Rem Koolhaas
2000 Laureate
Essay
The Architecture of Rem Koolhaas
By Paul Goldberger
Architecture Critic, The New Y orker
Executive Editor, Architecture, Architectural Digest
There is Rem Koolhaas the architect, there is Rem Koolhaas the writer, there is Rem Koolhaas the urban theoretician, and there is Rem Koolhaas the figure to whom younger architects are drawn as moths to a flame. The Pritzker Prize jury has taken note of every one of these aspects of Koolhaas’s rich talent, but to its credit, it has honored Koolhaas as much for his built work as for his ideas. For the truth about Rem Koolhaas is that he is, at bottom, an architect, a brilliant maker of form whose work has done as much to reinvigorate modernism as any architect now living. His statements about the inability of architecture to respond to the problems of the contemporary city may have gained him fame, but his best buildings belie his own message, for they prove that architecture can, in fact, continue to have meaning, that the possibilities of formal invention are far from exhausted, and that in an age of the virtual, there is a profound need for the real.
In this sense, it is hard not to think of Koolhaas in the same way one thinks of Le Corbusier or Frank Lloyd Wright, other architects who could speak in brilliant sound bites (“New Y ork is a catastrophe, but a brilliant catastrophe,” said Le Corbusier) which so easily distract from the originality, richness and complexity of their buildings. Unlike Le Corbusier, whose urban theories have turned out to be utterly misguided, Koolhaas’s rhetoric about the city—which could probably be summed up as a celebration
of what he has called “the culture of congestion,” and a recognition that technology has made both urban and architectural form vastly more fluid and less rigid than it once was – gives every indication
of being completely true. Unlike Le Corbusier, Wright, and most other urban theorists, Koolhaas is less interested in creating a universal model as he is in describing the unworkability of universal models; his is a kind of urban design for the age of chaos theory, and he has made much of the notion that
in an age of cyberspace, conventional kinds of urban form, not to mention conventional kinds of architecture, cannot function as they once did, and therefore can no longer be expected to have the meanings they once did, either. Koolhaas wrote in 1994: “If there is to be a ‘new urbanism’ it will not be based on the twin fantasies of order and omnipotence; it will be the staging of uncertainty; it will no longer be concerned with the arrangement of more or less permanent objects but with the irrigation of territories with potential; it will no longer aim for stable configurations but for the creation of enabling fields that accommodate processes that refuse to be crystallized into definitive form … it will no longer be obsessed with the city but with the manipulation of infrastructure for endless intensifications and diversifications, shortcuts and redistributions—the reinvention of psychological space.”
In a time when it is fashionable to decry the increasing sameness of places—the homogenization
of culture—Koolhaas has had the courage to inquire as to whether the generic city, as he has called it, is entirely a bad thing. How much does physical form have to determine identity, he asks, and he has argued persuasively that an exaggerated belief in the value of the old urban center, far from helping urban identity, has so weakened peripheral areas as to assure their deterioration. The Generic City, Koolhaas has written, “is the city without history. It is big enough for everybody. It does not need maintenance. If it gets too small it just expands. If it gets old it just self-destructs and renews. It is
‘superficial’—like a Hollywood studio lot, it can produce a new identity every Monday morning…. The Generic City is what is left after large sections of urban life crossed over to cyberspace.”
As Le Corbusier made much of dismissing the architecture of the past as irrelevant to the future, Koolhaas takes a certain pleasure in his own rhetorical excesses, but they often tend to contain blunt and astonishingly simple truths. “The future is here, it just hasn’t been evenly distributed (yet),” he
has written. Or: “The elevator—with its potential to establish mechanical rather than architectural connections—and its family of related inventions render null and void the classical repertoire of architecture.” On the subject of Atlanta: “Atlanta is not a city; it is a landscape. Atlanta was the launching pad of the distributed downtown; downtown had exploded. Once atomized, its autonomous particles
The Architecture of Rem Koolhaas(continued)
2could go anywhere, opportunistically toward points of freedom, cheapness, easy access, diminished contextual nuisance.” And on the contemporary condition of urbanistic thinking: “We were making sand castles. Now we swim in the sea that swept them away.”
It is not so much the clever phrasemaking as the fact that Koolhaas’s writing—and his thinking—are
so blunt and determinedly non-linear that accounts, surely, for his immense appeal to younger architects; they see in Koolhaas a fearless critic of the socio-economic and political forces that have shaped the modern city, a figure who professes indifference to power and yet seems, paradoxically, able to accept many things as they are. Koolhaas declaims in every direction at once, one part Jeremiah, proclaiming imminent ruin, and one part Robert Venturi, viewing the world with a fascination bordering on love that implicitly connotes a degree of acceptance. Never mind the contradiction—there is no contradiction, for this is how the world is, Koolhaas is saying, and how we must deal with it. Above all Koolhaas is an observer of reality, and he is utterly unsentimental. His deepest scorn, it would seem, is for those who would respond to the urgencies of this moment by retreating into the nostalgia of the past.
Koolhaas’s own architecture, it need hardly be said, does nothing of the kind. And yet Koolhaas’s modernism, brilliantly inventive, nonetheless does not ignore the past, either. The Villa Dall’A va in Paris, of 1991, may be the most original commentary on Le Corbusier’s Villa Savoie that has been produced—or at least it was until Koolhaas returned, more obliquely, 32 to it in the design of a very different house in Bordeaux, in 1998. The Villa Dall’A va is a dazzling and deft comment on the Villa Savoie, taking a modernist icon that has generally been considered so fixed and complete an object of perfection as to be impervious to anything but adoration, and blows it apart. Koolhaas’s design is at once lighter and more industrial; it has a loose, temporary spirit to it, as if the Villa Savoie were being rebuilt as a high-tech shanty. Corbusian modernism becomes in Koolhaas’s hand not the object of distant veneration and awe, but the stuff of lively engagement.
In Bordeaux, the program was unusual, and of paramount importance: a house for a man confined to a wheelchair following an automobile accident, and his family. The man told Koolhaas that he wanted “a complex house because it will define my world,” and the architect responded with a three-level structure with a glass room in the middle that moves up and down, at once an elevator allowing the man to move about the house, and a discreet space in itself. The primary visual image of the house is of a strongly horizontal metal object, the upper level, floating on the glass planes of the middle level—the Villa Savoie again, this time made more abstract, and breathtakingly beautiful. And yet the basic idea of this design, the parti, is not a homage to the Villa Savoie at all, but an attempt to find an architectural solution to the unusual demands of a bookish and intellectually active client who wanted a house that would at once create an extraordinary environment for himself and a comfortable environment for his family. Koolhaas started with this—the client’s needs— not with the form. Koolhaas is not known primarily as an architect of residences, and with good reason—he generally prefers to be able to address larger issues than ordinary domestic life offers an architect. His greatest concern is public life, and the extent to which architecture can still be a force to sustain it. His major public buildings—the Euralille and Lille Grand Palais in Lille, France; the Netherlands Dance Theater
in The Hague; the unrealized designs for the Tres Grand Bibliotheque in Paris, the Jussieu Library
at the University of Paris, the art and media center in Karlsruhe, Germany, and the Seattle Public Library—are all designs that suggest movement and energy. Their vocabulary is modern, but it is an exuberant modernism, colorful and intense and full of shifting, complex geometries. Not for nothing was Koolhaas among the first architects to look seriously at the work of Wallace K. Harrison, and to understand the remarkable and often painful struggle it represented between romantic form and pragmatic impulse. Like Harrison, Koolhaas wants to shape huge swaths of cities, and like Harrison
he is determined to find a point of intersection between the pressures that force banality and his own love of exuberant, swooping form. By force of personality Koolhaas has often gotten his way, and that way is at once wild and plain, at once voluptuous and ordinary.
The Architecture of Rem Koolhaas(continued)
3Koolhaas’s urban buildings are not rigid classical structures, defined by a formal order that is fixed and unchanging; they seem in their very being to be in flux, to suggest that while they may look this way today, they might well be turned into something else tomorrow. It is not always the case that Koolhaas’s buildings actually realize the generally unrealized modernist dream of total flexibility—they give off the aura of change more often than they possess the reality of it—but it can surely be said that they are designed to be open to social and programmatic evolution. Koolhaas’s desire as an architect is to design the stage, not to write all of the lines to be spoken on it.
Y et it can be too easy to talk about Koolhaas in these terms, and to begin to think of him almost as an anti-architect. If he were that, however, he would never have won the Pritzker. His architecture
is the antithesis of neutral,and it could not be farther from casual. If his work does not aspire to the elegance of Mies, he is every bit as obsessive about detail, and a lot more concerned about the nature of what goes on in his buildings. He is profoundly interested in programs; indeed, he sees the program—what actually happens in a building—as a primary generator of its form. Koolhaas embarked on a long study of libraries and what they might mean in the digital age before designing the new public library for Seattle; he has studied shopping and consumerism before taking on the project of creating a new generation of retail stores for Prada. His Prada designs are based on the notion that the store is increasingly becoming a place of events, a place of theater; he is taking this one step further and making the store literally an environment for performances. For an architect who is far from a formalist, Koolhaas is creating forms of undeniable importance. In Seattle, he is trusting in a powerful form of copper mesh in a glass fa?ade to create a physical space exciting enough to make the library, once again, a kind of common room for a larger community. Here, as in so much of his work, he is using architecture to create real space that will be compelling enough not just to exist in the age of virtual space, but to ennoble it.
? The Hyatt Foundation
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Martha Thorne, Executive Director
The Pritzker Architecture Prize
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VILLA DALL'AVA Rem Koolhaas
一 Rem Koolhaas 生平与成就 1.1 生平简介 1944年 雷姆·库哈斯(Rem Koolhaas )出生于荷兰鹿特丹。在战后贫瘠的土地上和渴望重建的环境中成长。 1952年 他8岁的时候离开荷兰，随父亲迁居独立后的印度尼西亚雅加达，在此居住了4年。12岁回到荷兰，此时荷兰已经在战后的重建中整饰一新。 1963年 19岁起库哈斯有了第一份工作，他最初的职业是记者而非建筑师。他开始在荷兰的一家周报《海牙邮报》担任记者，并为该杂志的文化专栏撰稿，同时在一个年轻的电影小组从事电影剧本的创作。在这一期间库哈斯访问了当时的苏联，在那看到了一些早期苏联的结构主义、共产主义的一些东西，受到一些政治和建筑上的冲击。 1968年 24岁是他一生事业的转折点，他放弃了记者和剧作家的工作，随后赴伦敦在风格激进的建筑协会学院学习建筑。他有两个理论性的建筑方案便是在这段时间内完成的：1970年的《作为建筑的柏林墙》与1972年的《放逐，或建筑的自囚》。 1972年 库哈斯奔赴大洋彼岸，留在美国进修。他对纽约这 座城市十分
着迷，于是开始着力研究都市文化对建筑的影响力并最终出版了《狂乱的纽约：曼哈顿的回溯宣言》。这个阶段，瑞姆· 库哈斯向往实际发展，于是决定返回欧洲。 1975年 他与伊利亚和左伊·山戈斯夫妇(Elia and ZoeZenghelis )、玛德伦·维森多普(Madelon Vriesendorp )在伦敦创立了“都会建筑事务所”(OMA )，尝试以建筑实践证明书中提出的理论原型。该事务所的目标为重新定位建筑与现代文化之间的关系。 1978 年之后，他们在荷兰的业务开始扩大，于是在鹿特丹开设了一个分所，专门处理OMA 的工作。同时，他成立了戈罗兹塔特(Grosztstadt )基金会，独立管理鹿特丹分所的文化事物与艺术活动，如博览会和出版刊物等。 1982年 拉维莱特公园 1982~1991年 达而雅瓦别墅 1.2 代表作品（书） ·《狂乱的纽约——曼哈顿的回溯宣言》 （《Delirious New York ，a retroactive manifesto for Manhattan 》） 以感性的文笔对当代大都市密集性文化进行了超现实主义的批评分 析。 ·《小、中、大、超大》（《S ，M ，L ，XL 》） 收录了到1993年为止，库哈斯和OMA 的所有作品。是库哈斯及同事运用现象学的种种知识思考建筑概念的纪录。
“解构不是拆毁或破坏,我不知道解构是否是某种东西,但如果他是某种东西,那它也是对于存在的一种思考,是对于形而上学的一种思考。” ——德里达 “解构意味着对设计任务的根本思想进行挑战，也意味着对建筑旧俗习惯的否定。” ——伯纳德?屈米 欧洲一直是景观设计的试验场，众多一流的设计师都在那里留下了出色的作品。其中位于法国巴黎的拉?维莱特公园(Parc de La Villette) 因其独特的形象和设计理论而格外引人注目。它不仅是欧洲近现代景观设计的代表作之一，更凭借所谓“解构主义”的设计思想和另类新奇的建筑设计成为国内一些设计师广为模仿的样板。 1解构主义 1.1何谓解构主义？ 说起解构主义,就不得不提起结构主义和符号学,它们是20世纪50 年代后期到60年代在法国兴起的哲学理念。结构主义坚信世界是由结构中的各种关系而不是由事物本身构成的。结构主义是建立在“形而上学”基础上的，它具有二元对立性、整体性、中心性及系统的封闭性[1]。随后，于20世纪60年代，法国哲学家德里达(Jacques Derrida)在其《论语法学》一书中第一次正式使用了“解构主义”一词，标志着解构主义哲学的正式确立[2]。 解构主义认为传统哲学的二元对立命题中森严的等级秩序是不合理的，它强调瓦解二元对立的统治和被统治关系,采用分解、消减和移置的方法使二者势均力敌,达到一种新的平衡。解构主义反对形式、功能、结构、经济彼此之间的有机联系，提倡分解、片段、不完整、无中心、持续地变化等等，因而解构主义者们所表现出来的外在特征便是对传统的审视与背叛、对社会的关注与批判[3]。 1.2解构主义在景观设计中的张力 20 世纪70 年代以后解构主义哲学渗透到建筑界,极大地影响了建筑思想活动的具体内容和理论评论,并逐渐演变成为一种新的建筑思潮。 解构主义哲学在建筑领域的移植进一步也对景观设计产生影响,成为景观设计创新的生长点。解构主义哲学基于对传统的一元专制的反抗,反对个性的压制,反对科学与技术的极端迷信,进而对其进行颠覆、解体,探索建立新的城市景观形式。他们并没有形成统一的团体,也没有统一的景观形式和建构方法,他们基于对传统的批判,反对既定的价值观念,将意义与精神重新注入到场所空间中,使城市景观富于情感。景观重新成为精神情感的表现媒介,在景观形式上体现为对纯洁机械几何体与既存僵硬秩序的否定,于是冲突、断裂、碎片、复杂、不稳定的动态空间便成为他们共同的特征。从这层意义上说,解构主义景观并不是在创造一种新思想或新风格,而是反对传统文化中的一切形而上学的东西。
哈佛大学建筑系的八堂课之—— Rem Koolhaas∣库哈斯 这堂课来谈谈瑞姆·库哈斯，我们将从他的生平开始，因为他的生平经历攸关他的建筑至深。无庸置疑的，他的童年及青少年时期对他的事业影响极大。库哈斯于1944年于於鹿特丹，他在十岁以前，一直住在亚洲的荷兰殖民地，直到青少年时回到荷兰，开始研读新闻采访，并对电影产生兴趣。他写过几部剧本，发现若要叙述整个二十世纪后半的世界，在表达和呈现上，新的技术是必要的。那种向来在静态架构下展现建筑的方式不再是合理的，建筑师有责任去探索新的管道，而电影可能是最符合当下时代及文化氛围的媒材。库哈斯对电影的兴趣不只是随性任意的，他将电影及其手法，视为可以直接运用于建筑专业的工具。 在他从事建筑工作前曾受过文学和电影的训练，并进而激发他对都市的热忱，或许，是由于城市带给他的惊奇，促使他在60年代未来到伦敦的[建筑联盟] (Architectural Association）念书。[建筑联盟]在当时完全受[建筑电讯] (Archigram)影响，[建筑电讯]对建筑抱持着行动与技术两者至先的观点，并且刻意忽略形式。库哈斯随后从伦敦去美国，在康乃尔大学教书，这所学校当时以奥斯维德·马西亚斯·安格斯(Oswald Mathias Ungers)及柯林·罗(Colin Rowe)，两位个性极端相反的学者为首。安格斯与罗两人的竞争，亦使得康乃尔建筑学院成为70年代最具活力且吸引人的建筑交流中心之一。 库哈斯很快成为安格斯的信徒，并投入于解析都市形式(urban form)中。恐怕也是罗始终强调历史的重要性，这一观点才使库哈斯靠向了安格斯。当年在康乃尔大学的人，或许可以告诉我们确切发生的情形。安格斯在当时被视为沿袭了现代主义，他完成了几个对60年代来说十分重要的作品。1968年学潮爆发，促使库哈斯移居美国。他到康乃尔教授都市设计理论课程，与趋势派(Tendenza)建筑的原则相距不远，他运用类型的概念，但没有抛弃他最早期作品中出现的现代主义的训练。 库哈斯从他在康乃尔的教学中学习到，在任何建筑的介入中，都市会是一个必要的参照，更察觉现代主义文化对近来建筑的重要性。安格斯很快地注意到库哈斯的才华，也正是他将库哈斯介绍给纽约的建筑圈。库哈斯因此在70年代中和这位良师合作了几个案子，之后他离开康乃尔来到纽约安顿，并在彼得·艾森曼创立领导的[建筑与都市研究学会](Institute of Architecture and Urban Studies)工作。接下来好几年，库哈斯将[建筑与都市研究学会]当作基地，著手进行一本书，该书不但是研究他作品的最重要著作，也成为了解20世纪后四分之一的建筑的关键性著作，我指的当然就是《狂谵纽约》(Delirious New York)这本书。 对库哈斯而言，纽约是现代都市的最佳表征。他热衷於探索这座城市，同时归纳着当代都市生活背后的真实原则。为了热切地将想法散播出去，他整合妻子玛德伦·维森朵(Madelon Vriesendorp)的水彩画技术，和他的早期合作伙伴伊里亚·詹格里斯(Elia Zenghelis)的工作能力，三人共同创立了[都会建筑事务所] (the Office for Metropolitan Architecture，OMA)，很
姓名： 学号： 日期： 书名：《雷姆·库哈斯》 作者：刘松茯 出版社：中国建筑工业出版社 摘要：雷姆·库哈斯于获得了２０００年度的普利茨凯奖，是著名的 ＯＭＡ的创立者之一和核心人物，本分尝试分析库哈斯思想的形成过 程以及主要的几个建筑设计思想，之后通过对库哈斯部分建筑作品进 行深入的分析，理解库哈斯的设计理念。最后结合前文的内容，从自己的设计经历出发，谈一谈 自己一些比较粗糙的体会。 库哈斯是以激进的天才建筑师的形象出现在建筑界的，他所持有的非同常规的建筑观点不断对建筑专业本身提出挑战。许多年过去了，库哈斯在业内已获得了很高的知名度，并赢得了业主的认可，在哈佛的设计研究院也取得了稳固的地位，还是普利茨凯奖的得主。被权威接受和认可容易使人猜测他的激进已经被同化掉了，但是库哈斯本人的所作所为从未证明这一点，他始终提醒自己——成功总是和某种即时而来的停滞不前联结在一起，就像引人发困的麻木总是伴随着食欲的满足。 1 ，库哈斯的设计思想 库哈斯把建筑看做是为一个特定的计划、事件和活动提供的系统化的背景。他将建筑师们进行设计工作时注重比例、构成、细节和规模的做法视为束缚设计思想的锁链，他认为他之所以能一直不落入陈规俗套中就是因为能够摆脱这个锁链，而探索建筑的形式和机能之间相互适应的辩证关系。长期进行的城市问题研究和大量的城市规划与设计培养了库哈斯以对待城市的整体的、宏观的思路和工作方法来从事建筑设计。 库哈斯设想每一个建筑都立足于千篇一律的底座上，像是群岛中的孤岛，极尽雕塑般表现之能事，以吸引眼球。库哈斯的价值观认为，每一个小岛越是有不同的价值，整个列岛的价值就越统一。而对于每一个孤岛而言，外部的形体与内部的组织是分离的，外部的形式主义和内部的功能主义都是为了使建筑有更大的俘获力，因而，不是在精神层面上、而是在实用层面上，内和外统一了。 在《癫狂的纽约》里，库哈斯用“拥塞”来概括曼哈顿的本质，认为“拥塞”的存在产生了大都市效应，并直接影响了城市形态和城市中的建筑。“拥塞”不仅是建筑的问题，更是大都市的生活方式和一种文化，即“拥塞文化”。高层高密度的城市形态是“拥塞文化”最直接的物质表现，但物质意义上的高密度并不是 全部，更是建筑“内容”的高密度状态。库哈斯评价内容丰富的 摩天楼是“社会压缩器”，是“产生和强化人类交往理想形式的机 器”。那么，与之相对应的，“大”的建筑便是应对这种状态的最 好容器。 雷姆·库哈斯的建筑思想
雷姆?库哈斯（Rem Koolhaas)的建筑理论及作品 专业：2011级风景园林专业硕士姓名：杨勇涛学号：1101214345 一、前言 当历史的车轮驶入21世纪，当代西方社会文化日益呈现百花齐放的发展态势，各种新的思想新的理论层出不穷。一元的文化结构早已经被打破，新的权威远没有建立，并且可能永远也再无法建立。但是在谈及当代建筑领域里的大师或者建筑理论新的发展时，库哈斯是我们不可能回避的一个话题。与其他的普利茨克奖获得者不同，库哈斯不仅因他的作品来影响世界建筑界，也因他的思想持续地给整个行业带来震撼。但是，对于库哈斯的评价从来不是一边倒的叫好，他特立独行，毁誉参半。 有人赞扬他的建筑充满了智慧、充满了对城市的关注、重拾了对社会的责任、规避了对形式的无节制追求。有人则谴责他对形式无节制的新现代主义式回避、近乎卡通似地还原图解、廉价甚至是丑陋的结构。 但是众说纷纭之下，到底怎样的描述最接近那个最真实最本质的库哈斯？到底如何研究，才能真正地理解库哈斯的建筑和他理论？ 借着文献阅读的课程要求，笔者选取了库哈斯作为自己的学习和研究对象。通过阅读库哈斯的相关著作、研读他的部分作品以及第三方的研究成果，笔者对于库哈斯获得了一定的了解。但无论是提纲挈领地概述库哈斯的建筑理论还是深入重点地解读库哈斯的建筑作品，相信都无法呈现一个完整的、完全正确的库哈斯。 本文仅就自己的研读做一个成果的报告，尽己之力来描述库哈斯理论及其作品。 二、主题 1、雷姆?库哈斯的生辰年表 1944年11月17日，出生于荷兰的鹿特丹市。 1952年，8岁时随左翼的父亲迁居于独立后的原荷兰殖民地印度尼西亚的雅加达。 1956年，12岁时返回荷兰，定居于阿姆斯特丹。 1963年，高中毕业，选择的第一份工作是担任《海牙邮报》的记者，开始了5年的记者生涯。 1968年，24岁是库哈斯事业的转折点，他放弃了记者和剧作家的工作，前往伦敦的建筑协会学院开始学习建筑。 1972年，28岁的库哈斯从AA毕业，远赴美国的康奈尔大学进行研究。 1975年，到美国纽约城市与建筑学院作访问学者和客座教授。 1978年，出版《癫狂的纽约——曼哈顿的回溯性宣言》，一鸣惊人。 1988年6月，参加纽约现代艺术博物馆主办的以解构主义为主题的展览，成为新时代建筑探索的先锋人物。 20世纪90年代起，受任哈佛设计学院教授，工作也逐步转向建筑理论和虚拟建筑，并组建了AMO。 2000年，获得建筑界的最高荣誉普利茨克奖。 2007年，获选美国《时代》杂志2008年度100位全球最具影响力人物。 2、雷姆?库哈斯的建筑理论 2000年，库哈斯获得年度普利茨克奖，当时的评奖委员会对库哈斯作出这样的评价：“因他20余年来致力于实现自己的目标——在理论和实践两方面，定义建筑和文化之间的新型关系范式，因他对建筑环境的贡献和他的思想，授予库哈斯普利茨克建筑奖。” 理论与实践并行不悖，相辅相成是库哈斯建筑成就的主要特色。并且在很大程度上，他的个人职业生涯都是理论先行，经常在建筑远未建成的时候，他的思想便已经在理论界被广
法国拉维莱特公园解析(图) 来源：《园林》作者：张莺、邢箴日期：[2006-4-11]
法国拉维莱特公园解析(图)
来源：《园林》作者：张莺、邢箴日期：[2006-4-11] 城市公园通常被作为城市居民的室外活动场，并旨在创造优美的绿色自然环境，提高城市的人居环境。笔者考察参观了欧洲的一些城市公园后，发觉公园也并非只是为城市居民服务的，各国的旅行者也喜欢到这里来休憩、感受城市特色，与当地居民交谈，了解不同的民风。有特别魅力、特别知名的城市公园尤其吸引了旅游者的到来，法国巴黎拉维莱特公园就是一例，无论是对园林景观有独到眼光的专业人士还是观光度假的游客都几乎无不来者。它的建造形式、景观早已被国人熟知，笔者在这里谈的是它不为人熟知的另一方面：为旅游者的考虑。拉维莱特公园不仅仅是一个有魅力的、吸引人的公园，而是一个场所：一个城市的客厅，城市居民用以展示自已特色、招待客人的场所。 公园的建造背景 拉维莱特公园建造于“解构主义”这一艺术流派逐渐被广大设计师认可的年代。1982年，举办了国际性的公园设计竞赛，最后，建筑师屈米（BernardTschumi）的方案中奖了。解构主义是当时非常新派的艺术思潮，将既定的设计规则加以颠倒，反对形式、功能、结构、经济彼此之间的有机联系，提倡分解、片段、不完整、无中心、持续地变化等等，认为设计可以不考虑周围的环境或文脉等，给人一种新奇、不安全的感觉。 拉维莱特公园是纪念法国大革命200周年巴黎建造的九大工程之一，1974年以前，这里还是一个有百年历史的大市场，当时的牲畜及其它商品就是由横穿公园的乌尔克运河运送。公园位于巴黎的东北角，位置并不靠近市中心，但是有多条地铁和公交线路到达，公园的南北都有站点，当游客游览完南北有1000多米长度的公园后，能在公园的另一端坐到车，也确实是一个人性化的交通设计了。 公园在建造之初，它的目标就定为：一个属于21世纪的、充满魅力的、独特并且有深刻思想意义的公园。它既要满足人们身体上和精神上的需要，同时又是体育运动、娱乐、自然生态、科学文化与艺术等诸多方面相结合的开放性的绿地，并且，公园还要成为各地游人的交流场所。建成后的拉维莱特公园向我们展示了法国的优雅、巴黎的现代、热情奔放，具体
解读荷兰建筑师冉·库哈斯的设计风格解读荷兰建筑师冉·库哈斯的设计风格作者：佚名 时间：2008-7-7 浏览量： 冉·库哈斯,1944年出生于荷兰鹿特丹,早年曾从事剧本创作并当过记者。1968-1972年转行学建筑,就读于伦敦一所颇具前卫意识的建筑学院ArchitectureAssociation。从那时起,他对当代文化环境下的建筑现象就开始表现出与众不同的兴趣。1972年,Harkness研究奖学金使他得以在美国生活和工作了很长一段时间。1972至1979年间,他曾在当时建筑界很知名的Ungers事务所以及PeterEiserman的纽约城市规划/建筑研究室工作过,同时也在耶鲁大学和加州大学洛杉矶分校执教。1975年,库哈斯与其合作者共同创建了omA事务所,试图通过理论及实践,探讨当今文化环境下现代建筑发展的新思路。 冉·库哈斯的许多研究,包括建筑作品都令人不解甚至迷惑,但不能不说他是当今最富有浪漫及乌托邦色彩的建筑师,是建筑师中的艺术家。他之所以引起许多青年学生或建筑师莫名的崇拜,无疑与他旗帜鲜明地维护现代主义精神,具有无限创造激情有很大的关系。
早在1978年,库哈斯就将关于”纽约”这个城市的研究,纳入《癫疯的纽约--曼哈斯的宣言》一书中。在这本书里,他设计了一系列虚构的”故事”,如:囚禁中的城市、斯芬克斯旅店、福利宫殿大厦、游泳池的故事。 他想证明,即使是建筑上最不重要的细节,它所展现的永久性和大都会不断变更的不稳定性也是互不相容的。在这场冲突中,大都会无疑是胜利者。在这个事实不断渗透的现实中,建筑被降格至一件玩物的位置上,它不过是历史和记忆幻影的装饰载体。在曼哈顿,这个冲突用一种聪明的方法解决了:一座变化发展的建筑都应具备纪念性的氛围和内在操作的不稳定性这样的双重关系。它的室内是不同计划和活动的动态组合,不断改变,但又独立于建筑外表。曼哈顿的”天才”之处在于建筑外表和其内部表现之间的简单分裂,它保留了建筑外部形象的完整性,这才是曼哈顿真正的迷人之处。这个观点所展现的大都会”拥挤文化”不再是令人遗憾和不可原谅的,而是充满机会和所有潜在可能性的令人兴奋的文化现象。 这本书透视出冉·库哈斯乐观的现代主义精神,以及对当今一切文化现象宽容的接受。它奠定了冉·库哈斯作业名尚未有一件建筑作品的梦想建筑师地位,也改变了我们这一代青年建筑师对城市、对建筑的
拉维莱特公园里的城市质感 摘要：通过对上世纪80年代三个不同的拉维莱特公园设计方案的表述，去探寻这三种设计概念对城 市设计和建筑设计的影响，以及其对当代国内建筑和城市设计所具有的时代意义。 拉维莱特公园本应是上世纪八十年代的事，2000年在大学里首次接触到该方案时，冲击很大，一直记得当时张似赞先生对该方案做的阐释，尤其是在使用和设计的对位关系上。但限于自身知识及能力的不足，一直也很茫然，不能理解和解释那看似乖张的表达和意义，并认为那是属于另外一个遥远世界里的事。10年后，也是该竞赛近30年后，才省悟到它所具有的时代魅力和影响力，觉得在理解了它后，容易帮助我们去理解当代西方建筑和城市设计的思潮。同样地限于当时相关资料的缺乏和研究，我们也一直忽略了该方案背后的一些故事，这也造成很多同行对其设计概念的图像化和片面的理解。 上世纪七八十年代，西方社会也经历着我们所不熟悉的嬗变。在建筑和城市设计领域，凭借现代建筑运动满足了两次世界大战所造成的对城市和住房的需求，也经历了先锋派运动的种种尝试，建筑师们再次审视这个在短时间内发展并支配社会的力量，试图去重新探讨它应该具有的人文意义和社会角色，开始了对现代运动的大反思，为新一代的建筑师提供了舞台，拉维莱特公园的设计正逢这个时间的拐点，它清晰地展示了城市和建筑现代之路的演变，为我们提供了去品味时代在城市和建筑上雕琢出来的味道的机会。其中里昂·克里尔 (Leon Krier)，伯纳德·屈米(Bernard Tschumi)以及雷姆·库哈斯(Rem Koolhaas)对该地段和命题的不同解读，呈现出相异成趣的城市质感，也昭示着跨越世纪的城市设计和建筑设计的前世今生。 拉维莱特地段用地位于巴黎西北边界上，是一块由铁路、公路、城市运河和城市住区所界定的约50公顷的老工业用地(原为1867年所建设的有3000职工的牲口屠宰厂)。一条东西走向的城市运河将其划分为二，运河西头是1784年列杜设计作为当年用对外来商品和货物收税的圆形古典建筑。 1976年，30岁的年轻德国建筑师里昂·克里尔完成了他对拉维莱特公园的研究。这位现代似的卡米诺·西谛(Camillo Sitte)的以罕有的意志力，用“城市街区”的概念去实现他对现代城市的理解(Quarter o f L a V illette), 城市公园在他的概念里只是一种边界的界定媒介，是个黏合剂。如何去缝合历史传统及创造现代城市才是他所追寻的目标。在他的“理想城市”的方案里，克里尔延续着贝拉格(H.P.Berlage)以来的城市建筑传统，也加入了他对城现代城市——“城中之城”的理解，初露锋芒的他也以此为建筑和城市设计理念并直至终生。 对于街区的解释，克利尔认为街区是城市中的城市，它应该具有清晰的边界、适当而精确的规模、可以度量和感知的空间尺度、以及明晰的空间层级结构。简言之，就是一个街区也应具有作为一个城市的空间结构和特。从英文的原意来看,Quarter 具有被属于某一整体的内涵，自身有自明性，
面的要素就是十个主题园，包括镜园、恐怖童话园、风园、雾园、竹园等。其中的三个：沙丘园、空中杂技园、龙园是专门为孩子们设计的。沙丘园把孩子按年龄分成了两组，稍微大点的孩子可以在波浪形的塑胶场地上玩滑轮、爬坡等，波浪形的侧面有攀爬架、滚筒等，还在有些地方设置了望远镜、高度各异的坐凳等游玩设施。小些的孩子在另一个区域由家长陪同，可以在沙坑上、大气垫床，还有边上的组合器械上玩耍。龙园有抽象龙型的雕塑在园中穿梭，孩子们在龙的上面上窜下跳。空中杂技园有许多大小各异的下装弹簧的弹跳圆凳，孩子们在上面蹦跳，为找身体平衡，会出现许多意想不到的杂技动作。乐园里欢笑不断，为公园带来了欢快、热闹的气氛。 26个鲜红的folies除了作为标志点和某些特殊功能外，里面还安排了许多活动。另外，公园的建筑里也安排了形形色色的活动，就连公园西南的巴黎音乐学院也推出面向大众的活动。公园丰富的游憩活动有： ⑴拉维莱特之屋和保尔大帐篷装饰成了临时的展览厅，主题是《世界文化》和《社会辩论》。 ⑵能随着投射在银幕上的画面的节奏变化而变化的电影院，节目在每个下午播放，每场持续15分钟。 ⑶一块为展示新的杂技艺术形式而永久保留的场地。 ⑷拥有巨大的1000平方米半球形银幕的电影院（节目时间是星期二至星期六的上午10点到晚上9∶30）。 ⑸在夏天的星期天的下午，在folie的周围可以随音乐起舞的场地。 ⑹“访问工作室”（visitsworkshop）全年都有著名的演奏家、诗人等来献艺，不限背景和年龄，人们都可以光顾。 ⑺国际法国语言剧院是一个非常少有的地方，在那里语言和手写结合的作品都可以找到。 ⑻另一处拉维莱特之屋和保尔大帐篷。 ⑼面向大众开放展示法国当时的创作作品的剧院。 ⑽除了授课以外，巴黎音乐学院整个学年还不断推出面向大众的音乐会，在白天或傍晚，有古典或现代的舞蹈、音乐，爵士乐等,还有即席的创作。 ⑾巨大而壮观的国家科学技术展览馆，对不同年龄分别考虑不同的场地展览。 ⑿一艘退役的潜水艇诉说自己的故事。 ⒀新型环境中的骑马。 ⒁经常有现代的新形式演出的场地。 ⒂面向2-5岁小孩的启蒙艺术学习工作室(youngchildrenworkshop)，有大人陪伴和教课。 ⒃特别适合摇滚乐和国际上变化多样的各种走秀的音乐厅。 ⒄介于俱乐部和现代表演厅的场所，厅里能容纳650人听爵士乐、蓝调、摇滚等世界上许多形式的音乐。 ⒅这座建于19世纪60年代，长241米、宽86米的金属框架建筑原本是中央市场大厅，现在完美地扮演它的新角色，用于各种形式的娱乐活动：展览、音乐节、戏剧、贸易展览等。被作为公园较大型的活动场地 之用。 ⒆音乐城：南入口处的综合性建筑，设有音乐博物馆、信息和资料中心、音乐工作室。 拉维莱特公园是开放的城市绿地，公园中随时都充满着各种年龄、各种背景的来自世界各地的游人。青年人在草地上踢球、在铺地上玩滑轮，儿童在主题园中游戏，老人在咖啡店外的大遮阳伞下品着咖啡，各地来 的游人或徜徉在绿荫与阳光中，各异的主题园带来了惊喜，或参加公园安排的丰富活动……公园充满了城市居 民与各地游客互相看、同欢乐的乐趣与生机。
图1拉·维莱特公园的点、线、面三层要素 拉·维莱特公园与雪铁龙公园及其启示 王向荣 林箐 北京林业大学园林学院 (100083) 【提 要】拉·维莱特公园与雪铁龙公园是八十年代后巴黎新建的一系列园林中的代表,也是在欧 洲有影响的现代园林,其设计思想、设计手法及对待传统的态度将会给我们很多启示。 关键词休闲公园解构主义后现代主义中图分类号TU986.617 七十年代以来,在改善城市环境及保护自然生态 思想兴起的同时,为不同阶层、不同年龄的市民提供各种各样活动的休闲公园在欧洲大量出现。结合巴黎市的改建,巴黎建造了一系列现代园林,最著名的有拉·维莱特公园(Parc de la Villette )、雪铁龙公园(Parc Ar d r e -Citroen )和正在建设中的贝尔西(Berc y )公园。这三个园林也是自十九世纪中叶以来在巴黎市建造的最大的园林。由于贝尔西公园还没有完全建成,这里只介绍拉·维莱特公园和雪铁龙公园。 从拉·维莱特公园建成至今,国内专业刊物上介绍它的文章屡有出现,但由于写文章的多为建筑师,他们的兴趣大多在于晦涩的解构主义理论,文章中所附的图片也多为红色的机器般的构筑物和蓝色的长廊,因此给读者的印象是:拉·维莱特公园就是由这两者所构成的,这就是公园的全部。所以,许多园林工作者对这个著名园林颇不以为然:这些东西或许还称得上是建筑,但又怎么称得上是园林呢?然而,在参观了这个公园后,我们的疑问和误解彻底消失了。 拉·维莱特公园位于巴黎市东北角,20多年前这里还是巴黎的中央菜场、屠宰场、家畜及杂货市场。当时牲畜及其它商品就是由横穿公园的乌尔克运河(Canal de l ′ Ourcq )运来。1974年这处百年历史的市场被迁走后,德斯坦总统建议把拉·维莱特建成一座公园,后来密特朗总统又把其列入纪念法国大革命200周年巴黎建设的九大工程之一,并要求把拉·维莱特建成一个属于二十一世纪的、充满魅力的、独特的并且有深刻思想含义的公园。它既要满足人们身体上和精神上的需要,同时又是体育运动、娱乐、自然生态、工程技术、科学文化与艺术等等诸多方面相结合的开放性的绿地。公园还要成为世界各地游人的交流场所。 1982年举办了公园的设计竞赛,评委会主任由著名的巴西风景园林师马尔克斯(Burle Marx )担任。在41个国家递交的471件作品中,选出了9个一等奖,后经过第二轮的评选,建筑师屈米(Bernard T schumi )的方案中奖。 约55公顷的拉·维莱特公园环境十分复杂,东 西向的乌尔克运河把公园分成南北两部分。南部有十九世纪60年代建造的中央市场大厅,这座241米长、86米宽的金属框架建筑在市场迁走以后改成了展览馆及音乐厅。大厅南侧是著名建筑师包赞巴克(Christian de Portzam p arc )设计的音乐城。公园北部是国家科学技术与工业展览馆。 公园主要在三个方向与城市相连:西边是斯大林格勒广场,以运河风光与闲情逸致为特色;南边以艺术气氛为题;北面展示科技和未来的景象。 屈米通过一系列手法,把园内外的复杂环境有机地统一起来,并且满足了各种功能的需要。他的设计非常严谨,方案由点、线、面三层基本要素构成(图1)。屈米首先把基址按120×120米画了一个严谨的 方格网,在方格网内约40个交汇点上各设置了一个 耀眼的红色建筑 (彩图一),屈米把它们称为“Folie ”,它们构成园中“点”的要素。每一Folie 的形状都是在长宽高各为10米的立方体中变化。Folie 的设置不受已有的或规划中的建筑位置的限置,所以有的Folie 设在一栋建筑的室内,有的由于其它建筑所占去的面积而只能设置半个,有的又正好成为一栋建筑的入口(彩图二)。可以说方格网和Folie 体现了传统的法国巴洛克园林的逻辑与秩序。 有些Folie 仅仅做为“点”的要素出现,它们没有使用功能。而有些Folie 做为问询、展览室、小卖饮食、咖啡馆、音像厅、钟塔、图书室、手工艺室、医务室之用,这些使用功能也可随游人需求的变化而改变。很多Folie 的
解读荷兰建筑师冉·库哈斯设计风格 冉·库哈斯,1944年出生于荷兰鹿特丹,早年曾从事剧本创作并当过记者。1968-1972年转行学建筑,就读于伦敦一所颇具前卫意识的建筑学院Architecture Association。从那时起,他对当代文化环境下的建筑现象就开始表现出与众不同的兴趣。1972年,Harkness研究奖学金使他得以在美国生活和工作了很长一段时间。1972至1979年间,他曾在当时建筑界很知名的Ungers 事务所以及Peter Eiserman的纽约城市规划/建筑研究室工作过,同时也在耶鲁大学和加州大学洛杉矶分校执教。1975年,库哈斯与其合作者共同创建了OMA事务所,试图通过理论及实践,探讨当今文化环境下现代建筑发展的新思路。 冉·库哈斯的许多研究,包括建筑作品都令人不解甚至迷惑,但不能不说他是当今最富有浪漫及乌托邦色彩的建筑师,是建筑师中的艺术家。他之所以引起许多青年学生或建筑师莫名的崇拜,无疑与他旗帜鲜明地维护现代主义精神,具有无限创造激情有很大的关系。 早在1978年,库哈斯就将关于”纽约”这个城市的研究,纳入《癫疯的纽约--曼哈斯的宣言》一书中。在这本书里,他设计了一系列虚构的”故事”,如:囚禁中的城市(The City Of the Captive globe)、斯芬克斯旅店(Hotel Sphinx)、福利宫殿大厦(Welfare Palace Hotel)、游泳池的故事(The Story Of the Pool)。 他想证明,即使是建筑上最不重要的细节,它所展现的永久性和大都会不断变更的不稳定性也是互不相容的。在这场冲突中,大都会无疑是胜利者。在这个事实不断渗透的现实中,建筑被降格至一件玩物的位置上,它不过是历史和记忆幻影的装饰载体。在曼哈顿,这个冲突用一种聪明的方法解决了:一座变化发展的建筑都应具备纪念性的氛围和内在(表现)操作的不稳定性这样的双重关系。它的室内是不同计划和活动的动态组合,不断改变,但又独立于建筑外表。曼哈顿的”天才”之处在于建筑外表和其内部表现之间的简单分裂,它保留了建筑外部形象的完整性,这才是曼哈顿真正的迷人之处。这个观点所展现的大都会”拥挤文化”(Culture of Congeston)不再是令人遗憾和不可原谅的,而是充满机会和所有潜在可能性的令人兴奋的文化现象。 这本书透视出冉·库哈斯乐观的现代主义精神,以及对当今一切文化现象宽容的接受。它奠定了冉·库哈斯作业名尚未有一件建筑作品的梦想建筑师地位,也改变了我们这一代青年建筑师对城市、对建筑的传统理念,如果说二十年代的前辈建筑大师勒·柯布西埃(Le Corbusier)所写的《走向新建筑》是本世纪初工业社会的建筑宣言,那么《癫疯的纽约》则是本世纪末消费社会的建筑与都市宣言,带来的是与前者同样的社会震撼力。 《癫疯的纽约》之后,库哈斯几乎花了二十年不停地建筑,努力实现或证实他早年在书中所提出的建筑理想和宣言,特别是外表与内在行为简单分裂论。 在外表上,库哈斯试图给人一种漫不经心的轻松的感觉,并没有对内部发生的一切有任何的暗示;而实际上,他却对其内部展示的”空”表现了极大的热情。建筑与都市内的”空”并非”真空”,他要给你一切的可能性,调动你的激情,幻想”虚无”。他要创造一种让你有无限欲望,要进去窥视的”空”,在建筑和大都会的空间里去创造一种拥挤的文化。正如勒·柯布西埃、马塞尔·杜尚曾经给后人设下的无数令人迷幻的陷井一样,库哈斯这位天才建筑师也给我们这代人设下了迷人的圈套: 1. Villa Dall’Ava住宅(巴黎,1991完成) 毫无疑问,冉·库哈斯对希望生活在这座玻璃盒子里面的主人们产生了好奇心。而所有的以上片段只是这种好奇心贯穿于整个漫长的建筑构造过程中的一种故事性的积累。 2. Grand Palais, Lille(法国,1996年第一阶段完成) 无修饰的木夹板、镀锌铁皮、未作表面处理的混凝土、裸露的荧光管,这一切均无娇造作之感。库哈斯在自己的建筑作品里对于细节大样或多或少显得轻松自如,并愿意去使用这些很
解读库哈斯央视新总部大楼 雷姆-库哈斯是荷兰建筑师,五十多岁了,为了支持中国的建筑现代化事业,不远万里,来到中国。——拟毛泽东《纪念白求恩》 众多人被库哈斯央视总部大楼的“怪相”激怒,有两个原因:外因是库哈斯的设计“怪”。首先,库哈斯本来就是剧作家和记者出身,他深知“戏剧性”和“耸人听闻”在一个传媒社会中的重要性。其次,库哈斯被公认为是当今世上最“前卫”的建筑师。为了“激进”,必须“激进”。30年来,不管是建筑理论还是建筑设计,库哈斯一直坚持着“语不惊人死不休”的作风。如果这次他的央视总部大楼落得一个”雅俗共赏”、全国上下“拍手称快”的结局,岂不是库哈斯的最大失败? 内因是那些被激怒的人“少见多怪”。他们多是持一种衰老的心态,表面上声称不喜欢“招摇”的东西,偏好“宁静致远”,实际上是他们的眼光早已被周遭充斥的平庸的大楼、甜媚的建筑装饰物给毁了。 平心而论,相比库哈斯的许多其他极富创意的作品来说,央视总部大楼在设计构思上并不算一个“石破天惊”的作品。当然,库哈斯从前的所有最激进的设计都局限在多层建筑上,而对央视大楼这一超高层项目,技术和经济上的限制当然会在设计构思中起巨大的制约作用。 暂且不管该建筑扭曲的形体,撇开库哈斯本人充满夸饰的解释,央视总部大楼的总体设计构思其实很简单明了:不重复通常摩天楼作为单栋塔楼向空中追求绝对高度的老套做法,而是将摩天楼设计成一个高度适中的综合体——一个“巨环”。或者,更直截了当地说,是将整个项目先分为两栋摩天楼,然后分别在地面和空中将两栋楼联结起来。 摩天楼在地面相联结的做法实在平常不过,没有讨论的意义。而抛开具体的形式不谈,摩天楼在空中相联结这个总体思路也并不是横空出世的想法,而是众多建筑师们长期对摩天楼设计进行不懈探索的一个延续。 事实上,在20世纪初,当摩天楼这种建筑类型刚在美国出现不久,一些建筑师和艺术家便开始幻想起各种高层建筑在空中联结的场景了,不过那时还只能停留在浪漫的想象阶段(图1~5)。到了20世纪60年代,越来越多的建筑师开始意识到单栋摩天楼的局限性:楼层越高便越失去与城市地面和其他建筑之间的联系,而成为完全孤立的“空中楼阁”。当时甚至有建筑理论家批评美国城市中的摩天楼群已经成为从城市生活中“异化”出来的“失去魅力的山峰”。1960~1970年间,在技术进步的乐观情绪鼓动下,建筑师们改天换地的雄心呈指数般地增长,一时间关于摩天楼群在空中相互联结而形成一个“立体城市网络”的设想蔚然成风(图6,7)。但深具讽刺意义的是,实际上当时很少有建筑师以真正切实的态度直面经济、技术、政治、生态等诸多因素的限制,因而众多“空中城市”的设想并没有可实施性,而仅仅是图面上的狂想。20世纪80~90年代,在少数发达国家中,一些建筑师开始利用其成熟的经济、技术条件,以一种更务实的态度探讨摩天楼的空中联结问题(图8),并且其中有几个作品最终得以建成,成为当地的标志性建筑(图9,10)。 值得一提的是,由于对结构安全的考虑、经济与技术条件的限制和审美观念的影响,长期以来绝大多数建筑师对摩天楼空中联结的设计都局限在“垂直塔楼+水平联结”的单一思路中。特倒是1992年美国建筑师彼德•埃森曼为柏林设计的摩天楼(图1 1)。它本质上仍是一个空中相连的双塔楼,但其外墙表面连续的折面,形成一个极富整体感和动感的形象:一栋塔楼自地面向上腾起,在空中扭转,自然地“变”成另一栋塔楼,然后降回地面。该设计终究未能建成,技术的难度和造价问题是导致该方案流产的重要因素之一。有趣的是,当有人询问该设计的构思时,埃森曼半开玩笑地解释道:“所有的摩天楼都是垂直向上‘勃起’,以显示阳具般的威力,而我坚决反对男性中心主义,所以我的摩天楼是一个单性生物。它折叠向上之后再扭曲回来,插入自身,从而可以自我繁殖、生生不息……”② 埃森曼的说法虽然过于玩世不恭,却与库哈斯对央视总部大楼设计的构思有异曲同工之
四川建筑第39卷1期2019.2 策略性 设计 ———屈米与库哈斯的拉维莱特公园 苏宛仪，刘 敏 （西南交通大学建筑与设计学院，四川成都610000） 【摘要】20世纪后期城市发展显现脉络消解的特征，迫切需要新元素来打破藩篱。伯纳德·屈米与 雷姆·库哈斯的拉维莱特公园设计正是对这一时期城市公园转型及城市发展的探索。屈米以抽象调解为概念，以点线面为系统，来调解基地与超越城市功能和其他概念的关系；库哈斯将城市基础设施和网络作为基 本框架， 以分区条带和叠加系统构建新的城市结构。文章在此基础之上，剖析两个方案设计策略，展现设计中由问题引向策略主导方案设计的重要性。 【关键词】拉维莱特公园；屈米；库哈斯； 策略性设计 【中图分类号】TU －86 【文献标志码】A ［定稿日期］ 2018－06－18［作者简介］苏宛仪（1994 ），女，在读硕士研究生，研究方向为园林规划与设计。 在20世纪下半叶，城市的发展纠葛于资本主义都市本质，在瞬息万变的社会现实和风起云涌的建筑浪潮几重交错 的关系下城市发展显得扑朔迷离， 探索新的城市设计模式迫在眉睫。以拉维莱特公园为契机，屈米和库哈斯的拉维莱特 设计方案不约而同地着眼于城市设计的可持续问题。尝试为城市、 地段、内容和建筑体之间设计一个媒介装置，以此来解析当代城市的分裂与断续，阐述时代发展中城市结构、内容演变两大适应未来城市设计的关键问题。所有这些构筑了全新的城市景观，新的城市设计策略浮出水面，为日新月异的城市发展提供了媒介探索的潜力和可能。本文从设计 师的角度出发， 通过对两个方案的比较研究，探讨拉维莱特公园设计方案背后体现的深层城市设计策略。在这里“策 略” 指的是架构操作工具和策略实施的通用架构概念，是整个设计过程中的行动模式。 1拉维莱特公园方案概述 20世纪80年代，传统的巴黎在脉络消解的城市背景下 首当其冲， 大都市区即巴黎整个城市发展进入“战备状态”。1980年密特朗接任法国总统，启动巴黎重生计划，意在使巴 黎成为欧洲的文化中心。在市域东北角最大一块“遗珠”何去何从背景下， 拉维莱特公园设计竞赛应运而生。竞赛内容清晰地表明， 公园在城市中扮演的角色要被重新确立———城市公园应当适应瞬息万变的城市特征，公园应该被纳入城市并和城市融为一体。 1．1屈米的拉维莱特公园方案 屈米的方案以“事件－空间”为核心，以点、线、面构成三个相互叠加的系统， 城市活动由功能灵活的实体空间诱导展开，由此在形式与内容、空间与事件之中同时包含分裂并置。点是30多个规律排布的间隔10m 的大型红色构架，作为分裂空间的焦点和控制者，形式灵活，可容纳不同的特殊功能。线是两条长约900m 的交通系统，是贯穿并串联公园内大多 数景点的 “电影漫步道”。面系统则是公园内的草地、植被、水体，以及10个风格各异，造型丰富的主题园，涵盖多种功 能（图1）。无论是垂直重叠还是水平分裂， 屈米的拉维莱特公园体现着“事件－空间－人”三者之间的系统偶然性和随机性，建筑使用的不确定性对应着城市未来的无限可能 。 图1 屈米的拉维莱特公园设计 1．2库哈斯的拉维莱特公园方案 库哈斯的方案以水平条带及人工景观两大部分为主，其 中人工景观包含三个不同的叠加层面。首先， 水平条带作为东西向场地分区的主要基底层面，由宽50m 的带状结构按 规律水平排布，且水平条带在南北向相接。如此均匀连接的设计不仅控制了场地区域流量，同时也考虑了场地活动必要的交互性。三个人工景观叠加层面分别为点格层面、交通环线层面以及特定元素层面。点格即商铺、 廊亭等必要游憩功能设置。交通环线即连接公园各个区域的路径交通系统，特定元素即公园中现存及新修建的大体量构筑物（图2）。三 4 2·建筑论坛与建筑设计·
河北工程大学建筑学院2011年 景观建筑学结课论文 拉维莱特公园与解构主义 专业建筑技术科学 学生王乐 指导教师李庆红 学号 10076100016 河北工程大学建筑学院 2011年1月5日
拉维莱特公园与解构主义 学生：王乐指导教师：李庆红 概述：本文探讨了法国后结构主义的发展，并结合实例分析了法国景观中的解构主义发展。 一、从结构主义到后结构主义 从20 世纪30 年代末到60 年代初，在法国思想界盛行的是种种人道主义思潮，即人格主义、价值哲学、新马克思主义和存在主义等思潮，其中，以萨特为代表的存在主义最为活跃。按照后结构主义最著名的代表人物德里达的看法，它们源自于当代思想家对黑格尔、马克思、胡塞尔和海德格尔等哲学大师的作品的人类学读解。 结构主义作为存在主义的对立面出现。针对存在主义主体、意识、个体、存在、本质、历史性等概念，结构主义借助语言学(主要是结构语言学) 的成果，提出了主体离心化、无意识、结构、意指、模式、共时性等概念。存在主义的生存领会关心的是个体及其主观性，而结构主义的结构分析关注的是结构和客观性。在60 年代的法国，哲学家、文化思想史家福柯，精神分析学家拉康，新马克思主义者阿尔都塞，文学理论家、符号学家巴尔特等人，在各自的研究领域内发表了许多作品，形成一股强大的思潮，很快就取代了存在主义在法国思想界的统治地位。 然而，好景不长，正当它在法国占据学术思想舞台，并向世界范围扩大影响之时，其内部出现了严重分歧，进而产生了分化，导致了后结构主义的产生。结构主义的分化源自于其内部的保守和激进两种倾向的斗争。在60 年代中后期，一部分结构主义者继续肩负结构分析的“科学使命" ，他们维护列维斯特劳斯依据索绪尔的语言学模式静态地分析一切社会文化现象的努力，以二元对立结构阐释文学和艺术，仍然致力于建设结构主义诗学或叙事学。其中最著名的是文学理论家格雷马、布雷蒙、托多洛夫等人，他们被称为“真正的结构派" 。 与此同时，德里达、巴尔特、克里斯蒂娃、福柯、拉康等人开始对列维斯特劳斯表示不满，把他看作保守派，看作西方逻各斯中心论的最后堡垒。这批人放弃了他们原先追求的科学目标，走向了更具批判性，同时也更具游戏色彩的后结构主义。通常，人们把德里达于1966 年在约翰?霍普金斯大学所作的
雷姆·库哈斯 ?简介 ?作品 雷姆?库哈斯(Rem Koolhass)，1944年出生于荷兰鹿特丹，幼年在印度尼西亚度过，后移居阿姆斯特丹，早年曾从事剧本创作并当过记者，1968至1972年他转行学建筑，就读于伦敦一所颇具前卫意识的建筑学院ＡｒｃｈｉｔｅｃｔｕｒｅＡｓｓｏｃｉａｔｉｏｎＳｃｈｏｏｌ。从那时起，他对当代文化环境下的建筑现象就开始表现出与众不同的兴趣。1972年，Ｈａｒｋｎｅｓｓ研究奖学金使他得以在美国生活和工作了很长一段时间。1972至1979年间，他曾在当时建筑界很知名的Ｕｎｇｅｒｓ事务所以及ＰｅｔｅｒＥｉｓｅｒｍａｎ的纽约城市规划、建筑研究室工作过，同时也在耶鲁大学和加州大学洛杉矶分校执教。1975年，库哈斯与其合作者共同创建了ＯＭＡ事务所，试图通过理论及实践，探讨当今文化环境下现代建筑发展的新思路。 他的著作《错乱的纽约》，被认为是研究纽约文化和建筑的经典著作；其城市论著《小、中、大、特大》(《ＳＭＬＸＬ》)被建筑系学生称为建筑圣经。 库哈斯参与的项目包括法国里尔市总体规划、美国洛杉矶环球影城总部规划等。其设计作品曾获得多种奖项，其中包括全球建筑界的最高奖——普利兹克奖。 雷姆?库哈斯的许多研究，包括建筑作品都令人不解甚至迷惑，但不能不说他是当今最富有浪漫及乌托邦色彩的建筑师，是建筑师中的艺术家。他之所以引起许多青年学生或建筑师莫名的崇拜，无疑与他旗帜鲜明地维护现代主义精神、具有无限创造激情有很大的关系。 目前他是荷兰大都会建筑事务所的首席设计师、哈佛大学教授。 建筑成就： 当今建筑评论者将库哈斯归类至所谓解构建筑师的行列中，并非无迹可循；早年在报社记者与剧本写作的经验影响了库哈斯对于建筑与都市的诠释角度，其富有幻想的设计构想，嘲讽的解读方式，蒙太奇式的建筑表现手法，一再的颠覆了人们对于环境既有的看法。