探讨绘画基础在建筑设计中的作用
发表时间：2019-03-06T12:25:07.203Z 来源：《建筑学研究前沿》2018年第33期作者：张璐凡
[导读] 近些年来，随着人们审美水平的不断提高，建筑设计越来越受到人们的重视。建筑设计是指通过一系列的设计规划来使建筑物在能够发挥其特定功能的前提下更加美观的科学艺术，其重要基础就是绘画艺术，绘画艺术在建筑设计中往往发挥着至关重要的张璐凡
山东省实验中学 250000
摘要：近些年来，随着人们审美水平的不断提高，建筑设计越来越受到人们的重视。建筑设计是指通过一系列的设计规划来使建筑物在能够发挥其特定功能的前提下更加美观的科学艺术，其重要基础就是绘画艺术，绘画艺术在建筑设计中往往发挥着至关重要的作用。本文重点阐述了绘画在现代建筑设计的作用并分析了绘画在现代建筑设计中的应用。
关键词：绘画基础；建筑设计；作用；应用
一、绘画在现代建筑设计的作用
绘画基础作为建筑设计的前提，在建筑设计发展过程中发挥了十分重要的作用。纵观建筑的发展历史，绘画审美水平的提高总是在一定程度上推动了建筑设计相关产业的发展。绘画基础与现代建筑设计之间有着密切的关系，是值得我们深入研究和思考的。
1.提高建筑设计人员的艺术素质
就目前情况来看，从事建筑设计的人员往往没有较高的艺术素养，绘画水平普遍较低，这在一定程度上影响着建筑设计的质量和水平。建筑设计水平的提高需要从事建筑设计的相关人员具有一定的绘画基础和较高的艺术审美能力，通过生活中的观察体会来设计出独具特色的建筑。绘画基础能够潜移默化的提高建筑设计人员的艺术素养，帮助建筑设计人员更好的理解相关知识，形成自己的建筑设计风格。
2.能使建筑人员的建筑作品更具有生命力
生命力是建筑物的灵魂，优秀的建筑设计能够赋予建筑物独特的美学气质，而一定的绘画基础则可以使建筑更加具有生命力。在全球化日益发展的今天，东西方文化交流也愈发密切，只有设计出具有生命力的建筑物才能在建筑设计理念更迭日益迅速的世界发展大潮中拥有稳定的地位，而绘画基础则能够通过建筑设计使建筑物更加具有生命力。通过对绘画基础的培养，建筑设计人员在进行建筑设计时才能够在满足建筑物各项功能的前提下赋予建筑物以独特的生命力。
3.能增加建筑设计作品的多元性
现代建筑的设计正在逐渐向着多元化的方向发展，而绘画基础则能够在一定程度上保证建筑设计的多元性。我国的历史源远流长，绘画风格也多种多样，一定的绘画基础可以为建筑设计人员提供更加丰富的灵感，丰富建筑设计的内涵。例如，具有一定绘画基础的建筑设计人员可以把中国民间传统绘画艺术与西方艺术结合起来，结合自己的思考和对生活的理解来设计出独具特色的建筑物。另一方面，建筑设计过程需要考虑到构图、布局等因素，一定的绘画基础可以帮助建筑设计人员更好的把想象变为现实，完成现象与现实之间的转换，达到理想的表现效果。建筑设计的多元性和差异性使得建筑物不再单调乏味，促进了建筑产业的发展，为建筑产业的发展注入了新的动力。
二、绘画基础在建筑设计中的应用
1.绘画基础在建筑规划设计上的应用
城市建筑设计中，最重要的就是规划设计。在有关建筑方案得到实施之前，设计方应该提供完整的规划设计方案。绘画艺术讲究构图，建筑设计同样也要考虑建筑之间的搭配问题，只有明确了建筑设计的用途以及周围环境设计的要求，才能科学正确的设计出合理的建筑设计方案。例如北京的故宫，在充分考虑周围的环境之后，各个宫殿之间的搭配使得故宫的立体感、层次感分明，给人以美的享受，这就是建筑设计与绘画艺术结合起来所能产生的巨大影响力。除此之外，西安大唐芙蓉园同样也深刻体现着绘画艺术在建筑规划设计方面的巨大作用，古代设计师结合当地的历史文化和山形地貌，充分利用景区周边资源才规划设计出了如此精美的作品。绘画艺术设计在建筑设计中的规划设计方面起到了十分重要的作用，历史上很多有名的建筑物都体现着这一点。
2.绘画基础在建筑色彩搭配上的应用
绘画艺术中色彩的交替使用同样发挥着至关重要的作用，色彩可以传达情感、表明态度甚至可以帮助人们沟通交流。合理的色彩搭配可以使得建筑物之间的联系更加密切，让人赏心悦目。色彩搭配同样在很大的程度上体现着艺术思维，在南方很多城市中，冷色调的应用十分普遍，这主要是因为南方一年四季的气候相对比较宜人，冷色调可以使颜色的配置更加的合理协调。色彩在一定程度上直接影响着人类的感官，甚至影响着身心健康。绘画艺术中色彩搭配发挥着十分重要的作用，这就要求设计师应该有敏感的色彩感知能力，在生活中积极观察各种色彩的应用场合，大胆创造性地提出色彩搭配方案，提高城市建筑设计中的色彩应用水平。
3.绘画基础在空间体现上的应用
绘画艺术在建筑设计中的空间层次方面同样发挥着十分重要的作用，建筑设计同样要考虑层次感之间的布局搭配。景观格局一般是指在建筑设计过程中大小不同、形状各异的空间要素之间的搭配排列形式，这在建筑设计中尤为重要。有很多城市人流量相对较大，这时建筑设计的好坏就直接影响着城市能否高效地运行，这主要是由城市立体化空间设计搭配决定的。立体化设计就要充分利用空间资源，在考虑设计之间相互搭配的过程中做到主次分明，把人们的活动空间划分为多个区域，充分体现空间层次的差异性。
4.绘画基础在审美意境上的应用
古人一直把意境作为人生中十分关键的一部分，而建筑设计与绘画艺术的意境有着一定的相似性。绘画艺术十分重视构建人与自然的会和谐关系，在绘画的过程中充分体现人与自然和谐相处的理念，在这当中“外师造化，中得心源”的理念深刻影响着现在的绘画艺术的发展。在城市建筑设计中，同样考虑着建筑之间的相互影响以及功能区分，希望通过合理的建筑物搭配来实现对意境的追求。城市建筑设计更加追求与社会的和谐统一，充分考虑建筑物之间的搭配，通过设计师匠心独具的设计来完成意境方面的创作。
课题：静物结构素描 授课人：孔佑璇 课时：1课时 授课类型：新授课 教学目的：理解掌握物体内部结构，提高抓形能力 教学重点：理解物体内部结构 教学难点：如何去表现物体的内部结构 教具准备：课件、范画 学具准备:绘画工具 教学方法：示范、启发、引导、讨论、欣赏、体验 教学过程： 一、组织教学，导入新课题。 二、复习旧知识 什么是结构？怎样去找物体的结构（师生一起回忆旧知识） 二、讲授新知识 在画前，首先要观察分析形体的结构特征 内容有： ①、形体特点（物体是方的？圆的？规则的？不规则的?） ②、高宽比例(单个物体高宽的比例、一组静物中各个静物之间的比例) ③、空间位置的比较（前后左右） ④、虚实比较（前实后虚、主实次虚）
⑤、形体的衔接关系、物体边缘线位置以及结构钱的隐现等等。 作画步骤：（老师一边示范一边讲解） 步骤一：从长线分割画面空间，确定大体构图，运用描绘单个物体的基本形的方法，画出所有物体的基本形态。 步骤二：从主体物开始，运用线条造型方法，画各物体的形、结构。用线要注意轻重、浓淡、宽窄的变化，主次关系。把物体各部位的透视开关画准确。 步骤三：画出明暗交接线的位置，把背光部位和投影稍加渲染。 步骤四：认真检查，整理画面的各种关系使之准确、协调，调整完善画面。 四、课堂训练 指导学生正确的观察方法，指导学生整体刻画，处理好画面效果。 五、布置作业 临摹范画，多练习，从整体入手，先掌握大的结构关系。 六、课堂总结 本课重点解决结构素面的立体认识，结构认识及透视关系。要解决这些问题，可以做针对性的练习。 七、教学反思 大部分同学能够掌握静物素描的作画步骤及结构，但还有部分同学还学课下多联系，充分利用时间才能把握整体画面效果。
论中国画学习中临摹的作用
摘要： 临摹是中国画学习方法中十分重要的一个环节，其中“传移模写”乃是南齐谢赫提出“六法”之一，也是古人对于临摹一说提出的最系统性的理解，这一法凝结了各朝各代诸位绘画艺术家的智慧与努力，从古至今，它不仅仅是习画者的必经之路，同样也在中国画艺术精神传承中起到了巨大的作用。本文将从以下几个观点浅析中国画学习中临摹的作用：一：“传移摹写”与临摹的含义特征、二：临摹对于绘画技法以及古人艺术精神的传承、三：临摹在中国画学习中的位置。 关键词：临摹中国画传移模写 一：“传移摹写”与临摹的含义特征 “传移摹写”（或作‘传摹移写’）出自南齐谢赫所著《古画品录》一书，“传移摹写”○1便是其提出的“六法”之一。而后人对于其含义的阐述多有误区，认为“传移摹写”就是仅仅模仿前人画作 的创作手法，而忽略了作者绘画思想、艺术精髓方面的意义。由于 古人在文字表达方面其中含义更加丰富，所以我们把这四个字拆开 逐一解释。 “传”，在唐朝之前已经有很多画论提及，有“传达”、“传播”、“传授”、“递送”等意思。中国画在我国古代艺术领域的地位不 可撼动，而因为古代印刷术的短板，古人的东西想要传递下去，就 需要临摹，传承、发展。临摹并不仅仅是将古人的画作进行机械式 的复制，而要在其过程中将古人绘画中的规律以及绘画精神传承下
去。在这个过程中临摹者的作品就已经实现了传承，他们所流传的作品中已经蕴含了绘画之道。把“传移模写”放在“六法”中的最后一法也大有将就，因前五法皆可传递。 “移”，即、“传移”、“移情”，古人用“移情”这两个字可谓恰到好处，因为美好的东西总会让人们产生感情与共鸣。凡是对“画道”稍微有见解的人都不会无脑的复制古画，而是在临摹的过程中把自己的感情融入到画面中，去感受当时古人的思想感情，这样才能掌握“传移模写”真正的意念。国画非常注重寓情于景、表达意境，用移情这种方法可以与古人在某点上达成共鸣，那便是我们所能学到和传承之处。 “模”，通“摹”，也就是临摹的意思，传移靠的便是摹写，摹就是“传移”过程中的运作方法，我们掌握的一些绘画规律，慢慢的就能在临摹的过程中产生共鸣，当这种共鸣越来越多时，感情就会融入到临摹的作品当中。 “写”，与“移”相对应，即为“移”而服务，即通过“写”来达到空间上的“移”。再临摹过后掌握古人的绘画之道，了解古人的绘画精神，再“写“到自己的作品当中。 “传移模写”生生相惜缺一不可，而在近现代的绘画艺术发展过程中，由于西方绘画思想、绘画观念的冲击，让中国画的传承受到不小的影响。当代中国画学习者多在绘画技法的表面下功夫，而不去理解古人的绘画思想、艺术精神，也就未能做到“传移”。 然而我们不得不重新审视“临摹”二字，字面上看仅仅是照着作品复制，然而其作用更具创造性，同时兼备主观意识，从而使得有别于复制过程。所以“临摹”不是单纯的复制，它不仅仅掌握中国画的基本技法，同时也传承了古人丰富的艺术思想。古代大画论家顾
探讨绘画基础在建筑设计中的作用 发表时间：2019-03-06T12:25:07.203Z 来源：《建筑学研究前沿》2018年第33期作者：张璐凡 [导读] 近些年来，随着人们审美水平的不断提高，建筑设计越来越受到人们的重视。建筑设计是指通过一系列的设计规划来使建筑物在能够发挥其特定功能的前提下更加美观的科学艺术，其重要基础就是绘画艺术，绘画艺术在建筑设计中往往发挥着至关重要的张璐凡 山东省实验中学 250000 摘要：近些年来，随着人们审美水平的不断提高，建筑设计越来越受到人们的重视。建筑设计是指通过一系列的设计规划来使建筑物在能够发挥其特定功能的前提下更加美观的科学艺术，其重要基础就是绘画艺术，绘画艺术在建筑设计中往往发挥着至关重要的作用。本文重点阐述了绘画在现代建筑设计的作用并分析了绘画在现代建筑设计中的应用。 关键词：绘画基础；建筑设计；作用；应用 一、绘画在现代建筑设计的作用 绘画基础作为建筑设计的前提，在建筑设计发展过程中发挥了十分重要的作用。纵观建筑的发展历史，绘画审美水平的提高总是在一定程度上推动了建筑设计相关产业的发展。绘画基础与现代建筑设计之间有着密切的关系，是值得我们深入研究和思考的。 1.提高建筑设计人员的艺术素质 就目前情况来看，从事建筑设计的人员往往没有较高的艺术素养，绘画水平普遍较低，这在一定程度上影响着建筑设计的质量和水平。建筑设计水平的提高需要从事建筑设计的相关人员具有一定的绘画基础和较高的艺术审美能力，通过生活中的观察体会来设计出独具特色的建筑。绘画基础能够潜移默化的提高建筑设计人员的艺术素养，帮助建筑设计人员更好的理解相关知识，形成自己的建筑设计风格。 2.能使建筑人员的建筑作品更具有生命力 生命力是建筑物的灵魂，优秀的建筑设计能够赋予建筑物独特的美学气质，而一定的绘画基础则可以使建筑更加具有生命力。在全球化日益发展的今天，东西方文化交流也愈发密切，只有设计出具有生命力的建筑物才能在建筑设计理念更迭日益迅速的世界发展大潮中拥有稳定的地位，而绘画基础则能够通过建筑设计使建筑物更加具有生命力。通过对绘画基础的培养，建筑设计人员在进行建筑设计时才能够在满足建筑物各项功能的前提下赋予建筑物以独特的生命力。 3.能增加建筑设计作品的多元性 现代建筑的设计正在逐渐向着多元化的方向发展，而绘画基础则能够在一定程度上保证建筑设计的多元性。我国的历史源远流长，绘画风格也多种多样，一定的绘画基础可以为建筑设计人员提供更加丰富的灵感，丰富建筑设计的内涵。例如，具有一定绘画基础的建筑设计人员可以把中国民间传统绘画艺术与西方艺术结合起来，结合自己的思考和对生活的理解来设计出独具特色的建筑物。另一方面，建筑设计过程需要考虑到构图、布局等因素，一定的绘画基础可以帮助建筑设计人员更好的把想象变为现实，完成现象与现实之间的转换，达到理想的表现效果。建筑设计的多元性和差异性使得建筑物不再单调乏味，促进了建筑产业的发展，为建筑产业的发展注入了新的动力。 二、绘画基础在建筑设计中的应用 1.绘画基础在建筑规划设计上的应用 城市建筑设计中，最重要的就是规划设计。在有关建筑方案得到实施之前，设计方应该提供完整的规划设计方案。绘画艺术讲究构图，建筑设计同样也要考虑建筑之间的搭配问题，只有明确了建筑设计的用途以及周围环境设计的要求，才能科学正确的设计出合理的建筑设计方案。例如北京的故宫，在充分考虑周围的环境之后，各个宫殿之间的搭配使得故宫的立体感、层次感分明，给人以美的享受，这就是建筑设计与绘画艺术结合起来所能产生的巨大影响力。除此之外，西安大唐芙蓉园同样也深刻体现着绘画艺术在建筑规划设计方面的巨大作用，古代设计师结合当地的历史文化和山形地貌，充分利用景区周边资源才规划设计出了如此精美的作品。绘画艺术设计在建筑设计中的规划设计方面起到了十分重要的作用，历史上很多有名的建筑物都体现着这一点。 2.绘画基础在建筑色彩搭配上的应用 绘画艺术中色彩的交替使用同样发挥着至关重要的作用，色彩可以传达情感、表明态度甚至可以帮助人们沟通交流。合理的色彩搭配可以使得建筑物之间的联系更加密切，让人赏心悦目。色彩搭配同样在很大的程度上体现着艺术思维，在南方很多城市中，冷色调的应用十分普遍，这主要是因为南方一年四季的气候相对比较宜人，冷色调可以使颜色的配置更加的合理协调。色彩在一定程度上直接影响着人类的感官，甚至影响着身心健康。绘画艺术中色彩搭配发挥着十分重要的作用，这就要求设计师应该有敏感的色彩感知能力，在生活中积极观察各种色彩的应用场合，大胆创造性地提出色彩搭配方案，提高城市建筑设计中的色彩应用水平。 3.绘画基础在空间体现上的应用 绘画艺术在建筑设计中的空间层次方面同样发挥着十分重要的作用，建筑设计同样要考虑层次感之间的布局搭配。景观格局一般是指在建筑设计过程中大小不同、形状各异的空间要素之间的搭配排列形式，这在建筑设计中尤为重要。有很多城市人流量相对较大，这时建筑设计的好坏就直接影响着城市能否高效地运行，这主要是由城市立体化空间设计搭配决定的。立体化设计就要充分利用空间资源，在考虑设计之间相互搭配的过程中做到主次分明，把人们的活动空间划分为多个区域，充分体现空间层次的差异性。 4.绘画基础在审美意境上的应用 古人一直把意境作为人生中十分关键的一部分，而建筑设计与绘画艺术的意境有着一定的相似性。绘画艺术十分重视构建人与自然的会和谐关系，在绘画的过程中充分体现人与自然和谐相处的理念，在这当中“外师造化，中得心源”的理念深刻影响着现在的绘画艺术的发展。在城市建筑设计中，同样考虑着建筑之间的相互影响以及功能区分，希望通过合理的建筑物搭配来实现对意境的追求。城市建筑设计更加追求与社会的和谐统一，充分考虑建筑物之间的搭配，通过设计师匠心独具的设计来完成意境方面的创作。
色彩在绘画中的作用 色彩是绘画的重要艺术语言，也是一种重要的表现手段和必要的条件之一。在绘画中色彩起着独特的作用。它对塑造人物、描绘景物，可以起到引人入胜、增强作品艺术效果的作用。巧妙地运用色彩，能使美术作品增加光彩，给人的印象更强烈、更深刻，塑造的艺术形象，能够更真实、更准确和更鲜明地表现生活和反映现实，因而也就更富有吸引力和艺术感染力。我们经常看到，有的绘画作品，虽然构图一般，但由于色彩处理得恰当，还是能吸引观众。与此相反，有的作品，如果在构图、素描、透视、解剖等方面都具有一定水平，但在色彩处理和运用上存在问题，这幅作品就逊色了。 一张描绘工人形象的油画肖像画，形体结构和神态表现都很好，但是色彩很脏、很灰暗，或者是很“火”气，就不仅破坏了形和神，还可能在客观上造成丑化工人形象的不良效果。肖像画是这样，风景画和主题性创作也是这样。一幅主题是需要表现欢乐、热烈气氛的画，而作者使用了灰色调或冷色调，则不论在其它方面表现技巧多好，它的艺术效果还是未能达到。这是因为色彩在人们视觉上是有其独特作用的。而色彩在使用上又往往是感性多于理性，因而它在画面上最富有感情效果。它对于深入刻画形象、抒发情感、烘托气氛，准确、鲜明、生动地表现生活，这种独特作用，是其它绘画语言所替代不了的。一般从事绘画工作的人，对色彩都是十分重视的。 作为绘画语言，色彩是重要的造型因素，但它不是第一位的，只有素描才是第一位的。也就是说，我们要重视色彩，但反对色彩第一论与唯色彩论。把绘画中的色彩看成是第一的与唯一的因素，只看运用色彩的技术，这是片面的、也是不正确的。因为作为造型艺术的绘画语言，素描是解决形体结构这一最基本问题的，没有形也就没有造型艺术了。而色彩是依附于形的，不依附于形的一堆色彩是不能正确描绘对象的。我们在绘画训练中，不仅要处理好色与形的关系，更要处理好色彩与主题内容的关系。即色彩的运用必须服从于主题思想，才能达到以形写神，以色写神，使形、色、神浑然一体，以达到内容与形式的完美统一。
透视在绘画中的重要性 内容摘要：绘画源于人类的社会生活。透视则是为了满足反映客观事物的绘画的需要而发展起来的。透视是视觉艺术从二度空间向三度空间推进的基本构架。人类艺术在经历了十分漫长的到路之后才找到这个科学的方法。透视的原理和法则属于自然科学，但透视的实际运用，却是为了实现画家的创作意图，更重要的是用它的规律来指引我们认识事物。一个法则的确立存在一个领域中产生一场深刻的革命。中世纪后期人类对真理的渴望被重新唤醒。虽然早期艺术家的想象力在总体上被束缚在二度平面是，然而他们在不断试图打破平面的吸引力，从古代文物看出人类长期不断探索表现客观物象的方法。通过画家，建筑家，数学家，手工业者的劳动又得到发展和完善。 关键词：透视学科学空间 “透视”一词的含义，就是透过透明平面来观看景物，从而研究它们的形状的意思。（1）当我们观看景物时，由于我们站立的高低注视方向，距离的远近等等因素，景物的形象常常与原来的视觉状态有了不同的变化，这种现象称为透视现象。透视学是在平面上研究如何把我们看到的物象投影成形的原理和法则的学科。即研究在平面上立体造型的规律。（2）透视学是从“形”这一方面研究平面上的图形表现景物的立体感，空间感的原理和规律的学科。研究物象的色彩变化清晰情况等称为色彩透视，空气透视或视觉透视，是一种光学解决方法。色彩学即研究这方面的学科。透视学中投影成形的原理和法则属于自然学科，但透视学的实际运用却是为了实现画家的创作意图，建筑师和工业美术的设计意图服务的。透视学不仅是为了掌握在二维平面上表现三维景物的方法，更重要的是用它的规律来指导我们认识事物。透视原理是客观现象的理论总结，是科学的，严密的，唯一的。但在绘画实践中我们常常感到如果完全按照透视原理作画，会有许多局限。在绘画中不能生硬搬用，根本之点是运用透视规律为塑造艺术形象，传达绘画作品的主题思想服务。 “透视”这种方法并非首创于西欧，在我国早在公元前三，四百年的《墨经》中已记载了中国人对小孔成像现象的观察。南北朝时，宋·宗炳（公元375~443年）在他著的《画山水序》中说：“且乎昆仑之大，瞳子之小，迫目以寸，则其莫睹迥以数里，则可围于寸眸。诚由之稍阔，则其见弥小。今张绢素以远映，则昆阆之形，可围于方寸之内。竖划三寸，当千仞之高；横墨数尽，体百里之迥。”概括论述了山水画的表现方法和透视原理的运用。晋·顾恺之（公元343~405年）《画云台山记》；“山有面则背有影。-----下有涧，物影皆倒。”谈倒阴影和水中倒影的透视规律。以后历代画家对透视现象及艺术的表现方法都不乏精辟的论述和创造性的运用。特别是北宋郭熙（公元11世纪）在《林泉高致·山水训》中说：“-----真山水之川谷，远望之以取其势，近看之取其质。-----山近看如此，远数里看又是如此，远十数里看又是如此，每看每异，所谓山形画面看也。-----山有三远；自山下而仰山颠谓之高远，自山前而窥后谓之深远，自近山而望远山谓之平远。高远之色清明，深远之色重晦，平远之色有明有晦。高远之势突~，深远之意冲融而漂漂缈缈-----”对后世的影响极大。宋·韩拙（公元1121年以前）
浅谈素描在油画创作中的作用 摘要：素描与油画创作作为独立的艺术形式与时代同呼吸共命运，呈现出多元化的格局。在油画的创作过程中，素描具有重要的作用。关键词：素描油画创作作用 素描是一种单色的绘画形式，是培养造型能力的基础，它既是为美术创作搜集素材、表现构思的一种手段，又是具有独特审美价值的画种。我们看到历史上中外艺术家的素描杰作，无一不是反映了大师的思想及独特的看法。文艺复兴时期，艺术大师米开朗基罗·博那罗蒂说“素描是一切造型艺术的基础”，由此可见素描的重要地位。素描是所有从事绘画专业的首要必修课。无论你学习的是国画、油画、版画还是雕塑，无论你是学习当代艺术还是古典艺术，首先都要进行系统的素描学习。作为造型艺术的基础，对于认识和理解客观对象，培养正确的观察方法和表现方法，锤炼艺术语言和探索艺术规律以及提高艺术素养和造型能力，都有十分重要的意义和作用。 素描在油画创作中具有很重要的作用。油画，不是单纯意义上用油色画的画。油画创作离不开素描，其色彩的变化蕴涵着素描层次的变化和虚实变化。对油画家来说，掌握油画自然变化的规律和技巧，能够准确、鲜明、生动自然地描绘对象的特征，这就需要有扎实的素描基础，才能表达出心灵的感受。 素描对油画创作具有十分重要的作用。在笔者的油画创作中，频频出现困难：画到一半没办法深入下去；想的和画的完全是两种感觉，达不到自己想要的效果；颜色容易画粉、画脏，其实这些都是素描中的问题。素描是油画的基础，一张好的油画肯定要有好的素描基础做基石。素描因素包括造型结构、体积、明暗关系等，色彩包括色相、明度、纯度、冷暖等。我们画素描时要追求立体、块面，把物体放入空间中去研究，这就是为了要准确地研究物体的结构、体积，为油画的创作打好基础。因为油画就是要用一块块的颜色来表现物体的结构与体积，同时只有在严格的素描训练的前提下，熟练地掌握了物体的结构，在画油画时才会画出生动的、准确的物体结构、动态。另外很重要的一点，在素描中掌握好色调分布及运用对油画创作也有很大的帮助，也就是素描中的黑白灰关系。在某种意义上讲，素描的黑、白、灰也就是色彩中的明度的层次。正确的色调的把握为油画中各个色块的分布及明暗色块的对比提供了正确参照，不会因为追求颜色的搭配而忽略了物体是处于空间中的，也不会减弱它的光感。而且在画油画时，画面的空间立体感不仅仅只是靠素描关系来呈现，色彩冷暖的变化也可以增强画面的空间感。 线条是素描艺术的基础，通过对线的使用，画家可以描绘出自己心中的物体形象，也能够对自身的思维方式、精神风格及想象力等做出更好的展现。在借鉴油画作品的过程中可以发现，古今中外许多著名画家在油画艺术的创作中都十分重视对素描线条的应用，油画创作中的线条反映着作者对客观物象整体形象的把握与理解，因此，素描线条是油画艺术中具有较强表现力的因素。另外，在油画的创作中，画家可以使用线条来对物象的整体性、形体及构图等做出展现，并利用线条来勾勒出形体所具有的基本形态，从而完成油画创作的起稿。由于油画创作中的物象轮廓直接影响着画面的空间性与转折性，所以是否恰当运用线条，直接决定着油画作品是否具备较强的感染力与表现力，也决定着画家的思想是否能够顺利传达。虽然客观的事物本身没有线，这些线只是油画家想象与创造出来的，但也正是这种抽象想象的存在，才确保了油画艺术更具真实感和神韵，更能体现作者情感。所以线条是油画艺术创作中被画家群体广泛运用的创作手法和表现手段，只有认识到线条具有的性质、组成及
绘画艺术的学习对孩子来说的重要性 儿童的绘画会严格遵循从一个阶段向另一个阶段发展的过程。这种发展南他们的心理发展水平所推进，由简单式样向较复杂式样迈进。当儿童不满意于初级阶段上的构图式样时，就会开始对更加高级式样的探索。儿童绘画能力的获得既受先天因素(发展性)影响，也受后天因素如观察能力和绘画技术的影响，不过在儿童早期，先天因素起着关键性作用。 可是传统的儿童艺术教育只是一味地让儿童画临摹画，通过单纯训练儿童的绘画技巧来提高儿童的绘画能力。对儿童来说，这种训练不仅徒劳无益，而且会阻止儿童世界的真实流露。儿童画小树、小鸟、太阳、月亮，不是为了功利目的，而只是想表达自己的认识、想像、愿望和情感。保护儿童的艺术表现天性是艺术教育首先应当遵循的原则，而保护儿童的艺术天性就是不要损害孩子们对事物直接的感性反应，不要过早地把成人的是非、好坏标准灌输给儿童。我们应该给儿童多一些成长的时间和空间，让他们可以利用天性去直接感受自然和生活。只有在此基础上才能谈如何对儿童进行美术教育。 其中，对儿童的审美教育应从对大自然的接触和观察开始。卢梭认为：“自然景色的生命，是存在于人的心中的，要理解它，就需要对它有所感受。如果他不知道是谁的手给自然加上了这样的装饰，他又怎能欣赏自然的情景的美呢?”因此，对儿童进行审美教育，就应当让儿童到大自然中去感受美，积累美的体验，加深对美的事物的主观理解。 儿童的艺术创造教育则应当打破传统的以灌输为主要方法、以临摹为主要教育内容的旧思想，提倡让儿童自由创造的新观念。传统的美术教学只是一味拼命地向儿童灌输专业技巧，全然不顾儿童绘画的形式是由低级向高级水平发展的，只有掌握了较为低级的形式，儿童才有可能产生更高的新要求，而且随着儿童心理的不断成熟，在其欣赏和创造活动中，儿童会自主地要求越来越复杂的形式。对这个发展顺序的任何一种故意的干扰都只能产生混乱，只会给儿童的发展造成危害。一味的模仿还有使儿童“丧失自己的直觉能力的危险，因为这时他们总是把自己的精力，放在对某种表现形式的模仿上，而不是放在对这种形式的使用上，由此，他们就会渐渐地对自己创造的作品丧失自信和满足感，甚至不知所措，这最终会丧失一个儿童所特有的诚实”。因此，在儿童的美术教育中，应当给儿童充分的创作自由，改变传统单一的、成人化的评价标准，才有可能充分地发挥儿童的艺术潜能。当然，艺术表现也需要一定的形式，只是任何形式的设计与指导都应该建立在充分了解儿童的基础上，应根据他们的心理发展水平让他们学会和掌握一定的绘画技巧。这些必要技巧的掌握对帮助儿童表达他们对客观化世界的理解、对促进儿童的艺术发展来说也是非常必要的。
论基础绘画课程在设计教学中的作用 随着社会的进步和发展，商业、科技、文化艺术等领域对艺术设计专业学生的需求量在逐渐增多，各大高校也纷纷增设艺术设计专业来培养具有专业素质的学生以适应社会的需求。这些专业大部分都是利用现代科技手段，这就使得不同学校不同方向的专业在教学上出现重专业轻基础的现象，使得很多学习设计的学生只会电脑设计图案，不会手绘图案;而学习油画的同学却对国画一窍不通，学习国画的同学却找不到素描画的绘画特点等。针对这些现象，笔者认为是轻视基础绘画课程教学引起的。本文重点介绍，基础绘画课程在设计教学中的作用。 艺术设计专业从引入我国教育领域到不断壮大，已经经历了二十几个年头，各大高校根据自己的办学理念和学生的就业方向分别开设了不同侧重方向的艺术设计课程，分别有：环境艺术设计专业、工业设计专业、动漫设计专业以及服装设计等专业。这些专业虽然侧重点不同，但是其都有一个共同的特点就是都会开设基础绘画课程来开启和巩固学生对艺术设计这门专业的认识和了解，帮助激发学生对艺术设计这门专业的学习兴趣，帮助学生树立学好用好这项专业技能的自信心。根据调查显示，有很多学生对基础绘画课程的重视程度不够，认为只要学好专业课程就足够了，因此学习计算机设计绘画的学生的手绘基础却很薄弱，针对学生学习过程中出现的这种认识误区，我们应该充分重视起来，通过教学活动过程中的有
效引导，帮助学生正确认识基础绘画课程的重要作用，通过基础绘画课程的深入学习，找到学生艺术设计的有效方法，开发自己的创新思维，提高自己的创造能力，在艺术设计的道路上走的更远、更深。 近年来，随着国家和社会对艺术设计类人才的需求量的增加，高校的艺术类考生也在大范围的扩招，这些招生现状导致艺术生的生源基础差，对绘画基础知识的认知程度几乎为零，这些低质量的考生涌入艺术学院，对艺术设计专业的教师造成了很大压力，加之学生在入学前并没有参加相应的测试，使得教师对学生的了解也少之又少。这就告诉我们，面对基础如此之薄弱的学生源，我们教师只有重视基础，在基础教学中逐步提高学生的观察能力、审美能力、动手能力和创作能力，进而提高学生的艺术水平。根据美术课程目标对学生的要求来讲，只有学生经过一个长期的绘画训练过程，即通过基础绘画课程的深入学习过程，学生的才能够具备学习艺术必有的细胞，才能够运用艺术思维对艺术设计方面专业的问题进行思考和分析，才能够做出准确的判断和有价值的评价。例如，学生只有通过在基础绘画课程(如素描、速写)的学习中逐步提高自己的手绘能力，为以后在专业领域中施展自己的创作才华提供坚实的基础后盾。但是如果轻视这一环节的学习，直接就让学生在计算机上进行设计创作，学生的`创作作品就会像根基不稳的建筑，没有思想和灵魂的躯壳，随时都会倒塌和毁灭。所以说，基础绘画课程的学习
绘画中设计素描的意义 素描不仅是绘画的基础，也是设计艺术的基础。设计艺术首先是艺术，因此设计必须具备艺术的特征，这就是：形象、色彩、构成、感觉，这几方面是构成设计艺术的基本元素。正因为这个原因，所以中外的各类艺术院校在进行设计艺术教学时，首先就把素描这一最朴素的绘画形式作为进行设计艺术教学的重要手段。学生通过学习素描开始掌握线条、体块、构成并运用这些手段来塑造形体。更为重要的是，在画素描的过程中体现了画者的思考过程。思考的过程就是创造的过程，世界上任何一位有成就的画家无不是在素描中体现了这种思考。在素描中去思考，这应该是每位画家、设计艺术家永远的课题。这是因为素描是最朴素、最自然、最真实的，在素描中毫无保留地体现了艺术家的思路和艺术家的情感。设计艺术家无不是运用素描这一朴素的手段去找寻自己独特的设计灵感。他们在纸片上画着设计草图，在笔与纸片的触摸中，不断激发着作者的创作灵感，不断地去发现新的感悟，这些设计草图就是素描。素描是造型艺术，我们当然要培养学生的造型能力，但是，我认为更为重要的是要让学生知道，要在素描中去学会思考，去用自己的眼光观察生活，去找寻自己的感觉。 设计素描即服务于设计的素描训练模式，是为设计提供简单，快捷的信息的手段。同时，设计又规范和补充了素描本语言形式，既是设计的素描，又是素描的设计。 在设计领域里根据各门类的需要运用素描形式，传达，记录，转化视觉信息的结果，这是设计素描的目的。因此，设计素描的理论和技法都应与设计相关联，反映设计的基本性质，成为传达设计的有效手段。 设计素描是运用素描来表达设计构思的，随着现代设计的普及应用，作为设计的“草图”，设计素描逐渐形成自已的体系。同时我们要明白我们与传统的艺术绘画的素描是不一样的概念，我们也学素描，但我们的素描是为我们的设计所服务的。我们的素描不象传统艺术的那种感性的美及随意性。因为，设计是一项有目标的造型活动，涉及众多知识及运用。设计素描通过训练脑，眼，手等，把形态的理性，机能要素表达清楚，使设计者具有敏锐的洞察力，综合的分析能力，准确的表现力，抽象的思维能力。设计素描对设计师的作用有以上五点：
附：对临摹教学的认识 具象美术教学具有较强的技术性，因此范型的掌握也是必要的。这类范型包括对物体的类化理解以及对技术范式的掌握。应该学习和借鉴前人的优秀技法，以寻找适应学生个性的某种模式，控制和把握变动不居的视觉世界，在类化知识的基础上去殊化对象，为技术的发展提供一个修正的基础。冈布里奇指出：“没有一种媒介，没有一种可以摹制的预成图式，任何艺术家都不能模仿现象”。康斯太勃尔也认为，形成美术表现的个性有两种方式，一是摹仿别人作品，进行选择，一是从对自然的观察和表现中形成。 因此，正确理解和运用临摹这一教学手段是美术教学的一个重要环节。 临摹作为美术学习的方法之一，曾经发挥过很大的作用，对此，我们在关于中国、美国和日本的美术教育中已有介绍。新式美术教育出现以后，临摹的方法受到了脱离感觉世界，束缚人的创造力等指控，而遭贬斥，甚至被打入冷宫。对临摹教学的指控，应该说是从卢梭开始的。他在1763年的《爱弥儿》中第一次提出要排斥教素描基础的传统方式——临摹，认为爱弥儿只应模仿自然，不应临摹别人的东西。 极端的否认临摹教学的确有失公允。现代社会日益重视方法的综合效果，认为美术教育的整体方法之一，临摹仍具有十分重要的价值和作用。 人类文化的成果是经过漫长的历史积累而有所成就的，任何一种创新和发明都只能在吸收和借鉴前人文化成果的基础上进行的。正如艺术理论家克里斯（Ernst Kris）所指出：“长期以来我们逐渐认识到，艺术不是产生于虚空，没有哪个艺术家与前辈和样式毫无关系，······”任何创新不建立
在传统这一丰厚坚实的基础上，其成就就不可能具有现代意味。而且，一种创新倘未被纳入一种特定的文化范畴，其价值也是难以被人承认的。 临摹的目的主要在于形成预成图式和一些表现模式。 康德认为，我们的感官虽然接受了外物的刺激，但这种外来的感觉只是一些杂乱无章的质料，必须借助于某种先验的形式，才能形成有条理的知识。因此，知识的吸收，在他看来，其实就是运用人自己先天所固有的一些空间和时间模式来组织外界的信息刺激。格式塔心理学继承了康德的这一观点，而且以其实践证明了人确实存在着一种先天的组织技能，即在一定条件下，人的知觉组织总是按简化、单纯、对称、平衡、周正的趋向来组织知觉对象，这就是所谓“完形趋向律”。当然，格式塔心理学仍有其局限性，这主要表现在对具有现实和社会意味的对象上，“完形趋向律”的效用并不高。在这方面，冈布里奇的经验派理论似乎更能派上用场。冈布里奇认为知觉是根据一些来源于后天经验所形成的形式和规范来组织对象的。他将这些规范和形式称为预成图式。 德国学者伽达默尔将成见视为理解的前提，预成图式其实就是成见。我们每个人对不同事物的选择和偏爱，对事物的不同理解，其实正是受制于我们每个人心中既存的预成图式。没有预成图式，我们眼前感觉到的只能是一些光学性质的事物。没有美术方面的预成图式，我们就不能认识和创造美术形象。因此，美术必须从规范学习入手，形成必要的预成图式和表现模式。临摹则是形成预成图式和表现模式的有效方法。 我国传统美术教育十分重视临摹在教学中的作用，其目的就在于训练学生以形成有关中国绘画的预成图式和表现模式，使学生以一个中国画家
绘画艺术在服装设计中 的运用 集团标准化小组：[VVOPPT-JOPP28-JPPTL98-LOPPNN]
绘画艺术在服装设计中的运用 服装设计与绘画虽然形式不同，但同为艺术的表达方式。服装设计呼吸着绘画艺术的新鲜空气，滋养己身，蓬勃发展，产生了很大程度上的密不可分的亲情关系。当他们彼此邂逅时，一定会碰擦出不一样的创意火花。这两大视觉艺术相互融合，用绘画形式表现不同主题的服装文化，呈现出积淀着深厚艺术底蕴的视觉饕餮和蕴涵多元文化内涵的创意盛宴。 2.1绘画艺术在服装款式中运用分析 造型宽松的服装，随人体运动的幅度相对大些，可供绘画的面积也大，同时给人以宽大洒脱的感觉，所以绘画构图可以随意奔放些，布局可以疏松宽大些，色彩可以鲜艳明亮。 图2-1绘画在裙摆处的运用图2-2绘画在裙摆处的运用ALLURENOIR2008春夏高级女装糅合服装设计和绘画艺术的精髓，在宽松的裙摆处随意绘画构思，绘画利用图案具象表现手法，图案色彩与服装整体协调，衬托出服装更加优雅，精致，富有独特的文化色彩。（如图2-1 ，图2-2） 图2-3大面积绘画的服装中的运用图2-4大面积绘画的服装中的运用 Brooke/basso2008春夏融合了随意奔放试的画风，色彩绚丽夺目，立体的速裹的效果，面料宽松，用大面积的色彩勾勒，更加狂野奔放。（如图2-3 ，图2-4） 2.1.2紧身修长的服装 造型紧身修长的服装，可以采用局部绘画，即使采用整体绘画，其形式格调也倾向于平和适中，尽量使绘画图案形象能够与服装乃至人体的结构特点相吻合，以免消弱造型风格中所显露的自然体态的优美韵味。
图2-5绘画在胯部的运用图2-6绘画在胸部的运用图2-7绘画在胸部的运用天意·梁子2008春夏时装展，多采用局部绘画，色调沉着，显露服装的自然体态。如（图2-5）在胯部的运用，以中国的国花牡丹为绘画图案运用在最能代表中国女人魅力的旗袍上，映衬出浓厚的艺术文化气息，绘画色彩与服装颜色搭配的恰到好处，以黑白灰为基本色，体现作者的表达的主题思想。如（图2-6，图2-7）绘画在胸部的运用，几何图案作为绘画的主体，在相对紧身贴体的服装上绘画细腻，精致的图案会更加突出人的形体，从而使服装更加有立体感。绘画色彩还是一灰色调为主，或者稍微用些色彩提亮整个服装色调。 2.2绘画艺术在服装设计中的色彩搭配 色彩在人的视觉中最敏感，不但在绘画中常被称为第一视觉语言，而且在现代服装设计当中也是极其重要的构成因素。不同的色彩能触动人们不同的情感，不同的时代，不同的人对色彩有着不同的审美反映，观察色彩会引起多种的感受和联想。 众所周知，颜色从来都不是孤立存在的，但如何搭配它们，完全依赖个人的文化及艺术修养，依赖自我感觉，经验及想像力，并没有什么特别的固定模式。
浅析素描训练的重要意义 【摘要】每一个绘画的人对于素描都是十分熟悉的，我们众所周知，任何一门绘画或者其他艺术都离不开素描这门基础学科，那么他究竟有多么的重要，又或者说素描的意义是什么，本文将会进行一定的探究。素描是通过单色的色调来将二维世界的物象变化成三维空间看现在人们的眼前，这就少不了在素描绘画的过程中掌握造型能力和不可或缺的色调控制能力。 【关键词】素描；造型；色调 喜欢或者掌握一定绘画能力的人都知道素描在艺术领域是一个基础不可撼动的地位不论你是学习艺术设计，还是从事绘画包括国画油画漆画等，乃至摄影等等。都必须要经过一次基础而又扎实素描训练，那么素描训练真的有如此重要的地位和必要练习的准备吗？首先在绘画中，型是一切，包括它的结构，转折都是需要经过大量的练习才能掌握的，这一点上就离不开素描的训练，通过造型，用线条或者明暗的方式来表现出物体的型，其次就是体积，其实体积在某种程度上是包括在造型的范畴之内的，因为通过素描练练习我们就知道了没有平白无故出现的黑白灰，正是因为有了体积，有了转折，有了光线，才有了黑白灰，有了色调的层次和大关系。这些经验都是在我们的绘画训练中慢慢积累起来的。我们从一个不会画画的人，到绘画能力娴熟是需要一个过程和时间的，这便是一个阶段。然后再到慢慢形成自己的绘画风格又是一个阶段，这个阶段是需要时间慢慢形成的，其实这就是素描训练的初衷和目的。在任何绘画中，都包括型和体积概念，绘画是在一个平面上塑造形体来表现的，那么就需要经过严格的技术训练来达到目的，这种训练就是素描。 素描正是基础绘画的训练最好的手段和途径，他可以使得一个不会画画的人先掌握一个正确的观察方法，即对光源的判断，物体造型的关系，以及黑白灰的色阶关系。然后使他学会了如何去塑造形体如何去表现空间，这就是素描训练的一个重要的要义。当我们具备了这种能力的时候，我们就应该考虑如何将素描与艺术创作紧密的联合在一起了。因为画面的客观物体不会永远的停留，这就是需要一个素描能力突出的画家通过对物象形体的理解通过自己的想象表现出来，而且在绘画创作中主体人物越多，色阶就越丰富关系就越复杂，造型的压力就越大，只有有一个扎实的素描基础才能为我们今后的艺术创作提供一个可实现的平台。 造型就是通过某种手段将客观的物体的形表现出来，这边就是造型的意义。但是很多的初学者无法做到这一点，这是因为画笔在自己的手中无法通过自己的意识来控制它们的。形体是立体的，是存在于三维的空间中的，它触得到，摸得着，有质感，这就是实实在在存在的物体，可我们如果要将这三维的物体通过画笔在二维的纸面上表现出来的话，的确是需要一定绘画能力的。这就需要素描的练习，形体之内的就是结构，通过大量的练习使得我们知道了结构的走向，结构的穿插，以及结构的透视，当我们掌握以上这些能力时，造型的能力就已经有了显著的提高。举一个很简单的例子，为什么我们在刚开始学习绘画的时候要不断地练习石膏几何体？首先是石膏是白色的，没有其他复杂的固有色，这是有利于
学习素描静物的步骤与技法 素描三步曲： 关于画素描的步骤，因人而异。有人分六七步，有人分二三步，还有的人没有步骤，随心所欲。基于对素描的理解不同，步骤自然就不一样。可见，步骤只是过程，最终呈现的画面效果才是关键。然而，对于一个初学素描的人来说，步骤却至关重要，不然就无从下手。在不断地总结中，我把自己画素描的过程分为三步，也可以用盖房子的比喻来理解。第一步：构图与打形，好比地基与骨架，地基决定上层建筑，骨架决定房子形状;第二步：铺大色调，好比垒砖块，形转色变;第三步：深入刻画与调整，好比内外装饰，让画面更加有视觉效果和艺术美感。
图1↑ 第一步：构图与打形 口诀：整体先行、眼观六路、长线切形、准确肯定、宁方勿圆。需要解决的问题：方位、线造型。 铅笔的使用：一般用3—4B的铅笔，软硬适中。
需要注意的问题：比例、透视、结构。 常出现的问题，局部打形，死扣边线。 构图原则：普遍情况下为天薄地厚、左右均衡，一般把画面的中心和重心的中点作为画心。 附：打形三步走方法： 第一步：整体的形状，即物体最高、低、左、右的连线。 第二步：单个物体的雏形，即高、低、左、右的连线，确定其位置和大小。 第三步：单个物体具体的形状，包括结构线、明暗交界线、投影线以及衬布的形状。 观察与比较是把形打准的真理。如何避免人的直觉、错觉和感觉，请一定要作辅助线。一，水平线定高低二，垂直线定宽窄;三，关联线定相互之间的联系。 第一步 客观性强，主要是解决“形”的问题。俗话说“根基不牢地动山摇”、“好的开始是成功的一半”。个人的艺术感受，天赋皆尽于此。细心的人会在打完形后再认真检查，近观远观，正观侧观。认真检查物体之间的比例和透视问题。另外还要注意衬布的形状，衬布尽量做到简化、准确。打
临摹不是学画的好方法 初学画画时，模仿一下别人画画的方法，以便由浅入深地掌握绘画的技巧是无可非议的。因为画画总是要以手为主来画的。如果一个人一点儿都不会画，也不敢画，一下子让他画好一个人，怎么可能呢？最简单的办法就是用现成的画作为范画，然后，给他分析讲解这张画第一步画的是什么，第二步、第三步又加上了什么，最后又是在什么地方结束的。但是，学会了画画的方法、步骤，并不等于就会画画了。因为画画不像科学，科学的正确答案只有一个，可是画画不行，画画的正确答案不是一个，如果有十个人画同样的内容，这十个人会因为自己观察事物的角度不同，认识不同，画画时的心情不同等等，而画出十幅不太一样甚至一点儿都不一样的作品来。从艺术的角度讲，只要他们真实地把自己对美的认识和理解画了出来，这十件作品就都是对的。我们要教给孩子的，正是如何发挥自己的能力考核成绩，如何表达自己的感情，如何以自己答案去回答问题。能模仿别人的画，只是借助别人的学会了一定的画画方法。如果孩子只能一再地重复这些方法，即使画得再好，人们也只会说：“画得真好，画得多像某某画家的画呀！”那么，孩子自己的能力、感情呢？自己的认识与理解呢？自己的创造力呢？这一切都没有在画中体现出来。如果这些都一无所有，早期智力开发和素质教育又从何谈起呢？所以说，孩子学习模仿别人的画，只能作为学习画画的一种手段，千万不能当作目的。 既然模仿别人的作品对孩子不适合，那为什么孩子们却都爱模仿诸如动画片中的卡通形象或儿童读物中的插画这类的画呢？这不是同以孩子的兴趣为主来辅导孩子矛盾吗？确实，在是否应该靠模仿学习画画这一点上，从表面上看，是同孩子本身的兴趣有矛盾的地方。可是，也应该看到，孩子们模仿的时候，更多的还是在画着玩，同时，他们也希望这样的作品得到大人的赞扬，因为模仿毕竟比写生更容易得“像”，而画得像才容易得到赞扬。遇见这种情况，解决矛盾的关键是在辅导者这一边。如果您非常满足于孩子模仿得好看，那么孩子就会一直模仿下去。反过来，如果您对他们并不高明的写生多多地予以鼓励，孩子还是很愿意去画写生画的。因为在孩子心目中并没有模仿与写生的区别，只有画得好与画得不好之分，可孩子又并不太乎画得好与不好，他们在乎的是人们对他们的评价。所以说，对孩子的教育是潜移默化的。全在于教育者的一言一行，一举一动，鼓励什么，提倡什么。只要辅导者能认识到模仿对孩子所起的副作用，坚持不以成人标准的像与不像去衡量孩子的作品，让孩子改掉总模仿的毛病并不难。 孩子的模仿除了模仿成人的作品和动画片中的形象外，孩子之间互相“抄袭”也是模仿的一种。在这种时候，要尽量地鼓励孩子以自己的眼睛去观察周围世界，以自己的大脑去想象、创造。同时，在孩子共同画画时，不要过分表扬那些表面上画得不错的孩子，可能他们画得并不出色，但表扬他们并不是因为画得多么漂亮，而是表扬他们大胆去画的精神。与此同理，孩子有时还往往会背着模仿别人的作品，背着模仿自己曾经受过表扬的作品，这时辅导者要启发孩子有一点点微小的进步，也要抓住不放，尽可能多地给予鼓励，这样一来，孩子就会以点代面，慢慢地克服盲目模仿的毛病。 如何让孩子更好地用线条画画 孩子开始画画时都要使用线条，线条可以比色彩、明暗、形状更容易让孩子把握对象的形象。所以，教会孩子很好地运用线条画画就很有必要。要让孩子画好
4.11存货成本计价方面 (10) 4.12存货控制方面 (10) 4.13存货质量控制方面 (10) 4.2改善审查质量的对策 (11) 致谢 (12) 参考文献 (13) 绘画在普通家居装饰中的作用 1 课题来源 改善生存环境是人类从古到今推动文明向前发展的一种实践活动，美化生存环境是 改善生存环境的重要组成部分，而美化生存环境就必然离不开装饰艺术，同样装饰艺术 也离不开我们所生存的空间。其中美化家居生活是我们生存空间的重要组成部分，成为 我们改善生存空间的重点[1]。 装饰，作为绘画创新的重要前提，是最有创造性的设计理念和设计手法。装饰手法 的不同表现形式，直接影响着一幅绘画的视觉冲击力和风格呈现。如今，带有不同装饰 效果的绘画表现形式已在不同领域广泛引用开来，装饰的表现变成了人们对美的一种追求、对艺术欣赏的一种渴望。因此，向往着带有装饰语言效果的表现形式便成为了当今 人们对美的一种追求体现。无论在任何年代，任何文化内涵体系中，人们总是在不断的 更新着自己的审美观念。 装饰绘画是随着社会发展而来的装饰艺术产物，它对美化家居生活有着不可忽视的 作用。装饰绘画在最终意义上说，是人类生活的一种艺术方式。它是随着人类生活的发 展而发展，关系着人类的物质文明和精神文明，改变着我们的生存空间和生活方式，它 是人类文明进步的重要标志[2]。从人们的衣食住行到艺术欣赏品，都离不开装饰美和形 式美,更确切地说：装饰是集美学、视觉艺术于一体的艺术形式，也是一种生活的艺术。 所以，在家居室内设计中，要有立意，表现出情调，除了成功的家居设计和装饰手段以外，装饰绘画在家居设计中的作用也是不可低估的[3,4]。 2 研究目的和意义 随着社会的不断发展，现代化的节奏充溢在当今人们生活的每一个角落，人们渴望 拥有一个完全从属于自己的温馨空间，希冀着这样的一个空间除了达到舒适、宜居的水平，还能够为人们的视觉带来美的冲击。居住群体的这样的一种需求，就使得装饰绘画 成为了家居装饰的重要的选择对象。人们都希望自己能有一个适合自己的良好的居住环境。在社会文化日趋发展的今天，家居生活中，人们可以通过装饰绘画来弥补购房硬件 上的缺陷，营造专属于自己的家居空间[5]。 以往关于绘画的研究中，很少有从装饰的角度研究绘画的表现力，本文从装饰的角 度把装饰的表现力与现代绘画相结合，以求得一个新的视觉冲击力。研究现代绘画中装