电影《大上海》影评观后感
不喜电视，不爱电影，打小如此，仿若书本中字里行间的意境搬
到屏幕上就缺了丝韵味、遐想空间。故多是看书多些，电视剧从
不看，而电影避无可避，则就多半做陪场。
10年写了篇《孔子》观后感，现下笔是《大上海》，巧得是
主演都是发哥。
开场、镜头近放，一个再熟悉不过的面孔从容出现。大气，
又略带一丝饱经沧桑的男人微微含笑欠身向来宾示意，那一瞬间
的姿态足以让人错觉、恍神、倾慕，又暗自叹然一个大上海滩老
大的气势也只有他可以演绎到位。他因人物鲜明、人物因他而活灵。
时光穿插拍摄法，本身就是个挑战，稍不留意便让欢众看的
乱了头绪，山水一蒙胧。可这部电影没有。
黄小明在大上海夜总会门前伸出食指朝向天空，发誓般说着：总有一天我要把大上海踩在脚下。下一境头发哥着一袭白长衫晃
着纸扇，站在顶层俯视脚下，静默无言。强烈的时光逆差对比震
憾的心尖儿发颤。有人说他在含笑自得，可为何我只看到了满满
的落寞。
都说男儿该当：醒掌天下权、醉卧美人膝。他要的他都得到
了不是么，他要功成名就、他要出人头地、他都得到了，可最初
的那个呢？最初的最初，他只不过是想有一点点成功去北平接她，
娶她过门。明明这个才是最易实现的，可怎就成了此生不可能之事。当真是江南风骨，天水成碧，天教心愿与身违。
他一路攀爬终归成了人上人，对此没意外。他、够绝决。吴
镇宇用枪顶着他的头，口中喊着数，只喊到一黄小明便开了枪。
说实话，此处当真精妙至极该击掌而赞。看了太多，等到三才不
得不开枪然后才长嗟短叹，呓语般从复着我不想杀人的画面。这
部够新颖，够干净、利索，近乎能成一番经国伟业的男人就该当
如此。
他与叶知秋：
电梯门栏稍开，他在电梯里看着栏外正微偏着头与丈夫低语
的她。有多少年了，年华的逝去，让彼此的眉眼间都写进了岁月，可这些有影响么，没有，他还是只远远看其一眼便认了出来。慌
乱地拦住正关门的林坏，说：让他们近来吧。那嗓音沙沉低求的
声腔，看得眼中泪水要不受节制地濡出来。我不知道，这需要多
大的勇气才敢如此而为。最好不相见便可不相恋最好不相知便
可不相思。还是忘不掉么，所以宁可忍着痛去看她与他人的恩爱，也要看她一眼，一眼就好。
她与其夫牵手迈步出去，他望着回眸的她，呆愣的张着口，
却什么也说不出来，目送远行。是怕搅乱了她的生活么，还是……，或许都有。
夜深人儿静，他躺在暖椅听着她的唱片，端着杯独品酒，没
有烂醉，没有在别处女人那寻欢舔抵伤口。这样的男人，不可不
对其起敬，也许大爱到骨子里、未曾得到时就该是他这样，像品酒般品偿着她、品偿着回忆。
二次重逢时，俏然若见，他还是愣了神，可较上一次都多了些勇气，他上前轻轻问句：好吗？她却极其莫生客套回句：你好。…… 她说大器答应我件事情：我不希望我先生知道我们过去的事。我盯着他，一直盯着他，准备看他的愤怒、受伤的表情，可没有。
他轻回道：我跟陈太太你素不相识，有什么过去。
那样的轻描淡写，那样的云淡风轻，这要压抑下多少情愫、恨怒，才可做到？叶知秋我替她婉惜，这样的爱她至深男人，她竟选择放弃，在重逢时又亲自伤害，她怎可如此，怎可。
飞机轰炸那幕，她看着他苍凉背影对着满目疮痍战乱场景恸喊着自己的名字，看着他生硬转身、双唇哆嗦、若乎失而复得的奔来。他拥她入怀，她张手回抱。我想知道，当她看着，已近中年的他失态的落泪，验证非梦般亲吻着自己的青发时，有没有悔恨当初的不坚强。他爱她，这是所有人都知道的事啊，而当初又是着了什么魔障才推开了他转身另嫁。
兜兜转转，再次拥抱，那些搁浅的记忆迸进脑海，勾起肢体的回忆。明明想要再次亲吻，眼角却看到百米开外的丈夫，所有情怀化为乌有。原来、终究错过。
电影《大上海》观后感
他与阿宝：
她溘然长逝跌倒于地。
她问：我、我还是你的女人么？他答：你永远都是我最爱的
女人。
此刻不得不感喟人生就是这样：有的人你看了一眼，却影响
你一生。有的人你看了一辈子却忽视了一辈子；
他第一次与她共舞时，思绪翻飞忆起的是夕阳西斜他与叶知
秋在霞光里亲吻。
他第一次说做我的女人时，是闲立悬桥于大字报得知佳人已
罗敷有夫。
当初恋、发妻欢坐一起时，他的视野里只有她——初恋、叶
知秋。
当两者择一保全时，他送走了初恋、叶知秋。
阿宝这个从从16岁起天天伴其身边的人懂他太多，阿宝懂他
的人、他的性情、他的心，但不懂他的爱情。他的爱情里只有一
个人——叶知秋。
阿宝是悲悯的、可也是幸运的，相较上海滩里，许文强至死
还臆想着要去法国找冯程程。相信阿宝死的时候是幸福的，临死、大器终于翻然明了首肯了她才是自己的最爱。
这世间最哀怨，不过是结个来生来世缘，来世、你我要早些
相识、相知。
他与师父、师母及兄弟：
他说：你看他三言两句就把事情解决了，天生的领袖，我要
是能拜他门下就好了。
他拜了。他诠释了一日为师终身为父。那两道长长的血迹映着酒瓶渣儿，让我看到血性的光辉闪耀，看到了男儿的情义、担当。这样的男人，让人忍不住悠然神往。
她说：大器、我一直都在等你，你要好好的、好好的。
她知道他会来，她信他会来，那样磊落的男儿，他会来。这种感知是她的擎柱。
他猛的推开他：大先生、永别了。
他说：打完了还活着在告诉你不迟。
他说：我叫林坏，坏蛋的坏。
一世人、两兄弟，肝胆相照、士为知己者死，原来男儿间的兄弟情谊是这般壮哉，夜里回梦还会为此沁温了枕头。
他与国家：
他说：在上海这个地方，竟然还有人敢恐吓我成大器。
他说：我成大器这辈子有什么不敢，唯一不敢的，就是当汉奸。
他说：我成大器跟大哥就上海俩流氓，混了这么多年，就只剩下三个胆：第一个胆，酒胆，拿起杯子就拼到底；第二个胆，色胆，见到美人就爱到底。另外，我们还有一颗忠肝义胆！
是混混又如何、是流氓又怎样，他爱国，他大事大非上分得清楚，他一身正骨。
白首为功名，连岳飞这样戎马一生的铁血战神都发出如此慨
叹。而他一非钟鸣鼎食之家从一界贫难攀登到高层人，竟愿舍了
这身价、地位，也要本性而为。爱国、不只是说说。
功名富贵，有些人钻营了一世也只能够着别人脚腕，有些人
朗朗落落地站着，已获得世人对其相看两不厌的尊重。他是后者，他率性而活，而非匍匐权贵。他用身家性命换得拳拳爱国心。
《红色经典读后感》 红色经典读后感（一）： 《红色之旅》读后感 《红色之旅》再次把我带回到上个世纪那腥风血雨的年代：硝烟弥漫于整个大地，国家四 分五裂，国恨家仇那是一段屈辱史！然而，无数仁人志士怀着一颗赤忱的爱国心，为解救人民 为解救民族而艰苦探索在此危难时刻，中国共产党应运而生，登上历史的舞台，带领中国人民 艰苦创业，从此，中国的面貌涣然一新！ 在这段跨越时空的旅行中，我看到，从中国共产党成立到中华人民共和国建立二十八年间，党克服重重困难，在逆境中谋求发展，由五十三人的小党派一跃成为推动中国革命胜利的中坚 力量，创造出万里长征等无数震惊万世的奇迹，成为指引中国人民和中华民族的政治、经济、 文化的忠实代表，无数惊天地、泣鬼神的感人故事闪耀出璀璨的光芒。 一幕幕；一幅幅；一个个；一处处；一件件 至此，我似乎已经明白《红色之旅》为何如此振奋人心，我能不被先烈们磐石无转移的赤 诚之心为之震撼和感动吗？ 当我驻足于刘胡兰纪念馆时，刘胡兰气宇轩昂、正气凛然的雕像和生的伟大，死的光荣又 一次使我们想起这位正值妙龄的少女悲惨而悲壮的命运。时年不足十五岁的共产党员在敌人的 威逼利诱面前不为所动，毅然选取死亡，坦然躺在刀坐上，迎接死亡的到来，但刘胡兰永远活 在我们心中！ 我个人比较喜欢红色经典的小说，没事的时候也会经常看一些这样的书籍还有电影，因为 我总觉得这是我们国家诞生的标记，没有这些书籍、影音制品，我们怎样样看到我们国家一步 一步的富强？所以红色经典是十足的珍贵的。 红色经典读后感（二）： 在这个国庆长假里，我怀着崇敬的情绪读完了《党在我心中》这本书。这是一本爱国主义 教育用书，里面描述众多革命的英雄人物：爱国主义者李大钊在临死前坚贞不屈，视死如归、 民族赤子俞秀松，他舍己为人，默默无闻的把生命奉献给祖国、还有巾帼不让须眉人女英雄赵 一曼，她受尽酷刑，从不畏惧，把自我的生死置之度外，昂首挺胸的和敌人对抗到底也不屈服 在这本书中，让我最钦佩的还是舍身堵枪眼的黄继光。当他得知所在营美军为首的联合国 军和南朝鲜军激战４昼夜后，又奉命夺取上甘岭西侧５９７。９高地。黄继光挺身而出，请求 担负爆破任务。在弹药用尽的状况下，他顽强地向火力点爬去，靠近地堡射孔时，奋力扑上去，用自我的胸膛，死死地堵住了敌人正在喷射火舌的枪眼，壮烈捐躯。在黄继光英雄壮举的激励下，部队迅速攻占零号阵地，全歼守敌两个营。 我几乎是留着眼泪看完他的光辉事迹，他的大无畏英雄气概让我佩服。他的钢铁英雄形象 在我心里挥之不去。黄继光舍身堵枪眼的英雄壮举，激励和教育了几代人，虽然他己经离我们 远去了，但他永远活在我们的心中。成了我们后代人的榜样。 应对这些钦佩的同志，他们从没有什么豪言壮语，也没有向组织要求过什么，总以自我真 诚的心履行为党奉献了一生的承诺，以自我无私奉献的精神，将自我的命运同党伟大的理想绑
电影《鸟人》影评 除了真挚的心灵外，别无高贵的仪容。——拉斯金 《鸟人》是2014年奥斯卡最佳影片。其主角里根作为飞鸟侠的出演者，曾经是一位众人口中的Super Hero，但这已经成了明日黄花。但是他不甘于此，经过近二十年的沉寂后，转战百老汇，亲手改编雷蒙德·卡佛的《当我们谈论爱情的时候，我们谈论什么》并企图重登荧幕，重新唤醒人们对他的记忆。几经蛰伏，里根终于“如愿以偿”，造就了一场意外之美。 里根的内心曾经是纯粹的，他很想真实地演好一部电影，随着《飞鸟侠》地出演，让他迈向了成功的巅峰。但公众们不会始终如一地拥戴他，新生代在不断地崛起，好电影在不断地涌现，逐渐让里根成为时代洪流的前浪。所以，他害怕着，害怕人们会遗忘他，其实人们并未遗忘；他害怕着，害怕自己的身体会逐渐消逝，其实他从未消逝。正是这些害怕，让里根在这二十年中想方设法重归荧幕、重获成功。然而急功近利的他，以一种浮躁、伪实来诠释着自己的百老汇演出。而这恰恰与剧中的麦克相反，麦克虽然看起来并不靠谱，一副吊了郎当的样子，但是他却真实地为舞台演出，宁可背负骂名也要做真正的自己。于此同时，里根的女儿萨姆，即使被视为一个叛逆者的形象，但也是真实的，她清楚地了解父亲的所作所为，清楚知道人类社会的尊严和自尊与浩瀚的地球和宇宙相比而言，实在太渺小。而里根，他却不认可麦克也不理解萨姆。 在《鸟人》电影里，导演运用了比传统蒙太奇手法更为纪实的长镜头手法，并且以超乎寻常的一镜到底让我们身临其境，让我们走进了一个真实、质感的世界。但我认为最成功之处并不是它那炫酷的一镜到底，而是它巧妙地通过里根看似超能力的行为和其内心的鸟人独白，深刻地刻画出了一个立体的里根。 超能力其实是里根的幻想。在影片伊始，阳光刺眼地照进狭小的房间，空气里氤氲着微尘，里根一边坐禅悬浮空中一边冥想，此时他渴望的是能够悟出人生的真谛，但这下一刻就被世俗的繁琐所淹没了；在他与萨姆激烈争吵过后，他幻想着打火机凭自己的意志而转动，此时他渴望的是能够扭转局面，但却无法凭意志改变现实；在第二次令人不满的预演后，他幻想着自己再次能够演绎科幻大片，此时他渴望的是能够重新遨游于“人世间”。这些渴望，衍生出了幻想，也滋生了欲望。回到我们生活的现实世界中，我相信每个人都有白日做梦的时候，每个人都渴望着自己的渴望，每个人都幻想着自己的欲望。但这仅仅是欺骗自己的做法，亦或是安慰自己的做法。所有人都活生生地生活在这颗星球上，没有人能够像科幻大片里一样跳跃时空到达自己向往的空间中。所以，与其幻想，倒不如真实、真挚地做点事情，活在当下。 鸟人，它属于里根的心魔，它是里根心中邪念的投影。在这场百老汇中，鸟人代替了曾经的里根，它用它那“精湛”的演技，为空虚的灵魂注入一针强心剂。里根在此也挣扎过，那句安慰自己的话——这只是心理现象，让他暂时摆脱投影的光芒,让他暂时回归自我。翻看现实生活的日历，我们何尝不像里根一样呢？我们心中也有心魔，它有时候会悄无声息地溜出笼域，悄悄地溜进我们现实世界中，慢慢地引诱我们，慢慢地吞噬我们，直到我们醒悟，才又缩回到原地，然后我们又回到了正常的生活中。人过这一生，会有多少次这种循环呢？答案是不计其数的。问题不在于这种现象曾经出现过，而在于往后怎么少出现，亦或不出现? 在近期，柴静的《穹顶之下》引来了网络地热议，内心被鸟人捆绑的人们会认为这是炒作，这是柴静想红的理由。他们难道认为雾霾是好事？其实不然，他们只是内心的心魔嫉妒柴静，嫉妒这个会“偏袒”的社会，他们的言行是虚空的，是不真诚的，也是不真实的。所以当我们对待一些事情时候，能否控制心中的鸟人，能否让内心平衡，能否真实、真诚地为
情舒畅”是我看完这部影片后的第一个感觉。整部影片，一气贯通，不做作，不多加修饰，一切恰倒好处，给人一种清爽的感觉。“我”能够承担乡邮员这个职业，“老二”也认可了这个新搭。档一切是那么的完美。在此同时，也给人留下了想象的空间。想“我”会不会完全按照他父亲的脚印走，会不会娶那为少数民族姑娘，会不会也找一个山里的女人做老婆。 他们的工作很苦，但是村民与他们早就成为了朋友，早就有了默契，这两夜三朝漫长的邮路虽然艰苦但并不孤独！让我印象最深的是，在过山涧时，儿子把父亲背到了背上并喊了一声“爸爸”，是第一声叫他“爸爸”！在儿子的背上父亲得到了满足。他似乎什么都不用说，因为这是人生最幸福的一刻。而且儿子也由衷的理解了父亲。 以前父亲极少回家，以至于他恨父亲。当他发现恨没有有，恨不起来的时候，他把恨转变成怕。他很怕，他怕这段特殊的感情来打乱他的生活，以至于当他父亲回家的时候总玩到很晚才回家。但是当他与父亲共同走完这次邮路后，他理解的父亲，认可了他，并接受了他，背起了父亲，并接受了这种亲情。在背着父亲过河时，一句话也没有说，一切显得那么的平静而赋有韵味。使得我在观看的时候不敢发出任何声响，怕破坏了这种平静。 他们是优秀的的乡邮员，他们把村民的信看得比自己的申明还重要，因为他们知道在通讯不发达的山里，信就是他们希望。正是他这种敬业精神才使得影片得意继续发展下来，为许多地方埋下了伏笔。 整部影片的景色优美至极，幽静的感觉无处不在，但配上欢快的音乐以及稀疏的脚步声又显得那么有生机仿佛主人公就在我的身边，与我一同前行，一同远去...... 影片像一杯淡咖啡，入口苦涩，回味甘甜。像一杯清茶，香气清爽，韵味无穷。 影评——朴实之美人说朴实之美方为真谛，我想真正的美丽不需要华丽的外表，有内自外散发出的美才是真美。翠绿的画面里没有一张不散发着这样的朴实的美感，多远景的镜头描摹这青翠的山，孤寂的邮路上演绎着一个平凡的故事。整部电影从摄影风格上来说像是追求纪实，大量的远景来表现山，山仿佛也是有生命的，它是生命意义的载体，承载了一个普通山间邮员的生活理念和职业理想。父亲作为一个普通的邮递员的一生在一趟护送儿子上岗的邮路过程中得以体现。山仍是那座山，狗仍是那条狗，只是人换了，邮路的生命意义却没有消失。一条漫长、崎岖、孤寂的邮路上，书写了老邮员的一生和刚开始的新邮员的生命历程，他们只是中国千千万万个邮员中的一个，用朴实和敦厚的品质感动着成千山万关注着他们的人。他们有着山一般的沉默，淳朴、不张扬，却也有着山一样高尚、深沉、厚重。与其说是父亲陪着儿子走过一趟邮路，不如说是儿子在邮路上历经了一次心灵的洗礼和父子之间心与心的交谈。画面一开始就用远景来表现山，孤寂而美丽的山。紧接下来的画面让我们看到了一对有着陌生感的父子，陌生的仿佛只是相识，好像还有一丝硝烟的味道。儿子照着镜子，显然对自己即将成为一个邮员，一个国家干部是很认同的，可是我们也看到了儿子对父亲的生疏和不理解。作品通过镜头的切换描绘出一个“距离”，父亲与儿子之间的距离：父亲和狗走在山间孤寂的邮路上，儿子和母亲在家中的空间对立场景；上一代与下一代之间的沟渠在一次邮路上获得释然。影片中父亲与母亲的相识场面的蒙太奇效果又为这条寂寞的邮路添加了一点浪漫的色彩。整部影片采用绿色为大背景和基色调。绿，一种寓意生命色彩的颜色，欣欣向荣。曾经读过朱自清先生的《背影》对那种父子间不语的感情仍然记忆犹新，它和作品中的父子一样是父对于子深深地爱。狗在中国的定义是忠诚，就像是老邮员对自己有的事业的忠诚一样，自然的与山融为一体，看似简单却和谐统一。山、人、狗，是山承载了人的意义，是狗彰显了人生的内蕴。生活的意义究竟是什么，影片一直都在诠释着这个问题，是一个人活着动力，做人处事的原则和有担负的责任感。美丽的乡间风景和着清新的音乐，纯朴到有些憨厚的父亲和略显浮躁的儿子一起走在乡间的邮路上！对于父亲，这是一种责任的终结，里面承载着自己生命中的太多重量；对于儿子，这是一种新生活的开始，送信过程中
Journey to the Center of the Earth（地心游记）2008 There is a part of me that will always have affection for a movie like "Journey to the Center of the Earth." It is a small part and steadily shrinking, but once I put on the 3-D glasses and settled in my seat, it started perking up. This is a fairly bad movie, and yet at the same time maybe about as good as it could be. There may not be an 8-year-old alive who would not love it. If I had seen it when I was 8, I would have remembered it with deep affection for all these years, until I saw it again and realized how little I really knew at that age. You are already familiar with the premise, that there is another land inside of our globe. You are familiar because the Jules Verne novel has inspired more than a dozen movies and countless TV productions, including a series, and has been ripped off by such as Edgar Rice Burroughs, who called it Pellucidar, and imagined that the Earth was hollow and there was another world on the inside surface. (You didn't ask, but yes, I own a copy of Tarzan at the Earth's Core with the original dust jacket.) In this version, Brendan Fraser stars as a geologist named Trevor, who defends the memory of his late brother, Max, who believed the center of the Earth could be reached through "volcanic tubes." Max disappeared on a mysterious expedition, which, if it involved volcanic tubes, should have been no surprise to him. Now Trevor has been asked to spend some time with his nephew, Max's son, who is named Sean (Josh Hutcherson). What with one thing and another, wouldn't you know they find themselves in Iceland, and peering down a volcanic tube. They are joined in this enterprise by Hannah (Anita Briem), who they find living in Max's former research headquarters near the volcano he was investigating. Now begins a series of adventures, in which the operative principle is: No matter how frequently or how far they fall, they will land without injury. They fall very frequently, and very far. The first drop lands them at the bottom of a deep cave, from which they cannot possibly climb, but they remain remarkably optimistic: "There must be a way out of here!" Sure enough, they find an abandoned mine shaft and climb aboard three cars of its miniature railway for a scene that will make you swear the filmmakers must have seen "Indiana Jones and the Temple of Doom." Just like in that movie, they hurtle down the tracks at breakneck speeds; they're in three cars, on three more or less parallel tracks, leading you to wonder why three parallel tracks were constructed at great expense and bother, but just when such questions are forming, they have to (1) leap a chasm, (2) jump from one car to another, and (3) crash. It's a funny thing about that little railway: After all these years, it still has lamps hanging over the rails, and the electricity is still on. The problem of lighting an unlit world is solved in the next cave they enter, which is inhabited by cute little birds that glow in the dark. One of them makes friends with Sean, and leads them on to the big attraction -- a world bounded by a great interior sea. This world must be a terrible place to inhabit; it has man-eating and man-strangling plants, its waters harbor giant-fanged fish and fearsome sea snakes that eat them, and on the further shore is a Tyrannosaurus rex. So do the characters despair? Would you despair, if you were trapped miles below the surface in a cave and being chased by its hungry inhabitants? Of course not. There isn't a moment in the movie when anyone seems frightened, not even during a fall straight down for thousands of feet, during which they link hands like sky-divers and carry on a conversation. Trevor gets the ball rolling: "We're still falling!" I mentioned 3-D glasses earlier in the review. Yes, the movie is available in 3-D in "selected theaters." Select those theaters to avoid. With a few exceptions (such as the authentic IMAX process), 3-D remains underwhelming to me -- a distraction, a disappointment and more often than not offering a dingy picture. I guess setting your story inside the Earth is one way to explain why it always seems to need more lighting. The movie is being shown in 2-D in most theaters, and that's how I wish I had seen it. Since there's that part of me with a certain weakness for movies like this, it's possible I would have liked it more. It would have looked brighter and clearer, and the photography wouldn't have been cluttered up with all the leaping and gnashing of teeth. Then I could have appreciated the work of the plucky actors, who do a lot of things right in this movie, of which the most heroic is keeping a straight face. 1
好莱坞电影和中国电影中的跨文化现象(一) 自从全球化趋势加剧以后，传媒产业就在日益发达当中，电影产业正在取代传统的文学形式，如小说，成为西方想象东方的载体。很多学者都把学术兴趣转移到电影或者是电影的相关领域当中，并且已经取得了一些学术方面的成果。 一、理论反思 随着高科技媒体的快速发展，电影的格局发生了很大的变化。DVD播放器的各种检索功能为老电影提供了一种新型的观看形式，也对传统的影响提出了新的挑战，传统电影是依赖于胶片来制作幻觉，但是画格本身却是精致的，这种错觉的呈现是传统电影的表现形式。也就是说，电影能够做到挽留演员的生命表象，胶片可以使得静止的瞬间复活。白话现代主义是从经济、技术上大众文化的对应产物，白话是一种社会性的话语形式，是个人的表达形式，在公共场所能够被他人认同，它与方言不同，可以在很大范围内得到应用和流通。白话现代主义可以分析在语言上有很多差异的电影，不同的电影和不同的现代经验可以补充现代主义白话理论，使白话主义更加系统化、精细化。20世纪二三十年代的电影涉及了很多现代性的问题，如失业、贫困、犯罪、危机以及性别等。这些经验在当时的文化当中都有呈现。 二、好莱坞电影的跨文化现象 好莱坞电影当中借鉴中国元素的创造很早就已经存在了。在20世纪初，好莱坞电影就开始刻画华人的形象了，不过很多都是作为陪衬的。中
国形象的典型特征就是唐人街上的长辫子男人、长指甲女人等。好莱坞拍摄了第一步完全以中国为题材的电影《大地》，这部电影当中的故事发生的时间跨度有40年之久，主要展现了一对中国农村夫妻的悲惨命运和他们对中国国土的眷恋之情。这部电影的音乐都是采用的中国音乐，它修正了早期电影当中中国人的形象。在70年代，李小龙带着自己的武术进军好莱坞，引起美国观众对中国文化的热爱，这是中美电影文化进行交流的一次小成就。 在70年代以后，由于互联网对电影的冲击，好莱坞电影在美国国内市场逐渐萎缩，每年只有十分之一的电影可以赢利。在1952年，美国电影从国外获得的收入占总收入的42%，在70年代这一比例升到55%,自从90年代开始，美国电影在欧盟电影市场当中有70%的份额。 由于全球化，好莱坞电影在主体以及拍摄方法等方面产生了变化。贝纳尔多?贝托鲁奇导演于1988年导演的电影《末代皇帝》是一部偏西方视角但是制作很精良的传记电影，这部电影获得了第60届奥斯卡的九个奖项。华裔导演王颖于1993年拍摄了电影《喜福会》，这部电影是根据小说家谭恩美的畅销小说改编而成的，这是当时好莱坞主流的电影之一。很多以中国为题材的电影都有争议，但是这些电影的票房方面都很成功，很有开发的潜力。这吸引了很多导演都以中国为题材来拍摄电影，更多地加入中国元素来吸引大众的眼球。随后的很多电影当中都加入了很多中国元素，如《花木兰》《非常人贩》《面纱》《上海正午》《骇客帝国》《上海骑士》《生死格斗》等。在2008年，好莱
[红色经典电影观后感]爱国电影观后感（精选三篇） 【--手抄报内容】 我看了《小兵张嘎》这部电影后，我受益匪浅。我被电影中的主人公张嘎不屈不挠，热爱祖国，机智勇敢的精神深深感动。 这个电影的故事内容大约是：在1934年，有个名叫嘎子的小朋友，亲眼看见自己的奶奶为掩护八路军被日本鬼子杀害，他怀着为奶奶报仇的愿望，跟游击队一起生活，一起战斗，配合游击队打败敌人。 嘎子小时生活很苦，少年时就参加了红军，他给红军带来了快乐，多次完艰巨的任务。有一次，他屁股上中了敌人一枪，但他仍不顾伤痛毅然追上去，聪明的小脑袋用一只假枪就把敌人的首领捉了回去，为红军立了大功，当时我不仅很佩服嘎子，他人小胆大。还有一次，为了打探敌情，嘎子和罗金保叔叔装扮成卖西瓜的小贩，捉了胖翻译，并缴了他的枪，为了不让队长把枪收回去，他竟然把它藏到了鸟窝里，因而受到了批评并关了禁闭，经过队长的教育，终于认识了错误。在一次战斗中，嘎子受了伤在老乡家里休养，可他知道有任务，就偷偷地跑回参战，不幸被捕了，可他面对敌人，刚强不屈，并配合部队，是战斗取得了胜利，终于成了一名出色的小侦察员。
我要多多学习张嘎不怕敌人、热爱祖国的精神。将来，如果我们国家发生了战争，我也要向张嘎一样，与敌人奋勇斗争，将敌人赶出我们的国土。 暑假期间，我观看了《地道战》这部电影，这部影片中的人物都很聪明，日本军总以为很聪明能够打败八路军，却总是聪明反被聪明误，被八路军打得落花流水。 还没有挖地道时，日本军来攻打这里，人们都躲到井旁边的密道里，日本军就把没有一个人的村子扫荡了一遍。八路军和乡亲们开始挖每家每户都连接的，四通八达的地道，利用这地道总是打胜仗。 我认为，有了困难，不仅要团结一心，还要动脑子想办法，这样才能解决难题。影片中的乡亲们不仅团结在了一起，还共同挖地道，使得日本军在明处，我军在暗处，总是让日本军摸不着头脑的吃败仗，真的好过瘾! 所以大家一起动脑想办法，打了胜仗，胜利也是大家的!我们在生活中也要有这种精神，大家一起解决困难，一起享受成功的快乐! 成功是快乐的，也需要大家共同付出。影片中第一场仗我军是失败的，虽然人都活着，但房子被毁了，所以大家吸取教训，集体的
奥斯卡经典影片《罗马假日》电影作品赏析
《罗马假日》是好莱坞一贯具有创新意识的大师级导演威廉·惠勒在五十年代的代表作品之一。惠勒成名于三十年、代末，四、五十年代是他艺术事业的极盛时期，曾先后九次获奥斯卡最佳导演奖提名，三次捧回最佳导演金像奖和最佳影片奖。惠勒向来以精细、完美的导演风格著称。在本片的拍摄中，惠勒仍然体现了他这种精细、严格得近乎残忍的导演风格。在赤日炎炎的罗马街头，有时一个镜头竟要求奥黛丽与派克拍摄达60次之多。虽然在第26届奥斯卡角逐中，败给了《永垂不朽》的导演弗莱德·津尼曼，然而影片获得的最高票房和影评界的一片赞誉之声，特别是捧红了第一次在电影中担任女主角的奥黛丽·赫本，无疑对惠勒“残酷”的付出是最大的安慰与回报。 《罗马假日》是一部轻喜剧片。与惠勒以前导演的几部喜剧片比较起来，该片更接近弗兰克·卡普拉的风格。应该说反映宫廷王公贵族生活是一个十分老套陈旧的题材，而该片的编导却独辟蹊径，讲述了一个皇室的公主与一个穷记者意外邂逅，经过奇妙而愉快的24小时的生活，萌生爱意的现代童话故事。而且，导演那么轻松自如的娓娓道来，给人一种清新愉悦的感觉。影片的结尾虽然没有那种“有情人终成眷属”的大团圆结局，但也没给观众留下感伤情绪，完全是导演对影片的轻喜剧风格的准确把握和演员的出色表演所至。 《罗马假日》重点刻画了安娜公主纯真热情、清丽典雅，同时又具有一定反叛精神的感人形象。影片开头以新闻快报的形式，交待安娜公主出访西欧几国的行踪作铺垫，使安娜公主对官场的繁文缛节产生厌烦情绪；同时，安娜在罗马官方招待舞会上的脱鞋、在卧室趴在窗口羡慕地看着露天里翩翩起舞的青年男女等几个细节的交待，显示出她对平民自由生活的渴望；特别是当伯爵夫人让她穿不喜欢的睡衣，喝她不喜欢的牛奶，向她宣读第二天安排得满满的活动日程时，她痛苦地抱着头，怒不可遏地大声吼道：“不！我不要！我再也不要这样表演下去了。”她把官场上的一切看作是“表演”，充分反映了她对官场的虚伪和繁复的礼仪形式的强烈不满。对于安娜的这种逆反心理，她左右的人非但不能理解，反而认为她是一种病态的表现。因此，伯爵夫人找来大夫为她注射了催眠剂，强迫她听从他们的安排。在这里，一方面表现了安娜公主的单纯、幼稚、娇气与任性；另一方面也说明作为一国的公主，看起来似乎拥有令人羡慕的荣华富贵，显赫的地位和权利等，但从某种意义上讲，戒律森严的皇宫生活使她确实没有完全的人生自由，不能随心所欲。因此作为风华年少的安娜公主，对封闭、孤寂的皇宫生活的厌烦与反叛和对平民自由生活的好奇与渴望，应该说是符合人物性格的发展轨迹的。正是在这一思想动机支配下，才促成了安娜的私自逃离。同时，也折射
说不出的爱 《那山那人那狗》是一部关于爱的电影，正如电影名字那样，山里人对山的眷恋，邮递员对工作对国家的热爱，狗对主人的忠诚，夫妻之间的默契，母子之间的依赖，父子之间隐晦的爱···整部电影都洋溢着满满的爱，也夹杂着一层淡淡的哀伤。 所有的爱都在儿子与父亲一次送信的过程中展现。影片中时有时无的背景音乐就像父子之间若隐若现的情感。我们看到一份浓浓的爱在悠扬的轻音乐中逐渐浮现，直到影片最后，儿子第二次踏上路途时，那份爱没有如沸腾的熔岩在底下酝酿许久后猛烈的迸发，而在父亲那深深的凝望下笼罩着整个青翠静谧的山头。 父子之间24年里有一个巨大的空白，空缺的不是爱，是对彼此爱的表达。儿子从小就认为父亲不爱他，对他产生一种莫名的惧怕，一直被困扰在渴望得到父爱，却又恐惧，感到遥不可及的困惑中。15岁那年的一次受伤，儿子叫母亲不要让父亲知道，是害怕父亲担心，还是害怕受到责骂，还是仅仅因为不想让他知道？本应该是孩子受伤后偎依在父亲宽厚的臂膀下撒娇，却是一个15岁少年不该有的对亲情的困惑和感到无法触及的无奈。父亲嫉妒儿子亲切的叫妈妈，他又何尝不感到无奈和心酸呢？ 影片一开头，父亲坚持要陪儿子走一次，除了对自己工作岗位的不舍，还有就是显而易见的父亲对儿子的担心和爱。离开村庄时，父亲慈爱的将口袋里的糖给了前来的小孩子，对待别人的小孩尚且如此这般，这样的父亲，怎能不爱自己的儿子呢！而此时，儿子还处在年少时对父亲生疏，惧怕的情感中。儿子坚持继承父亲的事业不也正体现了他对父亲无法言说的敬畏，依恋之情吗？而这一切，为什么他们彼此看不到？因为他们无法言说，无法表达，他们把对彼此的爱潜藏在朴实的默默的关怀中。这样的爱本可以填补父子之间24年的空缺，取而代之的却是24年的无奈。 儿子背着沉重的邮包，父亲拄着拐杖，他们一起走过狭长的巷道，走过曲折的青石板小道，走过蜿蜒的公路，他们却感到彼此沉默的尴尬。他们的身体留着相同的血液，却彼此陌生。年过九旬的老奶奶坐在门栏内等着孙子的信，父亲拿出一张白纸给老人读信，儿子诧异了，他从小惧怕的，刻意逃避的父亲，原来也有如此温情的一面，父亲嘱咐儿子只贴了五毛钱的要给他买好邮票贴好，原来父亲也有如此细心的一面。他们攀着绳索上山，原来父亲一直走在一条这么艰辛的邮路上。原来，他所不知道的关于父亲的，还有好多好多···最让我动容的，是儿子背着父亲淌水过溪，“以后，你不用淌水了，也该享受享受了。”也许这句话的分量远比“爸，我爱你”更重。父亲瘦弱，背微驼的身躯伏在儿子坚实宽大的背上回想起孩子儿时骑在他的肩上逛街时的情形，落下了一个父亲温柔的泪。光阴荏苒，父亲渐渐老去，变得矮小，儿子变得高大。直到最终父子之间的对话没有一个爱字，而“那狗”老二终于愿意跟着儿子踏上邮路证明了父子之间慢慢显现的爱。
Seven(七宗罪)1995 David Fincher's classic tale of inventive serial killing and urban degredation, with Brad Pitt and Morgan Freeman on excellent form Who'd have thought? An absurd-sounding tale of a serial killer basing his crimes around the seven deadly sins, directed by the man behind the mess that was Alien3, turning out to be one of the most chilling and original thrillers of the 1990s. From the outset, through the film's brilliantly designed deliberate under-lighting - we see very little blood and guts - and muffled sound, the audience is encouraged to lean towards the screen, immerse itself in the film's unbearably grim world. Pitt is in career-making form as Mills, a simple cop moving with his sweet young wife (Paltrow) to a grim, anonymous city, determined to make a difference, to do some good. He is assigned to track down a vengeful killer, and works alongside Somerset (Freeman), a jaded, wise policeman on the verge of retirement. The two are that modern movie cliché -the mismatched pair thrown together by circumstance, who gradually learn mutual respect. But Fincher and Walker take these hackneyed ingredients, play with them in the context of a brilliantly cohesive plot, and present something consistently fresh - the police finding themselves with too much evidence, the premature unmasking of the killer - and very, very dark. 1
（一）论述类文本阅读（本题共3小题，9分） 阅读下面的文字，完成各题。 一直以来，对中国文化的改编与阐释始终根植于中国电影的创作传统之中，在动画电影的发展史上则尤为突出。新中国成立后，以上海美影厂的作品为代表，例如《过猴山》《宝莲灯》等，都实现了中国电影民族性追求在影像形式、风格与技术上对西方话语的革新与超越，也借助它们对经典文学或民间故事的影像化重释，将中国传统文化中深邃的哲学思想与文化标识注入至“中国故事”之中，在国际上形成了能见度极高且被公认的“中国学派”。 这些电影对经典文学与传统文化所进行的影像化改编，首先是一种内容上的重构，是以电影这种媒介形式对文学与传统文化资源的再演绎。正如《哪吒之魔童降世》中对哪吒形象与经历的塑造、叙述，并未拘泥于仿造《西游记》或《封神演义》中的旧有叙事，而是努力使之与现代审美观念无限趋近，体现出了一种鲜明的当代意识。在片中，李靖与哪吒之间的刻骨仇恨被置换为崇高的“父爱”．被哪吒“抽筋剥皮”的小龙王敖丙则成为了纯粹而崇高的友情象征，曾经悲壮而残酷的哪吒自刎被替换为一个无法逃避的宿命“天劫”……由此可见，这部影片中的哪吒形象和他的故事，已与名著与传说中的形象相去甚远。之前多数引起市场轰动的经典改编作品，也几乎都依循了这种颠覆性的模式，例如逍遥浪子形象的许宣（《白蛇·缘起》）、顽童形象的唐三藏（《西游记之大圣归来》）与追求自由恋爱的“天神”（《大鱼海棠》），等等。
但是，这种在表面上看来过度解构经典的创作倾向，也引发了不同的看法。如今对于《哪吒之魔童降世》的负面评价，亦多集中于对其颠覆传统文化或经典影视作品中的哪吒形象与经历的不满。但是反观这些影片的拥趸，则多数抱着自顾自的娱乐心态，把影片满足个体价值认同摆在突出位置，鲜少去思考影片与主题来源之间的关系，或者根本不去触及。 两种意见之间之所以形成这样的断层，究其原因，正是杰·瓦格纳所谓的“近似式改编”所致——影片虽以一种与原著近似的修辞技巧和表达观念进行创作，但实际上却与原著产生了相当大的距离，构成了另一部艺术作品。 有意思的是，西方影视作品对文学经典或民间传说的改编，多集中于莎剧、圣经故事和希腊传说。例如，近期被翻拍的《狮子王》取材于《哈姆雷特》，经典音乐剧《西区故事》的主要情节改编自《罗密欧与朱丽叶》，《纸牌屋》的故事内核源自《麦克白》，《七宗罪》《黑客帝国》等都是从圣经故事中汲取灵感，《诸神之战》《特洛伊》等则源自希腊神话。 可以看出，西方的这些改编作品也几乎都采取的是“近似式”的改编策略，原文本自身并不会为影视作品提供一个“超稳定结构”，而且改编作品之中无不体现出强烈而鲜明的当代意识。塞吉欧·莱昂内曾说：“阿伽门农、埃阿斯、赫克托尔是过去的西部牛仔的原型，西部片中的人物则被导演搬进了神话世界。”也就是说，当经典文本通过改编穿梭至
红色电影观后感(精选多篇) 革命尚未成功，同志仍需努力——观看《辛亥革命》有感 最近一段时间，我怀着崇敬的心情观看完了《辛亥革命》，看完很受鼓舞。《辛亥革命》这部电影很好的描述了当年动荡的历史。辛亥革命诞生在晚清政府日益腐朽、资产阶级萌芽与日益加深帝国主义侵略共存的时代，电影把革命产生的一系列重大事件以及革命的意义做了生动细致的阐述。电影以秋瑾就义为起点，以广州起义、孙文海外游说募捐、黄兴国内领导武昌起义、晚清政府内忧外患、各省独立解放、孙文就职临时大总统、袁世凯窃取革命果实等为主线，战争、情感、事件一一俱全，让
人有梦回过去的感觉，又不乏感人至深之境。辛亥革命推翻了清王朝的统治,沉重打击了中外反动势力，为中国人民斗争的发展开辟了道路，辛亥革命结束了统治了中国两千多年的封建君主专制制度,建立了中国历史上第一个资产阶级共和政府,使民主共和观念深入人心,并在中国形成了”敢有帝制者,天下共击之”的民主主义观念，辛亥革命给人们带来了一次思想上的解放。激发了人民的爱过热情和民族觉醒，促使社会经济、思想习惯和社会风俗等方面发生了积极的变化。 今天，我们去回顾它、铭记它，并必将把它给我们传递的一种精神和历史使命延续到以后的无止尽的全心全意为人民服务中去。时光流逝，历史远去。岁月可以改变沧海桑田，但是永远无法抹去历史在此间留下的烙印，那震耳发聩的枪声将永远定格在人类历史的长河中。可以这样说，随着硝烟散去的那一刻起，人们就一直在探究这段历史
以期从中吸取有益的借鉴。想起辛亥革命，我们回到了一个世纪前，武昌首义的枪声拉开了辛亥革命的序幕，随着各省份的独立，在孙文的领导下革命最终取得成功。 一个世纪的光阴犹如弹指一挥间，历史不容假设，所以我很难想像，如果100多年前，没有这样一部分人为了心中的信念、自己的理想用抛头颅洒热血的方式执着的追寻新的希望，那么如今的中国该是怎样的一种场面？不过，既然历史没有留给我们血雨腥风的生活，没有留给我们戎马疆场的机会，那么我们就该以新的方式开拓进取，去寻找利国利民的新道路。 看完《辛亥革命》，我们倍受鼓舞，深知要不断磨砺自己的心志，懂得团队配合、精诚团结的真谛，富有辛亥革命推陈出新的胆识，学会创新，努力前行，把团队工作做得更精、更细、更好。回首过去，放眼未来，我们没有理由不去铭记那些革命先驱。我坚信，它的精神
中国电影国际获奖记录 五（2001年——2005年） 2001年 《海鲜》（大陆）——导演朱文 获第58届意大利威尼斯国际电影节当代电影单元评委团特别奖 获第23届法国南特三大洲国际电影节最佳导演奖和最佳男主角奖 《紫日》（大陆）——导演冯小宁 获美国夏威夷电影节观众评出的“最佳影片”大奖 《一声叹息》（大陆）——导演冯小刚 获第24届埃及开罗国际电影节最佳影片“金字塔奖”、最佳男主角奖、最佳女主角奖、最佳编剧奖、特别提及奖 《卧虎藏龙》（台湾）——导演李安，周润发、杨紫琼、章子怡主演 获第73届美国奥斯卡最佳外语片奖、最佳摄影（鲍德熹）、最佳艺术指导 /道具装饰（叶锦添）、最佳音乐（谭盾）（ 2001年2月） 获第16届美国独立精神奖最佳影片、最佳导演和最佳女配角（ 2001年3月）获第58届美国金球奖最佳外语片奖、最佳导演奖 获波士顿影评人协会最佳摄影与最佳外语片奖 获洛杉矶影评人协会最佳影片 获英国影艺学院电影奖最佳导演、最佳电影配乐、最佳服装设计、最佳外 语片奖“金面奖”（ 2001年2月）
《十七岁的单车》（大陆）——导演王小帅，周迅、崔林、李滨、高媛媛主演获第51届德国柏林国际电影节评委会大奖、最佳新进男演员（崔林、李滨）《爱你爱我》（大陆）——导演林正盛，张震、李心洁、戴立忍、高明骏、郭静纯主演 获第51届德国柏林国际电影节最佳导演奖 《鬼子来了》（大陆）——导演姜文，姜文主演 获美国夏威夷电影节最佳影片奖 《你那边几点》（台湾）——导演蔡明亮，李康生、陈湘琪、苗天、陈昭荣主演获第54届法国戛纳国际电影节技术大奖（杜笃之） 《千禧曼波》（台湾）——导演侯孝贤，舒淇、钮承泽、高捷、段钧豪主演获第54届法国戛纳国际电影节技术大奖（杜笃之） 《那山那人那狗》（大陆，1998）——导演霍建起： 获2001年度日本电影笔会最佳外国影片第1名 获日本电影艺术奖最佳外国电影奖 获日本每日电影奖最佳外国影片第1名 《八矿》（大陆）——导演晓鹏 获第23届法国真实电影节伊文思奖 《站台》（大陆）——导演贾樟柯 获瑞士佛里堡国际电影节唐吉珂德奖、费比西国际影评人奖 获新加坡国际电影节青年电影奖 获阿根廷布宜诺斯艾丽斯国际电影节最佳电影奖 全美影评人协会2000年未在美国公演十大佳片第一名。
Tess(苔丝)1979 Thomas Hardy's Tess of the D'Urbervilles, which Roman Polanski has turned into a lovely, lyrical, unexpectedly delicate movie, might at first seem to be the wrong project for Mr. Polanski in every way. As a new biography of the director reports, when Tess was shown at the Cannes Film Festival, the press pointed nastily and repeatedly to the coincidence of Mr. Polanski's having made a film about a young girl's seduction by an older man, while he himself faced criminal charges for a similar offense. This would certainly seem to cast a pall over the project. So would the fact that Hardy's novel is so very deeply rooted in English landscapes, geographical and sociological, while Mr. Polanski was brought up in Poland. Finally, Tess of the D'Urbervilles is so quintessentially Victorian a story that a believable version might seem well out of any contemporary director's reach. But if an elegant, plausible, affecting Tess sounds like more than might have been expected of Mr. Polanski, let's just say he has achieved the impossible. In fact, in the process of adapting his style to suit such a sweeping and vivid novel, he has achieved something very unlike his other work. Without Mr. Polanski's name in the credits, this lush and scenic Tess could even be mistaken for the work of David Lean. In a preface to the later editions of Tess of the D'Urbervilles, Mr. Hardy described the work as "an impression, not an argument." Mr. Polanski has taken a similar approach, removing the sting from both the story's morality and its melodrama. Tess Durbeyfield, the hearty country lass whose downfall begins when her father learns he had noble forebears, is sent to charm her rich D'Urberville relations. She learns that they aren't D'Urbervilles after all; instead, they have used their new money to purchase an old name. Tess charms them anyhow, so much that Alec D'Urberville, her imposter cousin, seduces and impregnates her. The seduction, like many of the film's key scenes, is presented in a manner both earthy and discreet. In this case, the action is set in a forest, where a gentle mist arises from the ground and envelops Tess just around the time when she is enveloped by Alec. Alec, as played by Leigh Lawson, is a slightly wooden character, unlike Angel Clare, Tess's later and truer lover, played with supreme radiance by Peter Firth. Long after Tess has borne and buried her illegitimate child, she finds and falls in love with this spirited soul mate. But when she marries Angel Clare and is at last ready to reveal the secret of her past, the story begins hurtling toward its final tragedy. When Tess becomes a murderer, the film offers its one distinctly Polanski-like moment—but even that scene has its fidelity to the novel. A housemaid listening at a door hears a "drip, drip, drip" sound, according to Hardy. Mr. Polanski has simply interpreted this with a typically mischievous flourish. Of all the unlikely strong points of Tess, which opens today for a weeklong engagement at the Baronet and which will reopen next year, the unlikeliest is Nastassja Kinski, who plays the title role. Miss Kinski powerfully resembles the young Ingrid Bergman, and she is altogether ravishing. But she's an odd choice for Tess: not quite vigorous enough, and maybe even too beautiful. She's an actress who can lose her magnetism and mystery if she's given a great deal to do (that was the case in an earlier film called Stay As You Are). But here, Mr. Polanski makes perfect use of her. Instead of a driving force, she becomes an echo of the land and the society around her, more passive than Hardy's Tess but linked just as unmistakably with natural forces. Miss Kinski's Tess has no inner life to speak of. But Mr. Polanski makes her surroundings so expressive that her placidity and reserve work very beautifully. Even at its nearly three-hour running time, Mr. Polanski's Tess cannot hope for anything approaching the range of the novel. But the deletions have been made wisely, and though the story loses some of its resonance it maintains its momentum. There are episodes—like one involving Tess's shabby boots and Mercy Chant, the more respectable girl who expects to marry Angel—that don't make the sense they should, and the action is fragmented at times. That's a small price to pay for the movie's essential rightness, for its congruence with the mood and manner of the novel. Mr. Polanski had to go to Normandy and rebuild Stonehenge to stage his last scene, according to this same biography. As is the case throughout his Tess, the results were worth the trouble. 1