法国的保留下来的艺术珍品，尤其是看到整个欧洲历来的艺术大师在人生起伏中留下的心血作品，心情是很激动的，这是艺术之间一种能产生共鸣的文化激情碰撞吧，虽不同地域和不同的历史文化意识形态，但国画、书法、油画给人的震撼是一样的。 摩尔人物油画《四重奏：一个画家对音乐艺术的赞颂》，1868年 画布油画，61×88.30厘米阿尔伯特·约瑟夫·摩尔英国，1841―1893年 摩尔出生在约克郡一个著名的艺术家庭。父亲威廉·摩尔和哥哥亨利·摩尔（1831―1895，著名风景画家）引导他走上了艺术创作的道路。19世纪五十年代，他到了伦敦，先在肯辛顿艺术学校学习，后考入英国皇家学院，1860年前往巴黎和罗马深造。渐渐地，摩尔形成了着色轻柔，线条细腻的独特风格，在维多利亚时代的画家中也显得十分突出。他的大部分作品都是以古希腊和古罗马的休闲人物为主人公，人物形象明显受到希腊风格的影响。
《四重奏：一个画家对音乐艺术的赞颂》展示了19世纪六、七十年代摩尔艺术创作的多样性，充分表现了他在调理线条和色彩搭配上的巨大创造力。这幅作品在寻求音乐与美术之间的联想的同时，把沃尔特·佩特称之为“音乐的特性”的东西用绘画的方式表现了出来。画面上并没有明示出音乐家们与听众之间存在着什么联系，更看不出四位演奏家有什么特别之处。把现代乐器画进作品里，目的是为了避免观众“较真儿”，同时又把画家为了突出作品时代性的意图表现了出来。 欧洲古典主义人物油画《海边捡拾鹅卵石的希腊女孩》，1871年 画布油画，84×129.50厘米弗雷德里克·莱顿英国，1830―1896年 《海边捡拾鹅卵石的希腊女孩》1871年在英国皇家学院画廊第一次展出，这意味着画家莱顿朝着开创古典题材的创作道路迈出了第一步，也是对这位画家解决构图比例的高超技艺的一次总结。画中四个女人
中国古代美女图画唯美古风 西施是中国古代四大美女之一，国画仕女图《西施浣纱》则是依据西施浣纱的故事创作的仕女图国画。下面是为大家整理的中国古代美女图画，希望大家喜欢! 中国古代美女图画展示在中国古代女子的妆容中，额黄与花钿是极为相似的。二者同为古代女子的额饰，若对其不甚了解，很难将二者区分开来。 额黄，也称“鹅黄”、“鸦黄”、“约黄”、“贴黄”“花黄”，是将黄金色的纸剪成各式图样贴于额间，或直接在额间涂上黄色的一种妆容。据已有记载，额黄起源于南北朝时期或更早，当时佛教盛行，全国大兴寺庙，广大爱美女士从金黄色的佛像中得到启发，开始在额间染上黄色，久之，便形成了染额黄的风俗。至唐朝，额黄的妆容更加盛行;到了宋代时，额黄的习俗依旧存在。但是额黄这种妆容在汉地并没有被广泛传播。 北朝《木兰诗》里写到，“脱我战时袍，著我旧衣裳。当窗理云鬓，对镜贴花黄”。其中描写的花木兰替父从军十年归来，回到闺房中所贴的“花黄”即指这里的额黄。 花钿起源于南朝，与额黄同是古时妇女的额饰。但不同的是，花钿有红、绿、黄三种颜色，以红色为最多，以金、银制成花形，蔽于发上，是唐代比较流行的一种首饰。花钿的形状除梅花状外，还有各
式小鸟、小鱼、小鸭等。 对于花钿的起源有一个亦真亦假的美丽传说，南朝《宋书》中写宋武帝刘裕的女儿寿阳公主，曾在正月初七日卧于含章殿檐下，殿前梅树上一朵梅花，恰巧落在公主额上，额中被染成五出花瓣状，拂之不去，三日后才洗掉。宫中女子见公主额上的梅花印非常美丽，于是纷纷剪梅花贴于额头，这种梅花妆很快就流传到民间，成为当时女性争相效仿的时尚。故此，花钿又称“梅花妆”或“寿阳妆”。经后世演变，花钿不仅仅贴于女子额间，还可位于眉尾与眼角。后来人们又将花钿贴于脸颊，称为面靥或笑靥。 从传世的文字与形象资料得知，额黄与花钿虽然相似，但是花钿的样式更加多种多样，最简单的仅是一个红点丹，复杂的有各种小动物及花朵的图案。二者的制作材料也有很大不同，花钿的材料有金箔片、珍珠、鱼腮骨、鱼鳞、茶油花饼、黑光纸、螺钿壳及云母等，而额黄多为黄色颜料染画，用黄金色的纸粘贴的额黄严格来说已脱离额黄，与花钿更为相似。 描写美女的语句1、她生得肌肤胜雪，发如堆鸦，年未及笄，容貌已是极美，着一身白碾光绢珠绣金描挑线裙，束一条白玉镶翠彩凤文龙带，钗如天青而点碧，珥似流银而嵌珠，便是一双绣鞋，也是金缕银线，绕着五色牡丹，华贵难言。 2、借着天光，望向怀中佳人，数年不见，她已出落得越发秀美，有若盛放牡丹，不只美貌胜过当初，更添了几分倾倒众生的风韵。 3、倏尔间，众人眼前一花，多了一名绝色女子，衣衫胜雪，广
欧洲古典油画透明画法的技术美作者：孙海佳 单位：佳木斯大学美术学院 本文系黑龙江省教育厅2013年度人文社会科学研究项目《宾卡斯与伊维尔油画材料技法比较研究》论文项目编号：12534099 摘要：14世纪到16世纪的古典油画技法的主要特点就是画面色彩与造型相分离，运用提白和罩染的技术手段来表现物象的光滑质感和体积感。欧洲古典透明画法是人类历史中从尊重自然到发挥主观能动性的过程，是利用客观自然规律所表达的一种视觉美感。体现了人类在尊重自然规律的基础上改造世界的目的。传统油画中艺术形象所体现的美必须也只能通过传统油画的各种技术作为物质载体体现出来。这种由技术上美感反应出的精神上的美感就使得古典油画有了很强的绘画性。克劳德·伊维尔是法国当代超写实主义画家，是世界上著名的幻境画画家，以极大的生命力影响着世界画坛。 关键词：透明，提白，罩染，技术 古典油画透明绘画技法是指公元14世纪到16世纪的油画技法，主要包括的是尼德兰的油画技法和意大利文艺复兴时期的油画技法。尼德兰的油画技法是以凡·爱克为代表的油画技法，意大利文艺复兴时期的油画技法是指以达·芬奇为代表的佛罗伦萨画派技法和以提香为代表的威尼斯画派技法。使坦培拉与油彩结合画法进一步向油性颜料和技法过渡并作出贡献的是意大利的威尼斯画派，以贝利尼、乔尔乔涅和提香等人为代表的画家继承了油画混合绘画技法，开创了使用亚麻布深色底子作画的先例，在运用油画色彩、罩染技巧和用笔塑造形体上开拓了新的视觉效果和绘画观念。 “古典透明画法是欧洲古代大师常用的一种技法，是古典油画的主要特征。这种画法的主要特点就是画面色彩与造型相分离。作者在起稿前不必过多考虑画面的最终色彩或色调，而主要研究画面的构图、物象的造型,这样画家的精力就可以全部集中在这些方面，即在一种称为“纯灰画法”的过程中进行。”在传统上，这个过程基本上是用一个基本的单色层来完成画面中需要表现的内容，再用坦培拉白提出亮部，这个阶段要尽可能表现的完整、充分，使画面中的构图、造型基本完成。等到素描造型完成之后,画家就可以全身心投入到色彩的绘制中了。
广东省经济贸易职业技术学校教案 第4号
2.达·芬奇的代表作： 达·芬奇《最后的晚餐》作品题材取自于圣经故事：叛徒犹大告密，基督在即将被捕和钉死在十字架前，与十二门徒共进晚餐，席间基督镇定地说出了有人出卖他的消息，此话引起众门徒的骚动，每个人都对这句话做出了各自的反应，有的向耶稣表白自己的忠诚；有的义愤填膺要求追查；有的大惑不解询问究竟。达·芬奇此作描写的就是基督说出这一句话时的情景。
3.达·芬奇与《蒙娜丽莎》 达·芬奇《蒙娜丽莎》是一幅享誉世界的名画。它代表着画家达·芬奇的最高艺术成就。画家成功地塑造了十五世纪资本主义上升时期意大利城市一位有产阶级的妇女形象，画中人物坐姿优雅，笑容微妙；背景山水幽深茫茫，给人丰富的想象空间。画家力图使人物丰富的内心感情和美丽的外形达到巧妙结合，对人像面部中的眼角、唇边等关键部位，特别着重含蓄与精确的辩证关系的处理，达到神韵之境，从而使人物的微笑具有一种神秘莫测的奇韵，那如梦幻似的妩媚微笑，被不少观众称之为“神秘的微笑”。不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时甚至是略带哀伤。在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要流露在眼角和嘴边上，达·芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此产生这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。《蒙娜丽莎》面世前期是欧洲中世纪宗教统治的时代，是对人类压抑的时代，其作品都是以神为题材的。达·芬奇的《蒙娜丽莎》一反传统，画的是活生生的人，一位丰腴、稳重、高贵的意大利城市中年妇女，通过真人为表现内容，表达了人类对于自身的肯定以及对美好事物的向往。由此可以领悟到作者的思想内涵，这代表着新兴资产阶级打碎教会精神枷锁的革命。
古典油画技法(宾卡斯油画的透明画法) .
透明画法是宾卡斯先生的主要授课内容之一。他对透明画法的讲授并没有做一套从头到尾的完整技术示范，他自己也认为他所示范的一些透明画法已不再是绝对精确的古典模式，而只是他个人对这种传统技术的研究成果。 一幅作业的开始：一幅艺术品的开始并不是在画家举笔落墨之时，而是从画家观察对象，选择绘画表现手段、工具以及材料时就已经开始了，所以完成一幅作品的全过程应包括选择表现内容和准备工具材料两项内容。这两个最初的绘画步骤对于整幅作品的完成起着不可忽视的作用。正因为如此，它们应该引起我们的重视。 油画通常画在布、板或纸上。每种材料都有其独特的美感，利用和表现这种美感是画家的水平所在。 画布：纯亚麻布、棉布和混纺布。画布中最佳者莫过于纯亚麻布，它作为油画布已经具有久远的历史。国产亚麻布质量较好，可选用。但混纺亚麻布不适于作画，因为不同质地的纤维收缩程度不同，作品表现的油画色会因纤维的收缩差异出现龟裂。另外好的棉布也属油画布中的佳品。眼下商店出售的现成的油画布由于制作工艺水平的局限极易出现问题，如龟裂、脱落等。我们应该提倡艺术家自己刷制画布，因为它是你的绘画过程中的一个有机部分。 绷画布：绷画布时应注意四点。 第一，买来的亚麻布用之前要用水洗去胶质； 第二，不要绷的太紧，像鼓一样，而是绷的即要紧又要有弹性。太紧，布眼会被扯大，对涂胶层以及将来的绘画过程都有影响，太紧也会导致
颜色层龟裂； 第三，画布须钉得平整，纤维的纹路要平直，不能扭曲，扭曲的纹理（尤其是粗画布）会破坏作品表层的肌理美感； 第四，钉子间距以四公分为宜。 涂胶： （1）胶层的调治：涂胶是绘画过程中的极重要的一环，也是作品的第一层结构。（注意：透明画法要求胶层为白色，以便于形成色层的透明折光效果） （2）涂胶：第一遍和第二遍胶要以稀薄为佳。第二遍要待第一遍干后再涂。涂是画布要平放，同样，涂毕也要平放晾干。第三遍胶要略厚于前两遍，干后可用刮胡刀修整。如用砂纸打磨，磨后要上一遍稀薄的胶以防吸油。 有时因刷的胶太多，或因画布网眼太大，背面会出现漏胶现象，以往大家都不予以注意，宾卡斯先生强调说，这种现象能是画面吸油程度不一,并导致油画曰后局部损坏，如出现这种情况可做如下处理：先用海绵将漏出的胶吸去，再用画刀将余者刮掉即可。 绘画工具： （1）画笔：这方面有两点值得注意。A.画笔与绘画的技巧语言、肌理、画面的气势有着密切的关系，正如我们认为不同的依托材料有不同的美感那样。不同样式、不同毛锋产生的绘画效果。单一的画笔不会产生丰富色彩的用笔和笔触效果。B.国产毛笔是很好的画笔，毛锋较挺健的可以充当非常好的油画笔。在西方，类似中国毛笔形制的油画笔有很多种。
西方古典油画对于我们中国人来说，有什么特殊的价值和意义？ 我可能不会过多地讲怎么看怎么欣赏作品，因为，你们无论是在展厅还是听其他老师的讲课，或者是自己面对作品的时候，都已经有了很多的知识和准备。我讲的问题似乎是一个学术问题，确实也是一个问题学术问题。 西方的古典油画对于中国人来说是一个外来的东西，但是它又根植于人对于世界的一种把握方式。我们会把这种把握方式作为外国文化逐步地接受，但是，由于这样的接受已经经过了一百多年的历史，作为一个民族，已经习惯于接受西方的文化和西方的艺术的成就。但是，事情并不总是如此，因为，如果我们看中国的艺术，这样的一个世界，我们会发现似乎我们有两种意识，一种叫做西画或者叫做油画，另外一种叫做国画。好像有两样东西，但是，假设我们面对艺术的时候，或者说面对绘画的时候，我们发现有两种东西，那么，我们就要做出选择，我们其实已经做出了选择。譬如说，大家今天来看这个展览或者来听这个讲座，就是这样。好，那我可以看西方的那一种，当然也可以同时看中国的另外一种，这两种东西之间有什么关系？有什么区别？这种区别今天我们如何来看待它的价值，并且把这个价值不仅是看成一个欣赏的途径，而且看成是我们对文化的理解，我们就不得不讨论这样一个问题。 首先,我们看待这个世界的时候，过去都以为我们会用眼睛看世界，其实不是这样，无论是中国伟大的敦煌，还是八大山人和齐白石这样伟大的艺术家，他们一直用眼睛看世界，但是，他们从来没有准备去画出一双非常真切的手，这样的一个方法，他没有做过。也就是说，他对于世界的认知，并非是他的眼睛直接认知，然后用他的手去表达出来，而是他根据一种看世界的特殊方法来对这个世界进行把握的。那么，古典油画是另外一种，表面上看起来好像很像，也许他真的可以画出一双手。就像我们在展厅里看到有一些作品，甚至你贴得很近了，还以为这不像画出来，好像是生来如此，身在画中。这种感觉，凭我们的直觉，我们就能够欣赏它，能够感受到它的技巧和它的一种艺术的魅力。但是，画得再像，也不如拍一张照片又快又准，拍一张照片不如看真人，如果一个人就在你面前的话，他更像他自己。如果我们只是从绘画作为接近真实的角度去衡量，其实，这个接近的程度的多少，只是一个比较简单的标准。尤其是摄影发明了以后，这个标准就显得不那么重要。还有什么事情更为重要呢？我们开始追索，是不是即使画得像，他也有一个怎么来画的问题藏在里面。 这就是今天我们要讨论的题目。实际上，我们讨论的题目中包含着两个层次的问题，我们说的古典绘画跟中国不同，我们今天要讲这个不同，我不侧重讲这个不同。但是，我们讲不同的时
中国古代美女蔡文姬，文学、书法、音乐大有作为，却被贴克夫命 蔡文姬，名蔡琰，字文姬，是我国东汉末年的女诗人。她的父亲蔡邕，是东汉时期著名的文学家、书法家。蔡文姬有一个很幸福的童年，因为父亲很有才能所以蔡文姬在父亲的教导下也学了很多知识。她不仅能写很多好诗，在音乐方面也非常有天赋。
有一天她的父亲在室外弹琴，弦忽然断了一根，在房间里的蔡文姬马上说：“断的是第二根弦。”她的父亲非常吃惊，又故意弄断第四根弦，文姬又分辨了出来。从此，蔡邕就开始教女儿学弹琴，两年之后，文姬的琴艺就非常高超了，还赢得了父亲最珍爱的焦尾琴。不仅这样，蔡文姬的字也写的很好，传说蔡邕的字是神人传授的，蔡邕又传给文姬，再由文姬传给钟繇，钟繇传给卫夫人，卫夫人再传给王羲之…… 14岁，蔡文姬的文学才华已经远近闻名了，人们都是先知道有蔡文姬这个人才知道她父亲蔡邕的。
16岁的时候，蔡文姬嫁给了她的第一个丈夫卫仲道，卫家当时是一个大家族，卫仲道更是一个很有才能的人，他们夫妇两个十分恩爱，可惜不到一年，卫仲道就得病死了。蔡文姬没有生下孩子，卫家的人又嫌弃蔡文姬把丈夫克死了，于是蔡文姬很生气，不顾父亲的反对回了娘家。可是几年后，父亲又在牢房里死去，更可悲的是她被匈奴抓走，成为左贤王的王妃，生了两个儿子，大的叫阿迪拐，小的叫阿眉拐。她学会了吹“胡笳”，更学会了一些异族的语言。在那里，蔡文姬思念家乡，但又不能抛弃自己的两个孩子，在这两难的情况下，她就写下了一首《悲愤诗》。
后来，曹操知道了恩师的女儿蔡文姬被抓到了南匈奴，他就立即派周近做使者，带了千两黄金，一双白璧去把蔡文姬换回来。但是蔡文姬已经在匈奴那里生活了十二年，既放不下幼小的两个儿子又放不下爱她的丈夫，但是在派来接她的官员的催促下她还是走了。风风光光回到故乡，但家乡已经破败了，连住的地方都没有。幸好，在曹操的安排下，蔡文姬又嫁给了一个小官董祀，董祀长的很好，觉得蔡文姬配不上他，所以不喜欢蔡文姬，结婚的第二年，董祀就犯了死罪，蔡文姬不但不嫌弃丈夫对她不好，反而为丈夫求情，曹操被她感动了，于是就放过了她丈夫。董祀非常感动，从此之后就好好地对待对蔡文姬。
论中国传统绘画与西方古典油画的差异性若有永恒，为何人有限而天地独无穷，若有不朽为何心中烈火敌不过强暴的风，为何世间有一物能做到无尽永恒与不朽。那便是艺术。任世间万物流转，时间洗礼，她巍然不动，光芒越盛。 若谈艺术，中华传统艺术必定是人类艺术史上不可不提的。中华艺术文化源远流长、博大精深，是中华民族伟大创造的结晶，更是屹立在世界东方、自成体系且独具特色的文化。正是在这丰厚的中华文化土壤中，孕育出光辉灿烂、绚丽多彩的中国传统艺术，涌现出历朝历代无数杰出的艺术家和不朽的艺术品，形成了具有浓郁民族特色的中国传统艺术理论和美学理论。中国古典美学有自己的独特的范畴和体系。因此，中国美学和西方美学分属两个不同的文化系统。下面我们就从绘画方面谈一谈，中国传统绘画与西方古典油画的差异性。 第一、社会背景与艺术思潮。看问题要找根源。我们要探究中国传统绘画与西方古典油画的差异性，就要从中西方的文化背景与艺术思潮开始分析。所谓艺术思潮，是指在一定社会历史条件下，特别是在一定的社会思潮和哲学思潮的影响下，艺术领域所发生的具有广泛影响的思想潮流和创作倾向。中外艺术史上，曾经出现过不少艺术思潮，突出地反映了某一特定时代的社会思潮和审美理想，对各门艺术都程度不同地产生了重大影响。仅仅从17世纪以来，在艺术史上产生过重大影响的艺术思潮，以及20世纪后半叶开始出现的后现代主义等等。西方古典油画的古典主义是以尊重古希腊、罗马的审美原则，构图上对称、均衡，气势上庄严、辉煌、崇高向上，技法精湛，
刻画深入。 由于在17世纪，欧洲普遍信奉天主教，追求，西方古典油画的素材也大多是源于圣经或基督故事，画法也讲究写实，客观。而中国传统文化深受儒家美学、道家美学和禅宗美学的影响，正是这三者的不断冲撞和融汇，影响和决定着中国传统艺术思想、审美趣味的不断变化与发展，形成了中国艺术的鲜明特色、形成了民族艺术气派和民族艺术风格，形成了中国艺术特有的意境、虚实、气韵、文质、含蓄的特点。中国传统绘画也是在这样深厚的文化艺术背景下发展转变而来的。由于艺术风格的特色是由本民族的地理环境、社会状况、文化传统、风俗习惯等多种因素决定的，体现出本民族的审美理想与审美需要。 因此，丰子恺说：“东西洋文化，根本不同。故艺术的表现亦异。大概东洋艺术重主观，西洋艺术重客观。东洋艺术为诗的，西洋艺术为剧的。故在绘画上，中国画重神韵，西洋画重形似。” 第二、透视与构图（表现手法）。所谓透视，就是在平面上表现立体物。中国传统绘画是不重视透视的，而西方古典油画要力求写实，因此极注重透视。在描绘市街、房屋、家具、器物等形体都力求逼真。而且很注重背景，凡物必有背景，例如果物，其背景为桌子，人物， 其背景为室内或 野外。画面全部填 涂，不留空白。就 像著名的达芬奇
沉鱼落雁闭月羞花，中国古代四大美女画像图片欣赏 中国古代四大美女之貂蝉传说——貂蝉拜月闭月之貌的故事： 貂蝉是东汉末年司徒王允的歌女，国色天香，有倾国倾城之貌。见东汉王朝被董卓所纵，於月下焚香祷告上天，愿为主人王允担忧。正当貂婵在后花园拜月时，忽然轻风吹来，一块浮云将那皎洁的明月遮住。这时正好王允瞧见了。王允为宣扬他的女儿貂蝉长得如何漂亮，逢人就说，我的女儿和月亮比美，月亮比不过，赶紧躲在云彩后面，因此，貂婵也就被人们称
为“闭月”了，并列入中国古代四代美女中广为流传。 中国古代四大美女之王昭君传说——昭君出塞落雁之貌的故事： 汉元帝在位期间，南北交兵，边界不得安静。汉元帝为安抚北匈奴，选王昭君与单于结成姻缘，以保两国永远和好。在一个秋高气爽的日子里，王昭君告别了故土，登程北去。一路上，马嘶雁鸣，撕裂了王昭君思念故乡及亲人的心肝；悲切之感，使她心绪难平。王昭君在坐骑
之上，拨动琴弦，奏起悲壮的离别之曲。南飞的大雁听到这悦耳的琴声，看到骑在马上的这个美丽女子，忘记摆动翅膀，跌落地下。从此，王昭君就得来“落雁”的代称，并列入中国古代四大美女当中广为流传。 中国古代四大美女之杨玉环传说——贵妃醉酒羞花之貌的故事： 唐朝开元年间，有一美貌女儿叫杨玉环，被选进宫来。杨玉环进宫后，思念家乡。一天，她到花园赏花散心，看见盛开的牡丹、月季，想到自己被关在宫内，虚度青春，不胜叹息，对
着盛开的花说：“花呀，花呀！你年年岁岁还有盛开之时，我什么时候才有出头之日？”。声泪俱下，她刚一摸花。花瓣立即收缩，绿叶卷起低下。哪想到，杨玉环摸的是含羞草。这时，被一宫娥看见。宫娥到处说，杨玉环和花比美，花儿都含羞低下了头。贵妃杨玉环的“羞花”称号由此得来，也成为了中国古代四大美女中身份地位最高的一位美女。 中国古代四大美女之西施传说——西施浣纱沉鱼之貌的故事： 春秋战国时期，越国有一个叫西施的，是个浣纱的女子，五官端正，粉面桃花，相貌过人。她在河边浣纱时，清彻的河水映照她俊俏的身影，使他显得更加美丽，这时，鱼儿看见她的
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古典油画.txt其实全世界最幸福的童话，不过是一起度过柴米油盐的岁月。一个人愿意等待，另一个人才愿意出现。感情有时候只是一个人的事，和任何人无关。爱，或者不爱，只能自行了断。古典油画古典油画(5张) 600年前起源于欧洲，大公元1th 油画（an oil painting; a painting in oils）是以用快干性的植物油（亚麻仁油、罂粟油、核桃油等）调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。作画时使用的稀释剂为挥发性的松节油和干性的亚麻仁油等。画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。凭借颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强。油画是西洋画的主要画种之一。人类最早使用的颜料是以水溶性材料为主的。在早期绘画中自发地以水、树胶或动物胶等天然的物质作为颜料的稀释剂和粘合剂是十分自然的，它们取材方便，使用简单，这在东西方早期绘画中是一致的。今天的水彩和水粉的颜料等都是水性媒介型的，其表现技法自由、流畅，可产生轻快、透明的效果，也是中国画、日本画等东方绘画的主要材料类型。古代欧洲的画家们在谙熟和热衷于坦培拉绘画技法的同时，渐渐发现了它的缺陷与不足，比如：颜色之间难以融合晕接，色彩不够柔和光艳，小笔多次排线过于费力，以及在潮湿的气候条件下易发霉和低度抗碰撞能力。鉴于此，画家们发明了用透明漆上光以保护画面的办法。而后又有人在坦培拉底层画面上做多层透明色罩染，后称之为上光油画术或釉染法，这便形成了混合技法，一种非坦培拉绘画亦非油画的技法。达·芬奇的《最后的晚餐》就是油性坦培拉绘画。达·芬奇对油性颜料进行过多次研究运用，但技术不够成熟，致使许多作品没能留存下来。油画的发明者是谁？单纯用油做绘画媒剂，在拜占庭时代就有人试验过。据记载，这种画放在烈日下曝晒数月仍不会干燥。1200年，僧侣西奥费尔·鲁济罗斯写了有关油画论文《多样化的艺术形式》，在这篇论文中，他介绍了亚麻仁油和阿拉伯树脂的使用方法。13世纪末在英伦三岛出现过类似油画的绘画。14世纪末，尼德兰的两位画家凡·爱克兄弟（杨·凡·爱克及其兄胡伯特·凡·爱克）找到了一种简便的用油溶化颜料作画的方法，创作了纯粹的油画。美术史家虽不能断定凡·爱克兄弟是油画的发明者，但至少他们是在前人试验的基础上找到了一种理想的以油脂为主的绘画媒剂配方。不少专家认为他们最大的功绩是在油脂中加入了天然树脂，使行笔流畅、媒剂速干。杨·凡·爱克的《阿尔诺芬尼的婚礼》一画和他最著名的作品《根特祭坛画》（现藏于比利时根特城的圣·巴冯教堂，由23幅画组成。）被认为是欧洲油画发展史上的重要作品。凡·爱克兄弟发明的调油技术，据说是用一种“白布鲁日光油”和亚麻仁油混合在一起作画，用它们调和他在坦培拉绘画中使用过的颜料，发现效果很好。（一些研究者认为，“白布鲁日光油”是精馏松节油，现在我们仍使用松节油稀释油画颜料。）意大利最早研究并掌握油画技法的画家安东奈洛·达·梅西纳（Antonueuo De Messina 1430-1479）据说是在去尼德兰了解到凡·爱克兄弟的油画技法之后，回到威尼斯传授油画颜料使用方法的，自此油画作为一个独立的画种在欧洲大陆流行开来。几百年来，经过各代画家的继承和创造，油画得到进一步的发展与完善。古典油画的发展600年前起源于欧洲，大约15世纪时由荷兰人发明的，油画的前身是15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画。用亚麻子油调和颜料，在经过处理的布或木板上作画，因为油画颜料干后不变色，多种颜色调和不会变得肮脏，画家可以画出丰富、逼真的色彩。油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使绘画产生立体感。起源于宗教服务，是宗教的活动的重要组成部分。成为西方绘画史中的主体绘画方式，现在存世的西方绘画作品主要是油画作品。绝大部分壁画作品也是用油画颜料和创作方式制作的。随着时间的发展油画逐渐生活化，其中最著名的就是《蒙娜丽莎》表现的一个普通妇女并广为流传。19世纪后期，由于科技发展，许多新材料应用于油画领域，如丙烯颜料，油漆等。发展史油画的发展过程经历了古典、近代、现代几个时期，不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约，呈现出不同的面貌。油画发展初期的历史条件奠定了古典油画的写实倾向。15世纪的欧洲的文艺复兴运动中，人文主义思想出于对宗教的批判,有着关注社
欣赏名家古典仕女图值得一看的古代仕女图 欣赏名家古典仕女图值得一看的古代仕女图易从书画艺术01-27 16:31 大欣赏名家古典仕女图，中国古代人物绘画一直一来对于女子画像有着解不开的情缘，中国女子有着独特的东方气质，优雅含羞，矜持温婉。中国人不喜欢太过强硬的措施，爱好和平，表现在艺术审美上也集中体现在其色彩的应用上，和谐于灰色调之中，毫不张扬，中国画的精髓精神在于“善”，以善为美，以物比德。我们看到的这两幅来自何文铮的的国画工笔仕女图，就集中了真善美的意蕴，传神地表现了中国古代女子的优雅气质，是非常具有观赏性的作品!欣赏名家古典仕女图，易从网表示：仕女图在画家的笔下，展现出了他的优雅、温婉、犹如含苞待放的花骨朵，看到这样的女子，有种酒不醉人人自醉的感觉。下面就为大家带来几幅当代名家古典仕女图精品：李兰君八尺横幅人物画《红楼梦》金陵十二钗(图片来源易从网) 一、金陵十二钗李兰君八尺横幅人物画《红楼梦》金陵十二钗中主要的女性角色：林黛玉、薛宝钗、贾元春、贾探春、史湘云、妙玉、贾迎春、贾惜春、王熙凤、贾巧姐、李纨、秦可卿。风格清新俏丽，画中人物婀娜多姿，用色淡雅简约，人物神态刻画的极有韵味。这幅长篇仕女图作品，画家精心塑造仕女的形象，衣衫飘飘，典雅端穆，追随远古高逸的审
美趣味，取精用宏，画出了自身的学识与修养。四大美人四条屏人物画名家覃日群国画作品(图片来源易从网) 二、古代四大美人中国历史上的'四大美人'不仅在我国妇孺皆知，在世界上也享有一定的美誉。千百年来，人们以'沉鱼、落雁、闭月、羞花'分别形容西施、王昭君、貂蝉与杨贵妃四位女子的绝代芳姿，这种形容既生动又含蓄，给人们留有充分想象的余地。仅仅这八个字，却包含着具有浪漫主义色彩的四个小故事，也充分体现了中国传统文化的丰富内涵。中国古代仕女图中的四大美女，有着倾国倾城之貌，在历史的大事件中她们曲折动人、救国救民的传奇故事，被古代民间广为传颂。刘春明四条屏人物画四大美女《西施昭君貂蝉贵妃》(图片来源易从网) 三、金缕衣这幅仕女图金缕衣，出自当代名家李立臣之手，李立辰，1964年生于河北省石家庄，现为省美术协会会员，乐知堂画院院长。李立辰以水墨古典人仕女画见长，他笔下的仕女图体现了显著的写实主义风格的同时又大胆的运用了写意画法，特别是以笔墨展示东方女性的美，极力刻画人物面部特别是眼睛的神韵和精妙，形成了独特的淡雅简约的风格。他的作品极具装饰与收藏价值。李立辰四尺斗方人物画作品《金缕衣》(图片来源易从网) 欣赏名家古典仕女图，易从网成立于2009年，是一家专业从事弘扬和传播书画艺术品的字画商城网站，隶属于北京轩易德文化有限公司，易从网主要经营
欧洲经典油画作品赏析6（165-219） 欧洲经典油画作品赏析6（165-219） 原标题《一生必知的传世美术经典》来源/ 老阿更的收藏原创/ 不祥复制·编辑/ 塞上其翁165、《维纳斯与战神》作者：波提切利（1445—1510）意大利【年代】1485年【藏处】英国伦敦国家画廊维纳斯扮演着大自然和人类之母的角色，而不是充满情欲的爱的女神。画中的她穿着朴实无华的洁白长袍，长袍绣着金边，和她浓密的金发相互辉映；而战神则脱去了令人生畏的形象，正暧洋洋地睡着，为了加强这种平和的气氛，森林之神农牧神则在他身旁嬉戏，一个玩弄着丢在一旁的甲胄，一个朝着酣睡的战神耳旁用力吹螺，画家发挥了高度的想像力，用轻松诙谐之笔画出古代天神休憩的状态，整个画面充满一种安宁。这幅作品色泽纯洁鲜明，人物形态完美，谑而不虐，笼罩着一片和谐气氛，是波提且利最优美的作品之一。同时也是波提切利神话画作中，惟一未收藏于意大利的作品。166、《诽谤》作者：波提切利（1445—1510）意大利作于1490年；藏于意大利佛 罗伦萨乌菲齐美术馆波提切利的这件著名的传世作品取材 于古希腊画家阿贝列斯的一幅画中的文字记载。描绘的是在宽敞的罗马建筑大厅里，有三个女子和一个男子，正把一位裸体男青年拖到国王面前审判。被黑色风衣包裹着的男子是
“诽谤”，他的手势伸向国王，竭尽诽谤之能事；手持棍棒，揪着裸体男子的正是“叛变”，她出卖了同伴，并把他交给国王；裸体男青年是孤立无援的“无辜”，他合掌向上祈求真理能拯救他免遭诽谤的命运；后面两个女子，一是“虚伪”，另一是“欺骗”，也有说是“妒嫉”和“仇恨”，她们俩正在为“叛变”者梳理头发；在宝座上坐着一位长着两只驴耳朵的国王，昏庸无能，愚蠢无知到极点，听信诽谤，同时在他两边分别是“无知”和“轻信”，不断地向他的耳朵里灌输无知和轻信；画面的另一边站着一位被黑色长袍包裹着的“悔罪”，他正向着立在身后的全裸体女神，那就是“真理”，希望她能出面拯救“无辜”者。可是站立不稳的真理，手指上天，意思是说：“对于这里所发生的一切我也无能为力，去找上帝吧。”这件作品是一件寓意深远的作品，它告诉人们一个道理现实社会中罪恶都是用美丽的形象乔装打扮以欺骗人民的，统治者听信坏人之言，正直好人总是落难，而面对这一切，真理也是无能为力的①“真理”，②“悔罪”，③“叛變”，④“無辜”，⑤“虛僞”，⑥“欺騙”，⑦“誹謗”，⑧“國王”，⑨“無知”，⑩“輕信”。167、《帕拉斯和人头马神》作者：波提切利（1445—1510）意大利 创作时间：约1482年藏于意大利佛罗伦萨乌菲齐美术馆《帕拉斯和肯陶洛斯》取材于希腊神话故事：宙斯劫夺欧罗巴来到
图1人们对西方古典油画美的认知包括平静、柔美、和谐、端庄 等。笔者认为，这些词语描绘的是西方古典油画美的表层。除 此之外，古典油画美还包含对一种灵性与理想美的追求。以17 世纪荷兰画家约翰内斯 维米尔的《戴珍珠耳环的少女》（图1）为 例，它是一幅肖像画，画面描绘了一位少女，衣着棕色外衣，头上 戴着蓝、黄色的发巾。少女微微侧身回眸凝视，双唇微张，给人 一种欲言又止的感觉。画面以黑色为背景，烘托出气质淡雅的 少女，同时少女也如一盏明灯点亮了整幅画面，让观者的视觉焦 点停留在少女身上。画家维米尔仿佛为画面的少女赋予了灵 魂，使观者仿佛能够与少女进行心灵间的沟通，通过其鲜活的形 象，感知其情绪。这幅画在给人平静、质朴的感受下使观者的心 灵受到熏陶。笔者认为，画家在赋予人物灵魂的同时又表达出 对理想美的追求，完美地体现出古典油画美的含义所在。 西方古典油画美是通过将古典精神与西方美术技巧相结合 所体现出来的，可以说是美的典范。它在外在上给人以严谨的 感觉，对于透视的研究、人体结构的研究、光影的研究、构图的研 究、黄金比例的研究等都达到了一种新的高度；在内在上给人的 感觉是豁达、开阔的，体现出一种高超的境界。如，文艺复兴时 期画家达 芬奇的名作《最后的晚餐》，从外在的技巧角度欣赏， 它完美地体现了当时西方古典美的特性。在构图与透视上，作 品采用了传统一字排开的构图方法和平行透视法则，把焦点完 美地集中在画面中间。画面中，十二门徒以三人一组的形式，完 美呈现出三角构图，进一步稳定、加固了画面。在明暗关系上， 画面运用了明暗渐变法，使人物从明到暗渐变到背景中，弱化了 人物与背景的分界线，营造出一种烟雾朦胧的神秘感。从内在 角度赏析，画面体现出当时光明与黑暗、善良与邪恶之间的斗 争，表现了当时的人文主义精神。17世纪德国画家彼得 保罗 鲁本斯的作品《劫夺吕西普的女儿》（图2）在绘画技巧上为西方 古典油画美注入了新的灵感。这幅作品描绘了女子被劫持的动 态场景。从构图上看，画面呈斜线式构图，两位男子的头部与女 子的头部正好形成从左上角到右下角的对角构图，画面中无论 是人体、手的形态还是马的姿态都是运动状态，呈现出一种S 形 的对角动态构图。与其相应的是，画面背景没有一样是运动的， 与画面主体物形成了鲜明的对比，从而进一步提升了人物的动 态感，增强了画面效果。整幅画看似疯狂的行为却是对勇士大 胆追求爱情的歌颂。因此，笔者认为古典艺术的美不单是创作 技巧的一种表现，也需要在技巧表达的内容上体现出它的精神 内涵。 同时，谈到西方古典油画的美时离不开它的用色。西方古 典油画的用色进一步烘托出画面古典美的端庄。在西方绘画史 上，有很长一段时间，色彩被看做事物表象上的一种自然属性， 作为物体本身固有色的概念而存在，这在古典油画中显得较为突出。西方古典油画的色彩是以固有色为绘画基础的，重视色彩的明暗关系，通常将纯色与黑白两色相调和，通过深浅变化体现物体的立体感；或者将最饱和的纯色作为最深的暗面，使之逐渐变浅，使颜色越来越不饱和，逐渐发展到最亮部的白色。背景的颜色通常是以深暗的暖棕色作主调，形成古典油画的基本色调，整个画面和谐统一，色彩优雅柔和，形成端庄、高雅的气质。如，尼德兰画家扬 凡 艾克的《阿尔诺芬尼夫妇像》，画面描绘了当时尼德兰富裕市民的外貌特征，所有的细节与人物都刻画得逼真、一丝不苟。温暖的阳光透过明亮的窗撒在室内，男子身着高贵的紫色大衣，身披垂感十足的棕色披风，与身穿绿色垂地长裙的女子双手相依站立；后面屋内装饰，有的散发着晶莹剔透的质感，有的散发着具有金属感的光泽，细细品味，可以体会出画家想要表达的内涵。画面中，女子手心朝上，象征着女子的忠贞，男子的手托着女子的手，象征着责任；女子头上白色纱巾代表了贞洁，身着的绿色衣服代表着孕育；后面的红色沙发代表着生活和谐、安宁；左边的橘子代表着家庭富裕；下面的鞋子代表着婚姻，旁边的小狗象征忠诚。画面人物形体动作、衣着颜色以及屋内一切摆设的内涵意义被画家一一归纳，通过细腻、精致的刻画展现在画面中。画面整体色调柔和，画家用坦培拉画出暖棕色的底层，用透明色进行罩染，对形体以固有色为基础进行塑造，再进行油色罩染，每一次色调通过互补色关系形成对比，使明暗关系逐渐强化，多次反复罩染使画面层次性更加丰富；让画浅谈西方古典油画的美与色 □刘璐瑶 摘要：西方古典油画没有商业性的大肆宣传和外在形式感的渲染，更多的是给人一种心灵上的震撼，具有超然升华的灵性之美，让人欣赏后难以忘怀。西方古典油画对于美的理想化以及色彩的柔美、和谐，使人们深陷于它的魅力。 关键词：古典油画色彩视觉效果气氛伦勃朗达 芬奇 18
中国古代四大美女的照片
中国古代“四大美女”：西施、貂蝉、王昭君、杨玉环。四大美女享有“闭月羞花之貌，沉鱼落雁之容”的美誉。“闭月、羞花、沉鱼、落雁”是由精彩故事组成的历史典故。“闭月”，是述说貂蝉拜月的故事。“羞花”，谈的是杨贵妃观花时的故事。“沉鱼”，讲的是西施浣纱时的故事。“落雁”，指的就是昭君出塞的故事。“沉鱼落雁”是个成语，通常认为出自《庄子·齐物论》：“毛嫱、丽姬，人之所美也，鱼见之深入，鸟见之高飞，糜鹿见之决骤，四者孰知天下之正色哉。”原意是说动物不能感受人的美貌。也有人认为唐代宋之问歌咏西施的《浣纱篇》：“鸟惊入松萝，鱼畏沈荷花。”是这个成语的出处，故认为沉鱼代表西施。 西施浣纱 春秋战国时期，越国有一个叫西施的浣纱美女，她在河边浣纱时，鱼儿看见她的倒影，忘记了游水，渐渐地沉到河底。 昭君出塞 昭君出塞是我国历史上的一个真实故事。王昭君，名嫱(音qiáng)，字昭君，原为汉宫宫女。公元前54年，匈奴呼韩邪单于被他哥哥郅支单于打败，南迁至长城外的光禄塞下，同西汉结好，曾三次进长安入朝，并向汉元帝请求和亲。王昭君听说后请求出塞和亲。她到匈奴后，被封为“宁胡阏氏”（阏氏，音焉支，意思是“王后”），象征她将给匈奴带来和平、安宁和兴旺。后来呼韩邪单于在西汉的支持下控制了匈奴全境，从而使匈奴同汉朝和好达半个世纪。后来也有根据这个故事创作的诗歌、琵琶曲、戏剧、电视剧等艺术作品。 贵妃醉酒 贵妃醉酒又名《百花亭》，源于乾隆时一部地方戏《醉杨妃》的京剧剧目，该剧经京剧大师梅兰芳倾尽毕生心血精雕细刻、加工点缀，是梅派经典代表剧目之一。此剧本主要描写杨玉环醉后自赏怀春的心态，表演色情，格调低俗。20世纪50年代，梅兰芳去芜存精，从人物情感变化入手，从美学角度纠正了它的非艺术倾向。有资料说此剧源自昆曲剧目，由其唱词结构可见一斑，尤已开场的四平调为京剧珍品。 貂蝉拜月 貂蝉（177-？）是中国古代的四大美人之一。 东汉（公元25年～公元220年）末年，各地混战不止，董卓掌握了朝廷大权，他是个奸臣，很不得人心，大臣王允于是就想除掉他，王允想到了貂蝉。 貂蝉在战乱中和父亲、哥哥离散，最后和母亲一起被董卓收留为妃（三国演义言貂蝉为王允义女，实为虚构）。因为貂蝉，吕布与董卓的矛盾激化，最后，吕布刺死了奸臣董卓。貂蝉与王允献策无关。王允献策完全是因为得知了吕布与董卓的内部矛盾，从而说服吕布杀了董卓。 吕布杀了董卓，带着貂蝉，逃出了京城长安。但吕布也没有大的成就，最后被曹操打败。有人劝说他突围，吕布却舍不得扔下貂蝉，最后被属下出卖给曹操，被曹操杀死. 中国古代“四大美女”：西施、貂蝉、王昭君、杨玉环（杨贵妃）中国的四大美女究竟谁排第一，四大美女 本来已有定论，不过那是古代的排法。西施居首，貂蝉次之，王昭君再次，杨玉环为末。其中西施是美的化身和代名词。四大美女还有一说是褒姒，西施，妲己，杨玉环。并称为：“笑褒姒病西施狠妲己醉杨妃”。
经典散文欣赏： 中国四大美女作者：周国平 编辑：怼澅 QQ：374236195 一：四大美女之一《沉鱼. 千年西施》 透过两千年的时 空，一枝别样的花朵 在悠悠绽放， 一个如水的女子从波 光粼粼的照影中走 来。绿水荡漾， 纤手弄巧，洗练一样 的白纱，将无边的春 意轻轻洒开。 这是三月的清晨， 这是盛开的季节。 浣纱溪的流水将我
载到了这里。隔着岸边那些 青青的瓜蔓、隔着长堤上那些泥土的气息，我似乎能 感受到那远古的琵琶声、能清晰地听到那皎月下的吟诵：“棹声一去两千年，范蠡西施逐暮烟，自是不寻寻便得，五湖云水岂无边！” 流水不断，轻舟不停，而我却不能不停下脚步， 站在这如梦一样的，站在这西施离去时那千古一瞥后 却依然如诗如画的村庄。 我没有随同游人去观看那些纪念西施的楼阁和长廊，我只是站在浣纱溪的边上,静静地想那时的风和那时的月，还有池边、丛林里的那一抹淡淡的绿影。 韶光飞逝，天路悠悠，我如何能将那些嘶鸣的战马， 釜钺和刀枪与你联系在一起？倾城也罢，倾国也罢，这，又与你何干？ 愈来愈多的游人，他们从我的身旁走过。然而， 他们为什么总是要将一些疑问留在这里？为什么要让这 似乎是永远的惆怅在心上涌起怜悯的波涛？ 江声浩荡，溪水淙淙，一个的远古女子，她究竟能
给我们带来什么样的遐思和梦境？ 芳踪已远，吴、越江山已成旧事，而西施，你的容颜却因何不老？ 二：中国古代四大美女 之二《落雁.回望昭君》 很久了，夜，也深 了！毡房里的灯火还在 明明灭灭， 诗句已不再有声，琵琶 亦已沉寂。只有塞北的 风仍在 一个劲儿地吹着...... 乳名轻唤，故乡已远。 从长安到塞北，一路的 车辙， 一路的黄沙。与你一路 走来的，究竟是风？还 是雪？
西方古典油画大师作品的感触 洪尘 欣赏大师们的艺术作品使人感触最深的有三个超常,所谓三个超常指的是：一是技巧上的超常；二是耐心和毅力的超 常；三是思想领域和知识面的超常。 一技巧上的超常 欣赏任何一件伟大的艺术作品，它所给人带来的不仅是一种令人神往的美感，同时也为作品中所使用的技巧叹维观 止，这些技巧所体现出来的并不只是手法上的谙熟，而是庞大的知识容量，它需要一个艺术家花掉大量的时间甚至是毕生 的时间才能获得，并且在某个方面所表现出来的难度是一般画家很难承受的。 技巧指的是绘制一幅作品时所采用的各种技术和手法，包括对形体的塑造，结构的处理，色彩的使用，以及比例、透 视、黑白、构图等一系列必需的制作工艺。这些手段和技能是任何一个学习绘画艺术的人都必须掌握的东西，掌握和运用 这些技能的熟练程度直接影响着一个画家的艺术表现能力。因为它就象我们说话的语言一样，如果没有熟练的表述能力就 不可能把自己所要说的内容表达清楚。因此我把作为一个画家应该具备的这些能力基本上分了三个层次，也是在造型技巧 训练上的三个过程，同时也是一个画家走向成熟的三个阶段。 （一）对可见物象的模仿能力
在这里我所说的模仿，指的不是临摹，而是对可见事物的写生能力，换句话说就是用所学到的基本的造型手段和知识 对大自然中形形色色实际形象在画面上的模仿能力和再现能力。它要求一个画家能够在画面上把可见的任何视觉现象—— 包括形状、结构、体积、空间、黑白、色彩和质感等所能看到的任何细节——都能够准确、标准、如实地近乎照相机般地 一一再现出来，其真实程度甚至超过一般照相机所拍摄到的效果。能够做到这一点，就达到了作为画家的第一个层次。 为什么这样要求呢？ 首先，我们必须明白，我们搞的是视觉艺术，所有的视觉形象都可能被作为我们说话的语言，它如同我们学写字一 样，每种文字都有最标准的书写形式，最标准的文字也是表达内容、思想和情感最有效、最完善、最具效率的工具。我们 所要掌握的这种语言工具的正确性和标准性，它有助于我们准确地反映和表达我们的思想和情感，不至于对欣赏这种语言 的观众造成误导。而作为一个画家，解决一切可见的视觉现象那是一种天职，一种必须的工作。 其次，任何被我们所刻画的形象，在画家对它进行针对性的写生时，与我们平时在生活中所草草接触到的一些同样的 物象具有明显的差异，这到不是因为在写生时和不写生时这个物象本身发生了什么变化，而是由于写生时与仅仅靠观察所 产生的心理上的感受大不相同。写生一个东西，就是用画笔来述说这个东西，就象用文字写说明文一样。画家要把这个东 西说清楚，就需要把视觉能见的一切画得尽善尽美，任何一个细节都不能放过，也就是要达到人们肉眼看到的那种样子。