通俗唱法技巧——气息练习（一）
首先是气息练习，具体方法如下：
第一步：躯干站直，胸部放松地挺起，腿不能弯曲，面部肌肉一定要放松，不要有意识去吸入大口气，直接用小腹的动作来数“1”，（不是心中数，而是口中念出来）数完后小腹立即回复原状。再收小腹数“2”，再回复原状，如此反复地数到“10”，或“20”，让小腹灵活而有弹性，反复地收腹和还原，使下腹形成自动“换气”。因为在小腹还原时，气息已自动吸入，把吸气练成下意识动作的好处在于“气口”的灵活性，另一好处是无吸气声；数1、2、3、4、5的节奏可由慢而快。开始阶段下腹肌肉会很“酸”，这是正常的。当快速练气适应之后，可用连续数123或12345或12345678910，再逐步从1----10，或1----30；最多可数到50位数。下腹肌始终处于收缩状态。这是锻炼“保持”的基础。
第二步可用音阶来练气。先用三度下行3 2 1（咪来哆）；再是五度下行5 4 3 2 1 ；甚至八度下行7 6 5 4 3 2 1 .看下腹肌支持能力而定。下行适应了，可改练上下行三度音阶1 2 3 2 1 或五度上下行1 2 3 4 5 4 3 2 1 甚至九度上下行1 2 3 4 5 6 7i2i7 6 5 4 3 2 1 ，一切量力而行。关键是锻炼收紧小腹的支持余地。练下行音阶时，小腹只需收一下即可，练上下行就要求在上行时加强下腹肌向上“顶”的力量，下行时只需保持可；练八度上行当然需要更大的下腹向上“顶”的力量，总的感觉就好像把自己的重心不断向上提，切记这个练习不是为收腹而收腹，而是为了让胸廓张开，辅助动作是收紧臀部，这种基本功和练舞蹈的基本功完全一致。练音阶时用什么元音为好？最好用Hm，因为Hm要求收缩声带，可为下一步的发声训练做好准备，这是第一步。当“换气”的习惯建立之后，必需把训练重点放到张开两肋上去了，也就是在收腹发音的同时，有意识地“撑”开两肋，就如同手风琴的风箱那样拉开，这是呼吸训练中最难练的一个环节，两肋的骨框架比腹肌更有支撑力，光靠小腹支撑的能力时有限的。完成气息控制的最后一步是鼓上腹，在做这个动作时，必需带动腰围四周的扩张，此时的横膈膜才真正起到了“水闸”的作用。
以上三个阶段的气息训练，可以理解为一个整体的三个阶段。也可以分为三种独立的呼吸方法，因为通俗唱法有层次性，对于像一些音域宽、力度对比度特别大的歌曲，要求强有力的气息控制。但对音域窄，不要求强烈气势的歌曲，就是用呼吸的第一阶段也足够应用了。由于保持气息这句声乐术语，经常造成错觉和误解为----“迸气”、造成气息僵化，反而破坏了歌唱的流畅。所以使用“气势”----（象征一种动态中气息）这个名词或许更恰当。
至于为什么不讲吸气？理由很简单，因为歌唱是在“呼气”状态下进行的，吸气是人的本能，不吸气人就会死亡。所以把太多的精力去研究核心吸气的话，结果往往弊多利少，许多错误的呼吸方法都来自于对“吸气”的强调，永远不必担心体内无气。任何歌唱艺术都有一个共同点----气不在“吸得多”而在“吸得深”。用小腹作为“力点”，两肋为“支点”不是已很“深”了么！小腹也就是丹田。气势的“保持”建立在一种意念上，决不是保持在某个不变的躯干姿势上。这个意念可以理解为不断地在“加气”或“提气”均可，不论上下腹肌在歌唱中如何不停地运动着，摸上去均是有弹性的，不是僵硬的。
虽然说歌唱是呼吸的艺术，这只是说明屯气息在歌唱中的重要性，决不能理解为正确的呼吸方法就是正确的歌唱方法，不论何种唱法模式，发声方法的正确与否远比呼吸方法与否更重要，上述的有关气势的入门训练只能说是歌唱的一种“准备”而已。只有当发声方法的调节被歌唱者充分掌握之时，气势的功能才能被充分体现出来，初始阶段的气息训练是歌唱的准备。
上述的呼吸不是一种气功训练，歌唱中所要求的“气感”，和气功的“气感”性质完全不同。“气感”不仅是歌唱者的自我意识，也是听众能感觉到的具体效果，声乐术语----“声音靠在气上”是指一种具体的“效果”，在唱者的自我意识上觉得胸腔中有“回声”的感觉。
在听者说来，听到的声音明显带有“混响”的效果。“气感”是通过声音来感觉的。
通俗唱法技巧：练声（二）
发声训练的入门一般的起点是从声带开始，西洋传统唱法的起点是先“放下喉头”，通俗唱法一般不需要经过这个“特殊”阶段。通俗唱法的发声起点是“让声带立即振动起来。”它和传统声乐在声音效果上的根本区别是：西洋传统唱法的“基音”是被“共鸣”所掩盖的，而通俗唱法的“基音”本色是完全“暴露”的。虽然说传统唱法建立在说话那样自然的基点上，但每个人说话习惯不都是一样的，有的人说话粗重，有的轻浮，有的甚至不用“真声”。那么通俗唱法要求的“说话”状态是何种含义呢？应该是指平时说话时的“最低音高”位置上，自我感觉好象嘴巴长在喉下说话。这和传统唱法要求的“喉头放下来”不是一个意思。后者发音的喉音比通俗唱法“放下来”的喉位要低得多。不少学过声乐的人都可能知道“气泡音”。但他们发气泡音的目的是为了放松声带，其实目的正好相反，“气泡音”是声带积极起来的最佳起点。（它的声音效果也正好非常像摩托车的发动声）作为通俗唱法的入门方法，“气泡音”无疑是较理想的选择。因它就是最低音高。但这种“气泡音”怎样“过渡”到歌唱呢？在接触这个问题之前必需要先认识一下通俗唱法中最本质的发声特点----收缩声带。
前文曾提到声带的整体形状如嘴唇，歌唱发音原理如同吹笛子或吹号的嘴唇，要求嘴唇收缩，吹高音时更要强化这一收缩的动作，必然使嘴唇边缘更薄。但声带看不见，摸不着，光知道它的原理又有何用？人类是聪明的，著名西班牙声乐家加尔西亚发明了喉镜，他发现了声带的最佳歌唱状态是在咳嗽前一刹那的状态，这就为歌唱爱好者提供了一个具体的方法，这种方法在另一个声乐家爱金（A.Kin）称之为“用制止的声带发音”，并注明用这种方式发出来的声音已不是真声。应该说这种声音既不是真声，也不是假声，是一种独立的声音（传统唱法叫它“混声”），更具有把真假声“焊接”起来的功能，因而它揭开了歌唱的秘密----为什么有些人天生没有“换声”现象；有些人生来不怕高音的道理。
要想把咳嗽前一刹那的状态像镜头一样捕捉下来是不容易的事。经过反复试验，发现在声带前端直接发Hm的方式是比较容易“捕捉”这个动作。因此，用起动的“气泡音”逐渐向这种“声带前的Hm”过渡，被证明是一种可取而有效的入门方法。这个Hm音可以用音阶来练也可以像“拉警笛”的方式去练，也可用后者先找到感觉，再用音阶使之音乐化。
当这个Hm音练到人声的自然极限时（女声到＃C，男声到＃F，这和传统声乐的换声点相比，女声相差正好将近一个八度，通俗唱法女声换声点高。男声则完全相同）必需人为地强化对声带的“压缩意识”，也就是前文介绍的有关帕伐洛蒂的那段“经验之谈”，也等于人们吹笛、吹号到了一定高度时，嘴唇的收缩必需有意识地加强那样（这种声带压缩的意识必需是更“向前”的，这一点非常重要！）此时可能伴随产生的自我意识好象有一种“窒息感”，不要怕坚持练的话就闯过去了，此时所产生的声音常常使唱者自己感到和原来的中声区不统一，甚至怀疑这种声音的正确性，其实大可不必，相反应该庆幸，因你已找到了“唱法的秘密”。
接下来的工作是从“闭口”的Hm转为“开口”的Hm，再从开口的Hm过渡到e或o 元音，再逐渐扩展到另外三个元音EH、AH、AW.
整个过程必需始终坚持这个原则----声带的压缩。具体的要求是把声音压缩成一个“点”。为了坚持声带振动这个前提，这个点在很长一段时间内，都不能离开声带前闭幕式端这个核心位置。那么，怎样说明这一个基本功的完成呢？铁尺磨成针的比喻当然夸张了一些，但如果把声带前的这个“聚声音”练到小如针尖时，便达到了上乘功夫了。这时出来的声音中，
始终“贯穿”着一根可感觉的细如游丝的“线”，这如同老式电灯泡中那根能发光的钨丝一样。发光时的灯丝，视觉上比原来粗上千百倍，其实仍细如毛发。歌唱的发声原理也一样，声源虽细如游丝，声音却如灯光一样能强弱控制自如，千万不要把看到的灯光的粗细，理解为灯丝本身的粗细。许多不知其理的歌唱者最容易进入的“误区”之一就是拼命“扩大声带的振动面积”来放大音量，结果不是高音更上不去就是唱坏了嗓子还不知为什么。在西洋传统唱法的训练中，这种方法也叫关闭----集中。目的是为了使声音通过声带压缩和气息的阻抗作用，使声音产生最大的穿透力，产生强烈的“亮度”。在通俗唱法中这种关闭----集中的方法被证明：在话筒音响效果的相互作用下，同样会产生出最佳效果。虽然通俗唱法不要求太强音量，也不需要传统唱法那样的具有金属光泽的声音效果，但在“集中”这个要求上却是完全一致的。在通俗唱法要求的“三感”中的“质感”，只有声音被压缩成针尖那样一个“点”时，才能被听者感觉到“磁性”。有功底的歌星即使在唱弱声或气声时，仍侧隐约感觉到它的“质”。传统唱法的功底测试，主要是以唱半声和弱声（PP）时的音质来衡量的，在没有电声扩音的年代，一个真正有方法的歌唱家，不论唱得多“弱”，声音仍能送到剧场的每个角落，这才见真功夫。通俗唱法虽有电声扩音，但不集中声音，效果就是比不过集中的声音，点子越小的声音，质量就是比点子大的声音效果好。鲁迅先生说过：“比较是防止受骗的最有效的方法。”西北风唱法音量力度都很大，可惜生命力不强，原因在哪里？就在于音量虽大，但音不集中这个缺点上。惠特尼.休斯顿、玛丽亚.凯瑞、赛琳.迪昂唱有力度的高音时，总能受到听众的赞赏。这种高强音之所以能令人叹为观止，原因就是她们用了关闭----集中的方法。不少羡慕者认为欧美歌星之所以能唱出与亚洲歌星迥然不同的声音效果，是由于民族体质不同所造成的，完全错了！这是方法不同的原因。菲律宾女歌手雷金就是亚洲人掌握欧美唱法的实例。本书介绍并推崇的通俗唱法，就是以欧美这一先进的唱法为楷模的，这种模式始终是以关闭----集中为发音的核心的。不论男女，不论音乐形式。用生理机能说，就是除了低声区之外，中高声区都应该用“制止的声带”（或叫做压缩声带）作为发声的基础来歌唱，也就是始终要以不真不假的混声来歌唱。
这种唱法在开始训练时，唱者自我意识上会旌“蹩扭感”，特别是进高音时，耳朵特别不习惯，这是很正常的，也是必然的过程，这就是上文特地引证帕伐洛蒂那段话的目的自我感觉“失声”、“窒息”、“难听”等等，不等于别人听起来不统一。这也叫“感觉的误区”。作为欧美人而言，他们的这种唱法已成为自然，作为有意识去学习这种唱法的外国人来说，不得不经过一种有意识的歌唱训练，才能成为习惯。美国黑人在篮球、拳击、歌唱等方面有天赋的优势，柴可夫斯基说意大利叫小卖的都有歌唱家的嗓子。对异国人说来，甚至在专业学府学了三五年还未必一定学会。在美国唱得好的流行歌手多如牛毛。要想冒尖，非得有鲜明的独创特色不可；就如同传统歌唱者要在意大利被公认为歌唱家的情况相同。反过来，外国人要唱好京剧，也得一切从对开始一样。“语言的自然”和“歌唱的自然”在通俗唱法领域内同样存在，是建立新的歌唱习惯的手段。
以上所介绍的发音入门方法是一条捷径，这是对没有错误发音习惯的人而言。对于某些发音上存在这样或那样毛病的人未必能用。例如原来歌唱时喉咙逼得很紧，或者唱高音时，存在假声带压迫声带的情况，效果就达不到预期的目的。歌唱训练的特殊之处就在于歌唱者原来的不同发声习惯差异太大，因而无“万能”之良方。有不少人必需先经过“矫正”发音机能之后才能进入常规训练。
“声音必需靠在声带上”，这是欧美唱法最基本的唱法标志之一。这是一句“感觉”的语言，是唱者听者都能清楚感觉的。从生理上说就是声带必须在歌唱时始终保持高度的张力
和阻力。也许出于语言习惯，日本歌坛了除了五代夏子、八代亚纪、长山洋子等是如此歌唱之外，大多数女歌手都没意识到这一点。因而常常出现有的歌手在演唱时唱法不统一。港台歌手也有类似情况。不靠在声带上的唱法的缺点往往表现为轻与响转换时声音不统一，刚柔无法“相济”，唱响声时易“散”，唱轻声时易“虚”。像五轮真弓那样在艺术上如此高造诣的歌星在唱法上仍难免存在以上的那些缺点。港台有些歌星也经常提出要改变歌唱形象，到结果仍只能变“表”不变“本”。其实，通俗唱法之本归纳起来也很简单：一个“气感”；另一个是“质感”；还有一个是“乐感”。气感是“肉”；质感是“骨”；乐感是“生命”。（关于乐感将另文探讨）另有一种比喻简单而又形象：声音的子弹“上膛”在“喉头”中，“扣板机”的力点在“丹田”（小腹）上，歌唱时“气息”必需如扣紧的板机，（不能像老式步枪）歌声如同连发的子弹，子弹头总是“尖”的，就如同声音必需“集中”那样，才有“穿透力”。
通俗唱法技巧：打开喉咙（三）
若想把喉咙完全打开，必须首先搞清楚用力的部位和感觉。在歌唱时如果能将喉咙完全打开，那么歌者自身的感觉应该是喉咙即有向外扩张，又有使喉结向下的力量。
贝基先生说：“正确地打开喉咙是感到颈部往四周扩张。”“要感到喉咙的的两侧的肌肉发酸，在促使喉结往下放，这才是对的。”为了说明这个问题，贝基先生在课堂上常常做这样的手势，就是将两只手自两肩像推开两堵墙一样向外推，以示说明这种力量的方向和感觉。……
为了找到打开喉咙的感觉和用力的部位，贝基先生在讲学中用了很多具体手段，这些手段都是比较容易体会的，而且也都是卓有成效的。歌者在练习时可以选择其中一种或几种，用多种手段去体会。
1．打哈欠是体会打开喉咙的最简单的途径。……“有种办法能把喉咙打开，当你困了，一面讲话一面打哈欠，这时喉咙就打开了。”……“要防止打哈欠打得太过头了，那样会使声音太靠后。”
2．找到胸部的支点有利于打开喉咙。……“唱歌时声音是从咳的地方发出来的。”……“声音是从两锁骨中间那里发出来的，声音要深”，“声音是从喉咙最底部发出来的。”……3．模仿嗓子宽的人歌唱有助于打开喉咙。……“模仿嗓子宽的人去唱，不要模仿那人的音色，主要模仿他的技术。做为技术无论对哪一个声部都是同一的要求。”
4．不张大嘴唱歌可以迫使喉咙打开。
5．大笑和哭也有助于打开喉咙。
6．向后仰头常可以找到打开喉咙的感觉。
以上我介绍的是贝基先生在讲学中经常采用的一些打开喉咙的手段，歌者可以针对自己存在的问题，有选择地灵活运用。除此之外，我个人还有这样的体会：当喉咙完全打开时，在歌唱时会感到头部有一种向前和向上顶的力量，即在某种程度上有梗脖子的感觉。美国著名男中音歌唱家舍瑞尔·米尔恩斯在谈到纠正某些歌者在歌唱中头和下巴的状态不够自然时，主张将双手十指交叉，放在头部的后上方，在歌唱时轻轻用力向前搬，而头部又轻轻向后仰，这时头和下巴便处于歌唱时的状态。……
还有一种感觉我认为是非常重要的，就是当喉咙完全打开时，歌者在歌唱时会感到喉咙似乎不复存在了，只有气息的支持和响亮的面罩共鸣是歌者能明显感觉得到的。用贝基的话来说
就是“歌唱时只有横膈膜和面罩发生接触”。就是说，完全打开的喉咙似乎是一个畅通无阻的通道，声音在这里不会受阻，而是送进了上面的面罩，这虽然是一种感觉和想象，但似乎也是客观存在的事实。这种感觉是世界上许多著名歌唱家都认可，并非常强调的，所以歌者一定要努力寻求这种感觉，只有这样喉咙才是完全打开的
如何寻找面罩共鸣
我认为面罩共鸣实际上是打开鼻咽腔的产物。就是说，当歌者的声音获得了充分的面罩共鸣时，他（她）的鼻咽腔是完全打开的。如果说打开喉咙是要求打开喉咽腔和口咽腔，那么，要想把声音送进面罩，还必须同时把鼻咽腔打开。所以贝基先生说：“我所说的打开喉咙是要求上下左右都打开。”……如何做到在打开喉咽腔的口咽腔的同时，把鼻咽腔也完全打开，从而获得充分的面罩共鸣呢？我把贝基先生的做法按着我的理解，归纳为以下几种手段。1．面带微笑声音容易进入面罩位置。贝基先生说：“古代的老师教唱歌只教两件事：一是打哈欠打开喉咙；二是微笑地唱有助于声音进入面罩。就靠这两点我国历史上出现了很多优秀的歌唱家。”
2．用哼唱的感觉到面罩共鸣。他说：“在哪里哼就在哪里唱。”……当然这种哼唱必须是以完全打开的喉咙和良好呼吸支持为前提，否则是哼不到面罩里面去的。另外在哼是要尽量找到一种晕乎乎的感觉，这说明打开了鼻咽腔真正哼到头上去了。
3，不张大嘴也有助于找到面罩共鸣。……除不张大嘴外，贝基先生还要求歌者不要用嘴去控制声音或用嘴去做声音，这样往往会影响面罩共鸣。
4．小声练唱有利于找到面罩共鸣。
5．讲话时也应该尽量运用面罩共鸣。……正像斯基巴说的那样：“说话要像唱歌那样好听，唱歌要像说话那样自然。”
——田玉斌《谈美声歌唱艺术》第83页—91页
关于高音问题
1．贝基先生说：“唱高音之前必须做好充分准确，这个高音的印象早就印在你的脑子里了。”我理解这句话包括两个方面的内容。其一是说，在你的头脑里必须树立起正确的声音形象，……其二是说，唱高音之前，发声器官的各个部位，如横膈膜的支持、喉结的位置和面罩共鸣等，都要做好将要积极工作的准备。
2．贝基先生说：声“音的动作与音高正好是相反的。”……就是说，越往高音唱，歌唱发声器官某些部位的动作与感觉越要往下。贝基先生把这种反向动作概括为三个方面，他说：“唱高音时别用外在的力量往上冲，而是用内在的力量：一是喉结两侧的肌肉将喉结往下拉；二是横膈膜有力的控制呼吸；三是头别往前伸，也别仰头，而应略低头。”
3．贝基先生说：“高音最需要面罩共鸣。”
4．贝基先生说：“唱高音要有自信感。”
——田玉斌《谈美声歌唱艺术》第100页—106页
练声时应该注意的一些问题
1．练声是一项艰苦的劳动
2．练声时要保持良好的歌唱状态
3．练声时要培养歌唱意识
4．练声时要力求主客观统一
5．练声要有的放矢
6．练声时不要过于追求音量
7．练声时注意力要特别集中
8．要用科学的态度练唱
通俗唱法技巧：模仿的原则（四）
前文介绍的两项基本功----滚动的气息和高密度的“声音细线条”，必需坚持不懈地勤练，直到二者紧密地揉合为一体，才能控制和运用上述那些技巧，具体的学习方法不妨采用“有指导下的模仿”！
根据不同程度的学习阶段，选择不同模仿。根据不同程度的学习阶段，选择不同的模仿对象的录音，选择自己能力限度范围内的歌曲。模仿的对象也必须按照学习阶段，选择不同的模仿对象的录音，选择能力限度范围内的歌曲。
模仿的对象也必须按照学习阶段的具体需要，进行筛选，决不要把模仿看作“克隆”。举例来说：嗓音轻浮空虚的人，要选择比较宽厚的歌星录音进行模仿，选择的模式开始不能选和自己嗓音差距太大的歌星，当嗓音有了改善之后，再逐步地选用更宽厚一些的模式（非常棒的建议）。反过来，声音笨重的嗓子，要选择灵巧的歌星录音，这类模仿的出发点为了改正缺点。在其他方面也一样：比如原来嗓音线条太粗、或声音太散，可选择线条特别清晰的歌星录音去模仿；声音太亮的要模仿暗音色的歌星；声音闷暗的要模仿明亮型的歌星录音等。
永远记住一个原则：一切模仿的最终目的是为了更好地发挥自己的音质；以吸取他人之长，补自己之短。
那么乐感是否可以通过模仿来提高呢？回答是它比方法和技术的模仿更重要，特别是对于二、三流乐感的人来说。也许有人会反对这种提法，论点是乐感是无法模仿的，或者说每个人对歌曲的理解和表达都不同，即使模仿到“克隆”的地步将完全失去自己的表演特点。其实它和技术或方法的模仿性质一样关键在模仿的出发点上：用他人的乐感：用他人的乐感来激发自己的乐感。
一流乐感的人无需模仿他人的感觉。但同为一流歌手之间未必就没有可以相互借鉴的地方，特别对于尚处于启蒙阶段的青少年，他们的乐感，还有待于开发，模仿可以起到“钥匙”的作用。更不必耽心的是：真正具有一流乐感的人，必然具有独特的个性，再摹仿别人也不会变成别人。当然，也可能有例外：有些音乐才气很高的歌唱爱好者，由于盲目崇拜某一歌星，刻意把自己“克隆”成那位歌星。而不知他自己的才气可能在那位偶像之上，甚至比他人取得更高的成就。在这种情况下，激发学生的自信心，鼓励他走自己的路更为妥当。但对于乐感属于三流或不入流的歌唱爱好者来说，模仿作为“克隆”的出发点也未尝不可。（事实上在歌唱领域内，百分之百的“克隆”是不存在的）对于原来没有乐感或者乐感太差的人说来，模仿是唯一有效的手段，它有可能激发出你内在潜藏的“乐能”，至少能让这种先天不足得到改善。摹仿虽然是人的本能，但模仿能力大小却有天壤之别，歌唱的模仿力和乐感一样有级别，但它和乐感根本不同之处是：模仿力是无法模仿的，但乐感却可能通过模仿来改造。
唱歌发声简单方法
首先要说明,唱歌很简单,一点也不复杂,别怕.唱法为的是发出和谐圆润的声音,因此,要足够认识到从下到上你的胸腔,喉腔,口腔,鼻腔,颅腔这一路,起的作用其实就是仿似一个大的
共鸣体,一个人体的乐器.
1) 唱歌的时候口腔一定要打开,咬字时口型一定要保持住,不要过于夸张就可以了,可参考美声唱法夸张欠扁的口形,口腔口形不充分打开,声音出不来,共鸣不足,唱歌就变成了嘟囔了.
2) 唱歌的时候咽部一定要打开,作喉咙擤痰似的“呵~~~~~~“或者作微笑的表情都可以感觉到咽部的打开.否则咽部不打开只用嗓子发声挤着嗓子唱,会造成声音出不来单薄干涩尖锐不悦耳,嗓子也容易变哑.
3) 低音是下到胸腔形成共鸣的,发低音时位置尽量往下,唱的时候注意感觉发音共鸣的位置.
4) 一般唱歌时发的不高不低的中音位置为口腔,鼻腔和前额形成共鸣的(按音高从下到上),唱的时候注意感觉三个不同的发音共鸣位置. 发声时注意口腔,鼻腔,前额和腹腔的贯通感,类似共同形成了一个大的共鸣体那样.
5) 大声唱歌或要唱高一点的音一定要用丹田气(即腹式呼吸),否则只用嗓子发声挤着嗓子唱会造成声音出不来单薄干涩尖锐不悦耳,嗓子也容易变哑. 吸气时感觉到背部下部的腰肌和肋肌也都用上力在吸气了也就做到腹式呼吸了. 但千万要记住这口气不可泄,憋住这口气就可以把高音强音支持住唱出来了,相当于有股气力在下面顶着你的高音,这样唱起来就很轻松了.做到了咽部打开和腹式呼吸,基本就可以做到唱高一点的音时不需要一个劲得仰着脖子仰着头才能唱出来了,剩下唯一要注意的就是高音是上到颅腔来形成共鸣的,一般高音是在头顶形成共鸣,最高高音则是在后脑形成共鸣(也就是从头顶再往后移),唱的时候注意感觉发音共鸣的位置.
综上之后,还需要训练去感觉正确的发声位置,反复锤炼嗓子,经过一定时间的积累才可成型. 一般唱歌,最低限度也一定要做到第二条和第五条.
唱歌发声技巧1_如何发声
如何发声
你自己的声音唱出来，自己的耳朵和别人听起来是完全不一样的，比较好的发声方法是利用声音从小腹发出来的。具体体验如下。
小腹微涨——为什么会微涨？因为要给小腹一个压力让声音发出，没有压力是发不出来的。
小腹上面的肌肉，收缩，压迫小腹，声音发出，经过背部，上到头部，人体的声带保持放松（这点很难，我练N长时间），你可以明显的感觉到声带的状态，声音缓缓送出的时候，你有一种好像不是从嘴巴的前部送出的，而是比较靠后，这与你平时说话是不一样的，如果做到共振到位，你可以明显感觉到整个头部的震动。
有一个歌可以让你很快感受到这种感觉，就是美国的国歌，oh, say, can you see, by the dawn’s early light。当你唱oh, say, can you see的时候，多唱几遍，你会有很奇妙的感受，这一段低调到高调的部分，很有趣。如果你不会唱，听这段https://www.doczj.com/doc/0212968748.html,/show/zAoIkBw9prbRRvzs.html
就看休斯顿的那段就可以了，其他不用看。这种发声技巧如果你掌握了，可以把这种技巧放到不同的歌曲上，当然流行歌曲比较特殊，有时候感情的投放要高于技巧。如果你唱习惯了，你可以轻易发出颤音。
记得一点：如果曲调高亢的时候，你用力的部分不是你的嗓子，而是你小腹的肌肉，唱歌累的不应该是嗓子，而是你的腰部
记得第一次上课我也领悟不到小腹这件事情，然后老师是让我躺沙发上自然呼吸,
就能明显感到小肚子确实上下起伏，然后就闭着嘴学牛叫,头腔共鸣就是这么哞出来滴。。。
OK，让我们找到发声的姿势。请你站立起来，挺胸，下身保持自然，缓缓的吸一口气，不可太大，注意，气息不要呼吸在你的胸腔内，而是在你的小腹内，就是说用肚子呼吸。闭上你的嘴，缓缓的把气流从鼻孔内释放出来，让它发声，这样，你就可以感觉到什么叫小腹呼吸了。
保持姿势，使用同样的办法，让气流慢慢通过你的喉咙，震动你的声带，OK,你成功了。注意：你的喉咙一定要保持放松，喉咙是被动的，而小腹是主动的，就是说用小腹的气流来推动声带发声，一旦发现你的声带在用力--------你错了，不是的，是小腹用力。这也是为什么腰部才会觉得累的缘故。
我们说说高音，这样的发声方法，使得你的声带损伤保持最低，即使是高音，高音的时候，小腹更加用力，而嗓子更加放松，实际上，越是高的音，嗓子越不可用力，尤其忌讳强行用力，我们有时候看到有些韧唱高音，脸红脖子粗，脸红是对的，因为音长缺氧，脖子粗就不对了，因为用力用错了地方。
第一步是最为困难也是至关重要的，很多人不能领悟，你也许一觉起来也突然就会了，也许你在唱某个歌的时候突然就会了，但是你要保持时常练习，只要你经常练习，学会这样发声是时间问题，相信我，顶多一个月。
为什么要这样发声？使用平常的发声不好吗？好吧我告诉你原因，以下的观点来自教科书，请千万相信。人类的声带并不是一个整体的，而是分层的，有三层，我们说话的时候使用的是最上层震动，而这样的发声技巧是用的最下层，不幸的是，最下层的构造要远比上层的厚实。我们有时候听到某些人的声音特别洪亮，特别厚实，而有些人的声音比较单薄，就是这个原因。我们要做到的就是震动最下层声带，明白了吗？
OK，让我们进阶一下----开口
我不知道教科书怎么说的，我不过是一个业余爱好者，开口的原因是把声音充分集中，共振，通过嘴巴释放出来，你用过喇叭吗？拿起你的书，卷起一个圆筒，后大前小，然后通过圆筒的后部喊话，是不是声音穿的更远？我们要做的是，用我们的嘴巴做一个圆筒，这就是张口。
但是注意，我让你把后部扩大，而不是张大嘴巴，也就是圆筒的后部，前部别大了。后部就是我们声带的附近位置，具体在那个地方呢？
摸你的喉结，OK，（女人我就没办法了），喉结是一个凸起的部分，在凸起部门的上面，就是这个位置，让它扩大，尽量扩大。
还不清楚？我再打个比方——打哈欠会吧。闭上嘴，然后开始打哈欠吧，摸你的喉部，那个位置扩张的最厉害？是不是你喉结的上部？对，就是这里了。
我们重复训练吧，把整个发声的；流程说一遍
吸气，OK，不要吸太多，同时喉部张开，为发声做准备，缓缓把气流压向喉部，发声，对，这就是整个过程。当你熟练的运用这个发声技巧的时候，你会突然发现，自己居然会颤音，很自然的颤音。
唱歌发声技巧2_腹试呼吸
我首先让大家感受一下什么叫“腹试呼吸”吧
立正，保持身体自然，手放在胸口上，慢慢的使用小腹吸气。在吸气的过程中注意了
1 胸口不可过度起伏，否则就是用胸腔呼吸
2 肋骨不可过度膨胀
好吧，我解释一下，什么叫不可“过渡”。现在不要使用小腹呼吸，就用胸腔吸气，感觉到了吗？小腹呼吸可能胸腔依然有轻微起伏，但是程度比胸腔呼吸要小的多的多。你可以明显区别他们的界限
你必须学会腹试呼吸，才可以进行下一步。这是关键。
2 好吧，大家如果会前一步了，我们试试下一步
这步很简单，大家用小腹吸一口气（别太用力了，自然就好），然后试着把呼吸进来的气推倒鼻子上面去，发出轻轻的“恩”的声音.
OK，感觉到什么？是不是有一种更“深成”的感觉？感觉不到？没有关系，我们来做比较。
保持小腹不动，使用胸腔吸气。然后把气从鼻子里呼出，发音吧。自己比较这两次的差别。
3 会使用鼻子发音了？很好，现在让我们慢慢的体会使用腹部发音吧。
使用刚刚用鼻子“恩恩”的声音方式，来使气流推动声带把，我知道很多一定不知道声带的位置，也不好感觉，没有关系，就牢记这一点：使用腹部的气流来发音，就OK 了，多练习，开始你只能很结巴的来唱歌，开始你一定觉得很累，别扭，没关系，多多习惯，你会发现居然还有这样好的发音方式。
4 如果你练习到一定阶段了，你会发现自己唱歌很“闷”好像有人堵住了你的鼻子，好像你的鼻子不能呼吸，就象感冒时候说话一样，怎么办？
没有关系，我们来尝试解决这个问题。这个问题出现在三个方面
1 确实是因为你的呼吸不通畅，导致的声音发闷，就象感冒时候说话一样
2 声带发紧，声带过于用力
3 嘴巴没有充分的打开。
如果是第一点，那只能通过你的练习解决，我只说第二点，第三点。
声带用力怎么回事？OK，我们知道现在我们唱歌是通过气流推动声带来发音，也就是说，声带是被动的，气流是主动的，声带不能自己用力，而是被动的接受气流推动过来的力，所以在这个时候，声带自己是不能发紧的，因为一发紧是非常不好发声的，声音可能变形，走音，或者闷音。
大家可以想像一块薄膜，在正常情况下震动是非常好发声的，但是如果把它拉的很紧了？大家拿一快薄膜出来，然后对它吹气，很好发音，是不？但是如果你把这个薄膜拉的很紧，你再试试，你还发的出来吗？
前面我已经说过，嘴巴没有打开，是一种比喻，实际上应该说，你的嘴巴里面没有打开，具体的位置我来大概描述一下。
OK，我们继续打哈欠，来，打一个闭嘴呼吸的哈欠。闭上嘴巴，然后打哈欠，打大一点。请注意，你嘴巴的内部有没有一种“扩张”的感觉？这就是在打开嘴巴，请你平时时候练习一下打开那个位置。
现在我们重复一下步骤吧。
使用小腹吸一口气，然后把气流缓缓的从鼻孔推出，发出“嗯嗯”的声音。然后放松你的声带，有意的打开嘴巴内部，开始慢慢发声吧。
也许有人问：既然要嘴巴打开，又要放松声带，可是嘴巴打开肯定要用力的，声带放松，这不是矛盾吗？没错，我开始也觉得有点不可思议，多练习，你会做到的。
唱歌发声技巧3_气流的送放
你已经掌握了发声的技巧，就是说可以提高一些了，就是关于气流的送放问题。
我澄清一下：我所讲过的大多数东西都是书本上都有的，但是我用口语化的方式，加上我自己的亲身体验说出来，这样大家方便理解。声乐教科书上大多数东西实际上是最经典的，所以才会成为教科书，而不是我自己胡编乱造的。
关于“声音后靠”的问题，我是这样理解的：
这是由于经验的不同导致的。你在唱歌的时候不要“刻意”的让声音后靠，而是充分的解放嗓子，怎么舒服怎么唱，不要为了后靠而强迫自己的嗓子，这样不对，至于你的声音为什么不够后靠，这是由于你练习还不够的缘故，所以唱歌的时候我们尤其忌讳的是：为了达到一个效果而故意做某事。嗓子的充分放松才可以唱出好歌。当你练习到一定程度，你会自然而然的后靠的，不用担心。
你现在要做的就是，尽量放松你的嗓子，不要故意“压低”，不要故意“装做很深沉的样子”，而是要洪亮的把声音唱出来，摆脱束缚，你的嗓子束缚太多了，解放它们
关于高音：
我已经讲过很多次了，高音的技巧在于放松，越是高音，嗓子越是要放松，因为如果高音部分你嗓子很紧张的话，你会发不出声音，或者发出的声音失真。你要时刻注意发声的时候你的嗓子是否够放松，假音的力度的把握，在于你嗓子放松的程度，越放松，越容易把握，充分放松的嗓子你可以感觉到你可以随意转换声音，有一种“握住”声音的感觉。
我再来普及一个声乐常识：
1 男声，基本上是真音
2 女声，真假间杂
男声只有唱到某个地方，需要用感情的时候才会用到假音，比如说张学友的《李香兰》部分，会用到假音，假音是个调味，不要为了假音而假音。
什么是颤音？颤音就是主音与辅音之间形成向下的小二度关系，在一定速度下两音不断交替所形成的有规律的波动听觉感。 当今流行乐坛上，主流的颤音有几种：喉部的，有些男歌手经常会用就是抖动我们的喉结；还有一种就是抖动舌头，但是这两种颤音我们不推荐，因为不是非常的好，太机械化容易不太自然，而且一旦养成习惯很难改。 我们推荐的颤音 1.声道颤音，就是用气息来控制的颤音 2.自然颤音，因为声音的形成是靠着气息的支持以及声带的颤动，不管声带颤动的有多高的频率它肯定是有波动的，它不可能是笔直的一条线，那么在人比较放松的时候，因素在传播的过程中，它形成不同的震荡，它自然会形成一定的颤音。 人自然的颤音应该给人声使用的颤音是下波音，吉他是上波音（听上去的感觉请看教程）我们是以本身的音为主音形成一个下波音，这个时候下波音始终有回归主音的感觉，但是又紧紧的依附于它（这时听上去的感觉请看教程）乐器基本用的都是上波音，而人声基本用的是下波音。
我们要训练的颤音就是声道颤音，本来气息支持是5的力量，唱了一个音，随后气息放松一点到3的力量或者说横膈膜越松一点，跟它的距离略远一点，本来顶住了现在远一点，这个时候会发出一个比原来要低一点的声音，这个声音和主音之间不断的交替，就会形成一定的颤音。 颤音示范，小字一组，c1-b-c1-b-c1，第一个音正常，然后第二个音松一点，练得时候先可以慢一点，就是正常，松，正常，松，主音的时候是正常的，然后松一点，回到主音气息再顶上去，大概就是这样啦但是我在这也不知道要怎么说了所以大家还是去看教程跟着沈老师一起练比较方便。 如果练不会呢，有一个比较机械的方法，就是抖手臂，将左手放在右手的下面或者右手放在左手的下面，靠我们的胸口抬起整个两只手臂的力量，然后再唱。 如果颤音太硬了怎么办？ 首先辅音肯定比主音要轻，DO比较重，XI比较轻，第二就是速率，一秒钟3次。颤音在现代的流行歌曲当中运用的越来越少了，因为流行歌曲的速率越来越快，现在流行歌曲都是七八十甚至于八九十，在
谈谈你对中国大陆通俗音乐现状的认识 题目：中国流行音乐的回顾与现状 学院：文学与传媒学院专业：播音与主持艺术姓名：马莉学号：11205260221 20世纪80年代，流行音乐渐渐进入人们的生活中。1986年是一个被乐迷们铭记的年份。从1986年4月开始，中央电视台第二届青年歌手大奖赛历史性地把通俗唱法列入其中；5月，在北京纪念国际和平年百名歌星演唱会上，百名歌星齐唱《让世界充满爱》，崔健演唱了他的新作《一无所有》，这一年，被视为中国流行音乐及摇滚乐的“元年”，中国流行音乐开始了流行。现代流行音乐在中国的发展已有二十多年的历史,虽然这二十多年经历了很多的风雨坎坷,但总体来说发展的速度还很迅速。 从音乐的观念上说,最早是内地引进和模仿港台地区的华语流行歌,到八十年代中期,就有了以“西北风”(例如:《黄土高坡》)为基调的中国流行音乐的本土意识的初步觉悟,过了很短的几年,到了九十年代就有了多种风格并存“百花争艳”的一种局面,到了现在可以说基本上已经具备了与世界流行乐坛沟通、交流甚至接轨的格局了。包括有以陶喆为代表的R&B风格，周杰伦所代表的“中国风”。多样化的风格，改变单一、单调的音乐创作，建立不同的类型，不同的样式，不同的形态，不同的风格体系，满足人民日益变化的审美需求和日益增长的文化需求。流行音乐就像宋朝时的词曲一样穿行在大街小巷。 中国的流行音乐的特点主要具有1、时尚性2、通俗性3、情感性4、人文性。体现出逐渐向大众化，娱乐化，世俗性，年轻化，个性化和多元化发展。 从流行音乐的制作观念上讲,早期国内的流行音乐制作还没有企业运作化,那个时候大多是以录音节目的编辑为中心,编辑说了算,现在则以采用国际通行的以制作人为中心的模式了。从流行音乐的传播方式上讲,早期的流行音乐只有有限的几种传播途径,主要是录音节目(磁带)或是影视剧的传播,而现在的传播途径就很多了,例如:音像节目、视听节目、综艺节目以及目前较为时髦的网络传播,通过这些途径使流行音乐多方式全面进入社会文化生活。 但是事情总是具有双面性，伴随流行音乐发展而来的也有让众人感觉到的愈来愈浓重的一种颓废与过度的商业化。
颤音的演奏方法 颤音演奏是萨克斯演奏中很有表现力的一种技术手段，特别是演奏抒情徐缓乐曲的时候，好的颤音演奏可以使音乐更具有抒情性和表现力。颤音的运用要在有良好控制的基础上进行的，颤音频率快慢、颤音幅度大小和颤音力度变化是主要表现手段，也是颤音练习的重点。萨克斯演奏颤音的技术手段一般有三种： 1、唇颤音：利用嘴唇肌肉松紧的变化来产生音高上的变化，这种方法可以演奏幅度比较大的颤音，比较便于掌握，被广泛的采用；但是这种方法演奏出的颤音效果不够自然，稍显生硬。 2、气颤音：也有人把这种颤音的方法叫做“腹颤”或者“膈膜颤音”，它主要是通过身体的呼吸肌肉来控制影响呼气时气流的大小，来产生音高上的变化，这种方法演奏出的颤音幅度比较小，在中低音哨片比较大的乐器上效果不明显，而且比较难掌握，现在很少在萨克斯演奏中使用。 3、颌颤音：也叫“口腔颤音”或者“喉颤音”，其实这是前两种的结合体，演奏的时候口腔呈发“O”音的状态，在颌骨带动下唇运动的同时，气息辅助，这样演奏出的颤音自然流畅，效果明显，是比较科学、实用的一种方法。 练习颤音前先要掌握滑音的技巧。首先是下滑音，就是在指法不变的情况下，通过气和唇的控制使音准平滑缓慢的从标准音高向下改变，并要保持在最低点，通过练习，一般可以做到一个小三度的变化；然后是上滑音，就是从最低点反向变化到标准音高。上下滑音结合起来连贯的演奏，就形成了颤音，不过有一点要说明的是，滑音音高的最高点在标准音高，而颤音音高的最高点和最低点是围绕在标准音高上下的。通过不断的练习，就可以掌握不同幅度的颤音变化。 对颤音频率的控制要通过有节奏的练习来掌握，可以在固定节奏的情况下（最好是按着节拍器）来练习每拍上下1次、2次、4次、8次等频率，不过要注意不管频率的快慢，颤音都要做到圆滑，否则就会演奏成“抖音”。 颤音在乐曲中的运用要根据乐曲的风格需要来用，一般古典时期的作品是很少用到颤音的，浪漫派以后的作品颤音的运用才开始丰富起来；而作品表现的情绪不同，颤音的用法也不一样，要把颤音的运用看作是音乐表情的有机部分，不能是为了颤音而去颤音。建议多去感受和借鉴一些声乐和弦乐的颤音的运用，通过颤音的频率、幅度、力度的有机结合，才会让你演奏的乐曲更加富于情感。
一、歌唱发声练习的目的和要求 歌唱发声练习的目的，简要地说，就是将歌曲演唱中对声音所需求的各种技术环节，通过有规律、有步骤的发声练习，逐步提高歌唱发声的生理机能，调节各歌唱器官的协作运动，养成良好的歌唱状态，使歌唱发声的技术成为歌唱表现的有力手段，为达到声情并茂的演唱服务。 我们练声的目的是要调整巩固科学的发声状态，把良好的歌唱状态保持到歌唱中去，改变平时生活中自然的发声习惯，使之成为符合歌唱发声的习惯和状态，所以必须明确我们练声的目的，而不是简单的“开开声”而已。 歌唱发声练习要求每个歌唱者首先要了解和熟记歌唱发声器官的生理部位及其功能，掌握歌唱发声的基本原理，全面理解其精神实质，通过反复的练声及歌唱实践来消化和验证其歌唱规律。因此在发声训练过程中应注意以下几点要求：
1）每位歌唱者一定要充分理解和运用气息发声和气息控制的方法（即横隔膜的呼吸方法），因为在整个声乐功能系列中，歌唱呼吸是最重要的一环，是整个歌唱建筑的基础，因此必须明确呼吸的重要性，重视练好歌唱呼吸的基本功。 2）打开喉咙，稳定喉头，是歌唱基本功训练的核心，这是歌唱者声乐技巧能否顺利发展的关键之一，很多歌唱者声音上的毛病，多是由于歌唱时喉头不找开、不稳定造成的，而正确的喉头位置是协 调呼吸器官的运动，获得稳定、流畅声音效果的关键。 3）要恰当地运用好歌唱的共鸣，要使声音传得远，充满剧场，且圆润，优美动听，这是要经过专门训练的，对于初学者来说，是比较难掌握的课题。由于共鸣训练常常与其它发声基础要求分不开，因此要求歌唱者通过母音的转换，稳定喉头打开口腔，调节气息等手段，把声音振响在鼻咽腔以上的高位置头腔共鸣点上，来增大音量，扩展音域，美化音色，统一声区，使高、中、低三个声区的声音协调一致，天衣无缝，走动自如灵活。
微电子实习心得 感怀时光的流逝，岁月沧桑了一切，始终无法沧桑的是我们那颗年轻而又坚韧的心。 渐行渐远的岁月，终也见证了我们的成长，在这里我体验着劳动的光荣与艰辛。 酸甜苦辣交织的生活，让我倍感人生的真知！转眼我为期一年有余的实习生活已经告一段落！从学校到工厂，从学生到走上工作岗位，一步步的熟悉和认识着周围的环境，熟悉这社会生存之道！在这里我学到了我离开校园的第一笔知识，这些都是从书本上学不到的知识，从体验公司的文化到亲身接触公司的每个部门的人员，从公司的季刊杂志上，从其他员工的言谈中，有好的信息，也有不好的耳闻，总之，我的感觉中，我们的公司还是在不断前进发展。 从学校迈入社会，华润以自己的姿态给我这样一个良好的锻炼平台。 从学生到工作，华润以自己的品质和精神让我了解和洞察并融入社会这个大家庭，华润为我创造了这样一座桥梁。 融入华润，融入社会，我以华润的精神强化自己，以华润的记纪律规范自己，每一天努力，每一步的行动，都让我逐步提高和完善自己，以至于在这个平凡的岗位上做到一个合格称职的职业人。 工作中有苦有乐，产线上同事之间的互帮互助，让我充分体会到与人协作，共谋发展，合作共利的快乐。
产线5s让我深刻认识到良好整洁的工作环境是工作效率和品质保证。 产线纪律是我规范和端正自己的工作态度，保证每一颗电路的品质。 在这样的环境下，在这样的氛围中，我也渐渐养成了良好的工作习惯和责任意识，努力将这份工作做到更好。 从华润到社会大家庭，从一颗细小的电路到做人做事，不容置疑每一步都至关重要。 千里之行，始于足下，我想，一切都从身边做起，从细节做起，从小事做起，从当下这份工作做起。 播种行为，收获习惯；播种习惯，收获性格；播种性格，收获命运。 一点一滴的积累，一点一滴的进步都将决定和影响着我的将来！再回首，过去的一年的实习中，我们开心过、悲伤过、坚强过、也脆弱过，有得有失。 我们用心付出了，也得到了新的回报，我们成长了，从一个天真幼稚的学生到一个稳重踏实的社会青年，一步步为我们的人生增砖添瓦。 过去的一年或许失败过，惰懦过，转眼即已成为过去。 我能够深刻认识到自己的不足，并用心去改。 过去的终究成为过去，将来的路还很漫长。
浅谈民族唱法的几点歌唱技巧 [摘要]提高演唱水平，自然是一个长期而复杂的工作，其过程充满曲折和艰辛。歌唱爱好者或专业人员应结合自身特点和歌唱实践，认真领会和灵活运用歌唱技巧，循序渐进，日臻成熟。诚然，如果要达到声情并茂地歌唱水平，还需要培训自信心、审美情趣、表现欲和创造欲，同时还保持积极乐观的生活态度，逐步提高自身的综合素质。本文通过探讨歌唱技巧，简洁明了地阐述了正确歌唱的内涵。 [关键词]民族唱法；呼吸；起音；连音；断音；颤音；滑音；跳过；花腔 歌唱发声技巧，是声乐技术宝塔的上层建筑，它的技术内容更高级、更细致、更复杂、更精明，因此，它的难度也就越大。演唱的技巧越高超，歌唱的艺术表现力也就越精湛。但是，必须防止脱离艺术内容而单独卖弄技巧的错误倾向发生。要遵循艺术内容与开成完美统一的美学原则去不断完善与发展声乐技巧。 一、起音（Attack） 起音是歌唱发声的开始动作。“起音”这个词，是中国声乐界很通俗的说法，顾名思义就是虽开头的音。从不同的外文上翻译过来的名称，有的称之为“激起”，有的称之为“起首”，还有的称之为“始音”。实际上，这些名称都是一个意思。 沈湘教授指出：“起音好坏，对发声的质量有很大影响。起音起不好，找不到正确的起音感觉，后边唱出来的声音都不会好。一首歌，一开头声音就不对，唱整首歌的声音也对不了，而且越唱越砸。在学习声乐的过程中，首先要学会正确的起音”。 起音之前决不能紧张，在任何音高上起音，心情始终是“轻松安静”的状态，发声器官各部分都不紧张。这种心理状态，是良好起音的关键。在此前提下，全身要以松弛而又积极的心态投入歌唱发声工作，使人声“乐器”处在协调的歌唱状态之中，去努力体验“松而不懈、紧而不僵”的感觉。 起音时，找到胸口起音的发声位置极为重要。因为，好的起音声带及喉头是不应该有任何感觉的。 起音之前声带是闭合状态，发音时气息冲开声门，就像“极轻微咳嗽的感觉”。也卞是说，起音时声门不是向里闭合，而是向外打开。就在声门打开的刹那间，感觉气息“轻轻一碰嗓子”（声门）就产生出明亮、通畅的音响。它同“起间时声带向里闭合”的方法是截然不同的两种方法。 起音之前深吸气，但不要吸得太多。发音时，在“吸着唱”的心理感觉中控制呼气的量，同时，以“向下轻微叹气”的感觉使气息均匀而又缓慢地“冲击声门”。在感觉上，真正的声门没有“冲击”现象存在，只感觉气息“冲击”着胸口“嗓子眼儿”的发声位置，这种起音既干净又轻松。 二、连音（Legato） 歌唱发声时，唱好连音，是表现歌唱旋律优美乐感必不可少的技巧手段。 演唱连音时必须从气息与发声位置两方面入手解决问题。沈湘教授明确指出：“气息的连贯是声音连贯的前提。气息就像一根绳子把声音的‘珠子’串起来，穿成一串儿的时候，要感到气息总是连续、均匀、自如、流畅地从‘嗓子眼儿’通过，而深部位的呼吸支持一定要稳定。这种气息的稳定性与送气的连贯性是唱好连音最重要的方法。在歌唱发声时，这种连贯性与稳定性自始至终不受旋律变化及咬字吐词变化的干扰。在声音上，音与音的连接是均衡的、圆滑的，不允许有裂痕出现”。因此，一样宽窄的母音，一样明亮、统一的音色、一样通畅的气息、一样均衡的共鸣音量是连音技巧的基础。掌握了这种连唱的技巧，就可以根据音乐的表现，去变化声音的力度和音色，唱出连贯、优美的旋律线条。连唱能磨掉音符之间生硬的“楞角”，使歌唱发声更富有乐感。连音唱得好，就能将乐感自然地表现出来。 三、断音（Staccato） 英国声乐家凯萨利说：“断音是由于在声带开始振动之后，这种振动的行动突然停止的结果。在一串断音中，动和停的动作连续交替出现。断音不只是歌曲中的一种装饰，对于声带和开动声速的肌肉也是一
通俗唱法技巧——气息练习（一） 首先是气息练习，具体方法如下： 第一步：躯干站直，胸部放松地挺起，腿不能弯曲，面部肌肉一定要放松，不要有意识去吸入大口气，直接用小腹的动作来数“1”，（不是心中数，而是口中念出来）数完后小腹立即回复原状。再收小腹数“2”，再回复原状，如此反复地数到“10”，或“20”，让小腹灵活而有弹性，反复地收腹和还原，使下腹形成自动“换气”。因为在小腹还原时，气息已自动吸入，把吸气练成下意识动作的好处在于“气口”的灵活性，另一好处是无吸气声；数1、2、3、4、5的节奏可由慢而快。开始阶段下腹肌肉会很“酸”，这是正常的。当快速练气适应之后，可用连续数123或12345或12345678910，再逐步从1----10，或1----30；最多可数到50位数。下腹肌始终处于收缩状态。这是锻炼“保持”的基础。 第二步可用音阶来练气。先用三度下行3 2 1（咪来哆）；再是五度下行5 4 3 2 1 ；甚至八度下行7 6 5 4 3 2 1 .看下腹肌支持能力而定。下行适应了，可改练上下行三度音阶1 2 3 2 1 或五度上下行1 2 3 4 5 4 3 2 1 甚至九度上下行1 2 3 4 5 6 7i2i7 6 5 4 3 2 1 ，一切量力而行。关键是锻炼收紧小腹的支持余地。练下行音阶时，小腹只需收一下即可，练上下行就要求在上行时加强下腹肌向上“顶”的力量，下行时只需保持可；练八度上行当然需要更大的下腹向上“顶”的力量，总的感觉就好像把自己的重心不断向上提，切记这个练习不是为收腹而收腹，而是为了让胸廓张开，辅助动作是收紧臀部，这种基本功和练舞蹈的基本功完全一致。练音阶时用什么元音为好？最好用Hm，因为Hm要求收缩声带，可为下一步的发声训练做好准备，这是第一步。当“换气”的习惯建立之后，必需把训练重点放到张开两肋上去了，也就是在收腹发音的同时，有意识地“撑”开两肋，就如同手风琴的风箱那样拉开，这是呼吸训练中最难练的一个环节，两肋的骨框架比腹肌更有支撑力，光靠小腹支撑的能力时有限的。完成气息控制的最后一步是鼓上腹，在做这个动作时，必需带动腰围四周的扩张，此时的横膈膜才真正起到了“水闸”的作用。 以上三个阶段的气息训练，可以理解为一个整体的三个阶段。也可以分为三种独立的呼吸方法，因为通俗唱法有层次性，对于像一些音域宽、力度对比度特别大的歌曲，要求强有力的气息控制。但对音域窄，不要求强烈气势的歌曲，就是用呼吸的第一阶段也足够应用了。由于保持气息这句声乐术语，经常造成错觉和误解为----“迸气”、造成气息僵化，反而破坏了歌唱的流畅。所以使用“气势”----（象征一种动态中气息）这个名词或许更恰当。 至于为什么不讲吸气？理由很简单，因为歌唱是在“呼气”状态下进行的，吸气是人的本能，不吸气人就会死亡。所以把太多的精力去研究核心吸气的话，结果往往弊多利少，许多错误的呼吸方法都来自于对“吸气”的强调，永远不必担心体内无气。任何歌唱艺术都有一个共同点----气不在“吸得多”而在“吸得深”。用小腹作为“力点”，两肋为“支点”不是已很“深”了么！小腹也就是丹田。气势的“保持”建立在一种意念上，决不是保持在某个不变的躯干姿势上。这个意念可以理解为不断地在“加气”或“提气”均可，不论上下腹肌在歌唱中如何不停地运动着，摸上去均是有弹性的，不是僵硬的。 虽然说歌唱是呼吸的艺术，这只是说明屯气息在歌唱中的重要性，决不能理解为正确的呼吸方法就是正确的歌唱方法，不论何种唱法模式，发声方法的正确与否远比呼吸方法与否更重要，上述的有关气势的入门训练只能说是歌唱的一种“准备”而已。只有当发声方法的调节被歌唱者充分掌握之时，气势的功能才能被充分体现出来，初始阶段的气息训练是歌唱的准备。 上述的呼吸不是一种气功训练，歌唱中所要求的“气感”，和气功的“气感”性质完全不同。“气感”不仅是歌唱者的自我意识，也是听众能感觉到的具体效果，声乐术语----“声音靠在气上”是指一种具体的“效果”，在唱者的自我意识上觉得胸腔中有“回声”的感觉。
认识机器人 机器人的发展史： 认识机器人首先先了解下robot机器人这一词是怎么来的。1920年捷克作家卡雷尔·卡佩克发表了科幻剧本《罗萨姆的万能机器人》。在剧本中，卡佩克把捷克语“Robota”写成了“Robot”，“Robota”是奴隶的意思。该剧预告了机器人的发展对人类社会的悲剧性影响，引起了大家的广泛关注，被当成了机器人一词的起源。从此，“robot”以及相对应的中文“机器人”一词开始在全世界流行。 上个世纪60年代前后，随着微电子学和计算机技术的迅速发展，自动化技术也取得了飞跃性的变化，开始出现了现在普遍意义上的机器人。1959年，美国英格伯格和德沃尔制造出世界上第一台工业机器人，取名“尤尼梅逊”，意为“万能自动”。尤尼梅逊的样子像一个坦克炮塔，炮塔上伸出一条大机械臂，大机械臂上又接着一条小机械臂，小机械臂再安装着一个操作器。这三部分都可以相对转动、伸缩，很像是人的手臂了。它的发明人专门研究了运动机构与控制信号的关系，编制出程序让机器记住并模仿、重复进行某种动作。英格伯格和德沃尔认为汽车制造过程比较固定，适合用这样的机器人。于是，这台世界上第一个真正意义上的机器人，就应用在了汽车制造生产中。 经过近百年来的发展，机器人已经在很多领域中取得了巨大的应用成绩，其种类也不胜枚举，几乎各个高精尖端的技术领域更是少不了它们的身影。在这期间，机器人的成长经历了三个阶段。第一个阶段中，机器人只能根据事先编好的程序来工作，这时它好像只有干活
儿的手，不懂得如何处理外界的信息。打个比方，如果让这样的机器人去抓会损坏它的东西，它也一定会去做。第二个阶段中，机器人好像有了感觉神经，具有了触觉、视觉、听觉、力觉等功能，这使得它可以根据外界的不同信息做出相应的反馈。如果再让它去抓某些东西，它可能就不干啦。第三个阶段，机器就真正长大成人啦，这时它不仅具有多种技能，能够感知外面的世界，而且它还能够不断自我学习，用自己的思维来决策该做什么和怎样去做。第一阶段的机器人，是小孩子，人们称它为“示教再现型”；第二阶段的机器人是一个青年，人们称它为“感觉型”；第三阶段的机器人则是成年人，称为“智能型”。1968年，美国斯坦福研究所研制出世界上第一台智能型机器人。这个机器人可以在一次性接受由计算机输出的无线遥控指令后，自己找到目标物体并实施对该物体的某些动作。1969年，该研究所对机器人的智能进行测定。他们在房间中央放置了一个高台，在台上放一只箱子，同时在房间一个角落里放了一个斜面体。科学家命令机器人爬上高台并将箱子推到地下去。开始，这个机器人绕着台子转了20分钟，却无法登上去。后来，它发现了角落里的斜面体，于是它走过去，把斜面体推到平台前并沿着这个斜面体爬上了高台将箱子推了下去。这个测试表明，机器人已经具备了一定的发现、综合判断，决策等智能。 到了上个世纪70年代，第二代机器人开始迅速发展并进入实用和普及的阶段，而第三代机器人在今天也已经得到了突飞猛进的变化。它能够独立判断和行动，具有记忆、推理和决策的能力，在自身
通俗歌曲演唱及技巧的把握 在介绍了声乐演唱艺术的共通发声规律之后，我们再谈谈通俗唱法的发声特点。对此，应有如下几方面的考虑。其一，持通俗唱法者，应了解和熟悉科学发声方法的共通规律，努力改变自发式的用嗓习惯，将自己习惯的用嗓方式纳入科学发声的轨道。其二，从共通的科学发声规律中，努力寻找到通俗唱法声音个性的依据。也就是说，每演唱一首歌曲时，从发音、共鸣部位到气息的流动等诸方面，为通俗歌曲的演唱寻找到合理性。改变纯模仿或盲目用嗓的习惯，从感性的用嗓方式转变为理性的用嗓方式。其三，通俗唱法，无论其科学与否，作为一种用嗓流派早已形成，并为最广大的业余声乐爱好者所接受。由于它的普及性、通俗性以及独特的演唱个性，亦在各类大赛及专业声乐领域里占有一席地位。因而，不可否认，这种演唱方法必有它的独到之处，我们声乐界应予以关注。 下面仅谈几点个人对通俗唱法发声特点的看法。 1.呼吸是根本 “气为声之本”，“呼吸是歌唱的动力”。作为声乐演唱艺术之一的通俗唱法，同样离不开气息的支持。呼吸在通俗唱法中的运用，当它与歌曲情感、歌曲风格相结合时，更有其独特性。[呼吸的表演性] 不同的歌曲内容，蕴含着不同的情感。通俗唱法十分注重歌曲情感的强化与外化，而呼吸运用乃是关键。比如在表达十分悲痛伤感、深沉内涵的情感时，呼吸用得很强，声带有意不全闭合，造成一种似漏气的沙哑声，并将这种带沙哑而深沉的声音色彩，夸张、外化、让观众（听众）真切地感受到这种情感。歌曲《烛光里的妈妈》中这一句：3222 其中“嘴”、“咽”二字，就可以用带点沙哑的声音去唱，以表现主人公已控制不住自己的情感，以此来加强声音的感染力。又如抒情性较强，表达一种对美好情感的追寻与回忆时，呼吸要用得柔和均匀，与声带形成最佳配合，这种声音色彩柔美圆润，对呼吸的控制与运用，体现了声乐上的技巧。如《弯弯的月亮》、《涛声依旧》及《透过开满鲜花的月亮》等曲目的演唱，皆可用此法。另外，在表达激烈粗犷的情感时，呼吸深度与力度必须加强，在腰围横膈膜处形成强有力拉紧状态，声音才会有爆发力，发出几乎类似呼喊的声音色彩。如电影《红高粱》中两段插曲：《妹妹你大胆往前走》、《好酒歌》等，这两首歌中旋律已退居次要的了，而情感的体现已近乎自然状态，也就是前面谈到的第二种体力劳动时心情紧张、情绪兴奋之极的呼吸状态。至于欢快轻松的情感，则要求气息的流动要轻便流畅，不可过于深沉，亦不需要更强的力度，如《轻轻地告诉你》、《茶山情歌》等。[关于“气声唱法”] 通俗唱法中呼吸运用的另一特点是“气声唱法”的运用，这不仅丰富了通俗唱法的表现力，也为声乐艺术增加了新的表现手段。“气声唱法”是一种气与声不按发声规律而组合的样式。正常的发声规律，要求气息振动声带时，两片声带要闭合而发声，这种声音比较结实响亮，而“气声唱法”则是有意不让声带完全闭合，让气流通过未完全振动的声带时发出。在这种声音中，因带有明显的气流声，而使声音色彩略显暗淡、虚婉，甚至带有一些哑声。这种声音更显自然亲切，具有特殊的感染力。李谷一在“气声唱法”的运用上有突出的成绩，她演唱的《乡恋》（电视片《三峡传说》插曲）及电影《小花》中的插曲《绒花》等，给人们留下了深刻的印象。 2.发声器官的运动状态 [声带] 在通俗唱法中,声带的主要功能是发音,即在气流振动两片声带时,闭合而发声。但，为了表达歌曲的某种特殊情感，或表现歌曲的某些特殊风格韵味，当气流振动声带时，两片声
民族唱法与通俗唱法的训练技巧民族唱法与通俗唱法的训练技巧 民族唱法与通俗唱法是两种不同唱法，两者各有自己的特点。 熟悉这些特点才能够更好地将两种不同唱法巧妙地融合起来。 (一)民族唱法的特点运用 民族唱法演唱时，口咽腔的着力点靠前，口腔肌肉绷紧，喷弹力较大，以口腔共鸣为主，同时运用头腔共鸣。咬字发声的因素转变 较慢，棱角较大，声音走向横竖相当，声音点面合适，高音融洽， 声音色彩明亮，声音个性较强，以味为主，手法变化多样。音色甜、脆、圆、润。气息灵活，以真声为主。民族唱法讲究按照演唱语言 的发声规律处理发声共鸣，讲究五声、四呼、出声、归韵和收声。 (二)通俗唱法的特点通俗唱法 十分注重抒发人的内心情感。一般说来，演唱时要注重语言的韵律，讲究吐词、咬字的清晰与委婉，并在演唱中注重发声轻柔。在 气息运用上，要顾及颤音、滑音及音色变化。通俗唱法一般借助音 响扩大效果，以闪耀的舞台渲染气氛，注重伴唱、伴舞、电声乐器 伴奏及说唱相结合。演唱时大部分以真声演唱为主，假声也有运用，多采用贴近生活的语言。演唱风格有轻柔自然的，有高亢强劲的， 有民谣风格的，有摇滚乐式的'，有说唱叙事的。通唱法在吐字上要 求的是完全的“说话式”的自然，无须考虑共鸣。 (三)两种不同唱法的异同点 从生理上进行分析，民族唱法与通俗唱法在声带要求上相同，都要求具有两种混声机能，不然就唱不出高音。在声道的调节上，民 族唱法和通俗唱法都要求声道不堵塞。即使因效果需要而打开声道，也只需前后打开，因为在唱高音时，通俗和民族唱法不需要喉头向下。在气息运用上,两种唱法都要求气息畅通。在吐字上，民族唱法
强调“字正腔圆”，使发音服从吐字：通俗唱法则要求像说话一样 的自然，不需要考虑共鸣问题。民族唱法声音追求高难度技巧：通 俗唱法声音追求浓厚的情感的融入，追求以情来感人。在演唱技巧 的难度上，通俗唱法稍易，便于传唱。 (一)语气的变化。 一般来说，通俗唱法语气性更强，声音含蓄深沉;民族唱法的声 音追求高亢明亮。但在演唱作品《为了谁》时，要注意语气性的变化。如朗诵“泥巴裹满裤腿，汗水湿透衣背”一句，其前半句声音 要含蓄深沉，采用通俗唱法的语气性，后半句声音要高亢明亮，采 用民族唱法的语气性。如果后半句依然用通俗唱法的语气，那么声 音表现就会缺乏对比，语气相同，声音就会黯淡无味。 (二)咬字的变化。 通俗唱法的咬字要放松如同说话式的自然;民族唱法咬字讲究归 韵行腔。例如在《为了谁》中，“谁”(shui)与“谁”(shei)：在 民族唱法中，“谁”一般唱“shui”，强调声音归韵行腔;在通俗唱 法中，“谁”应唱成“shei”，采用口语的发音，不强调归韵问题。 (三)腔体的变化 。通俗唱法在胸腔发声，声音低沉浑厚;民族唱法在头腔发声， 声音干净明亮。例如《为了谁》的第一乐句：“泥巴裹满裤腿，汗 水湿透衣背”。前半句采用含蓄深沉的胸腔，后半句采用明亮的头腔，由通俗唱法转变成民族唱法，形成了腔体的对比，同时音色也 形成了鲜明对比。 (四)情绪的变化 通俗唱法非常注重情感的抒发，表现出含蓄低沉浓厚的情感;民 族唱法情绪处于激昂饱满状态。例如《为了谁》中“谁最美，谁最累”一句，采用通俗唱法，情绪含蓄深沉，而“你是谁，为了谁， 我的战友你何时回”一句，采用民族唱法，情绪处于激昂状态。这 两种情绪形成了鲜明对比，增强了音乐的表现力。 (五)气息的变化
关于二胡颤音的技巧方法 颤音是指在运弓的同时把一指按在琴弦上，相邻的二指在弦上富有弹性的一起一落，得出一种连续交替出现的特殊音响效果。下面是wtt整理的关于二胡颤音的技巧方法，欢迎阅读。 二胡颤音的方法 颤音是指在运弓的同时把一指按在琴弦上，相邻的二指在弦上富有弹性的一起一落，得出一种连续交替出现的特殊音响效果。 如果我们在运弓的同时把一指按在琴弦上，相邻的二指作揉弦状态，但并不揉弦，而是利用揉弦时腕关节那匀称的抑扬动作在弦上富有弹性的一起一落，得出一种连续交替出现的特殊音响效果，这种按音效果就叫“颤音”。 颤音的时值较长，因而可以表现一种宽广、辽阔之感。不过，在初练额音时，两个交替出现的音往往会奏得不均匀，并且还不能坚持奏完，这主要是手指的独立活动能力还不强的缘固，所以，训练颤音技巧较好先从时值较短的颤音音符着手。 颤音跟揉弦一样丰富多样，有快颤、慢颤、从不颤到颤，慢颤转快颤、边揉边颤、边滑边颤、二度颤音、三度颤音等，这些颤音能表现出不同的乐曲风格。 二胡颤音技巧易出现的问题 1、分寸掌握得不恰当，常常是将装饰小音符演奏得过于强调，
以至突出于旋律线之外，显得笨拙、累赘。 2、在演奏擞音时，将擞音的第一个音奏得过长，以至造成节拍重音的移位。(要练习手指的独立性，只有独立了才可控制) 在演奏颤指音方面容易出现的问题主要有以下几点： 1、手指因过于紧张而抬不起来，因而击弦无力，造成发音含混不清。(在颤音时，手指需放松，越紧张越控制不住。可由慢至快的练习) 2、手指击弦忽快忽慢，不均匀。 3、颤音与本音之间的音程不准确。(注意指距关系) 4、颤音达不到理想的速率。 二胡左手按弦的基本指法 在左手的四个手指中，惟有小指的按弦手形与其它三个手指不同。小指按弦时，首先手掌要充分打开，就像我们平时用手比划“五”时的手形，然后将食指、中指和无名指弯曲，小指保持伸直，拇指呈向上翘起的状态，以小指指肚的外侧触弦。 小指在按弦时，左手会处于一个紧张的状态，这是正常的。如果在乐句中小指不是频繁地使用，那么当小指完成按弦任务以后，左手要尽快地恢复到自然、松弛的状态。 如果在乐句中小指频繁地使用，左手就要在此乐句中保持小指按弦时的手形。 小指因其短小、无力，所以在它按弦时，必须另有一个手指保留
对半导体技术、微电子技术、集成电路技术三者的浅略认识 一、半导体技术、微电子技术、集成电路技术三者的联系与区别 我们首先从三者的概念或定义上来分别了解一下这三种技术。 半导体技术就是以半导体为材料，制作成组件及集成电路的技术。在电子信息方面，绝大多数的电子组件都是以硅为基材做成的，因此电子产业又称为半导体产业。半导体技术最大的应用便是集成电路，它们被用来发挥各式各样的控制功能，犹如人体中的大脑与神经。 微电子技术是随着集成电路，尤其是超大型规模集成电路而发展起来的一门新的技术，是建立在以集成电路为核心的各种半导体器件基础上的高新电子技术，为微电子学中的各项工艺技术的总和。 集成电路技术，在电子学中是一种把电路小型化的技术。采用一定的工艺，把一个电路中所需的各种电子元件及布线互连一起，制作在一小块或几小块半导体晶片或介质基片上，然后封装在一个管壳内，成为具有所需电路功能的微型结构。（以上三者概念均来源于网络）这般看来，三者概念上互相交叉，却也略有区别。依我这个初次接触这三个名词、对电子信息几乎一窍不通的大一新生来看，半导体技术是其他二者技术的基础，因为半导体是承载整个电子信息的基石，不管是微电子还是集成电路，便是以半导体为材料才可以建造、发展。而微电子技术，个人感觉比较广泛，甚至集成电路技术可以包含在微电子技术里。除此之外，诸如小型元件，如纳米级电子元件制造技术，都可以归为微电子技术。而集成电路技术概念上比较狭窄，单单只把电路小型化、集成化技术，上面列举的小型元件制造，便不能归为集成电路技术，但可以归为微电子技术。以上便是鄙人对三者概念上、应用上联系与区别的区区之见，如有错误之处还望谅解。 二、对集成电路技术的详细介绍 首先我们了解一下什么是集成电路。 集成电路是一种微型电子器件或部件。人们采用一定的工艺，把一个电路中所需的各种元件及布线互连一起，制作在一小块或几小块半导体晶片或介质基片上，然后封装在一个管壳内，成为具有所需电路功能的微型结构。其中所有元件在结构上已组成一个整体，使电子元件向着微小型化、低功耗、智能化和高可靠性方面迈进了一大步。它在电路中用字母“IC”表示。当今半导体工业大多数应用的是基于硅的集成电路。集成电路具有体积小，重量轻，引出线和焊接点少，寿命长，可靠性高，性能好等优点，同时成本低，便于大规模生产。 而简单来说，集成电路技术便是制造集成电路的技术方法。它涉及半导体器件物理、微电子学、电子学、无线电、光学以及信息学等学科领域的知识。 从产业分工角度，集成电路技术可以分为集成电路加工技术、集成电路测试封装技术以及集成电路设计技术等几方面。 1. 集成电路加工技术 集成电路加工技术主要是通过物理或化学手段在硅材料上生成半导体器件（比如场效应管）以及器件之间的物理互连。这些器件以及器件之间的互连构成的电路功能要符合系统设计要求。集成电路加工技术涉及的知识包括半导体器件物理、精密仪器、光学等领域，具体应用在工艺流程中，包括注入、掺杂、器件模型、工艺偏差模型、成品率分析以及工艺过程设计等。在近十几年的时间里，集成电路加工工艺水平一直按照摩尔（Moore）定律在快速发展。 2.集成电路测试、封装技术 集成电路测试包括完成在硅基上产生符合功能要求的电路后对裸片硅的功能和性能的
浅谈美声唱法与通俗唱法 1、美声唱法，通俗唱法的渊源和含义 1.1美声唱法的渊源和含义 今天我要谈的是我自己的专业，就是美声唱法。学习了四年的美声，但对美声唱法的一些历史还了解的不够深刻，作为一个学习美声唱法的爱好者，应该要多了解且更深刻的了解美声唱法的历史等知识。 美声唱法实际上是从西欧专业古典声乐的传统唱法发转起来的，从文艺复兴以后逐步形成美声唱法。当时的西方音乐更多的是建立在多声部教堂音乐，复调音乐基础上，唱法本身脱离不了宗教音乐的影响。男女唱法一样，只要声部不一样，高低不以样。最初的格局以阉人代替女声来唱，由女中音代替男青年来唱。随着歌剧剧情的发展，一些情感激烈的戏剧性的唱段，阉人的唱歌满足不了表达剧情激烈发展的需要，于是歌唱家们努力探索，钻研，改进自己的唱法，以适应剧情的需要，这样就产生了今天表现力丰富多彩的美声唱法。 美声唱法实际上是从西欧专业古典声乐的传统唱法发转起来的，从文艺复兴以后逐步形成美声唱法。我们今天的唱法，包括欧洲的歌剧，音乐会清唱剧等舞台上常用的唱法，我们统称之为美声唱法。美声来自意大利文Bel canto,意思是美好的歌唱。 1.2通俗唱法的渊源和含义 “通俗唱法”也叫“流行唱法”，由于中外语言的特点各有不同，差异是存在的，但是也有不少共同之处。在西方知道1900年，古典的“美声”和“通俗”的歌唱方法，并没有根本上的区别，虽然演唱歌剧要比演唱轻歌剧和流行歌曲要更为丰富的声音和更高的歌唱技巧。到了1920年以后，这两种不同的音乐演唱风格，由于流行歌曲的歌唱者开始用话筒而产生了分歧，因为它不在需要把声音唱的很大的技巧，这启发了白人歌者丢开节拍稳定的音调和拍子。 声乐歌唱的发展源远流长，其影响较大的首先是欧洲传统的歌唱，这种歌唱主要起源于意大利歌剧，已有四百多年的历史，十九世纪中叶，西班牙歌唱家卡契亚发明了喉头镜，研究如何有意识地控制发声器官，开拓了科学对待歌唱的先河，对后世专业声乐发展有很大影响，而现代的通俗唱法，这是和十九、二十世纪之交在欧美发展恰里的通俗音乐分不开的。在这个时期美国黑人音乐从原先狭
通俗唱法基本功练习的方法 声音必须要让听众感觉到清晰的“质感”。要做到这一点，就必须在演唱时，声音充分靠前。这种靠前还必须是“高度集中的”。“质感”是以高度“聚焦”的形式来体现的，点子越小，质量愈高。 音量控制不是以放大----缩小来体现的，而是以上述这个小小的聚音点的亮----暗控制体现的，这种技术要求的目的是为了唱者广 大音量时，音质仍保持聚而不散。在减弱音量时，更不能失去“质感”，哪怕唱气声时，仍不失去“质感”，电声再高明，只能改变 唱者的音色，却无法制造出“音色”来。 音质产生于声带的振动，振动来自声带的张力----阻力，因而发音的“焦点”必定在声带上，西洋传统唱法中有一句声乐术语叫做- ---“让声带歌唱”。帕伐洛蒂说过：“声音是从声带开始的，必须 使声带立即振动起来。”就是这个意思。 在通俗唱法中也有一句声乐术语----“声必须靠在声带上”。也是同样性质。如果说声音的出发点在嘴巴，声音就无法靠在声带上了。也就是声带的张力----阻力不到位，所产生的声音效果要么奶 声奶气的;要不声音就无法集中;日本歌坛目前就有这么一种唱法， 据说是为了表现“清纯”的效果。相比之下，我国的杨钰莹、何影 在这方面就是比酒井法子、松田圣子要强。奶声奶气作为一种表演 特色未尝不可，但完全脱离了声带的基本振动和气息的支持就成了“做作”了。“让声带歌唱”五个字同时可以具有三个内容：声音 意识不要以“嘴”为出发点，而是应以声带为起点，这是一种意识，(因为声音实际上总是通过嘴巴出来的)始终应以声带为“起点”;第 二种是从生理上说的，在让声带歌唱时，“软腭的两边必需放下来”，好像一直挂到脖子下面，这是在歌唱时的一个非常重要的条件，因为它是解决声带紧喉咙松的关键。腭弓松了，舌头就自由了，下巴也放松了，喉咙才可能打得开。反过来，腭弓一绷紧舌根立即 下压，造成声道堵塞，一切全完了;第三种是指“声音靠在气
我对计算机科学与技术的认识 在我没上大学之前，我只知道计算机叫电脑。能更快更方便的处理人工不太好处理的数字，可以玩游戏，可以看电影，可以处理文字。总之，我就感觉它很神奇，不可思议。同时听了很多关于黑客的事迹，老师、朋友们说它的神奇，我就很想去了解它的神秘之处。所以我认为学计算机科学与技术只要会玩电脑就行。 但上了大学我知道了学计算机科学与技术不只是玩电脑。会玩电脑只是会玩这机器而已，并不能算一个专业人士。计算机科学与技术培养的什么样的人才呢？计算机科学与技术到底学什么呢？这需要我去探索，去了解。然后要做的是要怎样去学好这门专业?这些问题就需要我们去思考，去摸索。 计算机科学与技术学什么呢？ 目前我国计算机专业主要分为三大类：计算机基础专业、与理工科交叉的计算机专业、与文科艺术类交叉的计算机专业。根据各专业开设课程不同，获得这些专业的学士学位可以相当于计算机等级三级或四级水平。本专业学生主要学习计算机科学与技术方面的基本理论和基本知识，接受从事研究与应用计算机的基本训练，具有研究和开发计算机系统的基本能力。 主要课程：电路原理、模拟电子技术、数字逻辑、数值分析、计算机原理、微型计算机技术、计算机系统结构、计算机网络、高级语言、汇编语言、数据结构、操作系统、数据库原理、编译原理、图形学、人工智能、计算方法、离散数学、概率统计、线性代数以及算法设计与分析、人机交互、面向对象的设计方法、计算机英语等。 主要实践性教学环节：包括电子工艺实习、硬件部件设计及调试、计算机基础训练、课程设计、计算机工程实践、生产实习、毕业设计。 相近专业：微电子学、自动化、电子信息工程、地理信息系统、通信工程、电子科学与技术、生物医学工程、电气工程与自动化、信息工程、信息科学技术、软件工程、影视艺术技术、网络工程、信息显示与光电技术、集成电路设计与集成系统、光电信息工程、广播电视工程、电气信息工程、计算机软件、电力工程与管理、智能科学与技术、数字媒体艺术、探测制导与控制技术、数字媒体技术、信息与通信工程、建筑电气与智能化、电磁场与无线技术。 计算机科学与技术培养的什么样的人才呢？ 培养具有良好的科学素养，系统地、较好地掌握计算机科学与技术包括计算机硬件、软件与应用的基本理论、基本知识和基本技能与方法，能在科研部门、教育单位、企业、事业、技术和行政管理部门等单位从事计算机教学、科学研究和应用的计算机科学与技术学科的高级科学技术人才。本专业培养和造就适应社会主义现代化建设需要，德智体全面发展、基础扎实、知识面宽、能力强、素质高具有创新精神，系统掌握计算机硬件、软件的基本理论与应用基本技能，具有较强的实践能力，能在企事业单位、政府机关、行政管理部门从事计算机技术研究和应用，硬件、软件和网络技术的开发，计算机管理和维护的应用型专门技术人才。 掌握计算机科学与技术的基本理论、基本知识和基本技能，特别是数据库，网络和多媒体技术。掌握计算机应用系统的分析和设计的基本方法。具有熟练地进行程序设计和开发计算机应用系统的基本能力和开发CAI软件的能力。具有创新意识、创新精神和良好的教师职业素养，具有从事计算机教学及教学研究的能力，熟悉教育法规，能够初步运用教育学和心理学的基本原理，具有善于与人合作共事的能力。了解计算机科学与技术的发展动态。掌握文献检索、资料查询的基本方法，具有独立获取知识和信息的能力。 然后要做的是要怎样去学好这门专业? 万丈高楼平地起！基础很重要，尤其是专业基础课，只有打好基础才能学得更深。C语言是基础，很重要，如果你不学好C语言，那么什么高级语言你都学不好。C语言与C++
龙源期刊网 https://www.doczj.com/doc/0212968748.html, 浅谈流行唱法中的声带压缩技巧 作者：孔卓 来源：《艺术科技》2015年第09期 摘要：流行演唱的教学重点是研究两个因素：基音与共鸣，才可以创造良好的音色，即 好听的声音。在实际的教学中，基音可以是多种多样的，共鸣也是可以调整的。人可以违背科学发声的要求，但音色就无从谈起了。在基音的训练中，声带的压缩作为一种重要的训练方式被欧美的流行演唱教学屡屡提及，对最终实现好听的声音有着重要的意义。 关键词：压缩；声带关闭；声带无力；声带退化；技术压缩与风格压缩；分离式训练 1 声带压缩与流行唱法 1.1 声带压缩 在欧美流行演唱的教学范畴里，除了基本的气息和腔体要求之外，压缩被屡屡提及并称作为Cord Compression（声带压缩，后面简称Compression）。加尔西亚提出起音的感觉应像：极轻微的咳嗽、似咳未咳前的感觉——正是声门肌肉收缩的感觉，而放松、自然地发出Vocal fry（气泡音，英译：油炸的声音）既是声带压缩的第一步，同时也做到保持声带的最佳状 态。随着音阶一步步爬升的气泡音，随着声门的闭合与声带下方的气息压强逐渐增大，声带必须学会自主拉紧、减薄并逐步增加声门的闭合力，这个过程被称为声带的压缩。 1.2 声带无力与声带退化 声带无力是指歌手在发声演唱中，声带松软肥厚甚至不能够正常地关闭来发出实的基音，常见的现象有：漏气、抖音、跑音走调等等。大部分与歌手的歌唱习惯有关，演唱者在日积月累中形成了身体懈怠声音状态不积极不兴奋的习惯，发声系统不能够积极工作；错把流行唱法中常用的主歌轻声演唱、弱声处理理解为虚声、半声，进入副歌后仍旧保持声带松软的状态，只是加大气流的强弱，最终导致破音和走调。声带无力的音色特点是：松、散，基音缺乏起码的声线要求。这样的声音大众普遍认为是缺乏声音魅力的、虚弱的音色。尽管在一些Bossa nova（拉丁爵士）的演唱中要求“歌手仿佛在与观众窃窃私语”式的轻声演唱，并不代表弱声后的声音不稳定、音色软弱，歌手往往会把听觉的表象理解为自己演唱中的半声甚至过分漏气的虚声处理，并且坚持这一演唱风格是错误而危险的。 声带退化是指长时间不科学的发声演唱中，声带缺乏调动而与发声无关的多余肌肉参与发声。例如，咀嚼肌肉的牙关、下巴、舌根等；吞咽肌肉的舌下肌、会厌、喉部肌肉等等。这些肌肉的紧张即阻塞了声音的通道，又使本身就脆弱的声带变得更加习惯保持松软，长此以往，声带的本身能力也逐渐丧失。导致的结果便是声带退化。