂。来自各工业化国家参展的展品反映出在面对飞速发展的工业化进程中设计界对美学原则的迷失，表现为要么粗陋不堪，直接裸露黑黝黝的机械内脏；要么装饰繁复，将洛可可风格的图案铸造在水轮机的梁柱上、或在一把剪刀上堆砌完全无关的装饰图案。这些设计上的缺失反而成为设计发展的历史上转折点，一批有识之士开始意识到飞速发展的科学技术与传统守旧的美学之间的冲突，开始探索一种能适应现代科技的新设计美学。代表有：
A 英国批评家约翰·拉斯金（John Ruskin）；
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B 德国建筑师歌德弗列特·萨帕尔（Gottfride Semper）（他在1852年写了《科学·工艺·美术》一书，1890年又著有《工艺与工业美术的式样》）。
博览会直接导致了尔后维多利亚·阿尔伯特博物馆的成立，并引发了“工艺美术运动”。
2设计理论家约翰·拉斯金
拉斯金本人是一位作家和批评家，从未实际参与过建筑或任何具体设计工作，主要是通过其极富雄辩和影响力的演说和著述宣传自己的思想。他参观了展览，但对展品却表示了极大的不满：“这些喧嚣的东西（指机器）无论其制作多么精良，但只能以一种鲁莽的方式干些粗活。”他认为只有幸福和道德高尚的人才能制造出真正美的东西，而工业化生产和劳动分工则剥夺了人的创造性，不可能产生好的作品。只有回归到中世纪社会和手工艺时代才是唯一的出路。
旗帜鲜明地反对工业化、号召对传统手工艺的回归，是拉斯金理论的核心，也成为尔后工艺美术运动的重要理论基础。在此基础上，他进一步提出了一些设计原则：
A 师承自然，从大自然中吸取营养，而不是盲目抄袭旧有的样式。
B 使用传统的自然材料，反对使用钢铁、玻璃等工业材料。
C 忠实于材料本身的特点，反映其真实质感。
3社会改革家威廉.莫里斯
威廉·莫里斯是十九世纪晚期最具影响力的人士之一，他身兼设计家、作家、
诗人和社会学者于一身。他的理念影响范围广泛，除了艺术和设计之外尚涵盖了政治、宗教和美学层面，本人则充满了高级社会理想主义色彩。
莫里斯出生的时代深受中世纪艺术风格的神秘主义和浪漫主义所影响，生活中则充满对哥特式建筑的光荣展望。这种憧憬在他的孩提时代更为明显，很早就对教堂和其他古老建筑发生兴趣。他的假日大都用来参观这类建筑物和制作铜器纹路的拓印。1877年当他成立保护古老建筑物协会时，对古建筑的狂热再次出现。
牛津大学的生活和朋友对年轻的莫里斯有持久且重大的影响，虽然他对中世纪艺术和建筑一直保有兴趣，却放弃了早先想进入教堂从事圣职的意念。在多次改变志向之后，他决心要成为一位图样设计师。他杰出的能力和多方面的才艺使他能够在各类产品中一展所长，包括壁纸、纺织品、图书插图和印刷等方面。
1859年，莫里斯继承了父亲一笔为数可观的遗产，并使他决定和珍妮·伯登结婚，并由一位朋友为其设计了在奥普顿的新房。他们为这幢房子起名叫“红屋”。红屋的建筑和室内陈设融合了团队合作的艺术设计精神，这一精神后来成为美术工艺运动的法则之一。
红屋的建筑设计极不平凡，因为它和当时流行的传统式乡村房屋式样大不相同，它使用了不少哥特式的设计细部，似乎是以各种建筑传统的共通性去重新整合十九世纪的建筑。据当时的评论说，红屋是当时世界上最漂亮的房子，它集聚了一群各有专精的人才，在不严谨组织下，共同设计、装修和布置每一件房子所需要的东西。
莫里斯的红屋不但具体表现了普金和拉斯金回归自然和材料的真谛，同时也展现了工艺美术运动的精神。莫里斯说：“不要把你认为没有用处或你觉得不美观的东西摆在你的房子里”。他的目的是制造出经过艺术设计和手工打造的器具，并以分工合作的方式，愉快而辛勤地实现他们的构想。对莫里斯而言，“艺术是一个人辛勤工作的愉快代表，是制作者和使用者的一种喜悦”。
莫里斯在设计和产品制造方面，不满意由不知名的制造者所生产而陈列在商店销售的方式。实际上，他在结婚一年前即在伦敦红狮广场所租的房子做了许多配合室内装饰的家具设计。其中一些大型的家具便成为日后红屋整个室内装饰的核心部分。它们在外观上浓烈的乡村气息（例如工艺美术风格中常见的长板凳），其制作材料也往往取自当地。而陶瓷器制作所采用的也是未经过加工过的陶土原料。至于金属器皿则使用非常朴素的材料，如白银器具（锡、铜、铅合金）和铜制器皿等
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等，也都表现出莫里斯的设计特点。
五莫里斯公司
红屋的成功激起了莫里斯和一些朋友自己成立公司的念头。因此，摩里斯－马歇尔－福克纳公司便在1861年诞生了。他们把该公司描述为绘画、雕刻、家具和金属器具的美术工作者。这个理念隐含着工艺与工匠、艺术与艺术家都应是平等的。就某种角度而言，莫里斯成功地提升了工艺美术工作者的地位。
这家公司的目标乃是生产个人创造、手工制作且人人买得起的艺术产品。他们把自己视为新一代艺术设计师，可以把自己的才干发挥在各种不同的产品上。起初这家公司由红狮广场开始运作，并专精于“新哥特式样”和中世纪风格的设计，但后期的作品则少见哥特式风格的影响，发展出一种更为有机和抽象的风格。
在莫里斯之后加入该公司的菲立浦·韦伯是最重要和最具影响力的人士之一。他负责大部分的家具设计，另外也承制内销用的玻璃和金属制品。
莫里斯公司生产的家具分为两大类：
A 莫里斯称之为“阶级家具”的大型豪华家具。
B 简单致极的“一天完成的家具”。
莫里斯承认表示身份和地位的家具是助长了富有人们的贪婪奢侈，其目的在展现整体的丰富美感效果，对他而言，这是“家具艺术的锦上添花，因此他用了许多雕刻嵌镶或刺绘的方式加以修饰。这些大型家具包括书柜、厨柜和餐具厨柜的结构都很简单，而且都具有大片的平面可书上华丽的彩绘图案，这种精神符合工艺美术运动崇高的理想之一：分工合作。
大多数这类豪华的家具都是在公司早期所生产的，而且受到莫里斯和普金所推崇之早期哥德式建筑的影响很大。
并非所有莫里斯公司所设计制造的家具都像大型家具那样优雅，在1875年该公司创立自己的风格之后，他们也生产许多简单的家具，而且取材多数来自当地，这类带有传统和乡村气息的家具设计使得莫里斯和工艺美术运动以及其后发展至今天廿世纪的设计趋势串连在一起。这一风格的特色是使用原木，如桦、榉木，而且往往熏烤成具有十七、八世纪传统色调的黑色或绿色家具。坐椅用竹子、藤或蔺茎编织而成，桌子则往往用简单支架方式组成，另外也常采用具有乡村味道的长条式板凳家具。
其中，彩绘玻璃是莫里斯公司最成功的产品之一，和传统玻璃制造业者比较起来，莫里斯和他的同伴做了许多突破性发展。他们利用1862年的国际展览会展示他们改进的颜色和设计上的优越性，并对当时的传统制造商构成严重的威胁。莫里斯公司所设计的彩绘玻璃大都用于教堂或其他庆典场所，但也有一部分是由私人所委托设计制造，例如他们曾替圣詹姆斯王宫和新南肯辛顿博物馆，即目前的维多利亚和亚伯特博物馆的格林餐厅设计彩绘玻璃。
莫里斯亲自为公司设计和制造的工作主要为纺织品、地毯和壁纸的式样设计。他对于颜色和使用自然颜料的喜好，加上他在印刷，编织和装饰彩结方面的知识使他成为这类工艺领域的专家。他的技巧有些是由试作中意外得来的，他对于自己不懂或不会做的东西，并不喜欢请教别人，因此这些相关的工艺技巧几乎就成为美术工艺运动成员们必备的条件。
莫里斯公司在1860年和1870年代不断稳定成长，1877年并在牛津街拥有自己的展示场地。公司扩张的结果使他们在数年间迁移好几次，包括1881年搬到梅顿阿贝。
六英国以外地区的工艺美术运动
虽然莫里斯与其后继者对于欧洲与美洲有深远的影响，但工艺美术运动事实上乃是属于英国的运动。
在美国，工艺美术运动起初是影响一些如波士顿或纽约的大型文化中心，但很快就散布到如芝
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加哥等的工业重镇，并从中西部充满阳光的大草原延至加洲的海岸线。
在欧洲，很多工艺美术运动的大师常透过类似像工作室杂志或工作室年鉴等刊物来提高他们的知名度，各种美术和工艺的展览也非常普遍。大部分欧陆的设计师都受到英国风格的影响，但他们也自行发展了其他的风格。由于对工艺美术运动的理念没有明确的认知，因而造成了文化上的障碍，最后便由追求功能主义与独特形式的现代化运动设计师来解决。
七工艺美术运动的影响
在十九、二十世纪转折时期，英国商业界所关心的是任何使手工艺品能大量生产的方法，但同时也有许多人仍以传统的方式来制造手工精细的产品。在二十世纪最有名的设计师是西奈·巴斯雷（Sydney Barnsley 1865-1926）和恩斯特·吉姆森（Ernest Gimson 1864－1919）。他们仍维持制作此种精美家具的传统，委托他们设计的常是一些经理级的绅士，有财力负担较为昂贵的价格。虽然他们替一些有钱的绅士设计，却也表示他们追求由艾斯比最初倡导的简单生活的精神。
在应用工业层面来看，最重要的推动力是由官方于1915年所成立的设计与工业协会，其主旨乃在促进社会大众、设计师及工匠彼此合作。在政府的推动下，许多杰出的工艺师便设立了正式设计公司。在这种理念之下，设计与工业协会便受到许多公司的大力赞助，如Heals，其公司创始人Sir Ambrose Heal曾是艺术工作者联盟的会员，且对二十世纪英国走向有相当的影响。美术工艺运动的理想和抱负虽然没有完全实现，但却对二十世纪的设计艺术有不可磨灭的贡献。
思考题:
1工业化发展与传统手工艺的关系。
2物品的设计质量反映国家文化品味的高低。
3如何继承传统。
4社会上层的高文化追求与大众消费的低物质需求之间的矛盾。
第三章流畅的艺术线条
――1890－1905 年的“新艺术运动”
我们站在一个代表任何意义、象征或唤起什么的全新艺术门槛上。然而，它却像音乐一般渗透到我的心灵深处。
―――奥古斯特.恩德尔 (August Endell 1900 )
一导言
新艺术运动在1890年代时，横扫欧洲及美洲，并在1900年巴黎万国博览会时达到巅峰。当时因为巴黎画商萨穆尔·宾的摊位名为“Le Art Noveau”，故使“新艺术”一词不胫而走，成为各国表述这种注重线的造型语言和平面装饰效果的崭新艺术设计风格的称谓。
尽管欧洲各国对“新艺术”的理解各有不同，例如在奥地利称为“分离派运动”，在德国则称为“青年风格"”(Jugendstill)，而且每个时代所出现的形态也都不同，但它之所以能够广泛流传在于其追随者所追求的艺术多样性与装饰性的表达。它是一种向未来世纪看齐、但兼顾旧文化之心灵及自我意识觉醒的艺术。
与在它之前的英国工艺美术运动发展模式如出一辙，新艺术运动以一致的形式出现，对准了艺术与技术之间重建平衡的心理，并导致一些奢侈品与功利主义的产物，创造出新的建筑观与室内设
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计。这些所谓“进步”的观念，约翰·拉斯金和威廉·莫里斯早已描述过了。但对新艺术运动的设计者而言，其坚持的决心几乎是建立在对纯粹表面装饰艺术的排斥态度上。从富线条韵律的字形设计到由充满活力的、以多种花瓣和抽象装饰线条塑造的家具，都表现出一种对非凡的形态审美的热爱。从亨利·凡·德·威尔德（Henry van de Velde）设计的新奇剪刀到由赫克特·吉马德(Hector Guimard) 设计的巴黎地铁车站，新艺术风格不分国界地充满于都市环境中，成为当时的艺术设计风格主流。
新艺术运动的起源是多方面的，虽然它在本质上所从事的是创造新的艺术形态，但仍然包含着不少的“传统”经验。它折衷了包含外国及外来的艺术与一些“现代”的因素，产生虽丰富但不和谐的混合设计。
1 新艺术运动加入的现代观点
工艺美术运动对新艺术运动的贡献是将各种不同的艺术与技术协调与整合，形成一种新的审美观念。许多新艺术运动的工匠采用了这简单的艺术与技术上的实用主义，由查理斯·雷尼·麦金托士（Charles Rennie Mackintosh）用极少的装饰所创造的“格拉斯哥学派”的桌子、椅子上可看出这种倾向。
象征主义是十九世纪末期的一种文学与艺术创作，它诱导了新艺术运动神秘与怪僻的滥觞，其特色被应用美术同化了。如法国艾米尔·盖勒(Emile Galle) 所制作的一些玻璃器皿就是象征主义与应用美术的结合。他常为这些所谓“练习曲”的作品加上一些诗句，以使器具产生最大程度的震撼。
这些充满韵律感的象征主义线条与图案带给新艺术设计者传达活力与情绪的动力。早在1889年，瓦尔特·克雷恩(Walter Grane) 就指导他的同事掌握线条的特性――“决定性的线条，明显的线条，精致的线条，线条的表现，线条的控制与统一”。它的一切外观，从格拉斯哥学派的模糊轮廓到亨利·凡·德·威尔德如鞭痕般的曲线都表现出新艺术运动线条的本质。
新艺术运动者接受了很多现代与“新潮”的观念，探索形态与结构上的装饰多样化，赞赏大量生产与科技进步，尝试采用玻璃和金属而不是木材、石头或钢筋进行设计，造就了梦一般的产物，特别是用在一些明显的建筑物及装饰性家具上。
2 新艺术运动的历史观点
即使新艺术运动者认为这是一个“新艺术”，倾向复古者却认为新艺术运动仍受到十九世纪风格的影响，在以艾米尔·盖勒和路易斯·麦捷尔(Louis Majorelle)为首的“南茜学派”(Nancy School)的设计风格中，法国的洛可可影响占了极重要的地位。他们高雅的流动性线条和自然的细致承袭了18世纪如花的装饰品味。
英格兰与苏格兰的新艺术制作者在装饰上的灵感追溯于塞尔提克(Celtic)艺术过去的一些错综复杂缠绕花纹的图章，这种复杂的组成明显地在格拉斯哥学派和伦敦利百代公司所制的塞尔特金属制品中可看出。
哥特式和文艺复兴式的观念也融入了新艺术运动的建筑中――例如比利时保罗·汉克（Paul Hankar）的正面对称形式和维多特·荷塔(Victor Horta)的大型花饰窗格。
3 外来艺术对新艺术运动的影响
画家古斯塔夫·克利穆特(Gustav Klimt) 吸收了很多外来的特色表现在他的画中。他用闪亮的黄金加于壁画上来表达拜占廷镶嵌的奢华，他大胆的用古埃及的书体创作一些暗示性的漩涡状图形。美国蒂凡尼(Tiffany)公司的菲尔(Favrile)系列器皿有彩虹般特色的玻璃表面是模仿耐久的罗马器皿。
基于对古代艺术形态的兴趣，新艺术设计者向远东地区找寻灵感，特别是对于日本的艺术，日本木板画上丰富的图案给新艺术者很大的影响，他们用此观念开创出强调性的大胆对比和有韵律的
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平滑线条来注释形态，这种明显的笔法在亚佛斯·幕夏(Alphonse Mucha)，彼得·贝伦斯(Peter Behrens)，皮尔·伯纳(Pierre Bounard)，艾伯利·布莱德斯利(Aubrey Breadsley) 等许多艺术家的画中都出现过。
4 自然和女性在新艺术运动的地位
由于新艺术者常表达一些柔弱的女性，配合一些花草的背景，故新艺术运动常被视为“柔性艺术”，它的表达方式常被国际上各种媒体广泛采用，并以各种不同方式注释。在南茜学派对自然植物优美外形的观察，可由盖勒的家具设计上看出。在格拉斯哥学派，玫瑰的徽章已是苏格兰新艺术运动的代表，而一些被拉长的女性形态常常在玛丹娜姐妹(Macdonald Sister)与赫伯特·麦尼尔(Herbert McNair) 的画中出现。
在德国，新艺术运动所描绘的植物形态通常只是一些有韵律的抽象线条，而赫克特·吉马德与亨利·凡·德·威尔德所设计的一些铁器则掺有一些象征主义的味道。
亚佛斯·幕夏在他的海报与装潢玻璃上以大量的裸女来装饰，并以鲜艳的花丛来衬托这些摆出诱人姿态的裸女。
新艺术所富有的自然色彩促进了表达的广泛性，因它是多种风格集合创造出的明确易懂的艺术，而它的流畅线条所表达出来无拘无束的形式在1900年万国博览会中宣布了新世纪的来临。
二新艺术运动的启示
日本的艺术与手工艺品给新艺术运动很大的启示。例如，审美时的乐观主义、对艺术的神圣崇拜。新艺术者狂热地崇尚具有独特色彩与不对称轮廓的日本木工艺品，对于和式室内间隔和具有高雅装饰的扇子与和服也崇拜不已。这种风格实践了工艺美术运动“统合式的规律”，然而这种炫耀式的风格没有一点自由的气息，培养了当时同期的另一艺术风格――象征主义。这种“新艺术”有活力的曲线与性感的女人具有避免走上古典风味及柏拉图式的气息。玫瑰、向日葵、百合花与孔雀在画面上占了不协调的比例，塞尔提克与阿拉伯式的书法图案暗示着神秘的色彩，就好象一个温室一般，充满着异乡来的生物――蜻蜓、螳螂、甲虫、蝗虫与蜥蜴的乐园。
三新艺术运动的精神
受到有活力的植物生命形态的鼓舞，新艺术运动展现了一个遥远而梦幻般的世界，那是生活在吵杂并令人厌倦的都市所向往的：有韵律的卷曲线条装饰着建筑、家具以及陶器、玻璃、珠宝等表面。色彩被巧妙地交织对比着，籍由材质与虹状的玻璃，使得新艺术装饰更加出色。
在1890年代后期，麦金托士为克来斯顿女士设计的茶室以及格拉斯哥艺术学院温蒂大厅是特有的格拉斯哥风格，精美谐调的墙壁与家具上被饰以线条的图案。他为“柳树茶室”（Willow Tea Room）所设计的双门可称得上是格拉斯哥新艺术运动的极致。波浪般的垂直线加重了栅状花纹的生命力，饰以由银色、灰色、白色、绿色所构成的抽象玫瑰图形。
麦金托士的家具显示了同样的特点：线条以几何状盘据于上，许多椅子、桌子、厨柜都漆成白色以突显其外形，桌椅通常会有超长的靠背、桌脚及手柄，不是栅状的图案穿插其上就是装饰着雕制的图型。
在二十世纪前十几年，格拉斯哥学校的设计开始衰退，主要原因是设计方面的迷失，差点被解散。他们对奥地利新艺术运动的贡献，特别是几何造型的应用，都逐渐被人们所忽略。
四欧洲各国的新艺术运动
1法国的新艺术运动(Art Noveau)
1880到1900年代，在法国的建筑和应用艺术领域，早期新艺术运动风格已变成最重要的工具。这种高度装饰性的风格，被广泛应用于各类物品而流行起来，并提供给设计师更多的自由，来探索
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装饰色彩的应用和造型上的设计。因此，一系列奢侈豪华的建筑和物品在这个时期被创作出来了。这现象不仅说明设计师本身热忱的投入和创造力，而且也显示出新艺术运动的设计师在各种不同行业从事设计活动。在许多私人性的物品中（如玻璃器皿、珠宝和家具等），他们所强调的是表现出法国设计在全面造型装饰上的流行性和高雅性。
在图案设计方面，尤其是海报设计，其风格是以非常具活力的方式来诠释。他们在平面设计上使用非常亮丽的颜色及大胆感性的线条来设计。这种充满活力的风格同时也被应用到建筑词汇上，最著名且常可见的是建筑物正面的装饰物及相关设施所构成的细部。
总之，新艺术运动可说是影响及渗透到所有造型和表面处理的设计，经由强调装饰性和美学价值观的风格，激发法国先进的艺术家、设计师和工匠们的想象力。
法国新艺术运动的发展主要分成两部分：
A 南茜学派和艾米尔·盖勒及其学生的作品；
B 在巴黎的发展。在巴黎有无数的艺术家和设计师集合一起在萨穆尔·宾（Samule Bing）旗下从事设计，萨穆尔·宾委托这些设计师并在他著名的“新艺术廊”（L’Art Nouveau）展示他们的设计作品。在这里，许多设计师在舞台上展现出其特别的风格并扩展了他们设计创造的天分。
1〕南茜学派
艾米尔·盖勒最杰出的成就是新艺术风格的家具和玻璃器皿设计，他在植物科学的知识及对自然的兴趣可从其作品中反映出来。盖勒所作装饰的内容大都采用植物和昆虫造型，而其装饰往往专注于碗、厨柜、桌椅和屏风方面雕刻细节的设计。这些造型和结构方式显示出盖勒非常忠实传统时代的风格，譬如法国十八世纪受洛克克影响的设计理念、日本风格及有机形式的造型，但其作品表面圆弧和直线的花纹形式和枝叶相互交错的方式所产生的效果，可说是新艺术运动的创造和特点。
在玻璃制品上，盖勒采用大胆的装饰手法做设计，这种手法部分是由于材料的特性，导致产生新艺术风格的流线型不对称造型，并便于采用不同的颜色。
1890年代，南茜学派的玻璃工厂制作出大量豪华的玻璃器皿，在这期间，盖勒的作品达到成熟期，创造了许多精致的作品。我们可从中看出他如何使用非常自由的线条和圆的造型、大胆的轮廓线条来作装饰。他常用大片自然的树枝、花和植物的根茎、蝴蝶和昆虫的形态来装饰造型，并将这些题材置于花边或是特殊材质的背景上、以明亮对比的色彩来处理。他喜爱采用珍珠、果绿、粉红、紫罗兰、橙色和琥珀色作这一系列完美的色调搭配。
盖勒在玻璃器皿创造上的成功启发了南茜学派的设计师去追求相同的装饰效果，其中多姆·弗瑞尔（Daum Freres）公司最著名。该公司是在Auguste（1853－1909）和Antonin（1864－1930）兄弟领导下成立的，他们设计的玻璃器皿具极富想象力和自然韵味，主要特点是植物和昆虫题材，花瓶往往是修长或带有尖端的形态以表达植物根茎细腻、雅致的独特造型。
路易斯·梅杰理（1859－1926）也是南茜学派重要的成员之一，他在1890年代创造出一些杰出的家具和熟铁锻造的作品。这些作品的构造和装饰的细部展现出韵律感和流动性特点，他每一个设计作品都以圆弧轮廓和线条展示出类似雕塑作品的品质。
其他在南茜学派的家具和室内设计师包括艾米利·安迪（Emile Andre 1871－19339）、尤金·瓦林(Eugene V allin 1856－1922) 和杰奎斯·克鲁伯（Jacques-Gruber1870－1936）、在新艺术运动理念下从事设计，他们特别强调弧线造型和大自然花卉的装饰。
2〕巴黎的新艺术运动发展
在1890年代早期，巴黎的许多艺术展览都包括美术和应用艺术设计。这种现象不仅让公众养成了对精良工艺的鉴赏习惯，同时也提升了这些工匠的地位，让人们觉得透过艺术的方式表达他们的生活理念是一种非常好的方法。这种工艺与艺术相结合的努力在1895年萨穆尔·宾“新艺术”展览期间得到集中的展示。
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此次展览的开幕典礼规模是国际级的，一些绘画、室内设计、家具设计都能有效地展现其特色，展品包括诸如比利时设计师亨利·凡·德·威尔德的作品。而在往后几年中，这个展示会场变成许多法国设计师和工匠们的重要集会场所。这些设计家包：乔治·德·弗尔（George de Feure）,尤金·盖拉德（Eugene Gaillard）, 尤金·克罗纳（Eugene Colonna）, 奥古斯特·德拉赫（Auguste Delaherche）和查尔斯·普鲁密特（Charles Plumet）。
在平面设计，家具和室内摆设及配件方面，所展现的是一种非常优雅的新艺术风格。德·弗尔的海报设计使用软性粉彩色调，取材大都为女性和植物图案，表现出高雅的特色。盖拉德的家具设计本质上较为抽象并具有动感，他们的设计风格趋向于软性，精致和女性化。
在珠宝设计方面，瑞纳·拉立克（Rene Lalique 1860－1945）的设计作品表现出法国新艺术运动最为雅致和豪华的特性。和当时同辈一样，拉立克使用非常多的装饰词汇，其中主要是得自大自然的灵感。然而这些植物和昆虫造型往往被转为幻想式的造型，譬如他在梳子上设计了一只小鸟，看起来好象要向上飞一样；一只蜥蜴的造型也可被处理成望远镜的把手。另外他在选择材料方面也非常具有想象力，他往往采用各种不同的组合方式，例如不太昂贵的宝石、有色金属、搪瓷、天然珍珠和透明兽角等作为设计材料。
在建筑方面，当时最为著名的设计师要数赫克特·吉马德（Hector Guimard 1867－1942）。他最为著名的作品是1900年设计的巴黎地铁站。这个车站的入口、栏杆、号志、支柱和灯光设计在造型和细节方面反映出一种整体的协调美感。这些个人的特点同时也是新艺术运动的特色。与盖勒一样，马吉德并不默守某一设计规则，他从诸如哥特、洛可可和日本艺术等各种特色风格中取得灵感。
在图案设计方面，许多艺术家在新艺术运动的旗帜下，展现出非凡的设计。亨利·德·托罗斯·劳特瑞克( Henri de Toulouse-Lautrec) 使用新艺术风格的印刷创造了一系列的海报设计。他使用脸部侧面造型，以有力的线条和单纯的色块做设计。另外尤金·格瑞斯特（Eugene Grasset1841－1917）在书籍印刷和海报设计方面也有卓越的贡献。
1900年，在法国巴黎举办的世界博览会上，聚集了法国最好的新艺术风格设计师和艺术家。由早期以自然主义为造型倾向的南茜学派到巴黎较为抽象的装饰风格可以说在世纪之交时达到了鼎盛。而在数年后，这个运动的强势则逐渐式微，被另一波叫做“现代主义”的运动取代。
2 苏格兰的新艺术运动
英国对新艺术运动的重大贡献就是“格拉斯哥四人组（Glasgow Four）”所设计的作品，其成员包括其核心人物查尔斯·R·麦金托什（Charles Rennie Mackintosh,1868-1928），其姐姐麦当劳·玛格丽特（Macdonald Margaret,1864-1933）、妹妹弗兰西斯·麦当劳·麦克耐尔（Frances Macdonald Macnair,1873-1921）和妹夫赫伯特·麦克耐尔（Herbert Macnair,1868-1955）。他们不仅使新艺术运动萌芽，更促进了往后新艺术运动的成就，也发展出许多造型与装饰的新观念。他们的作品，无论是在绘画、建筑、室内设计、家具与金属制品上都表现出鲜明的个性风格，并给予19、20世纪初的苏格兰新艺术运动深刻的影响。他们这种合作的理念广泛影响当时的设计师，特别是一些维也纳的分离主义者。
麦金托什是“拉斯哥四人”中最重要也最多产的一个，其才艺远超联盟中的任何一个人。他也是“分离派”的重要成员之一，早年在一家建筑工作室工作，之后游历了欧洲各国。19世纪90年代，他将才华投注于建筑、绘画、室内家具设计和草图等各类工作，并开始做一些海报设计。1913年移居伦敦，其设计范围拓展至建筑、家具、灯具、玻璃陶瓷制品、壁挂壁毯等。
麦当劳姐妹与麦尼尔也同时从事许多媒体的工作，包括书籍与杂志上的图片、壁饰、家具、玻璃与精致的铁器。他们在1890年居于伦敦时从事典型的英国工艺美术运动，后来出国了。1895年到里昂和维也纳，1902年则到都灵，所以他们受到欧陆与苏格兰的影响极大，所作出的产品都广泛地受到称赞。
格拉斯哥式的装饰充满当时的艺术表达特色，微微弯曲的垂直线在尾部结成一个椭圆，描绘出
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一个栅状、程式化的玫瑰图案。橄榄白、淡紫、象牙白、灰与银白的色彩，拉长的女人形体摆出沉思的姿态都称为他们卓越设计的典型特点。虽然这些装饰只是以线条的形体出现，其视觉效果却不简单――事实上，这些图案是十分复杂且抽象的，丰富了当时的新艺术运动自然界的图案。
由格拉斯哥学派所创造出来的线条具改革性但却嫌狭义，明显地继承了英国工艺美术运动的原则。麦金托什的室内设计保持着此原则，他的建筑从家具到装饰都具有单一风格，创造出高度美感的排列。他为格拉斯哥市设计的“茶室”，1897年第一工期和1906年第二工期的格拉斯哥艺术学校校舍称为其代表作，造型以理性的直线和几何形为主，色彩则以黑白为主。
3 比利时的新艺术运动
在1880和1890年代之间，比利时首都布鲁塞尔是国际前卫派画家和艺术家的交流中心。这个文化和知识频繁交流的环境刺激了许多艺术期刊的出版，例如现代艺术，同时也促进了社团的成立，例如Cercle des Vingt（1884－93）及其后重组的Libre Esthetique（1894－1914）。这些不同的艺术组织所秉持的共同目标在于突破旧有的束缚，致力于追求新奇的构想与不同的表现方式。在这实验及寻求其本源的精神里，一个新的唯美主义在应用美术和文学中产生了。此时，一个重要的走向是象征主义，就如同它的名称所暗示的，是对梦想、象征及感情的不确定性的探求。
在建筑及应用美术方面，由于新艺术运动的影响，产生了新的设计及不同以往的结构。它所强调的是更自由的线性装饰，这与以往历史传统大相径庭。但却很快即为建筑师、设计师及工匠所采用。
相对于南茜学派强调肉欲、自然的表现及格拉斯哥学派注重严格的线条，比利时的新艺术运动所表现的就较为抽象及充满活力。以一种非常大胆且充满弧线的造型来表达。由于它看起来是那么强而有力，使它仿佛与整个结构融为一体。此种弧线的造型也不断波及到新艺术运动中所谓“有机”的理念，譬如那种充满了漩涡的图案及向外律动的形式。
维克特·霍塔（Victor Horta 1861－1947）是此运动中最著名的建筑师。他早期最重要的一件作品是1892－3年在布鲁塞尔为塔萨尔教授所设计的公馆。这栋建筑正面的外观极为朴素，主要特色在于铁窗上的弧状条纹。室内则采用华丽的新艺术运动的设计，入口及台阶处使用彩绘玻璃装饰，地板则用马赛克地砖拼成似漩涡状的造型，此外其栏杆的装饰、屋梁的柱头、屋顶的拱形设计及回旋状的楼梯无一不与前述铁窗上的弧状条纹相互辉映。整体的建筑都非常和谐一致，这栋建筑被视为是比利时新艺术运动的里程碑。
霍塔另一个委托案是为布鲁塞尔的Armand Solvay所作的私人建筑。该建筑的正面是波浪起伏且回向中心的造型，窗户是阿拉伯式的优雅设计，也显示了其个人风格的铁架造型，而建筑的各个部分，也同样表现出与整体装饰风格一致的特性。霍塔为“社会工作者联盟”总部大楼的设计也是应用现代材料的大胆组合。它的正面几乎完全由玻璃构成，而内部长长的观众席则由铁条结合而成。此外，霍塔还展现了他在家具和纺织品方面的才华，而他这种艺术家和工艺家的双重角色，也正是新艺术运动风格的基本原则。
保罗·汉卡（Paul Hankar 1859－1901）是另一个活跃在布鲁塞尔的建筑和装饰设计家。不同于霍塔拒绝传统的影响，汉卡的作品包含了相对外来的成分，例如日本、英国的工艺美术风格。他在Ruede Facgz为画家Ciamberlani所设计的房子，其对称、装饰的正面和大型弧线的窗户即可看出充满了新文艺复兴运动的味道。他所设计的Maison Niguet（1899）（后来被拆了）特征在于装饰性的铁条和玻璃的正面有多样的线性造型，更能表达新艺术运动的精神。相对地，他在1893年所设计的椅子则表现了对日本建筑的兴趣，加长的椅脚和靠背由一系列如围墙图案般优雅的平行线构成。
亨利·凡·德·威尔德（Henry van de Velde）是欧洲早期新艺术运动的理论家和实践家。事实上从他的创作中即可看出他具有艺术家、建筑师、工艺师的多项才华。他曾游遍欧洲大陆且在1895－96接下了萨穆尔·宾委托的四个室内装饰设计，即巴黎的“新艺术”画廊开幕展示的室内设计。他工作的重要理念，就是如英国早期的社会改革者威廉·莫里斯所提出的“将艺术与工艺紧密结合，
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以造福大众”。从他的设计作品里，我们可看出其一直受此理念的指引与激励。威尔德发展了他自己使用抽象的线状造型的特殊语言，在他的挂毯作品“天使的守护”（1893）那穿越树林的弯曲道路成为整个装饰重点，运用流动有韵律的线条表达树根花朵迎风摇曳的动态感。
同样，他在1897年所设计的桌子，也包含了弧形轮廓的设计，那也是造型中最突出的部分。他最有名的海报设计Tropon，L’Aliment Le Plus Concentre（1899）则是艺术与工业的完美组合。此处，他的广告的设计已成为新艺术运动中最好的范例，不但运用强而有力的弧线造型也同时搭配对比强烈的橙色、深粉红色和棕色。
在金属器皿方面，威尔德的华丽造型也精确的配合了金属的材质，表现出如水银一般流动的造型。他在1900年的著名设计――六个分叉的烛台则是底部至每一分支及节点均维持整体流动的造型，可说其整体的每一部分均有一致的格式。他在餐具、珠宝、墨水架及茶壶及日常用品方面的设计，也都表现了新艺术风格紧凑、有韵律的本质。
菲立浦·沃尔夫（Philippe Wolfers 1858－1929）在金属器皿和珠宝方面的设计则非常相近于新艺术运动的另一领导者林内·拉立克（Rene Lalique），她们对装饰和主题的选择都不约而同倾向以自然作为灵感的泉源，并采用广泛的材料，例如珠宝、搪瓷，较不贵重的石头，彩色的金属或象牙等。沃尔夫也有许多象牙和银质的小雕刻品，保有其新艺术运动的独特风格。
比利时新艺术运动的成功，主要反映在两大方面：一是应用美术，二是布鲁塞尔及其他各大城市中数目繁多的建筑及室内设计。威尔德对1890年代风格发展的重要贡献是使其更进一步广泛流传于欧洲。然而，他在19、20世纪之交时，却也使新艺术运动的发展渐趋颓势。1900年代早期，很多比利时的新艺术运动设计者先后逝去，或是放弃新艺术运动的造型而改用更简单、抽象的表现手法，走向早期现代主义。
4 德国的新艺术运动
“青年风格（Jugenstile）”是新艺术运动在德国的称谓。
德国新艺术运动的发展较欧陆国家稍晚，迟至1890年代晚期才在应用美术及建筑方面有所表现。当时，很多德国设计家仍崇拜十九世纪后半期的复兴主义，而其观念也深深植根于新巴洛克及新洛克克风格。然而，就如同我们所见到其他国家的发展一样，这种对创造新的和一致性的作品的欲望成为1890年代一股强大的驱动力，对德国而言，新艺术运动的渐进理念，不谛是给这个传统历史主义的国家一个新的选择。
大约从1895－1898年，好几个国际性事件均对德国新艺术运动的快速成长有着巨大的贡献。当时曾发行了许多主义的艺术期刊，其中最有名的是艺术评论家朱利·梅耶—格拉佛（Julius Meier-Grafe）于1895年在柏林所发行的Pan期刊。1896年，德国艺术评论家在柏林创办了一个名为《青年》的装饰杂志，“青年风格”由此而得名。这些期刊的发行不仅推动了新的进步，也使画家们有机会向愿意接受他们的大众展示出他们的作品。同年亨利·威尔德被邀请赴德做演讲，而在1897年，他著名的室内设计（原为巴黎萨穆尔·宾“新艺术”展览所作的展示设计）也在德累斯顿的展览会上展示出来。这些新艺术风格的设计，以其每一个细节都注意美感的一致性而在德国造成了深远的影响，
德国新艺术运动大概可分为两个阶段：
A 1896-1900年是第一阶段，风格倾向哥特式、自然主义和象征主义，其风格和英国的工艺美术运动强调自然的形式极为类似。其中花卉艺术方面被广泛的运用在图案和应用美术方面。很大一部分的德国民俗题材都喜欢采用花卉和植物装饰，特别是可以在春天看到的植物。而天鹅及其它的鸟类、鱼、动物等也都曾带领人们在童话世界等的幻想世界遨游。相对地，德国新艺术运动晚期的发展则倾向于较为抽象及动态线条的内容。而这与现代主义的观点不谋而合，且在1900年代早期横扫了全欧洲。
B1900年以后是第二阶段，受威尔德理论的启发，他在1900年代初期以后，即常居德国，而
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这也促进了德国第二阶段抽象风格的发展，虽然德国新艺术运动的时间很短，但却产生了非常密集的早先风格。
德国新艺术风格的代表人物有奥托·艾克曼（Otto Eckmann，1865-1902），
赫尔曼·奥布里斯特（Hermann Obrist，1863-1927），奥古斯特·恩德尔（August Endell，1871-1925），以及慕尼黑的里查德·莱迈斯密特（Richard Riemerschmid,1868-1968）、伯纳德·潘科克（Bernhard Pankok,1872-1943）和布鲁诺·保罗（Bruno Paul,1874-1943）。
像其它同时期的设计师一样，奥托·艾克曼也是从绘画转向应用美术的领域。他为Die Jugend 和Pan杂志画了许多充满德国新艺术运动华丽风格的插图，其独特的印刷文字特点在于空心的线条，并以突然的转折和加宽的方式来表达他的精神与张力。这样的线条在格拉斯哥学派的新艺术风格装饰中并未出现，也与法国优雅的弧线造型大相径庭。就主题的选择方面，艾克曼喜用植物与动物的造型，从其作品“五只天鹅”即可看出，天鹅及弯曲的河流造型给人以一种文学的味道，是一种抽象力的表现。在他为A.Wildbrand所设计的书Der Sanger（1899）中，即采用了许多厚度不一的波动线条，从一个中心点向外放射，就像巨大的花朵一般。相同的装饰技巧也应用在主题的文字上。
赫尔曼·奥布里斯特的才华则表现在刺绣作品方面，使用许多与自然主义相近的词汇。他最著名的设计，当时评论家称为Whiplash的挂毯，是模仿樱草的设计，此作展现其精确的观察力，及崇尚自然的倾向。从它旋绕的根的造型优雅的茎，使整棵樱草仿佛注入了生命一般，有一种振动韵律的感觉。此种结合自然界细节及抽象形式的造型其实是全球新艺术运动的最明显的特色之一。
奥古斯特·恩德尔的设计则展现了更为华丽的表现方式。在他为慕尼黑Atelier Elvira所作的建筑设计中，德国新艺术运动的鞭状线条变得更为抽象及富想象力。他的大厅造型，是以非常奇特的铁条构成，看起来好象植物的根和块状的木头一般，这种复杂的想象可从楼梯电灯的表现中看出，那向外辐射的栏杆就象发散的星星一样。在主要入口处，也以类似的表现手法来装饰，是以贝壳为装饰及波浪的组合来构成，同样地，中央正面的部分则用许多扭曲的造型表达，用超现实的特性来表现作品的每一个部分。
在英国工艺美术运动的精神影响下，德国致力于应用美术及日常用品制造的工厂先后成立。其中一个在Darmstadt所设立的工厂是由许多大公爵所合资创建的，它吸引了很多的建筑师和工艺家来共襄盛举，例如彼特·贝伦斯（Peter Behrens 1868－1940）。然而慕尼黑一直是艺术风潮的领导者，很多德国新艺术运动风格的设计师也一直在这里工作，除上述三人外，还有里查德·莱迈斯密特（Richard Riemerschmid,1868-1968）、伯纳德·潘科克（Bernhard Pankok,1872-1943）和布鲁诺·保罗（Bruno Paul,1874-1943）。在柏林，新艺术运动的推展主要是受亨利·威尔德的影响，而其影响更超出了德国新艺术运动晚期的抽象设计的倾向，一直到二十世纪早期现代主义的趋势均受其左右。
5 奥地利的新艺术运动
“维也纳分离派”是新艺术运动在奥地利的称谓。
奥地利的新艺术运动和其它欧陆国家比起来，有很大的差异。她和英国那种较为严谨的手工艺表现方式与格拉斯哥简单的线条造型手法较为相似，常表现为重复使用极简洁的几何形体。这种手法表现在二维平面设计上，就形成了刚性设计手法的基础。
这种几何风格的造型是由住在维也纳的一些建筑师、艺术家及工艺师所发展及共同遵守的。这群人被称作“维也纳分离派”，其中包括画家古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt 1862－1918）、建筑师和设计师奥托·华格纳（Otto W agner 1841－1918）、约瑟夫·霍夫曼（Josef Hoffman 1870－1956）、约瑟夫·奥布里奇（Joseph Oblrich 1867－1908）和科罗曼·莫塞（Koloman Moser 1868－1918）。
他们的第一次综合展于1897年在柏林所举行，并邀请亨利·凡·德·威尔德等国际性的艺术家来参加展示。1898－99年间，奥地利分离派委托奥布里奇建造一个美术馆以做年会的展示之用，
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而他们也创立了《V er Sacrum》期刊。对那些有天分的画家而言，这是一个很重要的表现创意的好地方。这个团体所发表的作品数量相当可观，而他们也影响到另一个装饰设计协会Wiener W erkstatte，那是霍夫曼受英国工艺美术运动的影响于1903年创立的。
奥托·华格纳在新艺术运动之前就已是一个非常成功的建筑师，而且在十九世纪后期在学术及复兴传统方面也颇有建树。然而在1890年代末期，他所设计的建筑都展现出具有新艺术运动品味和完全不受历史影响的简洁格调。大约在1897年，他所设计的Karlsplatz Stadtbahn车站的结构及正面的装饰则融入了新艺术运动的特性。此外，弯状金属的大门外观及镂空的花形雕饰与数年后由赫克特·吉马德所设计的巴黎地铁车站非常类似。他使用颜色紊乱的色砖瓦来设计，同时也秉持着国际新艺术运动自然主义的理念。
华格纳的学生约瑟夫·奥布里奇和约瑟夫·霍夫曼则在现代建筑方面创立了更具活力的新的理念。奥布里奇为奥地利分离派所设计的建筑应用了几何形状的结构及搭配稀疏的装饰，装饰厅的室内设计则是运用一系列简单的直角造型、并在其上端添加圆形屋顶。这种安排是以一种纪念建筑为基本理念、添加小巧并各成单位的植物叶片装饰来设计。圆屋顶则是以一种外观像树叶的材质所构筑，并以大胆的立方体造型组合。此种设计特点，在分离派作品中随处看出。这栋建筑物给人感官和美感上的冲击，是奥地利新艺术的象征。
约瑟夫·霍夫曼在其插画、家具、室内设计及金属制品小配件中也采用此种几何造型的原则。他同时也经常为《V er Sacrum》杂志设计插图，且均以完整的线条设计来表现。与麦金托什的“格拉斯哥学派”装饰风格一样，霍夫曼发展了一套独特的装饰手法，由并列的几何形状、直线及强烈对比色调所构成。在他1890年代晚期的室内设计中，尤其喜欢正方形和立方体的造型，例如在墙上、隔板、窗户、地毯及家具均展现这种简单的小小的方块设计。在奥布里奇的绘画中也有类似的几何风格，譬如前述他替维也纳分离派所设计的展览场的屋顶造型，且他极喜欢采用大胆的圆弧图案。虽然这种几何图案和欧洲新艺术运动的不对称弧线造型大相径庭，但两者对于摆脱历史束缚，创造新的表现方式的趋向却是一致的。
霍夫曼的设计特点在于其非常简单的表面装饰，但对古斯塔夫·克里姆特来说，则是以非常紧凑且带有闪亮珠宝光泽的装饰来作设计。后世的评论家对他有以下的描述：“他是一位典型的新艺术运动作家，在全世界很难找到此种创作风格。如果说新艺术运动是表面装饰的艺术，克里姆特可说是其中的佼佼者。”
在1900年代早期，克里姆特作了很多真实和想象的女人肖像。这些图像经常以平面且富有多样色彩的背景来作画，而这些背景则富含大胆的圆形、正方形、三角形及涡状形线条。事实上，这些装饰往往也都成为主题的一部分。比如在1905－08年他在布鲁塞尔所设计的以马赛克和搪瓷构成的壁画，在充满活力和不规则的线条中突显出一对相互拥抱的情侣。一些不相干的装饰物也成为其服装的一部分，包括点状的圆，方形和对比强烈的涡旋图样。克里姆特在使用表面闪亮如金的材质乃是受到拜占庭马赛克构成的影响，而其中的一些装饰，如漩涡形、眼睛、鸟等是模仿古埃及坟墓绘画中的象形文字所制成。这些外来的造型都在他的绘画和壁画中出现。在他的作品《吻》中，丰富的平面设计是由象征性的内容所构成。一对相拥的恋人出现于金光闪闪的光环之中，跪在色彩亮丽的花朵的地毯上，并以长方形和圆形等几何形状修饰，给人一种春天来临、万象更新的感觉，象征了人类诞生的性意象。
克里姆特作品的复杂性和科罗曼·莫塞Koloman Moser的绘画作品实有天壤之别，莫塞较偏向简单的线状造型，且常使用单色的黑白对比色调。莫塞也为《Ver Sacrum》杂志做了许多的插图，并为许多商业公司作壁纸、服装、邮票、书的封面设计及金属器皿等。在金属器皿的设计方面，他都使用纯粹的几何形状，例如圆球形、立方体和圆柱来做结构设计。而往往其表面都不另加装饰，而仅以光亮的材质表示。
1903－15年，莫塞和霍夫曼的功能主义倾向逐渐在设计中表露无遗，他们这时期的惊人作品，直接促进了尔后现代主义的发展。
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1、“设计科学”最早是由美国科学家赫伯特·亚历山大·西蒙在1969年提出的。P1 2 、美国著名人类学家斯图尔德最早创立了“文化生态学”。P2 3、章利国先生在《现代设计美学》一书中积极倡导建立“设计生态学”。 4 、1996年出版的朱铭，荆雷所著的《设计史》一书，把人类设计史划分为六个时期。P4 5、“形式服从功能”是现代主义设计思想的精髓。P5 6、“后现代设计”被人称为“双重译码”、“杂交”。P6 7 、马克思在《1844年经济学—哲学手稿》中阐明“人是按照美的规律创造事物”的。P7 8 、美国未来学家托夫勒在《第三次浪潮》中指出，农业革命是人类社会的第一次变革。P12 9 、1972年，美国著名设计师雷蒙德·罗威参与了月球登陆飞船的室内设计。P13 10、1760年，英格兰铁厂因木材短缺第一次以木炭代替木材，从而引发了冶金技术革命。P14 11 、1648年，路易十四在法国建立了第一作艺术学院“法兰西艺术学院”，把雕塑和绘画逐渐从广场，建筑的整体和局部规划中分离出来。P21 12 、1750年，德国哲学家鲍姆嘉通创立了“美学”之后，艺术与技术的分离就更加明显，并出现了美学与实用美学的争论。
13 、复古主义思潮是指18世纪后半叶到19世纪后期西方设计领域中所出现的设计潮流，包括古典复兴、浪漫主义和折衷主义三种表现。 14、古典主义中，法国以古罗马样式为主，代表作巴黎万神庙、凯旋门、马德伦教堂。 英国，德国则以古希腊样为多，代表作有英格兰教堂、不列颠博物馆等。德国的柏林勃兰登堡门、柏林宫廷剧院、柏林博物馆等。P22 15 、浪漫主义，最早源于18世纪的后半叶。18世纪60年代到19世纪30年代是早期，称为先期浪漫主义。19世纪30年代到70年代是第二期，称为“哥特式复兴”。代表作有英国国会大厦、曼彻斯特市政厅等。P23 16 、19世纪后半叶，复古主义走向折衷主义，又称为“集仿主义”，代表作法国巴黎歌剧院。 17 、德国建筑家歌德弗莱德·谢姆别尔参观了水晶宫博览会后写了《科学·工艺·美术》（1852年出版）《工艺与工艺美术样式》（1881年出版），并提出了工业设计一词。P27 18、1851年水晶宫博览会是世界工业化时代的重要标志。 19 、亨利·克勒是1851年水晶宫博览会的重要发起人之一，1845年提出了“艺术创造”的新概念，并创办了杂志《Journal of Design》。水晶宫博览会后，成立了装饰艺术博物馆，就是后来著名的维多利亚和阿尔伯特博物馆。P29 20、1856年，欧文·琼斯出版了《装饰法则》。总结出“所有形式的基础就是几何形”。主张使用原色，用在建筑上突出空间感。P31 21、约翰·拉斯金英国著名文艺理论家和社会评论家。1869年，担任牛津大学
的学科，设计学的产生是20世 纪以来的事件；作为一门专门 的学科，它毫无疑问有着它自 己的研究对象。由于设计与特 定的物质生产与科学技术的关 系，这使得设计学本身具有自然科学的客观性特征；而设计与特定社会的政治、文化、艺术之间所存在的显而易见的关系，（全国百家知名出版社全国特约经 销商－文乔图书专营店整理资料https://www.doczj.com/doc/4214670833.html,）又使得设计学在另一方面有着特殊的意识形态色彩。本书希望引起中国设计界对理论问题的关 注进而对设计教育的关注，并最终使设计学成为一门真正登载教育和实践两方面都得到落实的学科。 目录
第一章导论：设计学的研究范围及其现状 设计就是设想、运筹、计划与预算，它是人类为实现某种特定目的而进行的创造性活动。 第一节设计学的研究范围 设计学成为一门独立的学科，并且被学者们作出思辨的归纳和伦理的阐述，是20世纪以来的产物。简单说来，设计就是设想、运筹、计划与预算，它是人类为实现某种特定目的而进行的创造性活动，是一种物质文化行为；而设计学则是既有自然科学特征又有人文学科特色的综合性的专门学科。 设计学是关于设计这一人类创造性行为的理论研究。 设计的终极目标永远是功能性与审美性。 我们一般将设计学划分为设计史、设计理论和设计批评三个分支。设计史必须要研究科技史与美术史，研究设计理论必然要研究相关的工程学、材料学和心理学，研究设计批评必然要研究美学、民俗学和伦理学的理论要求。 一、设计史 1.1977年，英国成立了设计史协会，这标志着设计史正式从装饰艺术史或应用美术史中独立出来而成为一门新的学科，大学里美术史系也将设计史作为单独的一门课程向学生们提供。 1.美术史学上19世纪的两位巨人：森珀和里格尔，正是这两位大师通过在美术史领域作出的卓有成就的研究，而给20世纪的学者最终将设计史从美术史中分离出来奠定了坚实的设计史研究基础。 2.20世纪最有影响的西方设计史家：佩夫斯纳和吉迪恩，他们同时又是极有贡献的美术史家和建筑史家。 佩夫斯纳通过其1936年出版的《现代设计的先锋》开创了设计史研究的先河，更重要的是他通过这部著作在公众心目中创造了有关设计史的概念，进而影响了公众对于设计的趣味和观念。 吉迪恩关于“无名的技术史”的研究，将设计史的研究引入更为广阔的文化研究方法。 3.美术史学史上19世纪的两位巨人——森珀和里格尔。正是这两位大师通过在美术史领域作出的卓有成就的研究，而给20世纪的学者最终将设计史从美术史中分离出来奠定了坚实的设计史研究基础。 森珀，是将达尔文进化论运用于美术史研究的第一人，提出唯物主义美术史论；里格尔，“装饰研究”以及“艺术意志”的提出。 二、设计理论 传统上讲，设计理论一直为它的学科美术和建筑理论所包容，这是因为设计这一概念本身就是从美术与建筑实践中引申出来的理论总结。 设计是三项艺术（建筑、绘画、雕塑）的父亲。 在古代中国，与古代西方“设计”相似的概念是“经营”。▲ 在西方，一般以荷加斯的著作《美的分析》为最早的设计理论专著。现代意义上的设计理论著作是19世纪开始的，而且一般都归为两种类型。 一种是以1837年成立的设计学校为中心的设计教育理论研究，其中最重要的人物是琼斯和德雷瑟。作为一个功能注意者，琼斯的著作《装饰的基本原理》里强调：任何适用于目的的形式都是美的，而勉强的形式既不适合也不美。德雷瑟是琼斯的学生，他强调研究过去
1，1851年水晶宫博览会之后，英国的莫里斯倡导了工艺美术运动。 2，斯堪的那维亚地区包括北欧五国，即：丹麦瑞典芬兰挪威和冰岛。 3，著名的现代主义经典椅子——巴塞罗那椅是米斯的作品。 4，构成主义最有名的作品当属建筑师塔特林创作于1919年的第三国际纪念塔。 5，开创现代公司识别设计先河的是德国现代主义设计的重要奠基人彼得·贝伦斯。 6，绿色设计运动是近现代代指保存自然资源，防止工业污染破坏生态环境的一场设计运动。 7，巴黎罗浮宫的扩建工程水晶金字塔是贝律铭的设计。 8，新艺术运动时期，为巴黎地下铁道系统设计一系列入口的是吉马德 9，好莱坞风格是装饰运动在美国的发展。 10，最早提出比较明确的后现代主义主张的是文丘里。 11，西班牙建筑师高蒂在整个新艺术运动中最引人注目，他设计的西班牙巴塞罗那的米拉公寓是一个典型的例子。 12，里特维尔德的红蓝椅设计揭示了风格派运动的哲学精髓，成为先带设计史上的经典之作、 13，1919年，格罗佩斯担任了包豪斯设计学校的校长，推行一套新的教学制度和设计理论，使该校成为了现代主义设计的摇篮。 14，比利时的新艺术设计运动在比利时的设计史上被称为先锋派运动。 15，意大利设计界的最高荣誉奖叫做金圆规。 16，设计系格莱姆大厦的包豪斯最后一任校长是米斯·凡·德·罗他提出了少即是多的理论。 17.，新艺术运动的三大源泉是哥特式，洛可可式，日本浮世绘。 18.，现代设计史上公认的第一件波普艺术作品是英国国画家理查德·汉密尔顿的《究竟是什么使得现在的家庭如此不同，如此有魅力》 19.，包豪斯的三任校长是格罗佩斯迈耶米斯。 20.法国新艺术运动有两个中心：巴黎南锡。 21.19世纪末到20世纪初推出的一种新型玻璃工艺“法夫赖尔”花瓶系列是蒂法尼最具代表性的作品。 22.包豪斯在教学上采用了“双轨教学制度”即，每一门课程都由以为形式导师担任基础教学和一位工作室导师共同教授，使学生共同接受艺术与技术的双重影响。 后现代主义：所谓后现代主义并不是指时间上处于现代之后，而是针对艺术风格的演变而来的。后现代主义主旨在反抗现在主义方法论的一场运动，它在文学，哲学，批评理论，建筑，设计领域中得到广泛的体现，后现代主义首先体现于建筑界，而后迅速波及到其他涉及领域。后现代主义最早的宣言是美国建筑师文丘里与1919年出版的《建筑的复杂性与矛盾性》一书，文丘里之后，英国建筑师和理论家查尔斯·詹克斯为确立建筑的后现代主义理论作出了重要贡献。 乌尔姆设计学院：乌尔姆设计学院被称为战后包豪斯，它是1953年由包豪斯的毕业生，平面设计大师马克思·比尔在小城乌尔姆建立的，乌尔姆设计学院在艺术设计理论方面提供了系统艺术设计，系统艺术设计是指以高度秩序化的艺术设计改变混乱的环境，使环境具有关联性和系统性，它所形成的教育体系，教育思想，设计观念直到现在依然是德国艺术设计理论。教学和设计哲学的核心组成部分，该学院的艺术设计探索对于德国乃至世界艺术设计的影响都是巨大的。 第三国际纪念塔：1919年塔特林为第三国际而设计。它的设计构想对运用的钢铁材料和简单的几何结构的思考，表达了构成主义的设计理念和坚定向上的政治信仰是构成派最重要的代表作。 帝国大厦：又称帝国洲大厦，建于1931年是一栋曾经在世界建筑史上创造新高度的现代摩天大楼，位于纽约繁华的市中心地段，从建成以来一直是纽约市最重要的象征和城市景观之一。
1、中世纪书籍装帧有哪些特点？对艺术与手工艺运动有哪些影响？什么是艺术与手工艺运动》？ 答：一、1.强调手工艺，明确反对机械化生产2.在装饰上反对矫揉造作的维多利亚风格和其他各种古典、传统的复兴风格。3.提倡哥特式风格和其他中世纪风格，讲究简单、朴实，功能良好。4.主张设计的诚实，反对设计上的华而不实趋向。5.装饰上推崇自然主义，东方装饰和东方艺术。二、影响：创造了新的设计风格，对工业化的反对，和对机械、大批量生产的否定，注定工艺美术运动不能形成领导潮流的主流风格，强调装饰导致成本增加，没能真正为大众服务。但他代表了整整一代欧洲知识分子的感受，因此工艺美术运动的探索为此后的新艺术运动奠定了基础。三、什么是艺术。。。、答：艺术与手工艺运动又称工艺美术运动，19世纪初欧洲各国的工业革命都已经相继完成。他的风格特点是：强调手工艺，对机械化生产，在装饰上反对维多利亚风格、提倡哥特式风格和其他中世纪风格讲究简单、朴实崇自然主义，东方装饰。 2.什么说艺术设计的发展历史就是人类的文明发展史？ 答：因为从远古时期开始，人类就有穿贝为饰，作岩壁画的习惯，所以艺术设计可以说是从有真正意义上的人，也就是“智人“的开始，就伴随着人类的进化一直发展到现在。随着人们生活水平的提高，对艺术的追求也在变化，所以说艺术设计的发展历史就是人类的文明发展，淡然也可以说是物质文明的发展推动了艺术的发展 3.简述与古代埃及手工艺设计的主要特点与成就。分析社会环境，文化环境对古代对古代埃及手工艺设计产生的影响？ 答:古代埃及手工艺设计注重装饰性的表现，强调精神的作用，作品的实用功能并非根本不同的，大量的工艺饰品不是为满足人们生活的日常需要而产生，而是为死者在来世可以继续享用而存在；纵观古代埃及的艺术，始终充满了静慕，注重浑厚的风韵，同时随着浓郁的神秘主义色彩和艺术气息。 4.名词解释：1.新古典主义设计。：兴于18世纪的罗马，并迅速在欧美地区扩展的艺术运动。新古典主义，一方面起于对巴洛克和洛可可艺术的反对，另一方面则是希望重振古希腊、古罗马的艺术为信念。新古典艺术家刻意从风格与题材模仿古代艺术，并且知晓模仿的内容为何。新古典艺术在雕刻艺术上以浅浮雕图式表现，因此截然不同于巴洛克风格的深度雕刻。代表有:巴利、维恩。。。 2.巴洛克风格设计：巴洛克风格虽然继承了文艺复兴时期确立起来的错觉主义再现传统，但却抛弃了单纯、和谐、稳重的古典风范。追求一种繁复夸饰、富丽堂皇、气势宏大、富于动感的艺术境界。代表人物：贝尔尼尼。。 3洛可可风格设计：-罗可可，是贝壳工艺的同义语，由此引申一种纤巧、华美、富丽的艺术风格或样式。由于主要是在路易十五时代流行，又称路易十五风格，他反应出上流社会贵族的审美理想和趣味，是18世纪欧洲流行的主流艺术样式。 5.简述“包豪斯”设计风格及影响。简述包豪斯的教学理念及课程特点 简述包豪斯的教学理念及课程特点； 包豪斯教育注重对学生综合创造能力与设计素质的培养，包豪斯的以前设计学校，偏重于艺术技能的传授，包豪斯为了适应现代社会对设计师的要求，建立了”意思与技能新联合“的现代设计教育体系，开创类似三大构成的基础课、工艺技术课、专业技术课、理论课及与建筑有关的工程课等现代设计课程，培养出大量既有美术技能、既有科技应用知识技能的现代设计师。包豪斯的整个教学改革是对主宰学院的古典传统进行冲击，提出”工厂学徒制“。
外国设计史要点 第二章古代东方的手工艺设计 1.现存最古老的埃及家具出自著名的吉萨金字塔群中赫特菲蕾斯王后的陵墓。 2.一般可将整个西亚的历史分为5个阶段：苏美尔-阿卡德时期（公元前3500-前2000年）、巴比伦时期（前1900-前1600年）、亚述时期（前1000-前612年）、新巴比伦时期（前612-前538）以及波斯时期（前538-公元651年）。 思考题：古埃及的手工艺设计有何主要特点与成就 （1）虽埃及尚处在人类历史发展的童年时代，但与当时尚不发达的生产水平以及尚不完善、成熟的科学技术形成鲜明对比的是，古埃及的艺术设计涉及相当广泛的工艺门类与生活领域。（2）古埃及的艺术设计体现了奴隶主与专制统治下手工艺发展的典型特色（3）处于一个宗教在政治活动、社会生活以及观念风俗领域居于绝对统帅地位的国度，古埃及的手工艺设计不可避免的被打上了鲜明的宗教印记。 第三章古代西方的手工艺设计 1.新的希腊文明大约在公元前9世纪再度兴起，先后经历了荷马时期（公元前12-前8世纪）、古风时期（前7-前6世纪）、古典时期（前5-前4世纪）和希腊化时期（前4世纪末-公元1世纪） 2.与其他东方文明古国相比，古希腊的手工业设计具有鲜明的地方特色和民族个性。 为什么古希腊的手工艺设计达到顶峰？ （1）古希腊发达的手工业和繁荣的海外航运、贸易业、为该地区手工艺设计的发展奠定了稳固的基础(2)古希腊所实施的奴隶制民主政治体制，为手工艺设计的繁荣创造了良好的环境。（3）古希腊人独特的生活态度、风俗习惯促进了手工艺设计中地域特色、民族特色形成。（4）古希腊高度发达的哲学、美学和文学，艺术为手工艺的发展提供了有力的支持。 3.古希腊陶器工艺设计的发展可分作5个阶段：几何风格时期、东方风格时期、黒绘风格时期、红绘风格时期、白绘风格时期。 4.黒绘风格：就是在棕红或黄褐的陶胎上，用特殊的黑色泥釉装饰有故事情节的人物图案。 5.法国罗可可家具的发展可分为前后俩个阶段：“摄政式”与“路易十五式”。 6.文艺复兴：是14世纪在意大利各城市兴起，16世纪在欧洲盛行的一场思想文化行动，带来一段科学与艺术革命时期，揭开了现代欧洲历史的序幕，被认为是中古时代和近代的分界。 7.何为罗可可风格的艺术设计这种偏好艳丽色彩与优雅装饰的风气取代了巴罗克时代雄健奔放的趣味,表现出一种轻松活泼的特点。它由法国路易十五宫廷形成后流行开来,波及到德、奥和其他国家, 以至形成了18世纪在欧洲占统治地位的"罗可可"风格的艺术形式。 当时的造型艺术领域,存在着纯美化的罗可可宫廷艺术与反映平民阶层生活的现实主义艺术之间的流派斗争。这一矛盾也反映在华托、布歇和弗拉贡纳尔的作品中,他们的创作除去居主导地位的罗可可风格外,也有现实主义的因素。然而华托远不止是他那个时代流行风尚的体现者,恰恰是他的梦幻与理想开创了罗可可之风的先河,他的作品极为精致的装饰性和幻想的抽象性,对罗可可艺术的形成起到了奠基的作用。当然,罗可可风格在布歇和弗拉贡纳尔的作品中表现得更为突出和强烈些。他们对感官之美真实大胆、富于情调的效果追求,成为那个无忧无虑的奢华时代的诠释者。 第四章早期工业社会的艺术设计 1.法国新古典式家具的发展大致经过俩个时期，前期成为“路易十六风格”，后期称为“帝政风格”。 2.1804年，随着拿破仑称帝，法国家具设计进入了“帝政风格”阶段，拿破仑很早就认识到艺术与设计是显示统治者权威、荣耀的有力手段。 3.亚当式的家具其特点是较为规整、简朴、轻巧、优美，经常使用油漆，贴金，镶嵌以及雕刻等装饰手法。 4.艺术与手工艺运动：是针对工业革命后艺术设计领域所出现的危机，力图通过复兴传统手工艺以及重建艺术与设计的紧密联系，来探索新的社会背景下艺术设计道路的一场设计运动。 5.艺术与手工艺运动标志着现代设计史的开端，其主要领袖莫里斯也就被尊为”现代艺术设计之父“。
西方现代设计史 1.朱铭、荆雷合着《设计史》六个时期：设计的萌芽时期、手工业时代的设计、早期工业时代设 计、现代主义设计时期、后工业社会的设计、设计的计算机时代。 2.王受之着的《世界现代设计史》、《世界现代建筑史》和《世界平面设计史》，综合地、分门别 类地研究了现代设计史。 3.1851年伦敦举办了“水晶宫”世界博览会，暴露出了“没有功能意义的装饰”和“把钱放在不必 要的装饰上就是一种罪恶”的缺点，从而引发了英国工艺美术运动的兴起与发展。 4.约翰·拉斯金是英国工艺美术运动的倡导者、理论奠基人，现代技术美学的先驱。 5.威廉·莫里斯设计的《乔莎集》，被誉为书帧设计史上的杰作之一。 6.朱尔斯·谢列特，“现代广告之父”。 7.“新艺术之家”：萨穆尔·宾。（主张设计师师法大自然，从大自然中选取动植物形态作为装饰 纹样，取消直线，代之以流畅、纤细而又不失自然有机形态的曲线。 8.“现代之家”：①.朱利·梅耶-格拉弗②.阿贝尔·兰德利③.保罗·佛洛特④.毛里斯·迪佛雷 纳。 9.“六人集团”：①.亚历山大·察平特②.查尔斯·普伦米特③.托尼·塞尔莫斯汉④.赫克 托·基马德⑤.乔治·霍恩切尔⑥.卢帕特·卡拉宾。 10.凡·德·威尔德，不仅是比利时新艺术运动的重要代表，而且也是世界现代艺术设计师的重要人 物。 11.“格拉斯哥四人集团”：①.麦金托什②.玛格丽特·麦克唐纳③.费朗西丝·麦克唐纳④.赫伯 特·麦内尔。从事家具、彩绘玻璃和平面设计等设计工作，他们的设计主要采用自然中的各种植物纹样作装饰，具有典型的新艺术风格特征。 12.安东尼·高蒂，西班牙新艺术运动中的重要代表人物。风格：折中主义。 13.彼得·贝尔伦，德国工业同盟会的核心成员之一。 14.荷兰风格派：简单的长方形、正方形、直角等几何形式和无装饰、三原色、中性色彩等造型元 素。 15.里特维德，“红蓝椅”。 16.1919年，德国包豪斯建立，第一任校长：格罗庇乌斯。宣言：艺术不是一门专门职业，艺术家与 工艺技术之间在根本上没有任何区别。 17.意大利着名设计师吉奥·庞蒂创办的《多姆斯》杂志成为意大利现代主义设计运动的宣传阵地。 18.雅各布森，是一位具有国际性影响的建筑师和设计师。作品：“蚁”椅、“蛋”椅、“倚者 椅”。 19.1966年美国建筑师文丘里在他的《建筑的复杂性与矛盾性》一书中，提出来“少则烦”。 一、拉斯金的艺术设计思想（现代主义的设计思想）： ①.主张艺术与技术相结合 ②.主张艺术设计要符合使用目的，注重社会功能 ③.倡导艺术家，设计师向大自然学习，从大自然学习，从大自然中汲取艺术设计灵感和素材 ④.反对现代化生产方式，反对在设计中使用新技术、新材料，主张设计使用自然材料和用手工技 艺。 二、威廉·莫里斯的艺术设计改革思想和艺术设计美学理论： ①.提倡手工艺术，反对大机器工业生产 ②.推崇中世纪哥特式艺术，认为哥特式的手工也是纯真的，毫无造作的 ③.提倡艺术设计“回归自然” ④.主张艺术家与手工艺人结合，设计出实用的艺术产品，主张“纯艺术”与手工艺术之间的关系
现代设计史讲义 本课程的基本结构： 绪论设计史的研究对象 第一章工业设计产生的历史背景 第二章工艺美术运动—工业设计的萌芽 第三章新艺术运动——工业设计发展的初级阶段 第四章现代主义设计的发展 第五章包豪斯—现代主义设计发展的高峰 第六章装饰艺术运动—多元文化因素作用下的设计艺术风格 第七章美国现代设计艺术的发展（１９４５年以前） 第八章战后美国设计艺术的发展（１９４５年以后） 第九章战后西方各国工业设计的发展 第十章设计艺术的多元化发展—后现代主义设计艺术（２０世纪６０年代之后） 绪论设计史的研究对象 第一节设计学与设计史 设计学或称“设计科学”，是以人类设计行为的全过程和它所涉及的主观和客观因素为对象的，涉及哲学、美学、艺术学、心理学、工程学、管理学、经济学、方法学等诸多学科的边缘学科。“设计科学”最早是由美国科学家赫伯特·亚历山大·西蒙（ＨｅｒｂｅｒｔＡｌｅｘａｎｄｅｒＳｉｍｏｎ，１９１６—）在１９６９年首次提出的。他在其著名论文《关于人为事物的科学》中，从人的创造思维和物的合理结构之间的辩证统一和互为因果的关系出发，总结出设计科学的基本框架，包括它的定义、研究对象和研究的意义。 一、设计学的研究对象与研究任务 首先，设计的主体是人，人的设计智能是建立在大脑这一特殊物质的特殊思维功能基础上的，因此，设计学的第一位的研究对象是人和人的思维活动。 其次，设计的过程体现为人类按自己的设计目标改造世界的历程，因此，人对客观世界的把握和纳入人的认识领域的一切客观因素的可选择性或审美特征，是设计学次位的研究对象。 第三，设计的结果最后要物化为某种形式（如产品、建筑、广告、生活环境、工作环境等），这种物化结果对消费者的影响和心理感受也是设计学研究的内容。 第四，人类设计活动必然处于某种环境（包括自然环境、社会环境和文化环境）之中，环境与设计之间是一种互动的“生态系统”，如何保持这种生态系统的平衡性是设计科学所面临的新课题。“人（设计的主体）—产品（设计的结果）—环境（设计所处的环境及产品的消费环境）”这一设计系统涉及人、产品、环境三个要素。 朱铭教授把设计学研究的任务归纳为以下几个方面： 第一，以科学的认识论为基础，研究人类设计思维的过程和规律。 第二，以人的社会集群关系为依托，研究在各种社会关系条件下设计的客观条件和因素，建立合理平衡的设计生态体系。 第三，以“目标—手段”为线索，研究设计过程中涉及的物理的和心理的要素，以及他们在能动的创造过程中的作用和特征。 第四，在阐述设计学的基本概念、基本范畴和历史演进的基础上，探索当代和未来设计思想和设计实践的发展和演变。①
西方现代艺术设计简史 1、威廉·莫里斯被称为现代设计之父，他与现代的设计又相似之处。 2、朱铭、荆雷合著《设计史》把设计史分为六个时期，设计萌芽时期、手工业时代的设计、早期工业化时代的设计、现代主义设计时期、后工业社会的设计和设计的计算机时代。 3、王受之著的《世界现代设计史》、《世界现代建筑史》和《世界平面设计史》等，综合的，分门别类的研究了现代设计史。 4、1851年伦敦举办了“水晶宫”世界工业博览会，从而引起了英国工艺美术运动的兴起于发展。 5、约翰·拉斯金是英国工艺美术运动的倡导者、理论奠基人。 他的艺术设计思想：（1）主张艺术与技术相结合（2）主张艺术设计要符合实用目的（3）倡导艺术家，设计师向大自然学习（4)反对工业化生产方式，反对在设计中实用新技术、新材料，主张设计使用自然材料和运用手工技术。 6、1896年由莫里斯设计的《桥莎集》，被誉为书籍装帧设计史上的杰作之一。 7、法国是新艺术运动的发祥地，巴黎和南锡是两个重要的发展中心。其中，“新艺术之家”、“现代之家”和“六人集团”三个重要的设计事务所都在巴黎产生。 8、六人集团中的赫巴托·基马德，设计的著名的“巴黎地下铁路入口处的装饰”，采用了弯曲的金属结构，模仿之物的支干和采用玻璃棚顶，模仿贝壳形状，体现出鲜明的新艺术运动的特点与风格。 9、法国的新艺术运动除在建筑、家具、室内设计等方面外，在陶瓷，平面设计方面都有很大的发展，最早设计广告的是朱尔斯·谢列特，他本人也因此被称为“现代广告之父”。 10、凡·德·威尔德不仅是比利时新艺术运动的重要代表，而且也是世界现代艺术设计史的重要人物。他参与了德国工业联盟，包豪斯也有贡献。 11、威尔德在设计思想上也有两面性：一方面他强调工艺和装饰的理性，即他的现代理性主义设计，宣扬设计和批量生产中的合理化。另一方面他又坚持设计师艺术的个性化，反对标准化给设计带来的限制。 12、新艺术运动在奥地利被称为”维也纳分离派”。 13、“格拉斯哥四人集团”是由麦金托什和他的妻子玛格丽特·麦克唐纳、妻妹费朗西丝·麦克唐纳、妻妹夫郝伯特·麦内尔四人组成的设计集团。 14、在西班牙的新艺术运动中，安东尼·高蒂是最重要的代表人物。安东尼·高蒂是西班牙伟大的建筑设计师，也是19世纪末20世纪初整个新艺术运动的重要代表人物。 15、高蒂的艺术设计思想具有较强的民主主义思想，他的设计思想的成熟与发展受到很多方面因素的影响。首先是他与生俱来的平民性格。其次是巴塞罗那的经济环境和自由、民主的思想，也给他的设计思想以较大的影响。再次，是巴塞罗那和高蒂的家乡卡塔罗地区，在历史上就经历了东西方文化艺术的交流与融合，并且受到哥特式风格的影响，加上19世纪中叶英国工艺美术运动倡导者的复兴中世纪手工艺和哥特式建筑、设计等风格以及倡导设计的民主化理想。 16、在高蒂的设计生涯中，最能代表特的设计特点与风格的作品，应该是特设计的“巴特罗公寓'其建筑借鉴了自然界中得凹凸，螺旋，抛物线等各种非矩形平直的曲线形态。 17、彼得·贝伦斯是德国工业同盟的核心成员之一。他被聘为德国最大的电气公司------“德国通用电器”公司的艺术顾问。为该公司做出世界上第一个企业形象设计。 18、风格派的艺术标准，目标：追求绝对抽象的原则，采用基本的几何形象的组合与构图来体现整个世界的法则追求和谐与表现。用简单的长方形、正方形、直角等几何形式和无装饰、三原色、中性色彩等造型元素。 19、里特维德，他设计的家具作品“红蓝椅”和建筑作品“施罗德住宅”等，成为20世纪西方现代艺术设计师上的经典作品。 20、俄国构成主义在建筑、产品设计方面的探索是最成功的，1919年塔特林为第三国际设计的“第三国际纪念塔”，对现代设计有很大的启发。 21、包豪斯的教学特点：1、理论导师和技术导师2、教学上很多时候是在工厂里完成的，提倡实践操作。3、构成深，请了很多大家。 22、包豪斯的教育方针：1、在设计中提倡自由创造，反对模仿，墨守陈规。2、将手工艺与机器生产结合起来，提倡在掌握手工艺的同时，了解现代工业的特点。3、强调基础训练，从现代抽象绘画和雕塑发展而来的平面构成、立体构成和色彩构成等基础课程，成了包豪斯对现代工业设计做出的最大贡献之一。4、实际动手能力和理论素养并重。5、把学校教育与社会生产实践结合起来。 23、包豪斯建立在迪索。格罗庇乌斯为第一任校长。 24、米斯是德国著名的建筑设计师、建筑理论家、艺术设计教育家、德国工业同盟和包豪斯的重要成员，也是现代主义建筑设计领域中最重要的大师之一。 25、包豪斯的历史贡献：1）强调集体工作方式，用以打败艺术教育的个人藩篱，为企业工作奠定基础。（2）强调标准，用以打破艺术教育造成的漫不经心的自由化和非标准化。（3）设法建立基于科学基础上的新的教育体系，强调科学的、逻辑的工作方法和艺术表现的结合。（4）把设计一向流于“创作外型”的教育重心转移到“解决问题”上去，因而设计第一次摆脱了玩形式的弊病，走向真正提供方便、实用、经济、美观的设计体系，为现代设计奠定了坚实的发展基础。（5）在比利时设计家亨利·凡·德·威尔德的试验基础上，开创了各种工作室，如金、木、陶瓷、纺织、摄影等。团结了一批卓有建树的艺术家与设计家介入到设计中来，将设计教育建立在科学的基础之上。（6）打破了陈旧的学院式美术教育的框框，创造了结合大工业生产的方式，为现代设计教育的发展奠定了基础。（7）培养了一批既熟悉传统工艺又了解现代工业生产方式与设计规律的专门人才，形成了一种简明的适合大机器生产方式的美学风格，将现代工业产品的设计提高到了新的水平。 26、“装饰艺术”运动产生于20世纪二三十年代，他主要是在欧洲的法国、英国和美国等国家开展的一次风格独特的艺术设计运动。 27、装饰艺术运动反对工艺美术运动、新艺术运动片面强调手工艺、哥特式风格和自然美装饰风格。装饰艺术运动主张从传统艺术和设计中吸取创造元素；提倡机械美学，趋于简洁的几何形态设计。三大灵感来源：来自非洲的黑人面具和木雕以及南美洲原始部落中的原始艺术。 28、俄国芭蕾舞在巴黎演出。 29、国际主义艺术设计风格早在20世纪二三十年代已经出现，到五六十年代发展到高潮。实质上，国际主义艺术设计风格是现代主义艺术设计运动的思想、形式等在世界各国的表现，是现代主义艺术设计在特定发展阶段的成谓。几乎导致整个世界的建筑、产品等设计千人一面。 30、第二次世界大战后，在德国工业设计的发展中，乌尔姆设计学院起到了积极促进的作用。乌尔姆设计学院杯成为”战后包豪斯”他是1953年由包豪斯的毕业生、平面设计大师马克斯·比尔，在物理学家爱因斯坦诞生的小城乌尔姆建立的。 31、二战后，意大利著名设计师吉奥·庞蒂创办的《多姆斯》杂志成为意大利现代主义设计运动的宣传阵地。 32、北欧的瑞典、挪威、芬兰、丹麦、冰岛五国称为斯堪的纳维亚国家。 33、维亚航空公司旅馆设计出了具有雕塑般美感的蛋形椅和天鹅椅（玻璃纤维制作）。雅各布森设计杰作是沃拉系列卫生间用具。 34、最早提出人机工程学的是亨利·德雷夫斯。 35、1966年美国建筑师文丘里在他的《建筑的复杂性与矛盾》一书中针对米斯·凡·德·罗提出的现代主义建筑设计“少则多”的口号，提出了“少则烦”信条，成为了后现代主义最早的宣言。
巴洛克和洛可可风格 结合作品，试分析巴洛克、洛可可风格的艺术特色以及在现代设计中的应用 巴洛克风格是在17世纪文艺复兴建筑基础上欧洲发展起来的一种建筑与装饰风格，在路易十四时期发展盛行。特点：追求标新立异，活泼浪漫；强烈奔放，豪华壮观，奇特玄妙和大气蓬勃的风格特征；注重外在的表现形式，强调形式上得多变和气息渲染。这一时期设计上得成就主要表现在教堂、宫殿的建筑上，追求的事把建筑、雕刻和绘画结合成一个完美的整体，巴洛克风格的教堂富丽堂皇，具有强烈的神秘气氛，符合教会炫耀财富，追求神秘感的要求。反映了人们向往自由的世俗思想，其风格的富丽堂皇和神秘迎合了天主教会的要求。代表人物：韦尼奥拉，贝尼尼。 洛可可风格是18世纪中叶产生于法国宫廷而流行于整个欧洲的艺术风格，具有纤细柔美的造型，华丽的繁饰，多用C形、S形和涡卷形的曲线和艳丽的浮华色彩做装饰构成。总体特点是：纯宫廷艺术，十分重视装饰性；细腻柔美，尤其用贝壳，漩涡，山石作为装饰题材，促进了欧洲各中工艺技巧的发展和提高，但严重忽略实用功能，以致追求纯粹装饰的极端。18世纪路易十五时期的贵族崇尚纤巧轻佻，华丽繁缛，与巴洛克风格色彩强烈，装饰浓艳不同，洛可可的室内装饰色彩明快，细腻柔媚，多用弧线，缠绵盘曲，以涡旋纹为标志。 洛可可风格促进了欧洲各种工艺技巧的发展和提高，但由于是宫廷艺术性质的局限，它最终走向了追求纯粹装饰的极端，严重忽略了实用功能的要素，以致表现出奢靡和单纯追求玩物的倾向。 虽然巴洛克和洛可可时期往往被称为宏伟，奢侈，享乐，和纵欲的时期，但他们所带来的艺术影响却是任何一个时期所无法替代的。巴洛克一词可能来自葡萄牙文，意思是变异的珍珠，其实这也是对这种华丽风格的讽刺，每一种文化发挥到了极致就总汇刺激另一种文化的产生，后者往往是前者的传承，是在前者基础上得修改和发展，于是，在巴洛克后期，洛可可文化应运而生。 总的来说巴洛克风格与洛可可风格的设计元素主要包括四点：奢华财富，空间感，立体感的追求，现代田园的自然淳朴与综合式的艺术手段。这与现代室内设计和服装设计所追求的东西大相径庭。 古埃及设计 一结合作品，试分析古代埃及设计的特点。 1 古代埃及艺术设计虽然历史悠久，但很多作品在造型技术、装饰技艺及材料应用和整体表现手法蕴含着某些现代审美意识和现代工艺的要素，具有开拓性意义。如几何形和几何纹样的应用、形态的变形处理和刻意的装饰性表现等。 比如多见于古代埃及壁画、浮雕和器物装饰中人物形象的造型法则正身侧面律的运用。 2 古代埃及工艺美术涉及非常广泛的材质，并取得了辉煌的成就，形成独立的门类与分科，追求材质美，手工巧，目的是满足奴隶主贵族的审美要求。特别是玻璃的发明对人类工艺文化产生了巨大的影响，新王国时期出现了为玻璃着色的技术，它掀起了人类历史上第一个以玻璃为材质的艺术语言的美术创作浪潮。
西方现代设计史中的主流 18世纪启蒙文学大师伏尔泰曾说:“从写作的风格来认出一个意大利人，一个法国人，一个英国人或一个西班牙人，就像以他的面孔的轮廓、他的发音和他的行动举止来认出他的国籍一样容易。意大利语柔和甜蜜，在不知不觉中渗入到意大利作家的资质中去。在我看来，词藻的华丽、隐喻的运用、风格的庄严，通常标志着西班牙作家的特点。对于英国人来说，他们更加讲究作品的力量、活力和雄浑，他们爱讽喻和明喻甚于一切。法国人则具有明彻、严密和幽雅的风格。他们既没有英国人的力量，也没有意大利人的柔和……”。 设计风格的差异性具有很强的普遍性，处于同一时代的设计师的设计作品往往表现出不同的风格，新艺术运动的曲线派与直线派设计师就体现出不同的风格，高蒂的风格与麦金托什的风格就迥然不同;20世纪60^-70年代的意大利设计风格中也体现出不同的设计风格，理性的现代主义与激进的前卫设计相互辉映;当代的德国设计也体现出一定的多样化，以青蛙设计为代表的趣味性设计打破了现代主义一统天下的局面。 刘勰(约465 - 532年)在《文心雕龙·体性》中曾经说过:“各师成心，其异如面。”18世纪 法国著名的自然科学家布丰(Georges Louis De Buffon, 1707-1788)有句明言“风格就是整个的人”和我国古语所说的“文如其人”有异曲同工之妙，风格的个人性与差异性由此也可见一斑。 美国哲学家、美学家门罗C Thomas Munro } 1897 -1974)认为:“艺术风格是一种复合的描述性类型，它要求较多的个别特性，对其作出明确的界定。它是由种种特性或特点结合而成的，这些特征或特点倾向于一起出现在不同的艺术作品之中，或者己经一起出现在某些地方或某些时期的艺术作品之中。它是一种反复出现的特性复合体一一一种互有关联的有特性的群集或结构，并且带有某种侧重点或连续性，作为各种实例的一种构成原则出现，具体实例离开了这种原则，会变得面目全非。
【框架】 一:手工设计及向工业设计过渡时期—设计思想萌芽（至19世纪初） （1）18世纪前的手工艺时代（2）工业革命时期的设计萌芽 二:机械的早期工业化时代—设计思想发展（至20世纪初）（1）工艺美术运动和新艺术运动（重点）（2）国际现代主义和包豪斯（重点）（3）美国设计的兴起 三:高度机械化时代—设计思想的成熟 (至20世纪50年代) 四:自动化全球时代—设计思想和体系全面发展（至今） （1）二次世界大战后的欧洲设计（2）美国工业设计（3）日本工业设计 【设计风格大事年】〖设计萌芽以前〗 中世纪: "哥特式" 以小尖塔和彩色玻璃镶嵌为特色 "罗马式" 以圆屋顶，弧形拱门和厚墙为特点的基督教堂艺术 "古希腊罗马艺术" "静穆的伟大，单纯的崇高" 16世纪 "文艺复兴" 代表人文主义精神和秩序严谨，协调的古典美学理想 17世纪 "巴洛克" 追求不规则形式，起伏的线条及情感热烈的天主教和君主宫廷室内奇异装饰为特点。18世纪 "洛可可" 优雅轻快，非对称曲线，华丽柔和以及营造沙龙是居住环境 19世纪初古典主义和浪漫主义并驾齐驱 〖设计萌芽后至少分七个阶段〗 1850-1900 工艺美术运动 1890-1905 新艺术运动 1900-1930 机械美学运动 1925-1939 装饰艺术派 1935-1955 商业主义风格 1955-1975 多样化时期:波普pop；高技术；后现代主义；解构主义；新现代主义（国际主义）；微电子风格 1975-至今当代风格 【知识点汇集】 ※工艺美术运动 工艺美术运动是起源于英国19世纪下半叶的一场设计运动，其起因是针对家具、室内产品、建筑的工业批量生产所造成的设计水准下降的局面。这场运动的理论指导是约翰"拉斯金，主要人物则是威廉"莫里斯。这场运动受到日本艺术的影响，影响主要集中在首饰、书籍装帧等方面。其特点有:1、强调手工艺，明确反对机械化生产。2、在装饰上反对矫揉造作的维多利亚风格和其他各种古典、传统的复兴风格。3、提倡哥特风格和其他中世纪风格，讲究简单、朴实，功能良好。4、主张设计的诚实，反对设计上的华而不实趋向。5、装饰上还推崇自然主义，东方装饰和东方艺术的特点。工艺美术运动产生的根源是当时艺术家们无法解决工业化带来的问题，企图逃避现实，退隐到他们理想化了的中世纪、哥特时期。运动否定大工业与机械生产，反对机器美学，导致它没有可能成为领导潮流的主要风格，从意识形态上说这场运动是消极的。但是它的产生去给后来的设计家提供了设计风格参考，提供了不同以往的尝试典范，影响遍及美国和欧洲等地区，对后来的“新艺术”运动具有深远的意义。 ※英国工艺美术运动产生的背景 19世纪初期，大批工艺品投放市场而设计远远落后，美术家不屑于产品设计，工厂主也只注重质量与销路。设计与技术相当的对立，当时产品分为外形粗糙的工业品和服务于少数人的精致手工艺品。此时期尚属于工业设计思想萌发前夕，在产品设计上十分的混乱。 ※英国工艺美术运动的设计团体 世纪行会（阿瑟"马克穆多 1882）。2、艺术工作者行会（1884）。3、手工艺行会（查尔斯"阿什比1888）。这些团体的设计宗旨和风格与莫里斯很接近，都反对设计上的权贵主义，反对维多利亚风格，反对机械工业化，吸收东方风格，力图复兴中世纪手工业传统和优雅、统一。
西方设计史复习资料 一、名词解释（选5） 威廉·莫里斯 英国维多利亚时代的艺术家威廉·莫里斯是现代设计的先驱，是英国杰出的美术设计家，手工艺人，画家，浪漫主义诗人，小说家，空想社会主义者。 雷蒙·罗维 雷蒙·罗维出生于巴黎，在美国设计史上具有举足轻重的地位，堪称20世纪美国工业设计平原上的一座高峰。他宣扬设计促进行销的新理念，认为设计师追求的不应当是单纯的设计哲学和设计理念，而是设计的市场效益。 包豪斯 包豪斯，是德国魏玛市的“公立包豪斯学校”的简称，后改称“设计学院”，习惯上仍沿称“包豪斯”。在两德统一后位于魏玛的设计学院更名为魏玛包豪斯大学。她的成立标志着现代设计的诞生，对世界现代设计的发展产生了深远的影响，包豪斯也是世界上第一所完全为发展现代设计教育而建立的学院。 包豪斯的教学特点是：反对模仿因袭，将产品设计同机器生产、社会发展及各门艺术结合起来，培养学生的动手能力和理论素养。 人机工程学 所谓人机工程学，亦即是应用人体测量学、人体力学、劳动生理学、劳动心理学等学科的研究方法，对人体结构特征和机能特征进行研究，提供人体各部分的尺寸、重量、体表面积、比重、重心以及人体各部分在活动时的相互关系和可及范围等人体结构特征参数；还提供人体各部分的出力范围、以及动作时的习惯等人体机能特征参数，分析人的视觉、听觉、触觉以及肤觉等感觉器官的机能特性；分析人在各种劳动时的生理变化、能量消耗、疲劳机理以及人对各种劳动负荷的适应能力；探讨人在工作中影响心理状态的因素以及心理因素对工作效率的影响等。
孟菲斯 “孟菲斯”是后现代主义在设计界最有影响的组织，是意大利的一个设计师集团。开创了一种无视一起模式和突破所有清规戒律的开发性设计思想，从而刺激了丰富多彩的意大利新潮设计。 波普设计 波普艺术（POP Art) 20世纪50年代初萌发于英国，60年代流行与美国。POP是“popular"的缩写，是“通俗、大众、流行”的意思。波普设计又称为流行艺术，通俗设计、新达达主义，代表着流行与大众文化的品味。波普艺术的设计师在现实社会寻求发展，他们把现实生活中最常见的东西搬进艺术——以大众商业化文化为基本特色的波普艺术应运而生，发展出具有明显商业艺术特征和大众文化特点的艺术风格。波普设计也就是在波普艺术的影响下发展起来的。 德意志制造联盟 德国第一个设计组织,1907年成立,是德国现代主义设计的基石。它在理论与实践上都为20世纪20年代欧洲现代主义设计运动的兴起和发展奠定了基础。其创始人有德国著名外交家、艺术教育改革家和设计理论家穆特休斯、现代设计先驱贝伦斯、著名设计师威尔德等人。其基地设在德累斯顿郊区赫拉劳。 德意志制造联盟认为设计的目的是人而不是物,工业设计师是社会的公仆,而不是以自我表现为目的的艺术家,在肯定机械化生产的前提下,把批量生产和产品标准化作为设计的基本要求。现代工业设计必须建立在大工业文明的基础上,而批量生产的机械产品必然要采取标准化的生产方式,在此前提下才能谈及风格和趣味问题，是一种现代主义设计。 反“计划废止制” 它与厄尔倡导的计划废止制的极端商业主义设计相反，另外一些设计师和理论家则坚持进行严谨的现代主义设计探索，反对虚华的、式样式的设计之风。提出了“好的设计”的评判标准即主张以清晰、简洁、无装饰的产品造型和符合产品功能目的的设计为准则。 20世纪50 、60年代，为满足商业需要而采用的样式主义设计策略在汽车设计领域表
外国这几的 工艺美术运动 英国世界博览会：1851年伦敦举行 代表建筑：水晶宫（约瑟夫·博克斯顿） 新型材料：玻璃、钢铁 工艺美术运动风格： （一）手工艺\反对机械化生产。 （二）在装饰上反对矫揉造作的维多利亚风格，提倡哥特式风格和其他的中世纪风格，讲究简单、朴实无华和良好功能。 （三）装饰上推崇自然主义、东方装饰和东方艺术特点。（四）主张诚实的、诚恳的设计，反对设计上的哗众取宠、华而不实趋向。 代表人物:威廉·莫里斯 代表作：红屋（与菲利普·韦伯合作设计）采用哥特式建筑细节 设计风格：清新自然、简洁、以功能为主 他开设了世界上第一家设计事务所。 新艺术运动 概念：1．新艺术运动首先在法国发展起来，这与法国家具设计家萨穆尔·宾在1895年开办的设计事务所的名字——“新艺术之家”有关，评论家取其中的“新艺术”为名来称呼这个席卷欧美的设计运动。时间大约在1895—1910年，长达10余年，涉及欧美十余个国家，后来逐步被“装饰艺术”运动和现代主义所取代。它是设计上一次非常重要、具有相当影响力的形式主义运动。 2．新艺术运动设计范围十分广泛，从建筑、家具、产品、首饰、服装、平面设计、书籍插图，一直到绘画，在现代设计史上占有重要地位，为20世纪初的设计开创了一个有声有色的新阶段，成为传统设计与现代设计之间的一个承上启下的重要阶段。 3．新艺术运动是对矫饰的维多利亚等过分装饰风格的反动，也是对工业化风格的一种强烈反应，重视传统手工艺，放弃传统装饰风格，从自然中寻找灵感，获得装饰动机。4．新艺术运动在艺术风格上多用曲线和有机形态。 风格及影响:1．虽然“新艺术”运动的风格在各国之间有很大的区别，但是从追求装饰，探索新风格这点上，所有卷入这个设计运动的国家都是相同的，它的装饰性的、手工艺的方法依然是陈旧的。 2．它所采用的方式，比如装饰、自然主义的风格等等，使这场运动依然是为豪华、奢侈的设计服务的，是为少数权贵服务的。 3．对于曲线的重视和强调，使这场运动具有强烈的平面特征，也具有非常明显的东方艺术影响痕迹，特别是日本的浮世绘风格的痕迹。这场运动风格细腻，装饰性强，因此常常被成为女性风格。4．“新艺术”运动是世纪之交的一次承上启下的设计运动，它承继了英国“工艺美术运动”的思想和设计探索，希望在设计矫揉造作风气泛滥的时期、在工业化风格浮现的时期，重新以自然主义的风格，复兴设计的优秀传统。5．这场运动处在两个时代的交叉时期，旧的、手工艺时代接近尾声，新的时代、工业化的、现代化的时代即将出现，因此从意识形态上看，它的兴起预示了旧时代的接近结束和一个新的时代——现代主义时代的即将来临。它是一个新旧交替时期的过渡阶段。 西班牙新艺术运动和高迪的贡献：1.西班牙的新艺术运动是最为极端、最具有宗教气氛的，最著名的设计代表人物是建筑家安东尼·高蒂。 他的风格具有有机的特征，同时又具有神秘的、传奇的色彩，不少装饰图案都有强烈的象征性。 2. 安东尼·高蒂的设计作品 （1）文森公寓 （2）居里公园 （3）巴特罗公寓 （4）米拉公寓 （5）高蒂最重要的作品是“圣家族大教堂”——他为之投入了43年之久，并且至今仍然没有完成 格拉斯哥四人设计集团：察尔斯·马金托什、赫伯特·马克奈、麦当那姐妹，他们被称为格拉斯哥四人。主要首脑人物是察尔斯·马金托什，他们的风格注重各种植物纹样的装饰。 马金托什设计风格：主张直线、主张简单几何造型，主张黑白色等中性色计划。他的探索为机械化、批量化、工业化的形式奠定了基础，可以说马金托什是一个联系“新艺术”运动之类的手工艺运动和现代主义运动的关键过渡性人物。代表作：高背椅子 新艺术运动潜在的动机是与十九世纪下半夜的两种趋势决定的历史风格自然主义 奥地利“分离派”与德国的“青年风格”运动 奥地利“分离派”运动和德国的“青年风格”运动都是从“新艺术”运动中发展出来的设计运动，但是这两个运动开始摆脱单纯的装饰性，而向功能性第一的设计原则发展，从简单的几何造型，从直线的运用上寻找新的设计发展方向，因此它们应该被视为界于“新艺术”和现代主义设计之间的一个过渡性阶段的设计运动。 装饰艺术（名字来源于法国巴黎） 背景：奥地利“分离派”运动和德国的“青年风格”运动都是从“新艺术”运动中发展出来的设计运动，但是这两个运动开始摆脱单纯的装饰性，而向功能性第一的设计原则发展，从简单的几何造型，从直线的运用上寻找新的设计发展方向，因此它们应该被视为界于“新艺术”和现代主义设计之间的一个过渡性阶段的设计运动。 风格特点：（1）注重材料的质感和光泽