论中国传统艺术精神在当代山水画中的表现(一)
摘要：本文以论带评，试图描述中国山水画在走向当代化的过程中是如何继承和发展传统艺术精神的，也论及了中国山水画在当下语境中创新和发展的几种状态和特征。分析了传统型、新传统型、实验水墨在不同创作理论指导下，立足本土，秉承中国传统艺术精神的探索，同时也对所存在的某种导向上的问题提出了批评。
关键词：传统型新传统型实验水墨
作为一种正在不断探索和发展中的艺术创作，中国山水画的当代化还有许多个不确定性，因此，试图对这一正在不断演进着的艺术现象做出任何解释都可能带有某种片面倾向。但是，关注中国画的当代化走向，关注当下中国画该如何秉承中国传统的艺术精神，应该说是极具现实意义和研究价值的。特别是在当前文化全球化的形势下，古老的华夏文明如何保存自身文化内核的传承，则就更有深究之必要。
中国传统艺术精神经历了几千年的发展演化，已经成为一个严密的系统。李泽厚先生曾指出：“中国美学要求美与善的统一，而所谓善的最高境界，儒道两家虽各有不同的说法，但归结到最后，都以‘天人合一’为最高境界，不同处只在于如何达到此种境界，以及对达到此种境界的意义和价值的理解。”①不仅如此，阴阳五行、佛学等各流派都含有“天人合一”的观念。“天人合一”作为一种最高审美境界或者人生境界是经过道家的推动而形成的。为此，笔者曾进一步认为：“真正能成其为最高审美境界的，是以庄子哲学为主流的道家的‘天人合一’思想。庄子以反对异化和提倡绝对自由为己任，第一个把‘人化的自然’作为审美对象，在中国文化思想史上，最早地较明确的提出了超功利的人生态度。这种美学思想，为后来的禅宗所大量吸收，对中国传统的美学和艺术理论都产生了极为深远的影响”。②而且理当肯定的是，“中国文化以儒化了的思想为其基本内容，又由道的精神建筑了传统的艺术思维模型和艺术精神的基本框架。以后，道、佛、儒三者互补，使这一传统艺术精神得以成型和完善。”③千百年来，传统文化精神可以说渗透了包括绘画在内的各种中国艺术样式，从书法到绘画、雕刻、舞蹈、音乐等等无一不受其影响和滋养，传统绘画理论同样也得益于中国传统精神的陶冶。比如谢赫在《古画品录》中提出的“论画六法”，又如古代关于“笔墨”的理论等不一而足。而意象、气韵、空灵和境界(意境)作为传统艺术精神的主要审美范畴又充分体现了道、佛、儒互补的这种中国所特有的东方艺术韵味。
纵观上个世纪末期的中国绘画艺术格局，我们不难看到从80年代的伤痕绘画、乡土绘画、理性绘画、实验水墨，到转向90年代的达达主义、艳俗绘画、玩乐现实主义、政治波普等的轨迹。与此同时，山水画艺术家也在前行的中国画现代化和当代化的道路上实践着一条前无古人的艰辛之路，摸索着中国当代绘画在不断变革中属于自己的艺术定位，并开创了新一轮百家争鸣的局面，成绩可谓喜人。然而各种争论亦从来没有停止过。“笔墨等于零”和“守住中国画的底线”，依然是艺术家和学界长期争鸣的一大焦点。无须否认的是，争论将带来一种冲破束缚的动力——而这也可能是当前艺术创作中急需的理论资源。在文化的趋同性和多样性并行的当代审美中，艺术家自身的艺术立场将决定创作的走向。发扬传统艺术精神不管是自觉的还是不自觉的，对于文化传承，并在传承的基础上积极创新始终具有至关重要的意义。
传统中国画发展到近代以后，面临着西方理论、西方的制作方法、作家作品和中国画如何现代化、当代化的双重压力，中国绘画的求新求变，始终在不断受到冲击又不断自我反思的过程中步履蹒跚地摸索着。自20世纪初期始，中西合璧的艺术样式就已出现，比如吴冠中曾评价林风眠的作品：“是企图用中国画的气韵生动来消化西洋画的形式。”④实际上，近现代的一大批画家都在努力实践着这一创作道路，从高剑父、林风眠到傅抱石、李可染等人的创作中，我们不难看出他们沿用中国画的气韵生动来转化绘画内涵的探索是令人敬佩的。笔者把这种以传统山水画为基础，引进西方绘画的一些艺术审美规则，以其达到一种新的欣赏
趣味的创作思路称作“油画意识”。这种创作导向被舒士俊先生称作为“新传统型”。其他一些国画创作者则以文人画，或新文人画的艺术精神立场留守在传统文化的阵地上。“外师造化、中得心源”依然是“传统型”画家信仰的准则。追求着由笔墨而达“气韵生动”之效果。他们摹写着魏晋的“气韵”，浸淫着隋唐的诗意，秉承着“宋人格法”，追随着元明清的足迹，在一片后现代的嘈杂丛林中一步一个脚印地向前迈进。而“实验水墨”的创作者们却以大无畏的精神，冲破“笔墨”与文化身份的观念束缚，大胆进行中西融合。他们以笔墨创新为己任，回应着中国艺术现代化的文化转型，满足着视像时代的“平面”欲望。尽管如此，在实践的道路上也出现了各种不良风气。有些艺术家穿着“创新”的外衣，拷贝著名家的风格，掉进了唯形式主义的泥淖，丧失了艺术家创作的独立性。有些画家更是以色、性为能事，过度渲染，附庸着消费主义的低级趣味，导致了性爱题材的“妖魔化”。在如此混乱的绘画格局中，我们不禁要问是否“实验水墨”已经远离了中国传统艺术精神，不再坚守“本土意识”了呢?难道实验水墨真如某些评论家所言已经背弃了传统规范的审美理想，成为艺术世界的流浪者了?抑或是像某些人所宣称的那样“实验水墨”是唯一的出路?作为一种正在进行的艺术活动，过早的对这些做出结论都将是不全面的，甚至是带有破坏性的。当然，基于对艺术创作的尊重，鼓励带有实验性质的创新无疑是必要的，或许，这也是中国画向前发展的动力之一。
众所周知，“意象”最早是作为中国古代的哲学术语出现的，后经历代文人的不断阐释、演化，才成为中国传统文论、诗论方面的重要审美范畴。《周易》中的“立象以尽意”是有史可考的最早出处，着重强调了“象”的哲学内涵，这是一种区别于西方理性的概念思维的典型的“象思维”。而刘勰则把“意象”真正带入到了艺术世界中，他在《文心雕龙·神思》中提出：“独照之匠，窥意象而运斤。”明确了“象”为艺术形象，“意”为作品的内蕴。司空图的“意象欲出，造化已奇”，将含蓄、神似也纳入到“意象”的概念中来。同时“意象”也为中国传统画论提供了审美的和思维方面的基础，对中国书画中的“笔墨”论可谓影响深远。张彦远就说“是故运墨而五色具，谓之得意。意在五色，则物象乖矣”(《历代名画记·论画体工用?写》)，对墨色的浓淡层次的表现力大加赞赏。又如“画之当以意写，不在形似耳”(汤篨《画鉴·画论》)突出了“神似”而非“形似”，乃写意求神之论。由此可观中国画不以重彩浓描著称，也不满足于简单的形似，“从总体上来说中国绘画的精神观照从本质上疏离了绘画本体的思索而确立了绘画作为形式对精神状态的意象把握。”⑤这种对意象的领悟和把握，到了新时期又有了新的理解和创作上的新的突破，例如当代“南线”画风的领衔人物董欣宾先生的“线画”风格可谓开启新风。1985年，刘海粟评论其画作“能致力于化古为新，所作运线遒挺，有北碑风采；浓墨透光，淡墨生泽，情韵脱俗。”他突破传统既定程式的影响，试图将内心的情感与笔墨融汇释放，大斧劈皴，以简胜繁，于狂放中表现出至高的精神追求，企望达到“天人合一”的境界。他的《夕阳暮归》，浓墨渲染，意境深远。《塑月客居图》则酣畅淋漓，颇具古人之遗风，大写泼墨的运用道出了画家悲天悯人的道家无为情怀。而他的娟秀小品则构造精妙，运用传统中国画的技法，以清爽、简捷、明快取胜，给人笔墨流畅、富有情思的审美感受。《归舟图》中的宁静、恬淡。《梅花芳从暗处洒》中的点线互映，笔墨恣肆，散发出生命灵动的气息。无形中综合了文人画、院体画、民间画及西方绘画艺术的技巧。而董欣宾的学者角色则更促成了他继承中国艺术精神的历史使命，他曾说：“言其枯则其文明枯，见其荣则百术荣，这不仅是一个判别，也是作为一个中国人的不言辞谢的责任。”⑥
另一位师承当代山水画大师李可染的贾又福，则创立“墨黑话语”即“计黑为白”的创作技法，与前人的“计白为黑”原则不同的是，他以结构的极简主义和积墨法，凸显“墨黑”的审美意象，再造了传统山水的博大气势。将深邃、荒凉之气象演绎为空灵、雄壮之美，在线条的简约流动，流畅自如的浓墨渲染中，追求超越时空，“中得心源”之境。《大音希声》中的天地几欲相接，顽山巨石，云卷气动，似混沌之时，又似天地开合之际，予观者在欣赏在多维的时空中感悟造化之微妙和不可穷尽。正如画家所言：“空而灵者如通神灵，空非顽空，无乃通有，
以空通神，以无用有。空与色，无与有，相互为用因无用有，因有用无，‘一空不异色’、‘色不异空’。有无相生即极易明了。”⑦
与“意象”不同，“空灵”这一概念表达了中国传统文人审美的一种欣赏心理。“空灵”的审美效果源自于对宗教的感悟。佛教教义的深邃意远，首先给于空诸一切的世界以一种神秘而又充满了生命灵气的美，禅宗之大智在实与虚之间贯穿，超越了有与无的边界。“空”导源于佛教“四大皆空”，是一种纯净的可以进行审美静观的形象氛围。“灵”则展现了生命灵气的自由状态。“空灵”概念渗入到中国艺术中，就表现为在虚静、纯净、旷远的氛围中不断传递出生命灵气的艺术境界。绘画中的“空灵”意味，是在画中景物空间布局与欣赏者的精神世界的互动中体现的，讲究“计白为黑”的笔墨意蕴和“线”的飘逸。在《林泉高致》中，郭熙提出“山有三远”的创作法则：“自山下而仰山巅，谓之高远；自山前而窥山后，谓之深远；自近山而望远山，谓之平远。”因此，“三远”的创作法则为“空灵”预设了物理空间——文本与受众之间整体直观的物化形态，在画面中体现的是一片留白，一缕云烟，一条小溪，一道山脊，一挂飞瀑、一涌清泉等具体可感的实物载体，在赏者的眼里，则能从静态的画面中体悟到永不停息的生命脉动，风卷云残，幽深淡远。亭桥楼榭都融汇于简约的灵动之中，观者在欣赏通过这些含义丰富，意味深长的物化形态，产生某种由实而虚，由虚而实的空灵化了的追求，继而获得对作品的整体观照。在这中间，“线”意识则贯穿了中国绘画艺术的始末。讲求“骨法用笔”的审美准则又不断召唤着线的律动。古人总结的“十八描”、“十八皴”等创作方法，充分挖掘了线在中国画中的魅力。通过线的疏密、粗细、长短、纵横、聚散、虚实、方圆等组合关系，形成了多样化的节奏和韵律，产生出不同的美感。而线的操作过程又要求以轻重、疾缓、巧拙、滑涩、干湿、老嫩、藏露、起止、顺逆、刚柔等不同笔法，产生线之美感，赋予线以有情、有境的艺术韵味，展现“移远就近，由近知远的空间意识。”⑧观者在欣赏这些“可见”的显线时，自己体会到线条由拟象到抽象，由形式到意蕴的艺术趣味，此即所谓“以一管之笔，拟太虚之体”(王微《叙画》)，因此，中国山水画的构图，在生命灵气的线式运动中不再拘泥于以实示实，而在于由虚而实，虚实相生，使生气自然而然地力透纸背，艺术家自然也心持无碍，以实就虚，容纳万境，在高深旷远之中，展现生命灵气的自由流动。例如在贾又福的《深谷暮归》中，画家自然采取了“最大限度地深入传统，最大限度地远离传统；最大限度的深入生活，最大限度地超越生活；最大限度地深入自我，又最大限度地走出自我的态度。”⑨以略带抽象意识的构图布局，赋山野苍茫于方寸之间，由画内到画外，以现代的审美观照追寻着古人所考究的“取势”与“容势”。
当代中国画掌控“色”的艺术当推《国画山水》及《高山仰止》系列最受人瞩目。在气势磅礴的山岳之间，那暮时的霞云与水墨交融，幻化出一幅幅令人痴醉的记忆景象。而郭西元的山水画作品《山深天地接》则直追元人倪瓒的《渔庄秋霁图》的两段式章法，采用平远构图，近处山石几块，中间是辽阔的湖面，把远山放置到画面最上端，构成了二分式章法，使画面颇有辽阔旷远的艺术效果。作为可归入既追寻传统，又对研究颇有心得的学者型画家，阮荣春的艺术实践也是颇具看点的。坚守中国画自魏晋以降的文脉传统，是阮荣春一贯的追求。在今日画坛屡见不鲜的动辄以创新之名行涂鸦之实，良莠难辨的创作境遇中，他能坚守中国传统艺术精神，在继承中创新，在开拓中继承，无疑是值得首肯的。韩拙在《论用笔墨格法气韵之病》中说画有八格：“石老而润，水净而明，山要崔嵬，泉宜洒落，云烟出没，野径迂回，松偃龙蛇，竹藏风雨。”阮荣春的作品较严谨的遵循了这些技法要求，他的《静心图》，人物、山、水交融一气，人物或立或坐，赏瀑观山，参禅悟道，一缕云烟延出画外，于静谧中显出“道”的玄秘之境。他提出要继承中国画中的“正气”、“文气”、“静气”说和“墨韵”、“神韵”、“气韵”说等主张，体现了长期浸淫于艺术院校内的学者型画家的知识分子的良心和艺术操守。此外，“院体画”的严谨和细致也是画家所崇尚的。如他的《山高水长》，以笔触细致见长，山峦跌宕，层层递进，山间飞瀑如练，直落千仞，白云锁腰，空一片，画面兼有
高远、深远和平远，似宋人画作之宏阔苍茫，在峰峦峭壁、云绕树挺中显现生命之灵气的意蕴与飘逸。在《春雨》中追求隽逸清远之格调，一亭一桥，挂瀑流泻，兼有深远和高远的传统意趣。在当今艺术创作多元化的趋势下，阮荣春仍能秉承传统中国画的路线，并积极创新，实乃难能可贵。
以《高存山居图》“合壁”的文化事件作为本课的导人，创设山水画鉴资的问题情境。 为什么中传统文化中有着浓部的山水情怀?观看《富春山居图》合璧展出，观察图像 考问题
1 一、山水情怀 问题情景:“知者乐水，仁者乐山”“不下 幸筵，坐穷泉壑” 《叙画》所述:“望秋云，神飞扬。临春风， 思浩荡。” 展示《富春山居图》 提问: 1中国山水画为什么不称作风景画? 2.从文中和图中你是否感觉到“山水”是 ”畅神”的乐? 3.“山水”为什么是中国传统文人的精神 家园? 4。为什么说“山水以形媚道”? 5.《富存山居图》抒发了作者怎样的内心 情怀? 归纳:山水是中国传统文人的精神家园。他们 心系家国天下，悠游山水之间常常是种奢望， 山水画的出现，满足了“不下堂金，坐穷泉 壑”的追求。 探究、讨论、思考。引 用画论的原文还原山 水面创作的时代背景。 阅读教材中的“探究发 现”，深人思考。
归纳:山水圃的创作源于自然，画家只有饱游饮看才能从外在的自然山水中汲取创作素材，在头脑中提炼概括，神领意会，令“山而兼数士百山之意态”。 探究发现3 三、因心造境 指导学生阅读教材中关于山水画移情作用 的“相关链接” 提出问题: 1.什么是山水圃的灵魂? 《吉卞隐居图》怎样经营“留白"? 《六君子图》是怎样的留自方式? 两件作品的留自有何不同?给你怎样的艺 术感受? “留白”对山水画意境的表达起到了怎样 的作用? 2.《溪山行旅图》与《踏歌图》分别表达 了什么意境? 归纳:山水画是实境和虚境的统一，是情与 景的统—。对山水画意境的欣赏取决于观 察者的人生经验与文化修养。 阅读教材26页的 “相关链接”思考回答 问题。 画中山水与真实山水 对比。 围绕问题进行探究活 动。 根据学情的差异 性，纳学生的表述 “实境”指的是自 然中存在的山水， 虚境”是画家通过 各种绘画语.融合 自己的想象感情、 志趣是现出来的山 水。 探究发现4 课堂总结山水画原自对自然山的生，但又超越具体 时室，具有纯粹的、普巅性的美，是中国 传统山水画的特质欣赏山水画意境与个人 人生经验、文化修养相关联，同学们在学: 习和生活中注意自我丰富、自我提高。 在教师的组织对本节 课学习内容进行总结。 鼓励学生联系现实 生活发表见解，综 合培养和提升美术 学科核心素养。 学习评价以《富春山居图》为例，能否说出中国传 统山水画的特点?能否从构图、笔墨等方面 谈黄公望此画的创作寺点?能否根据他的 人生经历，谈谈文人画家怎样借山水创作 抒发内心的情怀。 依据教材附录中 的“学生学业水平综 进行自我合评价表” 评价. 互评，在学习评价中得 教师通过问题指导 学生自我评价，对 应本课评价量规落 实核心素养。
中国古代山水画鉴赏 摘要:何谓中国山水画？顾名思义，中国山水画即是从大自然中观察、体会、得到某种印记或感悟后，再经过提炼、概括、吸取自然景观的精髓，利用传统笔墨的技巧，从而创造出某种特定意境的画面。按理说来，中国山水画作为中国国画的重要组成部分，深刻体现了中华民族的艺术形式与本民族的民族精神，理应受到至高的重视与珍视。然而，随着中国中国对外开放的深入，西方文化一涌而入，各种标新立异的西方印象画派以其自由，快速，狂放的技法被中国年轻人喜闻乐道，而传统的中国山水画则渐渐被忽视。在中西文化深度交融碰撞的今天，提高中国青少年对中国传统文化的审美迫在眉睫。 关键词：山水画，审美观，文化 一、中国山水画技法简介 山水画技法为中国山水画文化的重要组成部分，不同的绘画技法表达了画家不同的性格，绘画时的心情及创作背景等。下面将简要地介绍几种山水画的技法。 （一）用墨方面 1、泼墨法，顾名思义，是指落笔大胆、点画淋漓、水墨浑融、气势磅礴的写意画法。而要使用这类技法，毛笔要大一些。用饱含
水的笔头，蘸上浓淡得宜的墨汁，大胆落笔，点拓出所画物体的轮廓。 2、积墨法，即层层加墨。这种墨法一般由淡开始，待第一次墨迹稍干，再画第二次第三次，可以反复皴擦点染许多次，甚至上了颜色后还可再皴、再勾、画足为止，使物象具有苍辣厚重的立体感与质感。 3、破墨法，指作画时，当前一墨迹未干之际，又画上另一墨色，以求得水墨浓淡相互渗透掩映的效果。而中国著名画家齐白石在画虾的头和胸的时候就经常使用该种技法以表现虾的 透明感。 （二）用笔方面 1、要自然有力，切忌呆滞。 2、要变化而有联系，要将粗、细、浓、淡、长、短、横、直、干、湿、轻、重根据物象参差需用，既有变化，还要互相联系。 3、要苍老而滋润，苍老就显出含蓄的笔力，用笔光滑就显得雅嫩，过于苍老亦易枯燥，故须在苍老中滋润，也就是干湿并用。 4、要松灵而凝炼，松灵比自然更进一步，要活泼轻松有生趣，切忌油滑、轻浮，轻松之中要有重厚，凝练是一笔画去到尽端有回锋。 5、要刚柔相济，即在轻柔中有骨力。所谓“线棉裹铁”才能稳厚，
论中国传统艺术精神在当代山水画中的表现(一) 摘要：本文以论带评，试图描述中国山水画在走向当代化的过程中是如何继承和发展传统艺术精神的，也论及了中国山水画在当下语境中创新和发展的几种状态和特征。分析了传统型、新传统型、实验水墨在不同创作理论指导下，立足本土，秉承中国传统艺术精神的探索，同时也对所存在的某种导向上的问题提出了批评。 关键词：传统型新传统型实验水墨 作为一种正在不断探索和发展中的艺术创作，中国山水画的当代化还有许多个不确定性，因此，试图对这一正在不断演进着的艺术现象做出任何解释都可能带有某种片面倾向。但是，关注中国画的当代化走向，关注当下中国画该如何秉承中国传统的艺术精神，应该说是极具现实意义和研究价值的。特别是在当前文化全球化的形势下，古老的华夏文明如何保存自身文化内核的传承，则就更有深究之必要。 中国传统艺术精神经历了几千年的发展演化，已经成为一个严密的系统。李泽厚先生曾指出：“中国美学要求美与善的统一，而所谓善的最高境界，儒道两家虽各有不同的说法，但归结到最后，都以‘天人合一’为最高境界，不同处只在于如何达到此种境界，以及对达到此种境界的意义和价值的理解。”①不仅如此，阴阳五行、佛学等各流派都含有“天人合一”的观念。“天人合一”作为一种最高审美境界或者人生境界是经过道家的推动而形成的。为此，笔者曾进一步认为：“真正能成其为最高审美境界的，是以庄子哲学为主流的道家的‘天人合一’思想。庄子以反对异化和提倡绝对自由为己任，第一个把‘人化的自然’作为审美对象，在中国文化思想史上，最早地较明确的提出了超功利的人生态度。这种美学思想，为后来的禅宗所大量吸收，对中国传统的美学和艺术理论都产生了极为深远的影响”。②而且理当肯定的是，“中国文化以儒化了的思想为其基本内容，又由道的精神建筑了传统的艺术思维模型和艺术精神的基本框架。以后，道、佛、儒三者互补，使这一传统艺术精神得以成型和完善。”③千百年来，传统文化精神可以说渗透了包括绘画在内的各种中国艺术样式，从书法到绘画、雕刻、舞蹈、音乐等等无一不受其影响和滋养，传统绘画理论同样也得益于中国传统精神的陶冶。比如谢赫在《古画品录》中提出的“论画六法”，又如古代关于“笔墨”的理论等不一而足。而意象、气韵、空灵和境界(意境)作为传统艺术精神的主要审美范畴又充分体现了道、佛、儒互补的这种中国所特有的东方艺术韵味。 纵观上个世纪末期的中国绘画艺术格局，我们不难看到从80年代的伤痕绘画、乡土绘画、理性绘画、实验水墨，到转向90年代的达达主义、艳俗绘画、玩乐现实主义、政治波普等的轨迹。与此同时，山水画艺术家也在前行的中国画现代化和当代化的道路上实践着一条前无古人的艰辛之路，摸索着中国当代绘画在不断变革中属于自己的艺术定位，并开创了新一轮百家争鸣的局面，成绩可谓喜人。然而各种争论亦从来没有停止过。“笔墨等于零”和“守住中国画的底线”，依然是艺术家和学界长期争鸣的一大焦点。无须否认的是，争论将带来一种冲破束缚的动力——而这也可能是当前艺术创作中急需的理论资源。在文化的趋同性和多样性并行的当代审美中，艺术家自身的艺术立场将决定创作的走向。发扬传统艺术精神不管是自觉的还是不自觉的，对于文化传承，并在传承的基础上积极创新始终具有至关重要的意义。 传统中国画发展到近代以后，面临着西方理论、西方的制作方法、作家作品和中国画如何现代化、当代化的双重压力，中国绘画的求新求变，始终在不断受到冲击又不断自我反思的过程中步履蹒跚地摸索着。自20世纪初期始，中西合璧的艺术样式就已出现，比如吴冠中曾评价林风眠的作品：“是企图用中国画的气韵生动来消化西洋画的形式。”④实际上，近现代的一大批画家都在努力实践着这一创作道路，从高剑父、林风眠到傅抱石、李可染等人的创作中，我们不难看出他们沿用中国画的气韵生动来转化绘画内涵的探索是令人敬佩的。笔者把这种以传统山水画为基础，引进西方绘画的一些艺术审美规则，以其达到一种新的欣赏
民间艺术赏析 LG GROUP system office room 【LGA16H-LGYY-LGUA8Q8-LGA162】
中国民间艺术赏析我国有着深厚的历史文化底蕴，在五千多年的文明中，民间工艺也占据着重要的位置。民间工艺有着自己强大的生命力和鲜明的特色。我国的民间工艺在很大程度上，是对我国原始的一种延续，民间工艺中有很多原始艺术的影子。它同样继承了实用与审美统一的特点，大部分都带有浓厚的乡土气息，带有乐观向上、淳厚、真实的感情色彩，是人类劳动生活中最质朴的艺术思想和艺术的体现，在世界艺术宝库中也光彩夺目。 一、民间工艺的分类 1.美化日常生活用品的民间工艺 为了美化日常生活，勤劳的民族围绕着直接的衣食住行制作了很多必需品，如各地区和各民族的服饰鞋帽、房间装饰品、器皿家具、雨伞、扇子、帐子、帘子等。这些民间工艺有很多都具有较高的美学价值和浓厚的地方色彩。一般都是采用天然的材料和手工制作而成，简练质朴，明快大方。“在汉族地区的印蓝花布和花格土布，少数民族的蜡染和织锦，都是富有特色的染织品。贵州的蜡染，湘西的蓝印画布，云南和湘西的扎染，都是民间印染中几个极具特色的品种。” 2.装饰与美化的民间工艺 装饰美化环境的民间工艺有木版年画、剪纸、帐沿、挂饰等。民间木版年画分布于全国各地，是用于春节期间张贴而常年欣赏的，色彩艳丽富
有装饰性。剪纸的种类很多，有窗花、墙花、顶棚花、烟格子等。帐沿有画的、绣的和彩印的数种。挂饰如陕西省的泥塑虎头挂片、山东省的刺绣门帘挂饰等。这些民间工艺形式多样，生活气息和乡土气息很浓。“像民间剪纸各个地方都有自己的特色，山东黄岛剪纸粗犷豪放；山西浮山剪纸有鲜明的地方特点，内容十分丰富，有历史故事，民间传说等；江苏扬州剪纸是民间专门用做鞋花的艺术品，其特点是秀丽洒脱，光洁干净，构思新颖，布局完美。” 3.体现节令风俗的民间工艺 在中国传统节气中，从正月初一到腊月三十，一年里有许多的节令，并有相应的民间工艺产生。如春节的年画、门神、春联等，元宵节的灯彩，清明节的风筝，五月端午节的划龙船、扎彩粽、绣香包等，七月七日乞巧、刻花瓜、剪牛郎织女，八月十五中秋节吃月饼、做瑞饼花馍，九月重阳登高、做重阳糕、插重阳旗，等等。这些带有民俗特点的艺术年复一年地出现，其形式既有明显的传承性，又不断地翻新，在民间的文化生活中起着巨大的作用。“我国传统年画色彩鲜艳，画法工整，构图集中，人物突出，形象优美。它多以写实与装饰、写人与写景相结合的简明、夸张手法，表现欢乐、幸福、祥和、劳动和勇敢等题材，是绘画艺术中的一朵奇葩。” 此外，在民间工艺中有些是用来表达情谊和用作纪念的，如荷包、鞋垫、织的手帕、缝的绣球、花包等。有的是用于儿童玩耍的，有的是结合一些礼仪使用的，还有的是用来丰富文体活动的，诸如：皮影戏、木偶、
中国古代山水画 导入： 过度：闲暇之余我们都喜欢亲近自然，外出旅游。美丽的自然风景能带给我们心旷神怡，轻松自然之感。 提问：同学们都去过哪些中国的名山大川呢？ 学生：黄山、泰山、、、、、五桂山（教师可幽默回答，当然五桂山、大尖山也算是我们中山的名山） 提问：我们常说的“三山五岳”是指什么？ 学生：（略）相传古代的“三山”是指蓬莱、方丈、瀛洲。现指安徽黄山、江西庐山、浙江雁荡山。（《史记·秦始皇本纪》载：“齐人徐福等上书，言海中有三神山，名曰蓬莱、方丈、瀛洲”）、（徐霞客（明代伟大的地理学家和旅行家和探险家）曾两次游黄山，留下了“五岳归来不看山，黄山归来不看岳”的感叹。）“五岳”是指东岳泰山之雄（山东）、西岳华山之险（陕西）、南岳衡山之秀（湖南）、北岳恒山之奇（山西）、中岳嵩山之峻（河南）。（孔子“登泰山而小天下”。唐代诗人杜甫“会当临绝顶，一览众山小”的诗句。“重于泰山”、“有眼不识泰山”等） 提问：我们现代人表达对大自然的喜爱之情，一般都会用相机把美丽的风景记录下来。那么在中国古代，人们又用什么方式来表达对自然的喜爱之情呢？ 学生：诗歌、绘画是常用的方式。（李白《望庐山瀑布》日照香炉生紫烟，遥看瀑布挂前川。飞流直下三千尺，疑是银河落九天。） 出示课题《中国古代山水画》 一．中国古代山水画的发展概况及脉络 提问：什么是山水画呢？ 学生：（略）山水画是中国画的一种,以描写山川自然景色为主体的绘画。（中国画按题材可分人物、山水、花鸟，三大科；技法可分工笔和写意。中国画是用毛笔、墨、彩作画于绢、宣纸、帛上，这种画种被称为“中国画”。从美术史的角度讲，民国前的都统称为古画。国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。） 提问：中国古代山水画最早出现在什么时期呢？距今1500多年大概是什么时代。 学生：（略）魏晋、南北朝时期 魏晋南北朝时期（重点讲） 讲解：魏晋、南北朝时期，中国古代山水画就已经开始萌芽，但仍附属于人物画；（图例《洛神赋图》东晋顾恺之绢本设色（传是宋代摹本) 纵27.1cm 横572.8cm 这幅画现在有四个摹本，分别藏于辽宁省博物馆、故宫博物院、美国弗利尔艺术博物馆等处。）
从中国传统艺术精神中去看中国古典舞的创作与发展 摘要：本文尝试对中国传统的艺术精神在中国各个门类艺术发展中起到的重要作用的简述，从而提出了中国古典舞剧目的创作与发展应该从中国传统艺术中去继承、借鉴，从中国传统的艺术精神去吸取中华民族优秀文化的精华从而 不断发展、完善中国古典舞剧目创作与中国古典舞学科体系。 关键词：中国古典舞艺术精神继承借鉴 一、前言 中国古典舞是上个世纪50年代初提出的一个概念并创 建的一个学科，到了20世纪80年代后，敦煌派、身韵派、汉唐派、昆舞派的相继建立，中国古典舞学科建设也正在一步步完善。虽然在近些年来对于中国古典舞的各种抨击和批评不绝于耳，但是值得欣慰的是无论在舞蹈表演，课堂教学和剧目创作等方面的发展都有所成就的。中国古典舞体系的创建是有根源的。它的根源都植根于中华民族优秀的文化中。这也说明了中国古典舞体系的创建和对中国传统美学思想 的继承是成功的，从而带动了整个古典舞学科在表演、创作、教学等各个方面的建设。近年来在国内各个舞蹈比赛中出现了许多优秀的古典舞剧目，并涌现出了一大批杰出的古典舞演员。这就充分印证了中国古典舞这一学科成功的创建，以
及在其训练体系下所取得的各个方面的成就。 二、中国传统艺术精神 如今中国古典舞已经历经了半个多世纪的发展。而在当下经济全球化文化多元化的今天，如何继续发展中国古典舞，如何不断的创作出更多优秀的古典舞剧目，这都是我们应该去思考的。而中国古典舞身韵派的创立就是一个最好的实例。正是它继承、借鉴了戏曲舞蹈的动作和武术的套路和技巧，从中吸取了中国几千年舞蹈文化的精髓以及中国特有的美 学思想和审美意识，才使其有了脱胎换骨的变化，才使其从戏曲艺术中分离了出来。如今的中国古典舞要想发展与创新那就必须秉承着“以我为主，以我化外”①的观点去回到中国古代舞蹈历史发展的长河中去追根溯源去继承借鉴。对于失传已久的古代舞蹈的寻根虽不可取，但我们可以另辟蹊径从融汇相通的中国传统艺术精神中去再续中国古典舞的创 作与发展，或许这也是一条可行的方法。因为它们都是在中国的传统文化、社会背景和哲学美学思想的影响下产生的。它们有着共同的先祖和母体，那就是中国独特的传统艺术精神――意境、气韵、形神。 当今中国文化主要是受到儒家、道家和佛教这三方面的美学思想的影响。恰恰是这三种思想交织、融汇、凝聚才形成了中国文化独特的艺术精神。经过了上千年的发展，如今这些传统的艺术精神都蕴藏在了中国的各个艺术门类，从而
《中国艺术精神》读书笔记 在中西文化相互碰撞，中国传统文化面临危机的背景下，徐复观先生写了《中国艺术精神》一书，系统地指出中国传统的艺术精神及其对现代人生的启示。他在此书中对儒道两家思想在传统艺术人生形成过程中的地位与作用做了深入研究。这本书一共十章,前两章分别论述了儒家孔子与道家庄子各自所代表的艺术精神,其余八章均为论述绘画艺术及其所蕴涵的中国艺术精神。整部著作以第二章为总纲领,重在探讨庄子为艺术而艺术的“纯艺术精神”,其结论是中国绘画艺术是由庄子哲学一路开导而出。 所谓艺术精神，就是指一种艺术独自具有的、内在的品质或气质，更或说是蕴涵一种文化的根本理念。谈及中国的艺术精神，徐复观先生就其中国艺术精神是庄子精神的论述具体在本书中有所阐述： 庄子之所谓道，落实于人生之上，乃是崇高的艺术精神；而他由心斋的工夫所把握到的心，实际乃是艺术精神的主体； 由庄子所显出的典型，彻底是纯艺术精神的性格，而主要又是结实在绘画上面；老、庄思想当下所成就的人生，实际是艺术的人生；而中国的纯艺术精神，实际系由此一思想系统所导出； 当庄子从观念上去描述他之所谓道，而我们也只从观念上去加以把握时，这便是思辨的形而上的性格。但当庄子把它当作人生的体验而加以陈述，我们应对这种人生体验而得到了悟时，这便是彻头彻尾的艺术精神； 庄子所追求的道，与、艺术家所呈现出的最高艺术精神，在本质上是完全相同；对儒家而言，或可称庄子所成就为纯艺术精神。 徐复观先生提出的这些观点，让我耳目一新，为我理解中国艺术精神提出了一条比较重要的路线。 徐复观认为，中国人在艺术精神上的诸多区别，如果穷究到底，可以概括为孔子和庄子所代表的两个典型。这是因为：中国只有儒道两家思想，由现实生活的反省，迫进于主宰具体生命的心或性，由心性潜德的显发以转化生命中的夹杂，而将其提升和纯化，进而落实于现实生活之上，奠定人生价值的基础。所以只有儒道两家思想，才有人格修养的意义，并使这种人格修养的作用成为文学艺术的根基。而具体地看，孔子和庄子所代表的艺术精神，又呈现出两种典型性格。由孔子所显发出的艺术精神，是道德与艺术合一的性格；由孔门通过音乐所呈现出的为人生而艺术的最高境界，即是善与美的彻底谐和统一的最高境界。由庄子所显发出的艺术精神，则是彻底的纯艺术的性格；中国的纯艺术精神，实际上是由此一思想系统所导出；中国历史上伟大的画家及画论家，常常在若有意若无意之中，在不同的程度上，契会到这一点。当然这并不是说，只有孔子所奠定的儒家艺术精神才是“为人生而艺术”，由庄子所奠定的道家艺术精神则是“为艺术而艺术”，可以说，唯有“为人生而艺术”才是中国艺术精神的正统。但儒家所开出的艺术精神，立足于仁义道德，需要经过某种意味的转换方能成就艺术，没有这种转换便不能成就艺术，而更能代表中国艺术精神的，则是庄子的艺术精神。对庄子的艺术精神进行疏释，是徐复观阐释中国艺术精神的画龙点睛之笔。 徐复观进而通过对中国思想史和中国绘画史圆融于一体的考察，对庄子的艺术精神的深远影响作了深入论析。他指出，庄子的艺术精神，特别是在绘画方面，通过魏晋玄学的影响，结出了丰硕的成果。而魏晋玄学的影响，是通过人物画与山水画两方面表现出来的。 徐先生从文化的角度来研究艺术，将艺术作为与道德、科学相并立的三大文化支柱之一。他认为艺术最能体现出一个全整个体所具有的修养和所达到的人生境界，同时也是修身养性的手段。中国传统艺术成就蔚为大观，而其中体现的艺术精神来讲，就是由道德而艺术，在世界中安顿内在自我进而达到与外在社会秩序和谐的一种力量和超越精神。他进而认为，中国文化的精髓和最高体现就在其艺术精神，而中国的艺术精神实际上则由老庄思想系统所导
精心整理《中国艺术精神》读书笔记? 在中西文化相互碰撞，中国传统文化面临危机的背景下，徐复观先生写了《中国艺术精神》一书，系统地指出中国传统的艺术精神及其对现代人生的启示。他在此书中对儒道两家思想在传统艺术人生形成过程中的地位与作用做了深入研究。这 其余 ,重 ? 是思辨的形而上的性格。但当庄子把它当作人生的体验而加以陈述，我们应对这种人生体验而得到了悟时，这便是彻头彻尾的艺术精神；? 庄子所追求的道，与、艺术家所呈现出的最高艺术精神，在本质上是完全相同；?对儒家而言，或可称庄子所成就为纯艺术精神。?
徐复观先生提出的这些观点，让我耳目一新，为我理解中国艺术精神提出了一条比较重要的路线。? 徐复观认为，中国人在艺术精神上的诸多区别，如果穷究到底，可以概括为孔子和庄子所代表的两个典型。这是因为：中国只有儒道两家思想，由现实生活的反省，迫进于主宰具体生命的心或性，由心性潜德的显发以转化生命中的夹杂，而将 徐复观进而通过对中国思想史和中国绘画史圆融于一体的考察，对庄子的艺术精神的深远影响作了深入论析。他指出，庄子的艺术精神，特别是在绘画方面，通过魏晋玄学的影响，结出了丰硕的成果。而魏晋玄学的影响，是通过人物画与山水画两方面表现出来的。
徐先生从文化的角度来研究艺术，将艺术作为与道德、科学相并立的三大文化支柱之一。他认为艺术最能体现出一个全整个体所具有的修养和所达到的人生境界，同时也是修身养性的手段。中国传统艺术成就蔚为大观，而其中体现的艺术精神来讲，就是由道德而艺术，在世界中安顿内在自我进而达到与外在社会秩序和谐的一种力量和超越精神。他进而认为，中国文化的精髓和最高体现就在其艺术精神，而 ? 独”、“正心”等更容易做到的工夫完成人格修养，因而也就“无需乎必取途于乐”。从外部看，孔子所要求的“为人生而艺术”的雅乐并不能被一般大众所接受，“孔子所追溯达到的美善合一的音乐精神与其形式??之合于少数知识分子的人生修养之用”。而易于被人民接受的俗乐又“始终不能得到被儒家思想所影响的人们的正面
如何理解中国传统艺术精神？ 答：儒家美学的形成和发展，受孔子以“仁”为核心的思想体系影响，儒家美学的政治色彩与伦理色彩比较浓厚，强调美与善的统一，功利主义倾向比较明显。儒家主张“入世”，提倡“修身齐家治国平天下”，忧国忧民，正人正己，崇尚“先天下之忧而忧，后天下之乐而乐”，“穷则独善其身，达则兼济天下”。儒家美学的代表人物杜甫，尽管杜甫仕途坎坷,政治抱负始终未能实现，亲历安史之乱，颠沛流离，生活困窘，但始终不改初衷。甚至在写作《茅屋为秋风所破歌》时的极度困窘中，杜甫所祈求的也不是个人的幸福，而是天下寒士的温暖。受儒家美学的影响，杜甫的诗歌十分严谨，讲究对仗、工整、格律，如他的绝句：“两个黄鹂鸣翠柳，一行白鹭上青天。窗含西岭千秋雪，门泊东吴万里船。”四句诗,两两成偶，对仗工整，一句一景，彼此并列。 道家美学的形成和发展，受老庄以“道”为核心的思想体系影响。道家美学崇尚自然之道，追求个体精神的绝对自由，具有鲜明的超功利倾向。道家主张“出世”。认为真正能观于天地而体道得道的理想人格应当与天地并生，与万物为一，与造化同流，与日月同辉，游乎四海之外” 。道家美学代表人物李白，原来也有政治抱负，受到唐玄宗的礼遇，供奉翰林，但政治上并不受重视，又受权贵排挤，仅一年就被“赐金放还”，从此离开长安，遍游名山大川。李白的诗歌充满了老庄道家的意味，渴望精神的绝对自由，仙与酒成为李白常常吟咏的题材。如“我本楚狂人，凤歌笑孔丘，手持绿玉杖，朝别黄鹤楼。五岳寻仙不辞远，一生好游名山游”。李白的诗歌风格，不拘一格，挥洒自如，可以看出李白的道家思想飘逸的一面。 禅宗是中国化的佛教。主张“心”是世界的本原，认为“一切法皆从心生”，高扬“心”的地位和作用，主张“遁世”，即避而不入。禅宗认定法由“心”生，境由“心”造，而“心”是空寂的，所以“心”所显现的世间一切事物和现象皆虚幻不实。禅宗美学的代表王维虽然受到儒家道家的影响，但更多地受到佛教禅宗美学的影响。王维长期在京供职，官至尚书右丞，晚年笃志奉佛，“退朝之后，焚香独坐，以禅诵为事”。王维的诗里都充满了浓郁的禅意。如“空山不见人，但闻人语响。返景入深林，复照青苔上。” 正是儒、道、释三者的不断冲撞和融汇，影响和决定着中国传统艺术思想、审美趣味的不断变化、发展，形成了中国传统的艺术精神，具体说来包括以下六个方面的内容。 道，中国传统艺术的精神性。道,为中国古代哲学最高范畴, 道有天道、人道之分。天道是关于宇宙根本问题的学说，人道是人生根本问题的学说。老庄道家侧重于“天道”或“自然之道”，孔孟儒家侧重于“人道”或“论理之道”，禅学的“佛性”（即心即佛）相似于“道”的概念。天、人统一于“道”，也就是“天人合一”之道。“天人合一”决定了中国古代哲学的基本精神是追求人与人、人与自然的和谐统一。“天人合一”的思想对中国传统文化与中国传统艺术产生了巨大的影响。“天人合一”是中国传统文化的核心范畴，它不仅是一种人与自然关系的学说，而且也是一种关于人生理想, 人生价值的学说。“天人合一”思想认为人是自然界的一部分，而自然界具有普遍规律，人也应当服从这种
中国传统艺术赏析 ——中国古典园林 摘要中国古典园林艺术是人类文明的重要遗产。它被举世公认为世界园林之母，世界艺术之奇观。中国的造园艺术，以追求自然精神境界为最终和最高目的，以达到“虽由人作，宛自天开”为宗旨。中国古典园林是五千年的历史的沉淀。是祖先留给我们的瑰宝。中国古典园林或是因地制宜，直接利用自然景观，亦或是叠石造山，建亭修阁，创造了既适合居住，又不缺乏观赏性质的人间仙境。这些使得中国古典园林成为世界园林史上的一朵奇葩。 关键词中国园林发展建筑类型艺术特征中国古典园林价值一、中国园林的形成与发展 园林主要是供游憩、文化娱乐、起居要求而兴建的，我国园林艺术的发展大致可分为：商朝产生了园林的雏形—囿；秦汉由囿发展到苑；唐宋由苑到园；明清则为我国古典园林的极盛时期。由于历史的悠久，我国也就被列为园林艺术起源最早的国家之一，并在国际上享有盛名。在世界各个历史文化交流的阶段中，我国“人工为之，宛自天开”的自然式园林艺术颇负盛名。 二、中国古典园林的建筑类型
(一)亭 亭子不仅是供人憩息的场所，又是园林中重要的点景建筑。山顶、水涯、湖心、松荫、竹丛、花间都是布置园林建筑的合适地点。“有亭毅然临于泉水之上”，亭子以其美丽多姿的轮廓与周围景物构成园林中美好的画面。它既是重要的景观建筑，也是园林艺术中文人士大夫挽联题对点景之地。 在我国园林中，几乎都离不开亭。亭子点缀在花丛中，山一旁，河岸边，不仅供休息，也是欣赏园中景色的好地方。亭子结构简单，体积小巧，有时掩映在树木之中，有时静静的立在荷塘一侧，有时又藏在假山之后，不张扬，不浮夸，就那样含蓄而又傲然挺立。 （二）廊 “夹径多长松，度松渐豁敞。伊昔构曲廊，夷光留屧响。屧响久不闻，春烟蒙蔓莽。小草设有知，云见人来往。”廊，以其曲折回环的姿态悄无声息地将园林的各个部分紧密的连接在一起，自然而雅致。行走在长廊中，园中之景悄入眼底，沁人心脾而又不失高雅。 我国建筑中的走廊，不但是厅厦内室、楼、亭台的延伸，也是由主体建筑通向各处的纽带，而园林中的廊子，既起到园林建筑的穿插、联系的作用，又是园林景色的导游线。 (三)园林中的景墙 粉墙漏窗，这已经成为人们形容我国古典园林建筑特点的口头语之—。所谓景墙，主要手法是在粉墙上开设有玲珑剔透的景窗，使园内空间互相渗透。景窗的形式多种多样，有空窗、花格窗、博古窗、玻
中国传统艺术赏析 ——对传统水墨画的学习与探讨 ○史昊冉河南工业大学 摘要：中国化的发展如能以民族精神为主导，个画种、流派之间相互交流、互补，在总结、继承中国传统水墨画艺术传统的同时，大胆吸收西方绘画的特点，勇于开拓创新，必然生机无限，中国画已“穷途末路”的说法必将不攻自破。面对全球化浪潮，中华文化在与异域文化的交流碰撞中，会产生矛盾，会出现火花。但其优秀成分最终会融入本土文化的洪流中，成为传统文化的一个组成部分，中国水墨画的发展也不例外，作为民族的优秀文化遗产，它将在新的时代精神相结合中获得新生。 关键词：水墨画继承发展 正文： 通过一段时间美术鉴赏课的学习，我对中国传统水墨画这种艺术形式产生了浓厚的兴趣。通过文章及视频的讲解，对其进行了简单的学习，也产生了一些思考，作文进行一番陈述和探讨。 水墨画又被称为国画，被视为中国传统绘画的代表，基本的水墨画是指的仅有水与墨，画面为假单的黑白色，但进阶的水墨画，也有工笔花鸟画，色彩缤纷。墨为中国画特有的材料，水墨画中用水与墨的不同比例配出浓墨，淡墨，干墨，湿墨，焦墨等，可以用来花车不同浓淡的层次。 水墨画有自己独特的特征，历史上南朝谢赫的古画品录里有评论
说中国画讲究“气韵生动”，“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉，不拘泥于物体外表的肖似，多情调抒发作者的主管情趣。与西洋画的不同之处在于，西洋画是“再现”的艺术，中国水墨画则是一种“表现”的艺术，国画主要表现的是“气韵”，“境界”。 水墨画所使用的工具为中国的“文房四宝”——笔，墨，纸，砚。但这四宝的意义不至于书写绘画方面，中国文人对其给予了身后的文化内涵和感情。毛笔分硬毫和软毫还有兼毫，根据个人习惯不同，所用笔也不同；国画用纸多为宣纸，且多为生宣，因为生宣是没有经过矾水加工的，水墨容易渗透，落笔为定，无从更改，而且渗透开来，能产生丰富的笔墨变化，所以写意画多用生宣，除此之外也用凌、娟等织物，但因其价格较高，故多用宣纸。 水墨画的技法总体上可以分为五个：皴法，造型，构图，植被，意境。皴法是一种用笔墨的方法，专用于描绘山，石的脉络和质感，也一次表现近树主干的皮纹和质地。构图以平视为主，略带俯视，景深较大，夺取横向的全景式布局。 水墨画可分为人物画，山水画，花鸟画，界面等几种。人物画是我国传统的画科之一，内容以描绘人物为主。因绘画侧重不同，又可分为人物肖像画和人物故事、风俗画。据记载，人物画在春秋时期已经达到很高水准。从出土的战国楚墓帛画，可以看到当时人物画的成就。人物画一直是中国传统绘画最主要的画科。山水画，简称“山水”，中国画画科之一。是以描写山川自然景色为主题的绘画。在魏晋六朝，逐渐发展，但仍多作为人物画的背景；至隋唐，已有不少独立的山水
中国传统文化与中国艺术精神 演讲人：彭吉象演讲地点：重庆大学演讲时间：2015年10月人类虽然都要追求真善美，但中国传统美学观念和西方传统美学观念有很大的不同。这种不同，直接影响到中国艺术和西方艺术有很多明显的区别。其区别我们可以从以下几个方面进行简单的比较。 中西美学比较 人类都在追求真善美，但是，中国的美学和中国的艺术更多地追求美和善（善就是伦理）的统一，更加强调艺术的伦理价值；而西方的美学和西方的艺术更多地追求美和真的统一，更加强调艺术的认识价值。正因为如此，就造成了两种艺术表现形式很大的不同，例如我们以西方话剧和中国戏曲中的悲剧为例，西方的悲剧可以说是彻底的悲剧，一悲到底，如莎士比亚的《哈姆雷特》，到最后差不多台上所有的主人公几乎都死了，哈姆雷特自己死了，他的父亲被他的叔父害死了，然后叔父死了，母亲死了，未婚妻死了，他的岳父也死了，小舅子也死了，台上的人几乎都死光了，这就是西方的悲剧。中国的戏曲就不是这样的，中国的戏曲并不是没有悲剧，但是中国的戏曲一定要有一个光明的结尾，或者称为大团圆的结局，一定要让“善”战胜“恶”，这就是中国文化强调的美与善统一。 中国传统美学强调的是表现、抒情、言志；而西方强调的是再现、模仿、写实。这是一个很大的不同。中国的艺术注重表现艺术家的情感。如中国绘画更多地强调表现，不注重焦点透视，而是注重散点透视；西方绘画却非常注重焦点透视，强调再现、模仿和写实。为什么会这样，区别的原因在哪里呢？我觉得除了两种文化不同以外，还有一个就是两种文学的源头也不一样。中国文学史是从《诗经》、《楚辞》开始的。《诗经》是流行于2000多年前的民间歌谣，《楚辞》是屈原、宋玉创作的作品。而且《诗经》大部分在黄河流域，而《楚辞》是在长江流域。《诗经》和《楚辞》分别代表了中国的黄河文明和长江文明，但是
中国传统艺术赏析 中国雕塑 摘要：雕塑定义为美化城市或用于纪念意义而雕刻塑造、具有一定寓意、象征或象形的观赏物和纪念物，是造型艺术的一种，又称雕刻，是雕、刻、塑三种创制方法的总称。雕塑常借以反映社会生活、表达艺术家的审美感受、审美情感、审美理想的艺术。中国雕塑，为中国文化的重要组成部分，中国雕塑既可以是一个国家文化的标志和象征，又可作为该民族文化积累的产物。雕塑述说着民族发展的历史，凝聚着民族的精神和传统，代表着每一历史时期的精神面貌，反映着自古至今，人们的无限追求与执着信仰，展现价值观念及审美情趣。中国雕塑，城市建筑等，都是一个民族精神文明与物质文明最直观、最集中的表现。 关键词：传统艺术、雕塑，中国文化 正文： （一）雕塑的发展史 在悠久的历史进程中，我们的祖先创造了许多精美的雕塑艺术作品。中国雕塑艺术是中国社会生活的反映，除了原始石器，从夏朝起到目前为止，按照遗存的资料和它的发展顺序的主要变化，可分为南北朝以前和南北朝以后。但在这两大段中，又可分为四个阶段：①、殷商-战国；②、两汉-晋；③、南北朝-五代； ④、宋-清。 1、殷商-战国 ⑴、中国原始时期的雕塑艺术大致可以追溯至公元前四千年以上。最初的雕塑可以从原始社会的石器和陶器算起，这是中国雕塑的序幕。造型多样的陶器，为中国雕塑的多向性发展奠定了基础。 中国原始雕塑的最初形态是陶制品。它与其实用价值密不可分，从工艺手段上讲，大致可以分为以下几种：一是以动物外形为器皿，如仰韶文化遗址出土的陶质鹰鼎。二是装饰部分的雕塑，它们有的以配件的形式出现，如盖钮、把手等；有的以表面浮雕等形式出现。题材有动物、植物、人物等等。三是小型动物或人
中国古代山水画赏析 教材分析 本节课以在教师的引导下,学生的自由学习山水画,着重把握以下三个要点。一是要在分析作品时,应有意识地强调山水画独特的透视。二是通过教师的引导让学生自己发掘山水画作品共有的中国人文精神。 教师通过网上论坛的讨论和课堂上对知识的横向联系,引导学生自己学习。分析作品有详略区别,调动学生的学习积极性,把课堂教学进行引申,培养学生的学习兴趣。 教学目的 1、通过作品欣赏,使学生深入了解中国山水画的艺术特色,及其在历史长河中是如何发展和完善的。 2、通过网上的讨论和教师对作品的介绍,提高学生对作品的鉴赏能力,同时培养学生对祖国传统文化的认识和兴趣。 3、通过分析中国山水画不同作品之间的艺术特色,懂得如何感受艺术之美。 教学重点 中国山水画在不同时期的艺术特色。 领会蕴藏在画中深刻的中国传统人文思想。 教学难点 引导学生自己去发掘中国古代山水画作品中所具有的中国传统文化思想。以及这种思想对山水画发展的影响。 教学手段 多媒体电脑网络教学 课时:1课时 教学过程 教室里响着古琴曲 问:请大家静下心来听我们教室中回响的悠扬的古琴声,有人想起它的曲名了吗? 答:高山流水。 对,高山流水,这也是我国古代画家的主要绘画题材。大家坐在这样一个现代化的教室里,一定觉得古代山水画离我们好遥远,但现在我们就要借助这些现代化的设备来和我们的传统艺术作一次亲密接触。 在亲近传统艺术之前,我想先了解一下在座各位同学的兴趣。艺术论坛上有一个问题等待着大家“现在还有人喜欢传统绘画吗?”请发表自己的见解。 投票: 现在还有人喜欢传统绘画吗? 从同学们的投票中可见,大部分同学说喜欢,也有不少同学说不喜欢,更有同学说不了解。那原因何在?现在我们就通过了解山水画来了解自己为什么喜欢或不喜欢古代绘画。 看我们周围的环境。大家一定注意到了身边的两幅长卷。事实上,这是一幅长卷画,很长的一幅画。很想知道这幅画的名字吧。这是中国绘画史上最着名的一幅长卷,被称为画中“兰亭序”的《富春山居图》。要了解它,同学们可以看课件的相应部分。看完后,请参与论坛的讨论。看的过程中请大家注意结合了解此画的作者。 讨论题:《富春山居图》为什么能够画那么长? 视线的移动。中国绘画独特的散点透视法。 “人在画中游”的感觉。 我们可以看出中国山水画起因的一个思想——卧游。(提示学生去了解画家宗炳)当然在这儿还要特别提到黄公望是我们常熟人,这是我们的一个骄傲。
论述类文本阅读桂小虎《东方的启迪——中国传统艺术对世界绘画的影响》 (一)论述类文本阅读(9分) 阅读下面的文字，完成下列各题。 有着5000多年历史的中国传统艺术是一条璀璨星河，它的精神和血脉对世界文化艺术的发展起到了极其重要的涵养作用，对世界众多艺术家产生过直接或间接的影响。尤其是当西方传统写实绘画的发展处于困境之时，中国传统艺术更是以其独具特色的艺术魅力和表现形式启迪了一大批现代艺术家，他们从中汲取营养，摸索前行。在很多西方艺术史论家眼里，中国传统艺术是世界艺术的高峰。 中国传统艺术对西方的影响可以追溯到14世纪的欧洲，当时中国的瓷器、丝绸和国画等商品一直流行于欧洲的上层社会中。在法国，中国的龙凤图案常被运用于各类织物中。在15世纪意大利和法国的瓷器制作中，盛行模仿中国青花瓷器造型。18世纪法国“罗可可”绘画大师让˙安东尼˙华托青年时期曾研究中国的《百戏图》，他的作品《发舟西苔岛》具有明显的中国意味和东方艺术特色。著名的评论家雷文曾说：“凡于中国宋代之风景画研究有素者，一见华托此作，必讶其风景之相似，其画中远山犹保持作者之生命，青峰缥缈，用单色作烟云。华托所惯为者，亦中国山水画最显著之特色也。”日本学者小林太市郎认为应该将17-18世纪流行于欧洲的“罗可可”艺术称为“中国-法国式”。19世纪新古典主义大师安格尔则因为具有浓郁东方意味的艺术语言，被当时的人们称为“误生在19世纪雅典废墟上的中国画家”。 19世纪中叶，摄影术的发明，给西方传统写实绘画带来了巨大的冲击，西方绘画艺术的发展陷入了困境，艺术家开始寻求新的出路，此时，博大精深的中国传统艺术思想和独具特色的艺术表现形式，给了西方艺术家以启迪，使得西方艺术在现代主义道路上继续前行。一些杰出的画家诸如凡˙高、高更、毕加索、马蒂斯、克里姆特、大卫˙霍克尼等，分别从不同的方面和角度吸取中国艺术的养分，探索出全新的艺术风格，创作出一大批具有划时代意义的艺术杰作，对世界艺术史的发展产生了深远的影响。诚然，一些西方艺术家和学者认为日本浮世绘对西方现代艺术有过重要的影响，不过，凡是知晓世界艺术史的人都知道，日本艺术并不是独立发展起来的，而是在吸收中国传统绘画的基础上形成的。尽管后印象派的画家是从日本浮世绘中获取了灵感，但是日本浮世绘的画法，则是来自中国唐代绘画及明代画家陈洪绶和萧云从的作品。正如毕加索所说：“在这个世界上，谈到艺术，第一是中国人的艺术；其次是日本，日本的艺术又是源自中国。” 在漫长的艺术发展过程中，中国历代艺术家在实践中探索出具有鲜明的民族特色和高超
国画入门,中国画欣赏,中国传统艺术 篇一：中国传统艺术赏析——传统水墨画的艺术赏析论文 中国传统艺术赏析 ——传统水墨画的艺术赏析 摘要：面对全球化浪潮，中华文化在与异域文化的交流碰撞中，会产生矛盾，会出现火花。但其优秀成分最终会融入本土文化的洪流中，成为传统文化的一个组成部分，中国水墨画的发展也不例外，中国水墨画具有十分悠久的历史渊源，同时也具有与时俱进的时代风格。它不仅是中华文化的国宝，也是传承中华民族精神的主要载体。作为民族的优秀文化遗产，它将在新的时代精神相结合中获得新生。本文通过简单介绍水墨画，进而对齐白石的画进行简要赏析。 关键词：中国水墨画齐白石艺术赏析 正文： 通过一段时间美术鉴赏课的学习，我对中国画这种艺术形式产生了浓厚的兴趣，尤其是中国水墨画。通过对一些文章及其视频进行简单的学习，也产生了一些思考，论文将针对水墨画进行一番陈述和探讨。 水墨画又被称为国画，被视为中国传统绘画的代表，基本的水墨画是指的仅有水与 墨，画面为假单的 黑白色，但进阶的
水墨画，也有工笔 花鸟画，色彩缤纷。 墨为中国画特有的 材料，水墨画中用水与墨的不同比例配出浓墨，淡墨，干墨，湿墨，焦墨等，可以用来花车不同浓淡的层次。 水墨画有自己独特的特征，历史上南朝谢赫的古画品录里有评论说中国画讲究“气韵生动”，“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉，不拘泥于物体外表的肖似，多情调抒发作者的主管情趣。与西洋画的不同之处在于，西洋画是“再现”的艺术，中国水墨画则是一种“表现”的艺术，国画主要表现的是“气韵”，“境界”。 （一）水墨画的分类 水墨画可分为人物画，山水画，花鸟画，界面等几种。人物画是我国传统的画科之一，内容以描绘人物为主。因绘画侧重不同，又可分为人物肖像画和人物故事、风俗画。据记载，人物画在春秋时期已经达到很高水准。从出土的战国楚墓帛画，可以看到当时人物画的成就。人物画一直是中国传统绘画最主要的画科。山水画，简称“山水”，中国画画科之一。是以描写山川自然景色为主题的绘画。在魏晋六朝，逐渐发展，但仍多作为人物画的背景；至隋唐，已有不少独立的山水画制作；五代、北宋而益趋成熟，作者纷起，从此成为中国画中的一大画科。主要有青绿、金碧、没骨、浅绛、水墨等形式。在艺术表现上讲求经营位置和表达意境。花鸟画，我国传统绘画画科之
美术教案－中国古代山水画赏析－教学教案 教材分析 本节课以在教师的引导下，学生的自由学习山水画，着重把握以下三个要点。一是要在分析作品时，应有意识地强调山水画独特的透视。二是通过教师的引导让学生自己发掘山水画作品共有的中国人文精神。 教师通过网上论坛的讨论和课堂上对知识的横向联系，引导学生自己学习。分析作品有详略区别，调动学生的学习积极性，把课堂教学进行引申，培养学生的学习兴趣。 教学目的 1、通过作品欣赏，使学生深入了解中国山水画的艺术特色，及其在历史长河中是如何发展和完善的。 2、通过网上的讨论和教师对作品的介绍，提高学生对作品的鉴赏能力，同时培养学生对祖国传统文化的认识和兴趣。 3、通过分析中国山水画不同作品之间的艺术特色，懂得如何感受艺术之美。 教学重点 中国山水画在不同时期的艺术特色。 领会蕴藏在画中深刻的中国传统人文思想。 教学难点 引导学生自己去发掘中国古代山水画作品中所具有的中国传统文化思想。以及这种思想对山水画发展的影响。 教学手段 多媒体电脑网络教学 课时：1课时 教学过程 教室里响着古琴曲 问：请大家静下心来听我们教室中回响的悠扬的古琴声，有人想起它的曲名了吗？ 答：高山流水。 对，高山流水，这也是我国古代画家的主要绘画题材。大家坐在这样一个现代化的教室里，一定觉得古代山水画离我们好遥远，但现在我们就要借助这些现代化的设备来和我们的传统艺术作一次亲密接触。 在亲近传统艺术之前，我想先了解一下在座各位同学的兴趣。艺术论坛上有一个问题等待着大家“现在还有人喜欢传统绘画吗？”请发表自己的见解。
投票： 现在还有人喜欢传统绘画吗？ 从同学们的投票中可见，大部分同学说喜欢，也有不少同学说不喜欢，更有同学说不了解。那原因何在？现在我们就通过了解山水画来了解自己为什么喜欢或不喜欢古代绘画。 看我们周围的环境。大家一定注意到了身边的两幅长卷。事实上，这是一幅长卷画，很长的一幅画。很想知道这幅画的名字吧。这是中国绘画史上最著名的一幅长卷，被称为画中“兰亭序”的《富春山居图》。要了解它，同学们可以看课件的相应部分。看完后，请参与论坛的讨论。看的过程中请大家注意结合了解此画的作者。 讨论题：《富春山居图》为什么能够画那么长？ 视线的移动。中国绘画独特的散点透视法。 “人在画中游”的感觉。 我们可以看出中国山水画起因的一个思想——卧游。（提示学生去了解画家宗炳）当然在这儿还要特别提到黄公望是我们常熟人，这是我们的一个骄傲。 以后同学们看画时，一定要放松心情，体会古人卧游的感觉。 当了解了中国山水画产生的原因后，我们就要来了解山水画的发展了，看看在发展的过程中出现了那些名家名作。同学可以进入“中国古代山水画”这课的学习，先阅读一下——山水画简史，然后根据自己的爱好选择自己喜欢的学习。学习时注意先看每张页面上的学习目标，学习中有任何问题，可进入讨论区讨论。 在学习过程中注意要解决这几个问题。 讨论一： 1、了解中国山水画的萌芽、发展、兴盛时期？ 2、选择一个你喜欢的画家或一幅作品作深入了解，然后进行讨论。 3、山水画在唐代就分化为青绿山水和水墨山水，你喜欢哪一种？为什么？（要了解青绿山水看《千里江山图》、《早春图》等） 大家在学习过程中要注意作品和画家生平的相结合。 4、大自然是五彩斑斓的，但为什么中国画家笔下的山水大多数是黑白的？ 结论：画家具有中国传统的道家思想，道家提倡“无为”，尤其在乱世之时，中国文人更加追求自然，以林泉为伴。 课堂小结： 我们说喜欢的部分同学，一般多比较喜欢诗词、文言文，说明你在渐移默化中早已深受中国传统思想的影响，所以在观赏作品时，不自觉的就会和画家产生了共鸣。反之，就不喜欢。不管你喜欢还是不喜欢这些都是先人给我们遗留下的宝贵的文化遗产，我们起码要学会欣赏它们。 今天用一堂课的时间学习了一些山水画的基础知识，但大家发现只是看了一小部分，剩下的大家可以利用课后的时间继续深入学习。我给大家留了一些课后问题，大家可以继续讨论。 讨论题： 1、篆刻和书法是如何融入绘画艺术的。 2、有些学者说“盛世出人物、花鸟画名家，乱世出山水名家” 这句话有没有道理，你如何看待？