欧普艺术服装和视错觉
2015-2-25 21:26| 发布者: admin| 查看: 51| 评论: 0
时尚与艺术实在是有太多如胶似漆的关系，人类文明所创造的美好，在这两者身上得到了尽情的发但是这两者的地位并不均等，艺术终究在时尚面前是个“巨人”，艺术也给了时尚不少帮助。因于外在美的表现，拥有了艺术价值的美，时尚才能更经得起时间和空间的考验。而时尚将艺术渗自己身上，最简单粗暴的方式就是将艺术作品印在服饰上。
德国法兰克福举行欧普艺术展
欧普艺术与服饰的最初结缘
那么，欧普艺术具体是什么样的呢？它没有具体的主题，大都用线形、点状等这样的图案以周期方式绘制，使用黑白对比或强烈色彩填充，抽象的几何形状让观看者的视觉不由自主地对图像及效果的刺激产生错觉，我们常常感觉看到的图像在波动或者前进。这就是欧普艺术了。欧普艺术代的是利用人类视觉上的错视所绘制而成的绘画艺术。
欧普艺术在20世纪60年代风行之时，就很快被服装界所接受并加以应用了，也是因为正好那个纺织技术和印花水平的提高，成就了两者结合的一个契机。而欧普艺术在与服装结合之后，由图为服饰，由平面转为立体，所产生的立体视觉错觉变得更为明显。欧普艺术影响下的服饰，按照的规律形成视觉上的动感，使得服饰变得更加生动了，这当然也让每一个路人对你有了一个多看的理由，而我们追求时尚的感觉，不正是如此嘛！
视觉瘦身效果
Marc Jacobs 2013春夏时装秀
通过不同宽窄的黑白条纹产生视错觉，运用面料不同肌理的对比，在裙摆上镶有不同宽度的黑白羽使得更有饱满立体的视觉效果，条纹也随着人体的移动产生动感，欧普艺术就是感性和理性认识合，具有虚幻与现实的美感。到了如今，设计师们将这一风格发挥得更加淋漓尽致了，而且还巧用欧普图案所产生的视觉错觉，结合人体曲线和服装的结构线，使服装的结构更加清晰而突出，修饰、雕塑凸凹有致身材的目的。
如在服装的胸部和臀部位置，将条纹加宽，格子放大，色彩减淡，而在腰际将条纹密集，格子缩色彩加深，使人们在着装后产生丰胸、美臀和柳腰的视觉效果，成功塑造女性丰美的胸线和臀线及纤细的腰身。
Louis Vuitton2013春夏时装秀
没过多久到了巴黎时装周，Marc Jacobs又将欧普艺术继续运用到了他执掌的另一个品牌Louis V 上，只是这次似乎有了一个相对明确的主题，那就是“棋盘格”，但这仍然使我们掉入了由几何图成的光效应陷阱。
Calvin Klein2013春夏时装秀
欧普艺术在到Calvin Klein这里，就让人更加晕眩了。因为Francisco Costa试图通过网状面料和色，制造出了3D感的欧普连衣裙，你实在不能好好聚焦视线在裙子的某个部位上。
其实随着时代的发展，面料的不断推陈出新，以及制作技术的突飞猛进，欧普艺术在服装领域的空间也越来越大了。现在的秀场上，设计师们的各种欧普艺术成衣作品，就已经作为技术革新后成果来呈现，欧普艺术在服装上的表现方式更为多元化。在服装设计领域越来越缺乏创意的大背景欧普艺术的发展倒成了一股令人惊喜的“活泉”。
Missoni 2013年秋冬高级成衣时装发布秀
最近有位时尚界的大佬刚刚去世成为焦点话题，那就是Missoni的创始人之一Ottavio Missoni，Missoni这个品牌的成功就是得益于对欧普艺术的运用。正是因为上世纪60年代采用欧普风格开在简单的服装款式上，将明亮的色彩、欧普式的几何印花图案、柔软的丝织面料等设计元素交织融既具有前卫的摩登感，又有慵懒的轻松感，并且穿着方便，使得Missoni依靠这个元素成为经典
Marc Jacobs2013春夏时装秀
在2013年春夏系列发布的秀场上，不少设计师都将欧普艺术风格造成的视错觉效果带到设计作中。首先就是Marc Jacobs，纽约时装周上在他的同名设计品牌当中，今年春夏的服装都被各种条格子所占据，但它并不是简单的“条纹”、“格纹”元素，而是看起来更有流动感及幻觉感，这就是艺术在发挥效用。
Michael Kors2013春夏时装秀
与Marc Jacobs在同名品牌上的运用手法非常类似，Michael Kors也在迷惑着我们的眼睛。同样光面料，同样的几何纹样，只是在色彩的运用上Michael Kors更为大胆一些，通过撞色的方式强普艺术，展露多元化吸引力。
时尚与艺术相辅相成，艺术元素作为时尚的灵魂不可或缺，他们阻碍着一季度乃至一个世纪的时尚走向，我们经常听讲某大牌配饰服装为巴洛克风格，或是哥特风格，到底这些风格有何外在表现？用图文一一做答。 拜占庭艺术风格 拜占庭艺术风格 由于罗马帝国的东迁，使得有机会出现融合东西方艺术形式的拜占庭艺术。在艺术的成就上，现在所强调的是镶贴艺术，追求缤纷多变的装饰性。同样，这种特色也反映在服装上。例如：在男女宫廷服的大斗篷、帽饰以及鞋饰上都出现了镶贴、光彩夺目的珠宝和充斥着华丽图案的刺绣。这些情形有不于同时期在欧
洲地区的服饰，营造出一种既融合东西方又充满华丽感的服饰装饰美。 哥特艺术风格 哥特艺术风格 “哥特式”原本是指源自20世纪的一种建筑风格，专门快这种风格便阻碍到整个欧洲，而且反映在绘画、雕刻、装饰艺术上，形成一种被誉为国际哥特风格的艺术形态。这种风格要紧的表现是建筑上的“锐角三角形”，同时也深深的阻碍了当时的服饰审美及服饰制造。例如：在男女服饰的整体轮廓上，在衣服的袖子上，以及鞋子的造型上、帽子的款式上，等等，都充分呈现出锐角三角形的形态。 巴洛克艺术风格 巴洛克艺术风格
巴洛克艺术风格原本是指17世纪强调炫耀财宝、大量使用贵重材料的建筑风格，也因此牵动阻碍到当时艺术全面性的变革。巴洛克的字义源自葡萄牙语，意指“变了形的珍宝”，也被引用作为脱离规范的形容词。巴洛克尽管承袭矫饰主义，但也淘汰了矫饰主义那些暧昧的、松散的形式。由于受到巴洛克艺术风格的阻碍，在西洋服装史上，甚至用“巴洛克风格”一词，来代称17世纪欧洲的服装款式。 洛可可艺术风格 洛可可艺术风格 “洛可可”一词源自法国字汇“Rocaille”，由此演变而来，其意思是指岩状的装饰，差不多是一种强调C型的漩涡状花纹及反曲线的装饰风格。这种风格源自1715年法国路易十四过世之后，所产生的一种艺术上的反叛。洛可可艺术风格与巴洛克
褶皱在服装设计中的应用 南阳师范学院美术与艺术设计学院 孟少妮 [摘 要]褶皱的设计与应用在服装造型艺术中占有重要的位置,在现代服装设计中被广泛应用。通过对面料的加工和服装工艺的加工,使服装产生了褶皱的艺术效果,增加服装的层次感和空间感。同时也起到了重新塑造人体的作用,是对设计、面料、工艺、质感的综合掌握以及对设计技巧的一种感悟。 [关键词]服装设计 褶皱 造型 艺术效用 在服装中采用褶皱的设计处理是近年来的流行趋势之一。褶皱作为服装造型的一种手段,从平面到立体,褶皱的不同表现贯穿于从面料的设计到服装的造型变化的整个过程,在服装造型中具有特殊性、多样性以及不可替代性。在实际创作过程中,应结合功能主义与唯美主义,更好地运用褶皱来表达服装造型。 1.褶皱的含义与种类 服饰上的褶皱是服装造型中常用的面料塑形手法,是改变面料原有形态属性和面貌特征的重要手段之一,一般将面料进行有序或随意自然的揉捏、叠加或堆砌,既表达了服装和人体的美感,起到装饰作用,又体现了服装对人体的功能性。它有许多种类和表现方式。 褶,是服装成衣工艺中的常见手段,是衣裙按照一定规律折叠所产生的纹痕。 皱,是因服装面料表现紧缩和揉捏而形成的自然或随意纹路。 皱褶,设计时,以各种方法在衣服的不同部位使用皱裙,例如:育克、袖子、裙、嵌条或饰条。皱褶常用于袖山、袖口、肩部、领口、胸部、门襟、腰节、侧缝、下摆、脚口等位置,打褶以后,原来的宽度通常减少一半或1/3,根据设计中所用的织物,其效果有所不同。针织平针织物、丝绸或很细的羊毛织物有很柔软的悬、垂折褶,而锦锻、棉织物和塔夫绸则产生很深的皱裥织物的经间纹理,有很好的皱裥的效果。 褶裥,有三种基本褶,即刀褶、箱褶和阴褶,都由宽余的织物折叠而成。又可分定形褶裥和非定形褶裥。褶裥可产生动感,以各种方式用于裙、上衣、袖子、也可用于口袋、育克或女服嵌料上,以形成一定的风格,褶的两端固定或一端固定,也可整个长度都缝住。不经压平的褶,一端固定,但没被缝住或压住,其效果随所用织物的质地,从轻薄织物到厚重的毛呢织物有所不同。 刀褶,这是一种在织物上简单折叠,向一边压褶,褶以下不同的方式安排,在裙上可以连续压褶或组、或单独打褶等。其中的手风琴褶是用高温高压烫压而形成的,具有较细间歇的似手风琴般的褶饰。 箱褶,用于裙子、上衣和表示口袋细部特征的褶裥,是左右对称的褶缝。 阴褶,两片刀褶对褶,常在中间缝在一起,位于腰部附近。褶裥的作用一方面起装饰作用,另一方面增加服装活动量,尤其是开衩部位及裙子摆处。加了褶裥的部位在穿着走动时会产生律动,具有动态的优雅美感。 襞褶,常常用于女裙、袖子、领子和上衣,织物经过褶裥处理,其深度根据所用织物重量和所要求的效果而定。最细的襞褶宽度为3mm。 皱裥缝,这种缝迹装饰性很强,在接缝处打褶裥可形成丰满的效果。根据织物和皱裥数的不同,其效果也有所不同。常常用于袖子、领口、育克和腰带。 超皱缝,这种缝线用于裙子、袖子、上衣、肩部,可产生很强的装饰效果,抽动缝可获得纹皱的效果。褶皱的形状、大小、紧密度可根据设计需要随意调节。 抽褶,抽褶几行松紧线,可以在整个宽度上控制丰满度,以产生装饰效果。身体活动时,抽褶产生弹力紧身或扩展。抽褶可用于整体衣服的上部或者只在袖口、肩部或臀部的一小部分,适用于轻薄织物。 2.各个历史时期褶皱的设计应用 2.1西方历史时期的服装褶皱 褶皱作为造型元素在服装中有意、无意地普遍存在,但在古希腊、古罗马时期和16、17世纪,褶皱的表现却十分突出,表现形式也因政治、经济和文化背景不同而大相径庭。 古希腊、古罗马时期的服装同雕塑一样,充满了对自然人体美的推崇。古希腊、古罗马时期最具代表性的服装款式是“基同”,面料主要是软羊皮和棉麻布料等,款式没有经过裁剪和缝纫,而是将长度大于着装者高度,宽为伸长手臂,指尖到指尖距离2倍以上的大幅块状布料,直接披挂或缠绕于人体,由别针固定或腰带随意系扎而成。面料自然形成的缕缕垂褶,随人体的活动,显示出生动的明暗和层次变化,富有韵律和节奏感。它的款式造型属于自然形,没有刻意的细节设计和装饰,面料的悬垂性设计就是它的主要特征,流动的褶皱就是服装美的体现。 在17世纪,华丽、夸张、矫揉造作的巴洛克艺术成为欧洲艺术风格的主流、服饰风格唯美、慵懒、奢华、褶皱的设计也充满了刻意的装饰性。这时期,宫廷服饰主导潮流,多采用华丽的丝绒、塔夫绸、雪纺等面料,男子穿着肥大丰满的灯笼裤,女子时兴蓬松的裙子。服装的领子、袖口和裤角均用大量的花边和抽褶作为装饰。庞大的裙子由多层组成,采用在腰间打褶的方法形成膨大的造型,并以大量松垂的褶皱堆积来增添体积感和层次感。由于巴洛克风承袭矫饰主义,因此,这一时期服装的褶皱通常和花边、绣花同时组合运用,采用抽褶、堆褶、叠加褶等多种褶皱工艺、装饰性很强,装饰的部位多,达到繁华的颠峰,以至烦珠累赘。 2.2中国传统服装褶皱 在中国历代服装中,褶皱的设计运用也很多,但褶皱都不是强调装饰性,而是借褶皱更突出地表现人体的动态美,传达出一份气势和神韵。就像在敦煌壁画中看到的飞天,衣褶飘曳,让人更多地体会到舞动的美。 历代妇女穿着的褶皱裙中,最有名的是汉朝的“留仙裙”。“留仙裙”就是百褶裙,款式设计简单,长及脚跟的半身长裙,在腰部规律地打褶,同时加大了裙摆的幅宽。“留仙裙”的美主要体现在动态上,缕缕的褶皱,和着女性轻盈的脚步,极具律动美感。“留仙裙”引领了一朝的裙装风骚,留下许多的佳话,宋词《绿意/疏影?咏荷叶》写道“恐怨歌忽断花风,碎切翠云千叠。回首当年汉舞,怕飞去漫皱,留仙裙折。”也借留仙裙之美,描述荷叶的亭亭玉立和清姿妙绝。赵飞燕的传奇色彩,促使了留仙裙的流行与盛名,但留仙裙本身褶皱的律动美感,是在服装史上流光溢彩的真正所在。 在封建社会经济,文化高度繁荣的唐代,崇尚宽衣博袖,裙子以宽肥为美,色彩浓艳,尤喜红色,称为石榴裙。裙子一般是用六幅布制成的,华贵的则用到七幅八幅。裙子多有褶,所谓“破”,几破就在于几褶,最华丽的裙子达到二十破,褶多了就比较浪费,唐高宗曾下诏禁止:“天后我之匹敌,常著七破间裙,岂不知更有靡丽服饰,务尊节俭也”。可见当时褶皱之盛。唐代服饰的褶皱设计,代表了一种华丽、大气磅礴的服装(下转第278页)
欧普艺术服装和视错觉 2015-2-25 21:26| 发布者: admin| 查看: 51| 评论: 0 时尚与艺术实在是有太多如胶似漆的关系，人类文明所创造的美好，在这两者身上得到了尽情的发但是这两者的地位并不均等，艺术终究在时尚面前是个“巨人”，艺术也给了时尚不少帮助。因于外在美的表现，拥有了艺术价值的美，时尚才能更经得起时间和空间的考验。而时尚将艺术渗自己身上，最简单粗暴的方式就是将艺术作品印在服饰上。 德国法兰克福举行欧普艺术展 欧普艺术与服饰的最初结缘 那么，欧普艺术具体是什么样的呢？它没有具体的主题，大都用线形、点状等这样的图案以周期方式绘制，使用黑白对比或强烈色彩填充，抽象的几何形状让观看者的视觉不由自主地对图像及效果的刺激产生错觉，我们常常感觉看到的图像在波动或者前进。这就是欧普艺术了。欧普艺术代的是利用人类视觉上的错视所绘制而成的绘画艺术。 欧普艺术在20世纪60年代风行之时，就很快被服装界所接受并加以应用了，也是因为正好那个纺织技术和印花水平的提高，成就了两者结合的一个契机。而欧普艺术在与服装结合之后，由图为服饰，由平面转为立体，所产生的立体视觉错觉变得更为明显。欧普艺术影响下的服饰，按照的规律形成视觉上的动感，使得服饰变得更加生动了，这当然也让每一个路人对你有了一个多看的理由，而我们追求时尚的感觉，不正是如此嘛！ 视觉瘦身效果 Marc Jacobs 2013春夏时装秀 通过不同宽窄的黑白条纹产生视错觉，运用面料不同肌理的对比，在裙摆上镶有不同宽度的黑白羽使得更有饱满立体的视觉效果，条纹也随着人体的移动产生动感，欧普艺术就是感性和理性认识合，具有虚幻与现实的美感。到了如今，设计师们将这一风格发挥得更加淋漓尽致了，而且还巧用欧普图案所产生的视觉错觉，结合人体曲线和服装的结构线，使服装的结构更加清晰而突出，修饰、雕塑凸凹有致身材的目的。 如在服装的胸部和臀部位置，将条纹加宽，格子放大，色彩减淡，而在腰际将条纹密集，格子缩色彩加深，使人们在着装后产生丰胸、美臀和柳腰的视觉效果，成功塑造女性丰美的胸线和臀线及纤细的腰身。
波普艺术对海报设计的影响论述摘要：建立在战后资本主义经济不断复苏基础上的波普艺术作为一种新语言的出现对相似语境下的现代海报设计发展起了推动性的作用。本文以此为背景研究了作为经济发展产物的波普艺术具有的特征和内涵，这些特征和内涵会在形式语言和内容上对现代海报设计产生的影响。从而为现代海报设计的维度转变提供了方向，也为多样性理念的海报提供了可能性，同时促进艺术的各个领域相互影响共同进步。 关键词：波普艺术；通俗文化；形式语言 一、波普艺术 波普艺术的兴起是建立在欧洲和美国等一些老牌的工业国家在经历了第二世界大战后工业生产全面复苏和社会经济生活的不断提高的基础之上的。此外，经济生活和人们的文化水平呈正比增长，在解放了生产力后，人们对文化以及艺术品的需求量也在逐步增长。波普艺术也就自然而然的诞生在这个大众文艺发展时期了。波普艺术诞生于英国，成长于美国，并在美国成为了一种具有世界影响的新艺术风格。从汉密尔顿《究竟是什么使得今日的家庭如此不同》到安迪?沃霍尔对罐头瓶、纸箱、美元和玛丽莲梦露等形象的重复模仿作品的发展离不开美国政府的支持。波普艺术对现实生活的态度是通俗的，大众化的，在形式是新颖的，就绘画技巧而言波普艺术采用了更为丰富的材料和技术，包括印刷品、纤维和塑料，同时也因应用达达主义时期开始出现的拼贴翻拍和复印等技术方式。
二、海报设计的发展状况 1.海报发展的困境 海报主要由图形、色彩、文字、空间等元素按照一定的视觉形式构成，具有可复制性和快速传播性的特点，但随着科技的发展，海报这种二维平面设计形态相比于三维的电视空间和多维的网络空间，吸引力正在不断被分割。20世纪60年代的美国已经进入到了一个由公共传媒网络构成的“图像时代”，正如安迪沃霍尔指出的“任何人都可以拍出照片，任何人也都可以拍出好的照片”那样图片和影像在不断复制传播下，开始潜移默化的改变我们的生活方式。在高科技、高效便捷、视觉逼真的图片和视频的影响下由文字、图形等元素组成的海报需要进一步的创新才能继续前进。 2.波普艺术与海报设计 既然海报存在着困境，我们就应当着手去解决。海报设计面临的首要问题应该是如何具有强烈的冲击力去引起人们的共鸣。冲击力的强弱取决于海报的形式是否新颖，表达的内容是否震撼人心，排列的版式是否成功的衬托出主体，更重要的是否表达出所要表达的观念。汉密尔顿在给史密森斯的信中给波普艺术下过定义，简而言之就是波普艺术更商业化和通俗化。它的发展不仅仅是存于艺术界的问题，而是成为了社会发展息息相关的社会生活变化的直接反应。这种反应对海报设计的表达来说也不例外，海报设计不仅仅是通过平面视觉符号传递简单的信息，而是通过更高的科学技术带给我们更深层次的思考。 三、在题材上对海报设计的影响
服装设计艺术浅谈 发表时间：2009-06-26T14:10:38.420Z 来源：《戏剧之家》2009年3月第3期供稿作者：王雅华[导读] 舞台服装设计是戏剧舞台塑造典型环境中典型人物外部造型的重要手段之一，与化妆一起，统称为人物造型。舞台服装设计是戏剧舞台塑造典型环境中典型人物外部造型的重要手段之一，与化妆一起，统称为人物造型。在戏剧的演出中，服装设计揭示典型环境中典型人物的时代特征、生活地区特征、以及人物性格特征等，是人物造型设计的时代精神及性格特点在服饰装束上的反映，与布景设计创造的环境一起，共同揭示戏剧的主题思想。 由于服饰直接揭示人物的思想面貌及性格特点，所以它对表现人物及帮助人物的行动更富有特殊的重要意义。除剧本赋予角色以行动、通过人物的行动有所揭示外，人物外部造型的服饰也起着对人物性格的揭示作用。人物性格必然在生活中有所反映，从而成为戏剧创造典型环境的依据之一。因此，舞美设计者在构思舞台布景设计的同时，还必须把人物造型的服装样式、色彩及线条考虑进去，使演出成为统一、完整的整体。布景的样式，是舞台美术各个部门创作的基础。服装设计的创作，也必须在布景样式的范围内进行思索，从而使服装样式与布景样式达到协调统一、严谨完整。正像不了解题材就无法寻找到恰当的体裁、不熟悉内容就无法寻求到恰当的形式一样，如果不了解服装造型设计的特点，也就无法确立与布景样式相一致的人物造型的表现手法。而这个环节的重要性，也正是一部戏剧演出成功与否的关键所在。服装设计的依据是剧本中的人物，一个成功的服装设计者，在创作时，必须熟悉剧本中的人物，把握人物的个性、情感、性格以及人物所处的时代和地域等特点，充分把握人物思想性格的变化，使服装设计富有强烈的表现力和造型美，使人物性格、个性鲜明，富于艺术感染力。舞台服装与舞台布景的作用都在于烘托人物，突出人物。服装设计的色彩，要根据布景和灯光的色彩而定。生活中各种颜色都不是孤立存在的，而是各种颜色相互衬托产生的冷暖变化。人物在背景中突出的方法之一，就是色彩上的突出。色彩上突出的方法，是利用对比效果。如：红花绿叶、白云蓝天、白纸黑字等，都是对比效果。而在舞台上，服装设计的原则，更应该突出这一点。只有这样，才能在布景色彩与灯光色彩的对比中突出景物，在舞台布景色彩与人物服装色彩的对比中突出人物。话剧《女大十八变》，是一部具有浓郁乡土气息和地方特色的现代农村生活轻喜剧。舞台美术以写实为主、略带写意的设计手法，根据舞台美术的设计总原则，服装设计采用了写实的样式。艺术源于生活，高于生活。在这个戏的服装设计工作中，设计者到农村体验生活，给服装设计工作奠定了坚实的创作基础。凭着一种艺术的感觉，设计者把现实生活中北方农民对于色彩的理解，作为一种艺术的原创力，融进服装设计之中。在体验生活的日子里，设计者发觉，在农村广袤的大地上，金黄色的麦田、绿油油的庄稼、大红大紫的山花、蔚蓝的天、洁白的云——色彩是那么的纯，那么的对比强烈，这就是农民最真、最原始的艺术美。依据剧中人物关系和类型，设计者把服装色彩搭配分成组。女主人公喜鹊的个性像一团火，燃烧自己，给别人带来了温暖和光明，她又像一只报春的喜鹊，带给人们美好的祝福。她热情、深沉、忍让、不善言辞而善于思索，敢于行动，在她整个的行为过程中充满着青春的活力和朝气，这个人物的色彩定位在以红色为基调的暖色系上。喜鹊的恋人得福毕业后参军，以蓝绿色调为主，戏结尾处以军人形象出现，表现出两个人物性格个性的清新、鲜活。剧中人物大埋汰和张淑兰，是佟、毛两家分别给喜鹊和得福找的对象。张淑兰个性追求华而不实的生活态度，服装设计色彩艳丽，自身服装色彩对比强烈、夸张、刺激，与大埋汰的生硬、不修边幅略显龌龊的形象形成鲜明对比，衬托出人物的不同个性特征。为使服装色彩既对比强烈又协调，就要使服装色彩具有一定的中间色调。根据人物的性格和年龄特征，对于佟支书和洋砬子与毛驴子、破锣，采用了中性色的设计基调，如深、中、浅灰色、蓝紫色、赭石色等。利用细碎的小花图案和灰色相间的条纹形图案等，表现色相的不确定件。这样处理，便于接受灯光的色彩，同时，又与中和状态下的布景颜色相糅和，突出了人物形象。服装设计作为视觉的艺术语言，除了色彩的形象性，还包括线条、形状和结构。任何服装设计，都是艺术创作的外部造型，它首先是一件艺术作品，它所呈现和表现的，不仅仅在于表象，更在于一个艺术创作者所赋予它的艺术性语言。把形象性的艺术语言，转化成可以直接感知的事物，是艺术创作的根本任务，更是服装设计者所不断追求的理念。责任编辑王庆斌
最具影响力的的舞台设计者——李名觉 纽约哥伦比亚大学戏剧系主任 Arnold Aronson 1964年8月5日，纽约莎士比亚戏剧节的德拉寇特露天剧场演出沙弗克里斯的悲剧《伊蕾克特拉》。时年三十四岁,第三年担任戏剧节专任设计的李名觉，是该戏的舞台设计。这个设计以其多层次的伸展舞台，以及悬挂在鹰架结构上的三片充满雕塑趣味和象徽意义的景片，标示出美国舞台设计史上的转折点。无论对李名觉或美国的剧场而言，尽管这个设计中并无新做法却汇集了在此之前的风格取向和创作元素。为其后一整个世代的设计者，开创出新的设计风格与语录。 自1960年代中期以来，无论在戏剧或歌剧界，李名觉在舞台设计领域始终是最具影响力的个人。吊诡的是，他虽然从未在百老汇有非常成功的作品，影响力却依然无远弗届。直到1984年，他只为百老汇（Broadway)设计过约二十个作品。其中比较成功的《K2峰》（K2，他唯一获东尼奖的设计）·《暗影之盒》（The Shadow Box)·《维诺那二绅士》（Two Gentlemen of Verona)·以及《无事自扰》（Much Ado About Nothing),都是由职业性地区剧场（resident professional theatres)搬到百老汇的。他最成功的作品，都是为莎剧及歌剧而作，例如他在1966年为林肯中心纽约州立剧院（State Theatre)开幕演出《唐·罗德里歌》（Don Rodrigo)所做的设计，实际上完全改变了美国歌剧演出的舞台设计方向。 基本上，李名觉融合了包瑞斯·艾润生与野口勇（Isamu Noguchi）的雕塑式设计，鲁本·特阿图尼亚（Rouben Ter-Arutunian）创作中的质感和许多不同德国设计家额概念性设计取向（conceptual approach）。这种融合的结果，史李氏的设计迥异于他的老师。自四十年代起，即以绘画式风格主导美国剧场设计走向的乔·麦哲纳的作品。李名觉及其同盟设计者，以真材实料的木头与金属，创造出以雕塑意趣为主的布景，取代了以纱幕·绘景与少数写实建筑结构所创造的【诗意写实主义】（poetic realism），以质感取代气氛，以形式与空间关系取代了颜色与装饰性，而成为新一代的设计语言。 尽管他也受到布莱希特（Bertolt Brecht，德国剧作家，戏剧理论家，以创造史诗剧场理论与剧作知名）美学的影响，但李名觉从未全然放弃在剧场中创造写实幻觉的概念。他将舞台视为有限空间，认为舞台设计应当加以强调这点，并且希望观众尽可能直接体验演出本身。因此，他对因麦哲纳而造成流行的纱幕颇不以为然。 直至今日，许多人将李名觉的设计风格与钢管鹰架划上等号，这种说法实际上已经变成陈腔滥调，或甚至只是无伤大雅的笑话。然而，运用钢管不过是李氏的设计手法之一。多年来，他不仅是拼贴艺术（collage）的先驱，并率先使用如聚氨酯泡沫塑料，薄片金属，聚酯薄膜等新式材质，同时他也是以软质布料做设计，建筑式设计，以及极写实主义 （ultra-realism）等领域的前辈。他的作品更包括绘画风格为主的设计，极简主义（minimalism）于超写实主义（surrealism）等。他曾担任六个剧院的顾问，并且在1978年为纽约大都会博物馆设计中国馆的亚斯特庭园（Astor Court，苏州庭院式的设计）。李名觉的门生设计家约翰·李·贝提（John Lee Beatty）曾提到，每次他以为自己的作品已经超越老师时，李名觉却总是又完成了一些创新而令人惊异的设计。 李名觉在1955年取得设计师工会会员资格，并为纽约西州安度弗（Andover New jersey）的格里斯特的磨坊剧院（Grist Mill Playlouse）做过两个舞台设计，之后却因为设计过于昂
服装设计艺术及影响设计 一、服装设计中语言文化艺术发展的现状 由于世界各地社会文化的发展层次和层度不一，对物质生活和文化生活的品味不一，对服装设计语言文化艺术的主观理解和客观教育认知不一，出现了服装设计中语言文化艺术的发展程度也有不少的差距。在这里，我们或许可以用西方现代艺术的发展历程作为服装设计中语言文化艺术发展程度的判断和评价标准，以此来度量一下当前服装设计中语言文化艺术的发展差异。我们都知道西方现代艺术发展所经历的六个时期：第一是对表现手段现实化的探索时期；第二是表现手段即艺术符号的确认时期；第三是艺术符号的形式与表达的内涵完全同一化时期；第四是艺术符号被提炼到夸张和变形但未失去原有的象征意义的时期；第五是艺术符号经历过夸张和变形进入极端且富有新意的时期；第六是艺术符号的非定型时期，即艺术符号变得让人无法理解，出现一种阶段性的新潮现象.如果以这种西方现代艺术标准来衡量目前的服装设计中语言文化艺术发展的程度，可以说目前的服装设计中语言文化艺术所表现出的设计品味水平参差不齐。某些地方的设计品味以及其服装设计中语言文化艺术所表现出的象征意义正进入第四、五时期；更有甚者，有极少数地方的服装设计品味即将进入第六时期。这些高品位的语言文化艺术设计的服装所呈现出的那种姿态超乎一般人的想象，但是它又没有完全脱离具体的语言文化艺术符号设计，即该设计处于一种形神兼备时期，既处于一种可视阶段又处于一种可感阶段，有其独特的“只可意会不可言传”之妙。当然，不可否认的是也有不少的服装设计产品处于第三时期，甚至是一、二时期，像这种一直处于该阶段且停滞不前的产品毫无新意可言，是一种设计观念无个性、无情感的重复，更是一种对服装设计的理念及服装设计中的语言文化艺术缺乏细致研究、深入发现、独特理解，只是简单的对贫乏的语言文化艺术设计的服装的再创造，没有新意的语言文化艺术设计. 二、语言文化艺术给提高服装设计品味带来的启发 实际上，不管是哪个国家服装的设计文化，很早之前就开始运用诸多的语言文化艺术符号来体现服装设计的独特品味，以一种比较现实、理性的展示方式来体现对服装设计中语言文化艺术符号的理解，以此来摆脱专门实用主义服装的普通和平凡。比如说我国各朝各代的朝服样式及其花纹图案的设计品味及设计要求。如用飞鸟作为文官朝服的图案，象征其文花；用走兽作为武将朝服的图案，象征其英勇。用飞鸟走兽来设计服装，不仅仅为其美观，更是为了体现封建帝制的政治文化，可以说从代表义走入引申义，从一般的服装设计图案提升到了国家政治文化的高度，可以说代表了政治符号的语言功能。因此可以这样理解：如果现在的服装设计仍不能快速的与语言文化艺术相结合，那么在未来的服装文化中无法找到其栖身之所，或者可以说将处于服装设计文化的最底层。我们可以预见：随着社会文化的发展以及时代的变迁，服装的设计将更依
毕业设计报告 ——褶皱在服装设计中的应用 内容摘要：随着人们审美能力的提高，服装的造型设计尤为重要，而褶皱设计是服装造型设计的重要手段。本论文所涉及的毕业设计则是利用褶皱设计来表现服装的空间感和美感，使用不同的褶皱设计改变服装的整体和装饰效果，使其更加符合人体学，具有舒适性，更能表现服装的层次感和装饰性，使服装更富有视觉冲击力。 关键词：褶皱装饰性造型空间感层次感 一绪论 1 课题简介 褶一般指折皱重复的部分或者服装面料折叠形成的纹理。在专业术语中，褶皱指服装面料折叠而形成的波纹。褶皱作为服装设计中一项重要的装饰形式，广泛的应用于服装中的各个部位。褶皱因为其形成的方式多种多样，所以它的种类很多，风格也各不相同。在古代和现代的服装中，服装褶皱的设计风格使服装的造型更加的丰富，使服装更能表现人体优美的体型且人体运动得到了更大的调节度，为服装设计的创新内容增添了丰富多彩的手段。从古代服装到现代服装，风格各异的设计，褶与皱都能于其相互协调互应，且在服装设计中起着举足轻重的作用。 2 选题背景 随着人们生活方式的提高，人们更加注重服装的高品质、舒适化和多元化。人们的审美能力、创新能力都有着很快的发展提高，对于服饰的审美性和舒适性以及运动性的要求也越来越高。对于服装的造型美而言，服装的面料设计显得尤为重要，面料设计是服装设计的先决条件，甚至超越款式设计，设计师对于面料的选择与变化制作的好坏直接决定着设计的成败。设计师对于面料的改变不只是面料之间的搭配组合，更重要的是面料的二次加工，而褶皱设计则是面料制作的重要手段。它能使服装更加具有空间感和美感，使服装的适体性得到更大的提高，有着其它服装装饰形式不可替代的作用。在许多时装设计中，人们经常采用不同的褶裥改变服装的整体或者装饰效果，使其更加符合人体学，更能表现服装的动感和装饰性，更加富有视觉冲击力。使
现代艺术各个流派
现代艺术各个流派 现代艺术的范围很广泛，用来指从19世纪末期到大约1970年代大部份的艺术作品。（较近期的艺术作品通常被称作当代艺术或后现代艺术。）艺术原本的目的在于写实地再现某个主体，然而摄影的发明让艺术的写实功能相形见绌，于是就出现了新的艺术路线。艺术家开始实验各种观看的方式、材料、观点等等，而通常作品都变得越来越抽象。 现代艺术的概念与现代主义有很亲密的关连。 现代艺术是从西方开始的，最先是绘画和版画，然后在19世纪中期扩展到其他的视觉艺术上，如雕塑和建筑。到了19世纪末期，一些对现代艺术有重要影响的运动开始出现：以巴黎为中心的印象派，以及最初从德国开始的表现主义。 现代艺术受到的影响来自很多方面：比如接触到东方的装饰性艺术，尤其是日本版画；透纳和德拉克鲁瓦在颜色上的创新；还有像让-弗朗索瓦·米勒等画家的作品中可以看到有更多描述日常生活的主题。当时对艺术的普遍观念认为，艺术应该精确地描述事物，而且必须企图表现出其理想的样貌。因此当时最成功的画家如果不是接受委托，就是透过举办大型画展来进行创作。政府也会资助画家，并且定期举办展览。
于是跳脱理想化与精确描述的艺术，就不只是一种艺术路线的改变，而是社会和经济状况造成的结果。 这些新的运动并不必然将他们自己视为一种进步前卫或者个人艺术的解放。相反地，他们认为他们才是再现了所谓的真实与普世价值。印象派画家说人们并没有看到物体，而是看到那些物体反射出的光，因此画家必须在自然的光线下而非在画室中作画，并且捕捉那些光线带来的效果。 印象派艺术家自己组成了一个团体来推广他们的作品，尽管内部关系有些紧张，他们还是能够集结起来举办了一些展览，然后他们的风格又被其他国家的艺术家所接纳。这些因素都促使大家相信这是一个“运动”。从建立起一套艺术方法、逐渐形成一股风潮、到最后获得国际性的接纳，这个过程将在每个现代艺术运动中不断被重复。 1901年-1906年，在法国巴黎，梵高、高更和塞尚的作品，首次大规模公开展览，20世纪的现代艺术发展，约始于1906年，20世纪的第一个十年中兴起的艺术运动有野兽派、立体主义、表现主义和未来主义。 第一次世界大战造成了这一阶段的终止，不过也因此开始了一些反战运动，比如达达主义和杜尚的作品以及超现实主义。另外像风格派和包浩斯学派也影响到日后关于艺术、建筑、设计和艺术教育之间关连的发展。
135 2012 · 02 设计学 ART EDUCATION ■ 梁军 王超 论服装设计艺术与技术的灵动 服装是一种社会文化，服装设计是人类社会物质文明和精神文明发展的产物，服装设计产品本身是由艺术设计与技术设计两个方面 构成的。文章通过对服装设计艺术与技术灵动特征、服装设计艺术与技术灵动关系、服装设计艺术与技术灵动表现等方面的论述及实例分析，深刻揭示了服装设计艺术与技术灵动性的内在规律。 服装设计艺术 技术 灵动 内容摘要：关键词：服装设计是在一定社会形态中存在的一种文化，是人们先由想象而变形的一种意识，进而将这种意识用图形表现出来，最终将其转化为实物。这一过程既参与了人们感性意识的创作，又参与了将这种意识创作实现的理性技术。也就是说，一件服装产品的形成需要艺术设计和技术设计的结合才能实现。 艺术设计是随着社会的发展和进步而产生的，是人类为了完成某种特定目的而进行的创造性活动，是以工程技术和艺术美相结合为基础的设计体系。在解决物与物关系的同时，更加侧重于解决物与人的关系，考虑对人的心理和生理上所产生的作用，以此来提高产品的市场竞争力。在服装设计中，艺术设计主要体现在服装的造型、款式、色彩、面料、肌理等形式美感表现上。 技术设计解决产品内部功能、结构原理以及组合条件等物与物之间的关系，更多地考虑产品自身合理性和对人生理功能需要上的作用。在服装设计中，技术设计体现在服装的结构、工艺等内在本质要素运用方面。 一、服装艺术设计与技术设计的灵动性特征 服装设计中无论是艺术性还是技术性，都是为了实现服装产品所采取的设计手段，都具有商品属性，而商品是用来调节社会关系的中介，具有一定的社会性，所以，服装的艺术设计和技术设计也都具有一定的社会性，并各自具有一些特征。 艺术设计是一种显性的表达，注重美感形式和情感性，是以形象思维为主，其最显著的特征就是审美的文化性，即赋予产品以文化意义。不同时代、不同民族的人们具有不同的生活背景和物质生活条件，这使得每个国家和民族对服装艺术设计美的理解和标准不同，也就使服装的审 美具有了多种文化意义。例如，中国唐装、旗袍和盘扣元素的运用使服装具有鲜明的民族文化意义；西方20世纪六七十年代受后现代主义文化思潮影响，强调以人为本，推崇人性经验的主导作用，以历史的互渗性及个性化、自由化的思想方法和多元性、模糊化的设计语言，产生了波普、欧普、嬉皮、朋克等反传统的服饰文化现象。人们可以在传统与现代、民族与时尚之间的服饰文化中游走，这使得服装具有明显的时代文化意义。 技术设计是一种隐性的表达，注重数理性和逻辑性，是以抽象的思维为主，其最显著的特征是物质性，即服装从图形化的构思到人们可以穿用的物质化过程，从选取面料、确定款式到打板、裁剪、缝制和熨烫都有技术设计的参与。对面料的新颖性和环保性、生产能力和工艺水准、结构及尺码的要求等方面，都是技术设计物质性的体现。并且，这一物质性特征还包含了效用性和舒适性。 服装是人们的第二层皮肤，强调的是服装的可穿性，其功能是起到保护人体、满足人体的生理需要，而又不影响人体正常活动的作用，这就需要服装结构的合理与工艺的完善来实现。人体各部位功能作用、形体起伏是结构设计的根本，而选择合理的面料及相应的工艺制作技术，是实现服装设计功效性的必然手段。 技术设计的另一特征是功利性，即设计出的产品的最终目的是设计者和生产者能够从中获取利润。因为真正获取利润才是一个服装企业存在和发展的关键，如果设计出的产品实现不了功利性，也就没有技术设计的意义了。 艺术设计与技术设计这一显性和隐性的两个特征共同构成了服装产品的特征。在服装设计中，在发挥艺术设计的特征时，要加入技术设计的数理性、功能性特 征；在发挥技术设计的特征时，应融入艺术设计的情感性特征，使两种特征灵动地结合在一起。 二、服装设计艺术与技术的灵动性关系 服装设计从某种角度也可以看作是一门艺术，是设计者运用一定的文化载体、艺术表现手段进行创造，更确切地说是美化人类生活着装和生活环境的一门实用艺术。而实用艺术从其实用意义上来说，它又是艺术领域之外的，还有其实用价值的立足点，也就是工艺技术品质。为此，服装艺术设计是以技术设计为内容，技术设计则以艺术设计为形式，两者互不可分。布劳恩?劳森在《设计师怎样思考》中说：“为了达到设计目的，设计师必须理解和应用相应的技术手段，设计师不但要明白他们期望得到怎样的结果，还要清楚怎样得到这些结果。”这就是说，只是进行设计而没有考虑技术设计实践的设计是没有思考的设计，对预期的视觉效果是无法达到的，对自己的创意构思也无法实现。因此，如果一个服装设计师在设计时完全不考虑技术设计的实践要求，只注重形式和材料的美感，而没有考虑服装作为产品的功能性和商品性，其设计只能是形式优美的艺术作品或概念性作品。同样，如果设计师在设计时只注重技术性，而没有融入艺术的灵性，这个设计虽然具有了功能性，但由于缺少了服装的文化和艺术美的感染性，也会黯然失色。 服装艺术设计和技术设计的不可分，并不是把两者牵强地拉扯在一起，而是找到一个美的结合点，使二者自然地融为一体、相互整合，从而创造出具有功能美和艺术美的服装产品。 在服装设计创作中，服装的艺术设计往往是第二性的，技术设计是第一性的。 服装设计并不只是简单地先进行艺术设计 图1图3图2图4图5
欧普艺术 欧普艺术产生于法国的1960年代，是精心计算的「视觉的艺术」，使用明亮的色彩，造成刺眼的颤动效果，达到视觉上的亢奋。欧普艺术所指代的是利用人类视觉上的错视所绘制而成的绘画艺术。因此欧普艺术（Optical Art）又被称为“光效应艺术”和“视幻艺术”，它是继波普艺术之后，在西欧科学技术革命的推动下出现的一种新的风格流派，兴起于西方二十世纪六十年代。欧普艺术1965(4)-于纽约现代美术馆举行。 背景起源 欧普艺术（Op Art）是西方二十世纪兴起的艺术思潮；欧普艺术风格源于20世纪60年代的欧美。“OP”是“Optical”的缩写形式，意思是视觉上的光学，即视觉效应。正式使用这 一名称是在1965年，那时纽约现代美术馆举办眼睛的反应画展，展览会上陈列出大量经过精心设计，按一定规律排列而成的波纹或几何形画面，造成视知觉的运动感和闪烁感，使视神经在与画面图形的接触中产生眩晕的光效应现象和视觉的幻觉。欧普艺术”所指代的是利用人类视觉上的错视所绘制而成的绘画艺术。因此“欧普艺术”又被称作“视觉效应艺术”或者“光效应艺术”。是利用人类视觉上的错视所绘制而成的绘画艺术。它主要采用黑白或者彩色几何形体的复杂排列、对比、交错和重叠等手法造成各种形状和色彩的骚动，有节奏的或变化不定的活动的感觉，给人以视觉错乱的印象。欧普艺术下的服装服饰，按照一定的规律给人以视觉的动感 欧普艺术以人性为切入点在服装、家居、建筑、平面有着不同凡响的影响力。艺术与时尚如同一体两面，以视觉迷幻效果著称的欧普艺术（Op Art），就曾经在20世纪60年代因纺织技术和印花水平的提高而被大量应用在时装设计中。今年秋冬季，时尚界猛吹60年代复古风，为呼应那段狂飙奔腾的年代，欧普艺术再度重返时尚舞台，为今年秋冬季节的新装增添了不少如梦似幻、既虚也实的缤纷色彩。 幻欧普风把棋盘穿在身上 据美国《世界日报》报道，欧普艺术以色彩缤纷绚丽著称，经过科学设计，按一定规律排列而成的波纹、圆形或方形等几何图案，常让人产生眩晕和幻觉感。最神奇的是，欧普印花图案所产生的视觉错觉只要运用得当，就可以成功达到修饰、雕塑凸凹有致身材的目的。 衣着方面食品包装方面建筑家装方面1、抽象几何形状2、色彩错觉中秀出表情 3、流动视觉中体现意境美 汽车标志设计方面
服装艺术在社会中存在的价值和意义 艺术源于生活，高于生活。艺术是生活的提炼。加工和再创造。艺术家从生活中提取有价值的，有意义的内容，运用到艺术中去反过来又充实人们的生活，给人们带来新的感受。艺术无处不在，每一个职业，每一个动作，每一种语言，每一种形态都可拥有艺术的成分。自然界更是最大手笔的艺术家。人类生存已有很长时间，随着社会的出现，人类的文明开始发展，人类的自我意识，审美意识开启了艺术的大门。随着社会的不断进步，人类对美的认识，对艺术的要求也不断提高，在生活中艺术无处不在。艺术是生活的重要组成部分，对社会。历史。人生，具有审美认识功能。 艺术具有三种功能：认知功能：艺术作品是人类文明和知识的载体。尤其是具象写实的艺术作品中往往会记录一些现实生活的事件和场景，通过欣赏艺术作品，人们可以认识作品创作的年代的一些社会风貌，通过艺术作品了解和学习历史。 教育功能：科学是以理服人的，而艺术则以情感人，艺术通过对观众情感的影响而陶冶人们的情操，提高人们的境界。艺术教育有着科学文化教育不可替代的功能。审美功能：艺术作品的本质属性是审美属性，人们通过欣赏艺术作品满足审美的精神需求。可以说，审美功能是艺术最重要的社会功能 艺术与生活息息相关，体现在人们日常生活的各个方面。人的衣、食、住、行中看，衣在首位，可见服装是生活中必不可少的，从远古时代，人们有了自我意识开始，就有了它的存在。服装文化也随之而变化，服装的发展随着社会的不断变迁，服装文化也随而变化。同时服装也也体现一个时代的政治、文化、经济、思想的发展。也是每个地区、民族的代表特征。例如我们中国的代表就是旗袍。而且服装也已经不仅仅是为了蔽体、御寒，更是一种美的享受。服装存在于艺术之中，也激发每个平凡人对艺术的追求。俗话说‘人靠衣装，佛靠金装’，人们在衣服的要求上也大有不同，他同样与人的地位，形象，性别。。。大有联系，每个人都有自己的品味，就像每个人的名片一样，穿上不同的衣服，彰显的气势也不同，每个人对衣服美的需求不同，就造就了现今社会的服装多样化，对于服装设计师也是很大的考验。服装设计师（Fashion Designer）直接设计的是产品，间接设计的是人品和社会。随着科学与文明的进步，人类的艺术设计手段也在不断发展。信息时代，人类的文化传播方式与以前相比有了很大变化，严格的行业之间的界限正在淡化。服装设计师的想象力迅速冲破意识形态的禁锢，以千姿百态的形式释放出来。新奇的、诡谲的、抽象的视觉形象，极端的色彩出现在令人诧异的对比中，于是不得不开始调整我们的眼睛以适应新的风景。服装艺术显示出来的形式越来越多，有时还比较玄奥。怎样看待服装艺术、领略并感受服装本身的语言，成为今天网络时代“注意力”经济中的“眼球之战”。服装设计既要有很强的审美观，和价值观，既然设计出来的衣服是要在生活中穿的，既要美观时尚，又要低调优雅，是服装永远不会落后，所以一个设计师在设计服装的过程中要忘掉自己是自己，而是在设计你所想表达的意向。 社会在不断地进步和发展，越来越高品质的物质给人们带来也越高的品质精神生活的渴望。这给设计艺术家们提出了更高的要求，使艺术设计跟时代前进的脚步不断的发展、提高。从而促进了时装的发展，时装，款式新颖而富有时代感
《安迪.沃霍尔和他的波普艺术》教学设计 教学背景： 中职幼儿教育专业是培养幼儿师资的主要摇篮，良好的美术素养是幼儿教师必须具备的基本条件，这不仅仅包括熟练的绘画技能，手工技巧，更重要的是要有良好的审美能力与较高的艺术修养以及无限的创造力和想象力。这就需要在美术欣赏课的不断渗透与影响。但长时间以来，在中职幼儿教育专业的美术教学中，美术欣赏课却很难达到良好的教学效果，大多老师片面强调学生美术技能的训练，认为学生只要有一定造型能力，会制作一些手工作品和实用教具就合格了，以技能训练内容，代替整个美术教学内容，从而忽略了对学生艺术美的熏陶。学生则对美术作品的了解少之又少，自己美术作品的主题和内容也大多是模仿网络图片和老师范画，缺乏创新与认识。如何上好美术欣赏课？能不能把美术欣赏与技能训练结合到一起？这是我这节课想要解决的问题。 教学目标： 通过对《玛丽莲.梦露》《毛泽东》《是什么让我们的生活变得不同？》等美术作品的欣赏，使学生了解波普艺术这一艺术流派的发展历史以及由来，掌握安迪.沃霍尔等艺术家的创作意图及方法，并创作出波普艺术作品。 教学重点与难点： 1.波普艺术的特点以及波普艺术家的创作理念。 2.用纸版画印刷的形式自己创作波普艺术作品。 教学课时： 3课时 教学对象: 中职幼儿教育专业二年级学生 教学过程： 一，导入 1 新闻简报 据英国《卫报》报道，在当地时间2月12日晚举行的伦敦苏富比当代艺术晚拍上，安迪·沃霍尔作品《毛泽东》以760万英镑售出，该价格是其前一次上拍成交价的18倍。 2. 展示《玛丽莲.梦露》《毛泽东》《金宝汤》《可乐樽》等作品 提出问题: 这些作品的内容有什么特点？ 这幅作品形式有什么特点？ 引出课题：安迪.沃霍尔和他的波普艺术 二．讲授 1.波普艺术（流行艺术（Pop Art）） 是流行艺术（popular art)的简称，又称新写实主义，因为波普艺术（Pop Art）的POP 通常被视为“流行的、时髦的”一词（popular）的缩写。它代表着一种。在现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。 3.20世纪50年代初萌发于，50年代中期鼎盛于。波普为Popular的缩写，意 即流行艺术、通俗艺术。波普艺术一词最早出现于1952～1955年间，由研究所一批青年举行的独立者社团讨论会上首创，批评家L.阿洛维酌定。他们认为公众创造的都市文化是创作的绝好材料，面对消费社会的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为的歌手。在实践中有力地推动这一思潮发展的艺
By PetrelKing
欧普艺术----起源 欧普艺术(Optical Art)又被称为"光效应艺术"和"视幻艺术"，它是继波普艺术之后，在西欧科学技术革命的推动下 出现的一种新的风格流派，兴起于西方二十世纪60年代。 首次使用“欧普”(Optical)这一名称是在1965年，当 时在纽约现代美术馆举办的一次主题为: "眼睛的反应“(The Responsive Eye) 展览会上，陈列出大量经过精心设计,按一定规律排列而成 的波纹或几何形绘画, 这些作品给参观者以强烈的视觉刺激，达到了震撼人心的艺术效果。 Optical的意思即视觉上的光学
欧普艺术----特征 这种艺术形式可以称得上是一种挑战人类视觉的智力游戏，它通过利用光学、物理学、心理学等科学原理，运用补色、透视、对比等艺术处理，欧普艺术家巧妙地以不同色彩几何图形，创造出引起立体、波动等错觉效果的美丽图案，从而带领观众进入一个变幻莫测的幻觉世界。 波纹图案是光效应画家创造幻觉时常用的传统素材和方法。这在中国传统图案中常见。较为典型的是波纹绸上的图案。印制两个完全相同的波纹图案，把它们的位置稍稍相互错开，当波纹绸处于实际的运动状态时，就会出现一种永恒的运动感和变化感。
欧普艺术----代表 欧普艺术几乎同时兴起于欧美各国。其最杰出的代表是法国画家维克托·瓦萨雷里，他从50年代起就开始创作具有运动感和闪烁效果的绘画，成为法国欧普艺术的主流。其他具有影响力的欧普艺术画家有美国的约瑟夫·艾伯斯 (Josef.Albers)和安德鲁基威斯(R.Anuskiewicz)，英国的女艺术家瑞利(B.Riley)及以色列的阿格姆(Y.Agam)﹑委内瑞拉的萨图(J.R.Soto)等。 虽然欧普艺术盛行的时间并不是很久，到20世纪70年代就走向了衰落。但它变幻无穷的视觉印象，以强烈的刺激性和新奇感，广泛渗透于欧美和日本的建筑装饰、都市规划、家具设计、娱乐玩具、橱窗布置、广告宣传、纺织品印染，以及芭蕾舞、电视观赏等到多种设计领域，在国际上产生了很大影响。