东西方现代绘画语言艺术的比较
摘要:所谓绘画语言，是作者以记录状态、反映认识、传达信息或表现思想为目的，运用笔、刀、墨、纸、颜料等材料工具为物质载体，以色彩、线条、明暗、肌理等视觉信号为媒介，通过造型艺术手段，创作描绘艺术形象造成视觉体验的表达方式。
关键字:绘画语言,中国山水画,西方现代艺术
Abstract: the so-called painting language, the author to record state, reflects the understanding and performance of conveying information or ideas for the purpose of using the pen, a knife, ink, paper, paint material tools for material such as the carrier, such as color, lines, light and shade, texture visual signals as the medium, by means of plastic arts, the writing style of depicting artistic image caused by visual experience.
Key words: painting language, Chinese landscape painting and western modern art
中国是一个历史悠久的国家，那么同样，中国绘画在这悠悠历史长河上留下了不可磨灭的印迹。中国绘画的提拔印章，是中国话独有的，也是区别西洋画的一大特点之一，中国话善于将诗、书、画、印完美地结合在一起，成为一个不可分割的整体，并且通过题款用印来提高或补充观赏者的鉴赏和理解，还可以丰富画面变化。起到相互衬映、点缀与平衡构图的作用。
随着西洋画的传入，现代的中国画家在继承传统技法的基础上，不断吸收外国传入的绘画技法——包括素描、油画。水彩画等多种技法，大大丰富了传统中国画的表现技巧，有的画家在工具材料上也不断革新，把西洋画的技法巧妙地与中国画的传统技法融合在一起，这无疑是中国画发展的一个方向。
尽管这样，东西方现代绘画语言艺术还是有些区别的。
中国画以毛笔、墨、绢纸为主要工具，以线条为其生命，散点透视，造型构图，赋物以神，故与十五世纪以来以油彩作于布上，注重色彩明暗、讲求焦点透视的西洋画迥然不同。
中国画与诗文相辅相成，互得益彰；与印章珠联璧合，对应成趣。在文人画兴起的宋元以降，更是诗书画印、长款短跋溶成一体，寄情感，吐心声，内涵丰富；或寓意，或象征，充满哲理，素称"无声诗"。
此外，中国卷轴画的特殊装裱形式与分门别类，与西洋画有所不同。东方的文雅含蓄，与西方的生动奔放，特色自具，难分轩轾。诚如画坛大师潘天寿所说，
中国画与西洋画宛如两座并峙的大山，各有高峰，而巍然屹立于世界艺术之林在漫长的历程中，绘画与工艺美术结合，带有装饰风。
民国时期有一大批自海外学成归国的画家致力于国画的改良工作，以徐悲鸿为代表，提出了建立“新国画”的主张。五十年代初的国画写生作为“新山水画”启幕的开场锣鼓，为国画在表现现实生活方面找到了摆脱旧法的方法，在此过程中，表现建设生活，革命圣地和毛泽东诗意成了“新山水画”的三大主题，傅抱石、李可染、秦仲文。关山月都是这一时期的代表画家。
五十年代黄宾洪、齐白石等一代宗师，仍然在传统的笔墨中创造属于自己的山水画风格，并影想着后人。“文革”期间，过于强调题材的时代要求所形成的社会风尚，使山水画出现了畸形的发展，传统得到了重视，这是历史的反拨。在经历了近一个世纪的探索后，人们至少在理念上得到了对于山水画发展的基本认识，中国的山水画又面临新的世纪。
黄宾虹作品
齐白石作品
继而说到西方的现代绘画语言,“现代艺术之父”的保罗·塞尚(Paul Cézanne)，一部西方现代艺术史从他开始写起。塞尚出现以前欧洲艺术是以“再现”为标准的，艺术家试图以真实的自然为模本，描摹出一个真实的自然；塞尚的出现使得西方艺术出现革命性的变化，他将西方艺术从宗教与政治的束缚中解放出来，不注重“画什么”“画的像与不像”，而将“怎样画”的课题作为自己创作的主要目的，从某种意义上说，他追求的是“形式主义”，换句话说就是“为艺术的艺术”。形式主义听起来空洞无物、没有意义，但只要知道塞尚的那句名言——“要用圆柱体、球体和锥体来描绘对象”，就知道塞尚的绘画带有几何学研究性质。他的形式主义随意而为。之后从野兽派、立体派、未来派到荷兰风格派、表现主义、构成主义、光效应艺术、机动艺术等形形色色的抽象艺术，许多现代艺术流派的名称和内涵都表达的是科学的主题，既使是追求非理性的达达主义和超现实主义艺术也有一套完整的科学理论即精神分析学和梦幻心理学作为依据。西方现代艺术史弥漫着的是浓厚的科学主义色彩,而科学主义正是近代西方工业。
保罗·塞尚
保罗·塞尚的作品美术的现代艺术最早出自于印象派的绘画，如毕沙罗、莫奈、雷诺阿等。他们都是以背离传统技法开始创新的，如毕沙罗发明的点彩法；莫奈和雷诺阿强调走出画室，到阳光下去写生，表现阳光下各种明媚的色彩感。无论是毕沙罗，还是莫奈等，他们都十分重视色彩的分析，开辟了他们新的艺术道路。从塞尚以后，出自于印象派的画风开始改变，如高更、梵高等，都是十重视色彩的表现，一反过去建立在素描基础上线条、造型结构比例和明暗关系的传统绘画观念。色彩的表现也是主观的、粗犷的，不似传统绘画那样细腻，富于质感。由于这样，所以美术史上称塞尚后的印象派为后印象派。事隔不久，在法国又出现了野兽派，与之遥相呼应的有德国的表现主义。这一派的艺术风格和理念是强调主体的艺术表现，如表现直觉和梦里的灵感等。其表现方法是色彩的鲜艳浓郁，笔触的狂野，造型夸张和变异等，其代表人物有马蒂斯。还有以毕加索为代表的立体派。这派的画风主要是在结构的变异上独树一帜，强调在平面上表现出非透视的立体结构，也即以主观的结构原则代替我们面对现实的感觉原则，即画面上的变形画，需要主观分析才能找到立体的内容。还有以康定斯基为代表的抽象主义。这派的画风
所倡导的是“艺术的抽象”，“艺术的精神”，主张以抽象的色块、线条的构成来表现人类的精神。
西方现代艺术尽管现代派美术多以自我为中心，热衷于自我表现，但是它在探索人类想象力和创造的无限可能性方面所取得的成绩应该值得肯定，单就这种求知的热情和探索的勇气来看也值得肯定，因为任何发展方向上的努力都比踏步不前更为可贵。人类整个的艺术发展史业已证明，关于艺术的所有简单化的决定论都是立不住脚的，现代人虽然并没有享有完全的艺术创造的自由，但在某种程度上仍掌握着选择的自由。
正是这些现代派艺术家通过创作体现他们的叛逆性格，强调自身的价值，表现艺术家的主观心灵，也创造了不少值得我们借鉴的艺术表现方法和新材料。从此美术走入了一个更加个性也更加灿烂的年代
东西方具体的区别以中国的山水画与欧洲的风景画的区别为例：
（1）“临摹”和“读画”本身就是一种经验的描述方式，当然有提升。这是中国山水画的主要表现方式。中国山水画虽然有自然对象，但基本上是以“经验”为基础的“表述”，相对于欧洲风景画而言基本上是“经验的表述”。
欧洲风景画基本上是以自然对象为基础的写生为主要方式，“写生”本身就是以“视觉”为基础的“描述”。
我们必须强调的是中国山水画的“经验表述”与欧洲风景画的“视觉描述”是相对而言的：山水画中也有视觉的描述，风景画中也有经验的表述。只是相对来讲，山水画主要是经验表述，风景画主要是视觉描述。
（2）意象这一绘画范畴主要体现在中国山水画方面，形象的绘画范畴主要体现在欧洲风景画方面，“意象”与“形象”同时都是视觉的体现。同时我们这里的“形象”不是通常意义上泛指的形象，而是专指具有“写实”意义的接近自然的形象。
中国山水画通过具象的表现更多的是追求意境，意境的表现大多是由绘画中构成的“意象”来实现的。
欧洲风景画受模仿说的影响注重具象的写实性的描绘，这就注定了欧洲风景画注重“形象”本身的选择与描绘。“形象”一词最早由赫拉克利特提出，他说：“因为艺术模仿自然，显然也是如此：绘画混合白色和黑色和红色的颜料，绘画出酷似原物的形象”。
（3）中国山水画注重“意境”的营造，欧洲风景画注重“理想”的追求。“意境”与“理想”不同于“意象”与“形象”，但它们之间有非常密切的联系。“意境”用“意象”营造出来，“理想”靠“形象”来体现。这种密切的联系并不等于说它们是等同的，“意象”与“形象”是可视的，而“意境”与“理想”是不可视的，只能用心灵去感知、去体悟、去领略。
（4）中国山水画以强调“气韵”为主要特征。如“山水以气韵为主，形模寓乎其中：乃为合作”，“画山水以气韵生动为主”、“画山水贵夫气韵”，画论中比比皆是。欧洲风景画主论“和谐”。不论什么流派和时期的风景画，其画面的比例、明暗调子、色彩关系甚至透视无不包含了一种和谐。
由此可见，东西方的语言绘画艺术既有区别又有联系，各自都有其独具一格的特点，尤其是中国的绘画艺术有些地方已经和西方艺术融合到一起，不可分割，相信在不久之后，东西方的艺术会在相互交流学习中上到一个新的台阶。我通过本次西方现代艺术的学习,我的鉴定欣赏能力也有了一定的提高。以前只知道哪些图片漂不漂亮,好不好看,而对于那些具有浓厚艺术色彩的作品一直都是持有很片面的看法，在这一次学习后，我也能大致分析哪一幅画有什么风格，大概又是谁的作品。对于一个非专业的学生来说，我觉得这是很难得的事儿。而且老师讲课轻松惬意，伴着轻音乐然后欣赏绘画作品，不得不说是一件很享受的事儿。所以，总体来说，这一次上课真的是收获颇多。
参考文献：
[1]李丽.试论现代艺术装横设计中的抽象艺术风格[J]. 美苑.1982年02期
[2]萧元.关于抽象艺术[J];社会科学战线;1982年03
[3]梁江，黄坤源.背离现实和现实的背离——试论西方抽象绘画[J].美术研究.1981年04
期
[4]邱毅琳.抽象·水墨[D].厦门大学.2002年
[5]百度百科，西方现代艺术.
课程：西方现代文化与现代艺术（上午） 以下涉及的方面较多，我会按照一定的逻辑顺序进行表述，将使用块状行文。为方便阅读，我先将各部分标题列出： 1.美的定义？ 6.审美的塔 2.审美的本能与非本能7.审美能力的提升 3.艺术的核心8.艺术的进步 4.入歧途的“现代艺术”9.艺术的超越性与多样性 5.美的客观性与主观性 审美的本能与艺术的核心 一、美的定义？ 什么是美？这个问题确实很难给出一个答案，多少代大师上下求索，尽其所能去描述它，但最终还是难以给出一个所谓正确的答案，如著名的柏拉图与希庇阿斯关于美的谈话，如培根的《论美》，如培根的《论美》等等。美的本质，几千年来争论不休。直到大哲学家维特斯根坦开始着手研究这个问题，这个话题才算是在某种程度上得到了“解决”。他并非在美这个概念上上给出更精准更完美的定义，而是在这个“问题”本身上提出了几个观点。 1.有些问题本身不是问题。例如“美是什么？” 历代美学家对这个词下过很多不同的定义。因此形成不同的流派。之所以会各执一词，是因为大家的思维方式出了同一个大麻烦。都试图要去下定义。下出定义之后，再把一切
都往上靠。也就是解释。而解释是语言的范畴，只是一种语言的单向逻辑，它解决不了语言之外的问题。 3、美是一个“族性”的概念。当我说到“红色”，这个词指的就是红色这个颜色（频率在一定范围的光在我们感官中的呈现）;当我说到“水”，这个词指的就是水这个物质（一氧化二氢）。但当我说到“游戏”，这指的又是什么呢？为了获得快感？但你马上可以举出一些无聊至极的游戏。有一定的规则吗？不一定，有些游戏无规则可言。总而言之，每当你为游戏设下一个界限，你总又能找到界限之外之游戏。美也是一个道理。 因而现代美学已经不再尝试去定义美，而是去理解美，运用美。 二、审美的本能与非本能 1.本能 审美首先是一种本能。科学家做过一组实验，将不同人的照片呈现在婴儿面前，结果显示当看到那些更漂亮的人的照片，婴儿会表现得更愉悦。而后各种相似的实验使用了不同类型的事物，结果都表明，婴儿对美有感知的能力。这足以证明审美是一种本能。另外我们也发现了许多公式性的美，如对称、黄金比例、和谐配色、音乐上的和弦，这些都属于本能性的审美经历。本能性的审美也就是为什么不同人——即使天各一方——能对同一件艺术品产生共鸣，为什么我们能欣赏巴赫、贝多芬的乐章，能欣赏梵高、莫奈的画作。
论文题目 天津工业大学 计算机科学与软件学院 动画系 动画1005班 钰 指导老师：高杰
摘要： 包豪斯是1919年在德国成立的一所设计学院，由于其尖锐的探索和大胆创新，对现代主义设计的形成产生了关键性的影响。包豪斯是世界上第一所完全为发展设计教育而建立的学院，它奠定了现代设计教育体系的基础。学院经过十多年的努力成为欧洲现代主义设计的中心，并把欧洲的现代主义设计运动推到了一个空前的高度。 包豪斯的出现，是现代工业与艺术走相结合的必然结果。包豪斯是现代设计史、现代建筑史、现代艺术史上最重要的里程碑。包豪斯开创了现代设计教育的先河，其知识与技术并重，理论与实践同步的教育体系至今也影响着世界设计教育。包豪斯的成功为我们提供了许多在教育模式上值得学习和借鉴的经验，其中最重要的一条就是：紧随社会进步，不断更新观念，积极创新新思维。包豪斯的影响不仅在于它的实际成就，还在于它的精神。包豪斯的思想在很长一段时间被奉为现代主义的经典，但包豪斯的局限性也逐渐被人们意识到。包豪斯积极倡导为普通大众设计，但由于包豪斯的设计美学抽象而深奥，曲高和寡，因此只能为少数知识分子和富有阶层所欣赏。 这篇论文主要来探讨一下包豪斯的产生、发展及意义。
包豪斯成立于1919年，实值一战结束后不久，德国战败，经济沦陷，而当时又有大批的失业工人，退伍军人，迫切需要住宅。由于局势动荡，社会上流行着各种各样的思潮，德国的先锋人士吸收了这些思潮，形成一种兼容并包的艺术氛围。 沃特尔·格罗皮乌斯，即格罗佩斯早在1911年就已经在德国设计界颇具盛名，这种知名地位对于他建立包豪斯是非常有帮助的。虽然建立和发展包豪斯的过程困难重重，但是格罗佩斯利用自己在设计界的影响力和高超的社交能力生存下来。格罗佩斯通过《包豪斯宣言》，表明了他的建校宗旨，使一个全新的艺术观、教育观在包豪斯建立之初便确立了下来。 格罗佩斯是20世纪最重要的现代设计家、设计理论家和设计教育的奠基人。他通过60年的努力，从德国的包豪斯到美国的哈佛大学，把设计教育，特别是建筑设计教育的现代主义、国际主义牢固的奠立起来，影响了全世界。 格罗佩斯提出了“结构是一种美”，1911年在法克斯工厂完成了他的第一个作品，1914年成立了德国工业同盟总部。现代主义设计强调功能、技术（构造）、形式，格罗佩斯将构造与形式结合，提出了“构造就是一种形式”。1915年“一战爆发”格罗佩斯应征入伍，期间受伤住院，为其一生的转折点，思想发生重大变化。1919年3月20日，玛政府将玛的撒克逊造型美术学院和工艺美术学校两所学校合并，成立国立设计学院，即包豪斯。36岁的格罗佩斯出任校长，担任这一职务是其一生中最为关键的一步。1928年迫于种种压力，特
艺术欣赏结课论文 学院：艺术与设计学院 班级：工业设计2班 姓名：曾玉琳 学号：0864122204
艺术欣赏之我见 “艺术是一种宣泄心灵与情绪的冲动，设计是一种表现智慧与品位的行动。要使一个国家得到真正的进步，设计也是一股不可忽视的力量；我愿用自己有限的脑摺皱来指挥双手发出我微薄的力量去为之，我愿与更多的人为伍！”通过对艺术欣赏的学习，我可以解决一些艺术方面的问题。 首先是艺术究竟为了什么？艺术的性质，古来说者不一，亚理士多德说"艺术是模仿自然"，这话现在已不能完全成立。尽管艺术需用自然的材料借以表现，或者取自然的现象做象征，取自然的形体做描写的对象，但他决不是一味的模仿自然。 有人说艺术就是"人类的一种创造技能，创造出一种具体的客观的感觉中的对象，这个对象能引起我们精神界的快乐，并且有悠久的价值"。这是就客观方面言.。若就主观方面，艺术就是艺术家理想情感的具体化，客观化，即所谓自己表现。所以艺术的目的并不是在实用，乃是在纯洁的精神的快乐，艺术的起源并不是理性知识的构造，乃是一个民族精神或一个天才底自然冲动的创作。他处处表现民族性或个性。艺术创造的能力乃是根于天成，虽能受理性学识的指导与扩充，但不是专由学术所能造成或完满的。艺术的源泉是一种极强烈深浓的，不可遏止的情绪，挟着超越寻常的想像能力。这种由人性最深处发生的情感，刺激着那想像能力到不思议的强度，引导着他直觉到普通理性所不能概括的境界，在这一刹那间产生的许多复杂的感想情绪底联络组织，便成了一个艺术创作的基础。 再次是美学与艺术的关系，雨果说过：“没有艺术，人类生活便会黯然失色。”席勒动情地呼唤过：“啊！人类有你才有艺术。“人人都神往艺术，向往他那种艺术美的感受，正是如此，人们需要真正的艺术家来创造艺术美。而艺术需要现实生活，需要艺术家的创造，没有这些又何来艺术美呢？美术中的艺术美，离不开美术作品，艺术美指的就是美术作品中的美，是由创作主体的审美认识而产生的按照美的规律、并为着美的目的而创造的事物的美。因此，艺术作品的艺术美也是真、善、美的统一。
毕加索——我最欣赏的画家巴勃罗·毕加索（1881～1973）出生在西班牙马拉加，是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。毕加索也是位多产画家，据统计，他的作品总计近37000 件，包括：油画1885 幅，素描7089 幅，版画20000 幅，平版画6121幅。 跟一生穷困潦倒的文森特·凡高不同，毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40％的高票当选为20世纪最伟大的十个画家之首。 毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。问起他创作的秘诀时，毕加索说：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。” 多数画家在创造了一种适合于自己的绘画风格后，就不再改变了，特别是当他们的作品受到人们的欣赏时更是这样。随着艺术家的年岁增长，他们的绘画虽然也在变，可是变化不会很大了。而毕加索却像一位终生没有找到他的特殊艺术风格的画家，千方百计寻找完美的手法来表达他那不平静的心灵。 毕加索一生中画法和风格几经变化。也许是对人世无常的敏感与早熟，加上家境不佳，毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁，早期画近似表现派的主题。在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，而产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。 1900年毕加索来到巴黎，并在1904年定居在那里。这期间他的创作被称为“蓝色时期”，是他第一次形成自己的风格。这个时期的作品背景蓝，人物蓝，头发、眉毛、眼睛皆蓝，蓝色主宰了他的作品。背景简化避开光感和深度的感觉，把人物和成简单的图样，其中沉重，强烈而流动的线条给人以不真实的、虚拟世界的印象。 1904年的春天，毕加索迁居巴黎，邂逅费尔南德·奥利维叶，并同居。他的蓝色风格时期也宣告结束。他从后印象派色调的精细中重新发现形体上的大略简洁笔法，而这就是“玫瑰时期”的典型画法。暖洋洋的、娇滴滴的玫瑰红色代替
西方美术作品欣赏—— 你喜欢西方美术史上的哪个时期，举例并分析原因 经过一个学期的西方美术作品欣赏课程的学习，我们大致了解了西方美术史上的各个时期的著名画家及其作品等。其中我最喜欢的时期是19—20世纪的现实主义时期，因为现实主义时期的艺术作品都非常写实，很生动形象的反映了当时的社会状况和人们的生活情况等。而现实主义时期的艺术家中，我最喜欢的就是法国的雕塑家罗丹。 罗丹，他是19世纪法国最有影响力的雕塑家，他的主要贡献在于恢复了西方雕塑对人类的理解和对精神世界的表现。然而，罗丹的一生却总是被人攻击和嘲讽的，但他始终以一种伟大的人格正确地面对这一切。罗丹偏爱悲壮的主题，他善于从残破中发掘出力与美。这使得他的艺术具备博大精深的品格。罗丹开创了一个全新的时代，创作了一种全新的艺术手法。他将其毕生投入到对艺术执着追求和人生种种痛苦的思索中去，因此，他所塑造的人物都是忍辱负重的，是对现实生活的内涵写照，他的作品都深刻揭示了人类的丰富情感，作品所体现出的思想和精神魅力，永远带给人一种深沉的美，启迪着人们不停地思考。 他的著名作品有很多，如《青铜时代》、《地狱之门》、《吻》、《思想者》等。其中让我印象最深刻的就是《青铜时代》和《思想者》。 《青铜时代》，它是罗丹依据真实人物塑造出的一个裸露的青年男性的人体雕塑，这个男子的左手微微握拳，右手抓住自己的头发，右腿弯曲着，右脚微微抬起，好像正要迈步的样子；头部微向后仰，眼睛微闭着，看似是睡意朦胧的状态，但身体却十分舒展，好似是即将要从梦中醒来想要伸展全身的样子。 这个雕塑最初被罗丹命名为“被征服者”，后在把雕塑中的棍子取消后才被改名为《青铜时代》，这个名字也重新为雕塑赋予了新的含义，它象征着人类刚刚从原始社会过渡到了启蒙时代，从刚刚摆脱了野蛮和蒙昧的状态，逐渐具有了清醒的意识，过渡到具有文明和智慧的时代。 这尊雕塑被塑造的十分真实，全身的轮廓结构十分均匀，体态非常的自然、生动，身体各处都被雕塑的十分细致，如他臂上的肌肉、四肢的各个关节等，好似就是有这样一个裸露的男子站在你的面前。体型完美匀称，躯体和四肢显得平滑而优美，虽是雕塑出来的人体但他的身体却看似十分柔软、富有弹性。这个男子似乎有着真实的呼吸和血脉的流动，充满着生命的活力。他舒展全身，正在解脱一切束缚，开始发出体内一切未被发掘的力量。裸露的身体表现了他具有普遍的人性的特点，也象征着人类只是刚刚从原始社会走出来的特点。 然而，罗丹的《青铜时代》也曾经是一个饱受争议的作品，这是由于这个裸露的男子被塑造的太过真实，因此在展览会上《青铜时代》被评论界一致认为是用真实的人体浇铸而成的，罗丹为此也曾向美术院提出抗议，直到罗丹当着众人的面没有参照任何模特便即兴塑造了一个男性裸体时，才打破了这一言论，获得了他应有的荣誉。 《思想者》，是罗丹晚年最伟大的杰作，它的创作出自于《地狱之门》——罗丹的另一著名雕塑。它本是《地狱之门》的一部分，应立在地狱之门雕塑的门楣之上。在他的下方，是地狱之门，那里有一群在罪恶、苦难、痛苦、绝望中挣扎的人，思想者俯身低着头，看着他们，仿佛被眼前的这一幕惨景所震动，继而陷入了苦痛的沉思中。 后来，《思想者》被独立出来，成为了罗丹个人艺术道路上一个里程碑似地雕塑。这个
东西方现代绘画语言艺术的比较 摘要:所谓绘画语言，是作者以记录状态、反映认识、传达信息或表现思想为目的，运用笔、刀、墨、纸、颜料等材料工具为物质载体，以色彩、线条、明暗、肌理等视觉信号为媒介，通过造型艺术手段，创作描绘艺术形象造成视觉体验的表达方式。 关键字:绘画语言,中国山水画,西方现代艺术 Abstract: the so-called painting language, the author to record state, reflects the understanding and performance of conveying information or ideas for the purpose of using the pen, a knife, ink, paper, paint material tools for material such as the carrier, such as color, lines, light and shade, texture visual signals as the medium, by means of plastic arts, the writing style of depicting artistic image caused by visual experience. Key words: painting language, Chinese landscape painting and western modern art 中国是一个历史悠久的国家，那么同样，中国绘画在这悠悠历史长河上留下了不可磨灭的印迹。中国绘画的提拔印章，是中国话独有的，也是区别西洋画的一大特点之一，中国话善于将诗、书、画、印完美地结合在一起，成为一个不可分割的整体，并且通过题款用印来提高或补充观赏者的鉴赏和理解，还可以丰富画面变化。起到相互衬映、点缀与平衡构图的作用。 随着西洋画的传入，现代的中国画家在继承传统技法的基础上，不断吸收外国传入的绘画技法——包括素描、油画。水彩画等多种技法，大大丰富了传统中国画的表现技巧，有的画家在工具材料上也不断革新，把西洋画的技法巧妙地与中国画的传统技法融合在一起，这无疑是中国画发展的一个方向。 尽管这样，东西方现代绘画语言艺术还是有些区别的。 中国画以毛笔、墨、绢纸为主要工具，以线条为其生命，散点透视，造型构图，赋物以神，故与十五世纪以来以油彩作于布上，注重色彩明暗、讲求焦点透视的西洋画迥然不同。 中国画与诗文相辅相成，互得益彰；与印章珠联璧合，对应成趣。在文人画兴起的宋元以降，更是诗书画印、长款短跋溶成一体，寄情感，吐心声，内涵丰富；或寓意，或象征，充满哲理，素称"无声诗"。 此外，中国卷轴画的特殊装裱形式与分门别类，与西洋画有所不同。东方的文雅含蓄，与西方的生动奔放，特色自具，难分轩轾。诚如画坛大师潘天寿所说，
音乐的思想 摘要： 本文主要论述欧洲音乐的发展与欧洲人民的思想解放的关系。音乐是一个时期人民思想的具体表现，欧洲音乐的发展经历了大致包括中世纪时期、文艺复兴时期、巴洛克时代、维也纳古典时期、浪漫主义时期、20世纪现代音乐时期，其中音乐所代表的人也从教廷宫廷等权贵转向普通欧洲人民，并且音乐所包含的思想也从延续千年对神的虔诚转移到对现实的理性中来。 音乐本身就是作曲家对情感的抒发，所以对音乐不仅仅要在节奏、旋律等中进行欣赏，更要体会作曲家在音乐中抒发的思想。只有体会到了音乐家们的思想，才是真正读懂了音乐。 关键字:音乐思想旋律欧洲音乐 （一）中世纪时期和文艺复兴时期中的宗教音乐 中世纪时期和文艺复兴时期，欧洲音乐主要是流行在教廷和宫廷中，主要是贵族在维持欧洲音乐的发展。这两个时期的欧洲音乐旋律、节奏单一，绝大多数是歌颂上帝、描述贵族阶级生活美好的音乐内容。虽然文艺复兴时期的核心思想是提倡人性，反对神性，主张人生的目的是追求现实生活中的幸福，倡导个性解放，反对愚昧迷信。但是由于作曲的权利和作曲家大多由教廷掌握，所以音乐包含的思想还是没有太大的改变。所以这两个时期的音乐并没有反映广大欧洲人民或者作曲家内心自己的想法。 （二）巴洛克时期的音乐变革 首先说巴洛克一词来源于葡萄牙语barroco，本意是形态不圆的珍珠。是巴洛克末期评论家们在评论此一时期的音乐时所首先使用的，而且一般含有贬意，指粗陋曲、奇异的、夸张的音乐。巴洛克之后古典主义时期的音乐家们趋于将音乐语言简化和规范化，在他们看来，巴洛克音乐过于夸饰而不够规范。因此巴洛克一词被评论家用来指十七世纪及十八世纪前期的艺术及音乐作品。现在，随着时间的推移，我们可以用更为深入和细致的历史眼光来看待这一时期的音乐，巴洛克不复有粗陋和毛糙的含意，但是比之巴洛克前后的音乐作品，它确实存在着夸饰和有些不太规律化的特征。文艺复兴时期的艺术讲究清晰、统一和协调。但至十六世纪末期，艺术中感情的因素日益增加，明净清澈和完美的形式被表达感情的需要所压倒。所以这一时期的音乐开始相较于之前两个时期，有了明显的变化，此时的音乐对比强烈，强弱音色对比尤其明显，这一变化主要用于表达情感，可以说是欧洲音乐趋向于个人思想表达的一个开端，是一场巨大的变革。 这个时期的主要代表人物是亨德尔和巴赫，他们两人都是当时教堂内的主要音乐作曲家，他们两个的代表作虽然大多是教堂音乐，但也都融入了自己对音乐的感受和当时他们任职教堂时候的自我感受。从他们的音乐作品中，可以清晰的感受到音乐作品内容的改变。 （三）维也纳古典时期，欧洲音乐发展最快的一个时期
文艺复兴时期艺术思潮及代表性的艺术流派和艺术家 （学号：09290010211 姓名：马武林班级：城建土木二班）文艺复兴时期（14-16世纪）始于十三世纪末期的意大利，粗略指涉欧洲从中世纪到近代之间所经历的这四百多年时间。文艺复兴一词意指重生或复活，它是一个朦胧的概念，没有清楚的开始或结束日期，但通常可以涵括欧洲由野蛮的黑暗时代演进到一个在各个领域都有新发展的时代，而这些领域的成就均超越了伟大的古文明。 文艺复兴是一场资产阶级文化运动，它的核心是人文主义精神，人文主义精神的核心是以人为本，文艺复兴产生的根本原因是生产力的发展，资本主义萌芽的出现，其本质是正在形成中的资产阶级在复兴希腊罗马古典文化的名义下发起的弘扬资产阶级思想和文化的运动。 文艺复兴时期的艺术（一）佛罗伦萨画派 佛罗伦萨画派形成于13世纪末，鼎盛于１５世纪至１６世纪３０年代，以乔托为奠基人，初期以乔托·迪·邦多纳（1267-1337）、马萨乔（Masaccio，1401-1428）、桑德罗·波提切利（1445-1510）等画家为代表，盛期以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等画家为代表，是当时意大利成就最大的艺术流派。最终，生硬模仿前人技法的样式主义的流行宣布了佛罗伦萨画派的结束。 佛罗伦萨画派主要以宗教神话故事为题材。画家们遵循人文主义原则，用世俗化手法描绘至高无上的抽象的神，将神画成生活中的人的形象，并加以理想化，开一代人物画新风。作品表现的是神话故事和宗教人物，实际上反映的是人的思想、感情和力量。佛罗伦萨画派以油画和湿壁画成就较大，后者主要服务于教会、宫廷和资产阶级上层人物，在形式和内容上都有别于欧洲中世纪绘画。 从技法上来看，该派用科学方法探索人体的造型规律，吸取古代希腊、罗马的雕刻手法应用在绘画上，把中世纪的平面装饰风格改变为用集中透视，有明暗效果，表现三度空间的画法。它也影响了温布里亚画派和帕多瓦画派。他们的画法细腻，画面明暗对比不甚强烈，
浅谈你对美术鉴赏的认识 -——美术鉴赏让我们懂得如何欣赏美 一个学期的美术欣赏课结束了，我受益良多。这一学期的课程，对我来说是"美的历程"，从以前的不懂美，对美的浅薄的外在认识，到现在的欣赏美，逐渐明白更重要的是看到美的本质。 众所周知，审美教育是大学生全面发展教育中不可缺少的组成部分。尤其是我们建筑学专业的学生，更需要好好的去学习中外美术鉴赏这门课。有位大家说过："艺术的最终目的，就是使人们更深地懂得生活，进而更加热爱生活。"学习美术欣赏，要更好的培养大学生，提高大学生的素质，最根本的问题是要提升大学生的精神境界。美术欣赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。美术鉴赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足过的领域，带到了艺术的殿堂，我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先代们是那么的智慧。 美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏活动能帮助我们在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态
度。 美术欣赏有益于大学生灵魂的雕铸和人格的完善。艺术教育注重开发和挖掘人自身的潜能，并致力于培养人的自尊、自信、自爱、自立、自强意识，不断提升人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。人的全面发展，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是一专多能的素质型发展。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕铸和人格完善的全面发展中起着重要的作用。 欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品；不论是写实，还是装饰；不论是抽象的，还是具象的……在长期的美术发展过程中．“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。尤其是古中国的美术，旧石器时代的粗石器，已能磨光、雕琢、钻孔，符合对称、均衡等形式美法则，初具节奏和线条的韵律美在新石器时代的仰韶文化中，可以找到中国美术的早期形式，这种形式一直延续直公元前6世纪。早在红山文化时期，就已经有玉雕的龙形及其他佩饰作品出土，从半坡遗址中可以发现，仰韶时期已经有陶艺存在。早期的陶瓷制品没有画上去的图案，但是有滚花。有很多画有以对称形式展开的鱼或者人的面部的图案。新石器时代的彩陶，从几何纹饰进展到动植物纹样，其中以仰韶文化和马家窑文化的彩陶纹样最为丰富生动。除彩陶
西方近现代艺术之我见（论文） 年级：美教10-1 学号：20101001141032 ：戴晓妍 专业：美术学
指导老师：王凡 时间：2013-6-8 目录 第一章西方近现代艺术的简介 1.1 西方近现代艺术的背景 1.2 西方近现代艺术的产生和发展 1.3 西方现代艺术- 影响缘由 1.4 西方近现代艺术的特征 第二章西方近现代艺术流派的产生和分类及代表人物2.1 现实主义的产生及发展 2.2 印象派与后印象派的产生及发展 2.3 野兽派的产生及其发展 2.4 表现主义 2.5 立体主义和未来主义的产生及发展
2.6 达达主义的产生及发展 2.7 超现实主义.抽像主义.巴黎画派和抽像表象主义 结论 致 第一章西方近现代艺术的简介 1.1 西方现代艺术的背景 西方现代艺术是在物质方面的极大充裕与富足而精神方面极度空虚与无助的现代社会土壤中萌生和发展起来的。西方现代艺术史学术界一直存在着这样一种观点，即西方现代艺术是西方现代工业文明的产物。西方现代艺术在1910年前后形成一种完全独立于自然之外的抽象主义(Abstractionism)艺术。从 这时起，抽象艺术某种意义上就变成西方现代艺术的标志。正如某位西方艺术史家指出：“这是一个科学和机器的时代，而抽象艺术正是这个时代的艺术表达。” 从整个欧洲美术历程来看，现代派美术思潮是从印象派前后这个时期开始的。确切的说，起源与法国后印象主义画家塞尚，高更和荷兰画家凡高。 西方现代美术，是指从19世纪后半叶印象派开创现代美术开始，发展至今的各个流派，如野兽派，立体派，未来派，达达派，表现派，超现实主义，抽象主义，波普艺术等派别所呈现的西方现代绘画、雕塑、建筑的美术面貌的总称。 背景1一战2俄社义革命，兴起3二战，美争霸4工业科技5全面否定传统6思想活跃导致混乱。大致分为两个阶段：1.20初到-1945二战结束2.1945至今现代主义-后现代主义 后现代美术：50年代以来，欧美各国前卫美术思潮的统称。后现代艺术的所有流派中， 行为艺术和观念艺术属于最重要的2个流派。也是最有意义的两个流派。中国艺术家对行为艺术的理解犯了极大的错误，他们认为行为艺术只是一种表演性行为，或者认为行为艺术是猜灯谜性质的，让观众猜出作者的本意，这是非常离谱的错误。其实，行为艺术是心理体验性的，不是表演性的也不是表达一种普通道理的猜灯谜
中外美术发展对比 史论文长安大学建筑学院2014—2015（学年） 指导老师：孔凡静
浅谈欧洲文艺复兴美术 摘要：欧洲的文艺复习时世界历史发展中的一个重要阶段。由意大利开始，以后席卷全欧洲的文艺复兴运动，就是欧洲新兴资产阶级继承、借鉴和利用古希腊、古罗马的古典文化，在意识形态邻域里对封建主义和宗教神学发动的一场革命。这场革命，对于破除近千年的封建思想意识和宗教神学观念对人们的束缚，是一次伟大的思想解放运动。它使欧洲的科学、文化出现了前所未有的繁荣。正如恩格斯指出的，这是“人类没有经历过的最伟大的进步的变革”。 关键词：意大利、尼德兰、德国、达·芬奇 一、意大利文艺复兴美术 （一）意大利早期文艺复兴时期美术 佛罗伦萨三位大师的出现标志着早期文艺复兴的来临。这三位大师是建筑师布鲁内莱斯基、画家马萨乔和雕塑家多纳太罗。布鲁内莱斯基设计过一批代表文艺复兴成就的建筑，其中就有佛罗伦萨大教堂是其最早的作品。而继承和发展了乔托的艺术传统的马萨乔，他以科学的探究精神，将解剖学、透视学的知识运用于绘画中。经常提到的他的名作《失乐园》和《纳税钱》，画面朴实无华，人物坚定沉着，显示了文艺复兴美术的基本特色：现实主义表现手法与人文精神内容的统一。 在哥特时期，雕塑通过自由的肢体动作和新发展的心理表达，已找到一种新的贴近生活的写实主义手法。但是，当时的雕塑仍服务于阐明超验的关系，而文艺复兴时期的雕塑家则着从人的尘世美与真的方面来表现人。他们受古代榜样的鼓舞，创作了富有立体感和尘世 坚定信念的雕塑。哥特式人物形象说明了人渴望天国的完 美，而文艺复兴则展示了在做人的完美之中的天国形象。 因此，多纳太罗让他塑造的像真人一样大小的青铜雕像《大 卫》（图1）像赤身裸体，而过去只有亚当和夏娃，以及被 钉在十字架的人和被拷打致死的圣塞巴斯蒂昂才能如此。 大卫也不再是旧约故事中的英雄，而是一个英俊的小伙子， 仅戴着一顶佛罗伦萨小帽，以漫不经心的优雅姿态望着敌 人的头颅。这里是新型的人的形象，他十分自信，不受习 俗束缚，喜欢摆出优越者的姿态。它标志着希腊、罗马的 人体美术传统又得到了恢复。 图1 （二）意大利盛期文艺复兴时期美术 正是在极其动乱的阶段了，盛期文艺复兴艺术形成了。这是一种明朗而又有高尚观念的，伟大而又有克制力的艺术。在文艺复兴盛期，以达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔为代表的一批美术家，进一步完善了15世纪意大利人的探索，使理性与情感、现实与理想在美术品中获得了完美的统一，使形与空间的关系获得了高度和谐，从而为再现性的美术确立了一种经典样式，给后世提供了效法的最佳范例，在以后西方美术的发展历程中，无时不感到它的强大影响力。
西方美术鉴赏论文——浅谈印象画派 内容摘要： 印象画派(Impressionism)是传统绘画向现代绘画的过渡，是传统艺术和现代艺术的分水岭，标志着新艺术的开始。印象派在色彩表现上打破了“固有色”概念，科学客观分析色彩关系，创立了全新的色彩体系。印象派对我国的美术教育产生了极其深远的影响 印象派绘画(Impressionism)是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制。其代表作品中，马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出的印象》、凡高的《向日葵》等更是鼎鼎大名。 关键词： 印象派绘画现代绘画传统绘画 内容：
印象主义是19世纪后期产生于法国的一种艺术思潮和流派。印象派画家在艺术特色上从构图、造型、色彩、笔触以及主观精神的表现上都和之前的古典主义的艺术特色有着明显的区别。他们重写生，重实践，并走出画室，描绘外光和大自然的瞬息变化，用奔放的笔触和没有调和的颜色在画布上直接糅合，形成冷暖色调强烈的新画风。印象派绘画以莫奈的《日出的印象》最初被人讥笑而得名，却在短短的一二十年中跃然成为一场世人瞩目的艺术运动。在1874年巴黎的第一届印象派画展，被认为是印象派绘画团体诞生的标志。该画展向世人宣告，这是一群画家们不懈努力所展示的作品，他们的作品摆脱了由世俗等级制度和固步自封的艺术团体强加于其上的传统桎梏的束缚，同美术史上的任何一场运动相比，印象主义及其关联的画家具有更为神秘的特性，他们起初为公众所不理解，被评论家责难，大多数作品被社会拒绝。可是，他们不气馁，并矢志不渝地朝向自己认定的目标前行。他们并不知道，正是他们开创了西方绘画史的新纪元，也正是以他们的画展为起点，“印象派”从法国开始影响整个欧洲，成为西方现代绘画的起点。 一、印象派的构图 印象派画家几乎都强调那种偶然一瞥，力求从一种全新的角度去审视对象，例如从晚会包厢里俯视舞台，从某一个角落侧视大厅，从头顶上仰视一群舞女，都是以前传统绘画里没有的。传统艺术主要关注神话、战争和历史题材，讲究构图的舞台戏剧化效果，场面宏大富有文学性。而印象派的构图突破旧的固有模式，多作架上小品，并根
2013至2014学年第二学期 东西方名画欣赏课程 论国画形式的油画作品 ——浅析《学贯江海图》 课程编码：______ G20351_____________________ 总学时／周学时： 32学时（11周） 开课时间： 2014年3月31日第五周至第十五周 学生姓名：__ 翟瑞星 __ 学生学号：_ 1202170111____________ 专业年级：_ 轮机工程2012-1_____________
摘要： 国画即中国画，是相对于西方画而言的。在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。尤以山水，花鸟为长。油画是西洋画绘画形式的一种方式，它不同于水墨画的方式。用油画的绘画方式来画国画，是东西方文化与艺术的完美结合，体现了中西合璧的哲学思想与美学价值，亦有崇高的道德情怀。本文仅对《学贯江海图》这一作品的哲学思想，美学价值，道德情怀进行简单赏析。 关键词：表现手法哲学思想美学价值道德情怀
论国画形式的油画作品 ——浅析《学贯江海图》中国油画的产生来源于西学中用，当油画这个舶来品传入中国后，逐渐被众多国画艺术家接受并运用和发展，从而形成一个新的流派——中国油画。《学贯江海图》长4.5米，是艺术与传媒学院教师张仕春老师作为献给学校60周年校庆的作品，在视觉上气势磅礴，冷暖相接;在内容上意境优美，虚实结合。是一幅优秀的山水画。 此幅油画在视觉上采用由近及远的绘画手法，着眼于近处，高山之嶙峋，草木之繁茂，色彩之浓，清晰地跃然于人们的视线内，给人一种生机勃勃，欣欣向荣之感，仿佛置身于其中，沐浴着春风，其喜洋洋者也。每一个观摩此作品者都有一种身临其境的感觉，有着橘子洲头，指点江山的气势，欣赏着虫鱼草木的生命气息，感受着流水浮云之自然灵气。此乃画之动也。远处以暗色描绘飘渺的山峰和山天相交的恢宏意境，亦是创作手法静的表现。作品的动静结合，表现出一种旷远，豁达，天人合一的哲学思想。在这哲学思想下，亦体现了对美好事物的向往,和对莘莘学子殷切盼望之情。 国画素来讲究意境须臾飘渺，给人虚虚实实，真真假假的感觉。此作品亦不失传统国画之风格。纵观全图，由近及远，由真切到飘渺，使作品显得栩栩如生，看那瀑布，涓涓潺流，线条与线条得搭配得当，色彩与色彩的交相辉映，便使之有一种灵动感。观那远处的高山，所谓云锁山腰一半高，到底山有多高，作者没有具体描绘，而是云雾缭绕锁山腰，这就更能体现山之高不可测，和辛弃疾的“浮天水送无穷树，带雨云埋一半山”有着异曲同工之妙。用这样一种虚实相接的表现手法，使画的意境表现地富有诗意一般的美妙。既有苏东坡大江东去的豪迈，又有王摩诘悠然自得的飘逸。画之美，美在意象，是在物理世界之外构建的一个意象世界，有着超越人们理性审美的精神活动。体现了中国传统之美学观念，有很高的美学价值。 值此六十周年校庆之际，张仕春老师鼎力巨献该作品，更是表达了对学校 的衷心祝福之情。作品取名《学贯江海图》，意在表明学校会秉承着：“学贯江海，德润方厚”的校训蒸蒸日上，大展宏图。那涓涓潺流的瀑布象征着海大人 自强不息的进取精神，那挺拔险峻的高山亦是道德的象征，古人素有“高山仰止，景行行止”的说法，在这种哲学思想的熏陶下，我海大学子必定会独树一帜，有所作为。总之，象征的手法，表达了作者的真情实意。 作者以油画的绘画方式，为观众呈现了一幅意境恢宏，富有深意的国画形 式的油画作品，在欣赏作品，大饱眼福的同时，也体会到了作者在哲学、文艺、道德方面的造诣，亦淋漓尽致地表现了一位人民教师对母校的热爱之情。
课程名称西方现代文化与现代艺术指导老师黄河清 姓名学号 联系方式
破除西方文化中心论 重拾中国文化自信 西方现代文化有一个显著的特点就是其进步论观点，进步论将人类的多样化文化根据西方自己划定的标准线性化，形成了按照时间线来发展的文化进化论。进一步深究其意，进步论的观点就是世界上所有的文化最终的归宿必然是西方现代文化，也就是说只有西方现代文化是一种普世的、具有未来发展价值的文化表现，暗示最终人类文化要归位于西方现代文化，既否定了其他民族的文化多样性，也盲目自信地将自己的文化提高到人类的举世准则的地位。 究其原因，进步论与西方文化中心论是相辅相成的，进步论可以说是西方文化中心论的进一步表现，西方文化中心论是进步论的根源所在。进步论将各种文化线性化的必然前提是对各民族、各地域的文化进行排序，确定由中心逐渐外扩到边缘的排位。而这排位并没有什么严格客观的评价标准，唯一的准则就是西方文化的那一套话语体系，而就算以这一套话语体系在衡量其他地域文化的时候，西方也是以一种居高临下的态度来施与评价的。所以，结果是西方文化是唯一世界性的、具有未来发展价值的文化也就不足为奇了。 西方文化中心论背景下是没有第二套话语权的，而西方现代文化的话语权体系是基于西方文化发展的历程逐渐总结出来的，其衡量标准也是在地域环境和历史进程中逐渐发展而来的，这样的话，当西方文化中心论者用西方现代文化的评价标准去评价其他文化的时候囿于自身的局限很难会主动考虑其他民族和地域文化所收到的环境和历史的特殊影响，而盲目地要求其他地域的文化以西方现代 文化的标准发展，出现了西方文化中心论者莫名其妙的“恨铁不成钢”即其他文 化都应该向西方现代文化发展的奇艺心态。这种心态也就是西方文化中心论中非常重要的心态，基于这种心态，西方文化论者或以一种高高在上的教导者的身份， 或以一种“舍身饲虎”的救赎者的身份要救其他民族与水火之中，我认为这是美 国等西方国家在干涉他国内政时除过政治利益之外考虑的比较重要的一点原因。 西方文化中心论的形成有诸多原因，在历史层面，“神圣希腊”是西方获得文 化自信的一个重要来源，是西方文化中心论的精神家园和情感源头。黑格尔是西 方文化中心论的集大成者，黑格尔认为，希腊是人类精神的真正源头，“有追溯之 必要时，我们可以不必远溯到东方和埃及，即在希腊世界和希腊生活方式之内，就可以追溯出：科学和艺术的发生、萌芽、发达直到最盛的历程，以至衰落的根 源，都纯粹在希腊人自己的范围里面”。在黑格尔看来，在整个世界的格局中， 东方文化并没有精神意义，只有通过希腊精神的尺度衡量，才有东方精神的存在。在社会层面，西方文化中心论存在的基础在于西方社会经济发展方面的优势，西方社会在经过工业革命和科技革命之后在经济基础上相对其他地域有明显的优势，在经济基础决定上层建筑的语境中，西方文化占据了有利的位置。但在这种
学号编号研究类型分类号 HUBEI NORMAL UNIVERSITY 世界现代设计史结业论文 论文题目包豪斯学院设计对现当代建筑设计的影响 作者姓名 指导教师 所在院系 专业名称 完成时间
包豪斯学院设计对现当代建筑设计的影响 【论文摘要】：现代主义建筑的公认的起源是“包豪斯”，它是一座建筑，也是一所学校，也是一个流派，是所有学习建筑学的人心中永远的圣地。1919年德国建筑师格罗皮乌斯担任包豪斯校长。在他的主持下，包豪斯在20年代成为欧洲
最激进的艺术和建筑中心之一，推动了建筑革新运动。对于建筑设计来说，“包豪斯奠定了现代建筑的观念和风格，并对战后形成的国际主义建筑风格起了决定性作用。包豪斯从格罗皮乌斯到密斯在建筑设计上彻底告别传统建筑，新技术，新结构的运用，创造了新的建筑风格”。_______现代主义建筑。 【论文关键字】：包豪斯建筑史现代设计新建筑主义运动建筑革命一、包豪斯的创办 德国包豪斯学院，成立于1919年，是世界上第一所完全为发展设计教育而建立的学院，是由德国著名建筑师现代主义建筑与现代主义设计的奠基人格罗皮乌斯建立。在20年代成为建筑和工艺美术的改革中心。是欧洲现代主义集大成的核心。第一次世界大战刚刚结束，欧洲仍笼罩在战争的阴影之中，社会动荡，思想巨变，各国的经济和文化在不同程度上都遭到了严重的破坏，战败后的德国又掀起了“十一月革命”，国内的知识分子在巴黎，意大利，荷兰，苏联等各国传播近来的新思想的鼓舞下，抱着对祖国狂热的改革理想，积极投身到重建德国的各项工作中，包豪斯就是在这样的背景下诞生的。 二、包豪斯经历的三个阶段 包豪斯前后经历了三个发展阶段：第一阶段（1919-1925年）魏玛时期，格罗皮乌斯任校长。第二阶段（1925-1932年）德绍时期，汉内斯.梅耶任校长。第三阶段（1932-1933）柏林时期，密斯.凡.德.罗任校长。因而，也形成了三个迥然不同的发展阶段：格罗佩斯的理想主义，迈耶的共产主义，凡德罗的实用主义。从长远的思想影响看，包豪斯的设计与教育改革具有伟大的历史意义：一、设计中强调自由创造，反对模仿因袭，墨守陈规；二、将手工艺同机器生产结合起来；三、强调各类艺术之间的交流融合；四、学生既有动手能力，又有理论素养；五、将学校教育同社会生产挂钩。欧洲整整半个世纪的探索和试验，在包豪斯学院中终于得以完善，形成体系。包豪斯作为一种设计体系在当年风靡整个世界，在现代工业设计领域中，它的思想和美学趣味可以说整整影响一代人。对于建筑设计来说，包豪斯所奠定的思想基础和风格基础，具有决定性，重要性。战后的国际主义建筑风格在很大程度上是在包豪斯的基础上发展起来的。 三、包豪斯设计学院对现代建筑设计的影响
西方经典美术作品赏析论文 我深信，只有高度的文化建设，才能造成现代强盛的民族和国家，对美和艺术的理解， 是文化修养的一个重要部分，而“美育”的最有效的方法便是多接触艺术，包括了解一些艺 术史，经验证明：人们对于美的鉴赏和理解力，是要靠学习才能获得的————是知识之所 赐。 西方艺术往往让人觉得驳杂繁芜,高深莫测,让人不明就里,不知所措。对西方数千年艺术发展概况的解读，体验到西方艺术的源远流长，博大精深，领略到西方艺术典雅精致的风 格和浓浓的人文情怀，有身临其境的感受，深入艺术的现场，感悟艺术之趣、历史之真，知 性之美。从这本书中，学有所获，常有所思，偶有所悟，其乐融融。 西方美术发展的精神基点，始于与自身的认识上。“美术”一词，在西方指非功利主义 的礼堂艺术，或主要指为纯审美而创作出的有形艺术。艺术是人们把握现实，表达思想感情 和审美理想的特殊方式。纵观整个西方美术的发展历程和存在状态，由于不同的民族历史传 统和相异的社会文化因素的影响，使之呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。 西方美术的真正起点在希腊。尽览西方美术发展的线索，有过三次高峰时期。第一，古
希腊古罗马时期；第二次，文艺复兴时期；第三次，19世纪。 对于文艺复兴，在我学这门课以前的记忆里，留下足迹的仅仅是文学作品，远远不知道 美术作品的丰富、无限和逼真。到此刻才了解到艺术的无垠天地。 历史的继承性是艺术发展的普遍规律，革新是艺术发展的必然规律。中世纪是基督教统 治西方的一千年，人们的思想，生活都受到基督教义的全面渗透和压抑。这个时期的人们缺 乏创造力，缺乏自主思想，只为了上天国而活着，而文艺复兴唤醒了西方人的创造力。文艺 复兴为世界文化史的新阶段奠定了基础，恩格斯说：“这是人类前所未有的最伟大的进步的 革命。”就文艺复兴在发展文化艺术方面所具有的意义而言，只有古希腊罗马文明的繁荣时 代可以和它相提并论。文艺复兴的艺术文化，是人类无与伦比的不朽的珍品。而近代先进的 艺术文化，是在文艺复兴艺术文化的基础上诞生，成长起来的。虽然文艺复兴是一次内容复 杂多变的艺术风潮，但它创造了一系列独特的典型和共通的原则，方法以及形式。 文艺复兴-----这个人类终于迎来的属于自己的曙光，这个时期的人们尽情地歌颂人， 歌颂人性，歌颂人的美是文艺复兴美学观的主旋律。美术，在这场轰轰烈烈的艺术大变革中
“一个老天看上的人” 对于威尼斯画派的巨匠维切里奥·提香，被誉为世界美术教育奠基人乔尔乔·瓦萨利曾说过：“他是一个老天看上的人。”的确他拥有着世人渴求的一切荣誉、地位、权利还有长寿。有人说他是对金钱和地位“贪得无厌”的色彩大师，也有人说他像法国的伏尔泰一样，对权势躬身下拜，在皇室贵族的微笑中享受恩赐；也像伏尔泰一样对宗教和道德不屑一顾，在享乐主义的思想下尽享风流。但这一切对提香来说是那么自然，那么理所当然，以至无论在当时还是在今天人们始终对他的尊崇多于对他的嫉妒和批判，更无法改变他文艺复兴兴盛期最杰出的“色彩大师”的光荣称号。 威尼斯出现象提香这样在色彩上如此热情饱满的绘画大师，是有一定的社会基础的。文艺复兴发展到16世纪，人性的解放和追求现世幸福的享乐主义思想已根深蒂固。威尼斯经济发达，人们在经济优异的条件下，对自由与入世哲学的兴趣日趋强烈。被称为“油画之父”的提香更放纵了这种思想在绘画上的表现，借希腊神话题材以表现人生的欢乐与享受，正符合一部分人在长期神学思想禁锢下产生的逆反心理。他在绘画时从不设计草稿，而是凭借感性和饱满的色彩来表现生命和肉感的官能效果，这种官能效果和享乐主义的追求，不仅在当时得到了社会现实的认可和王公贵族们的欣赏，而且也使上帝对提香特别垂青，给予他普通人连想都不敢想的社会地位。 1516年，年轻的提香首次获得了施展才能的机会，绘制了一幅威尼斯有史以来最大的木板祭坛图《圣母升天》，在这幅画中，提香汲取了佛罗伦萨巴托洛米欧的对位法原则、米开朗基罗人体造型及画面强烈的戏剧性，开始表现出脱离贝利尼和乔尔乔涅代表的威尼斯旧传统，创作自己的风格体系。 提香为了让人们一进入教堂，视线就被祭坛上巨大的场景所吸引，所以将画幅设计得很大,分上下两部分。上部分是升天的圣母被众多的天使们簇拥，在一片金色的光线中徐徐上升，下部分比真人尺寸还要大的众人们，用夸张的肢体语言、惊讶的表情把观者的视线引向圣母，与他们一道亲眼验证天父迎接圣母的神迹出现。这种效果的确具有说明力：庞大、色彩绚丽、动作张扬，在距祭坛很远的地方就能感受到画面的冲击力，是初次看到这幅画的教堂修教士们都感到惊慌失措。 这幅作品不仅为提香威尼斯首席画家的地位，更重要的是使他成为了文艺复兴画家中最伟大的一位。他没有达·芬奇的科学兴趣，或是米开朗基罗对宗教与诗的热忱。他也不像拉斐尔那样既是画家、建筑师又是一位古迹管理者。然而，提香的意义在于他是真正的现代绘画的创始者，因为他是首度挖掘出油画特质的全部可能性，并认为绘画中色彩高于其他造型手段，他让画面笔触具有了活力，为粗糙的画布带来了生机；他发展了乔尔乔涅对油画材料的关注，调节出浓郁厚重深沉的暗色调。 之后的提香主要以世俗委托为中心，完成了许多重要作品，并使肖像画发展为最具绘画性的个性作品。在《教皇保罗三世》肖像画中，提香采用了四分之三肖像画与侧面姿势，这是拉斐尔首次在肖像画使用的样式。他把进入画面的所有物件都引入色彩构图范围内。相同色调脸部肤色的亮度最强，依靠色调的渐变与多变的笔触，处理不同的质感：绒面袍、白布衣、青筋的手、椅、胡须。而保罗三世的个性与权威又通过他瘦长的手指与精明瘦削的脸孔、投向观众的锐利目光传达出来。同样，他把景色与神话融入威尼斯传统中，带动了诗画的发展。 在经典之作《神圣与世俗的爱》中，象征圣、俗两种爱情的女性分别坐在水池两边，但她们二者到底谁圣谁俗？从画面上看，两位女性一个身着盛装，一个赤身裸体，按照古典艺术的标准，裸体代表的是至高无上的纯洁、神圣，因此右边的那位裸体女性代表着神圣的爱，而着装妇女代表世俗的爱。神圣之爱的形象似乎更为优秀，这是因为她斜身高坐于水池边上，