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中国传统山水画图式浅论A short discussion about composition of Chinese tradition landscapepainting目录一．传统文化中的审美思想对图式的影响1.传统文化引导着中国审美的特殊性----------------------------------42.“以大观小”，“以小观大”的观察方法与特有的“散点透视”--------53.中国传统山水画图式中“三远法“的提出和运用----------------------7二．道家思想中的阴阳、有无观念对中国画图式的影响1.从太极图中延伸出的“S”形构图------------------------------------92．由“S”形演变成的“△”形构图-----------------------------------11三．传统山水画图式中特有的表现方式1. 起承转合--------------------------------------------------------122.传统山水画中的“开合”-------------------------------------------143.聚散、疏密、虚实的结合-------------------------------------------154.留空-------------------------------------------------------------18四．传统山水画与风水意志1.气局与图式-------------------------------------------------------192.画中“龙脉”与图式的关系-----------------------------------------19 五．题跋与鈐印------------------------------------------------22六．传统山水画与西方古典风景画的构图之异同1.东西方差异的起源-------------------------------------------------232.中国传统山水画与西方古典风景画构图的主要不同之处-----------------243.中国传统山水画与西方古典风景画的相似之处-------------------------24 七．结束语----------------------------------------------------25摘要：中华民族是一个具有悠久历史、优秀文化传统和广泛审美情趣的伟大民族。
从国画的意境和笔墨中谈析学习方法【摘要】学习中国画必须研习古人的笔墨技法，但不能被旧程式所束缚。
还要寻求新的笔墨技法，更新地增强对国画艺术的认识。
并结合自己在临摹和写生过程中的实践，在学习方法上谈析自己的经验。
【关键词】中国画；意境；笔墨；学习方法【中图分类号】g63.23 【文献标识码】a 【文章编号】2095-3089（2013）17-0-01意境是中国画的一大特点。
从意境出发，又以意境为归宿，既十分重视形式美，又更为重视形式的内在因素。
什么是意境？简言之，即以景写情，寓情于景，画中有诗，情景交融。
这是国画艺术的优良传统。
历来评画往往以意境高下作为衡量作品优劣的重要标准。
怎样才能使画有意境呢？构思、酝酿意境是创作中重要环节。
一个主题要经过反复思考和尝试。
生活中有许多非常熟悉的题材，平时并不引起我们的注意，只有在季节变化时节才使我们感受到它们的美。
要求我们在深入生活时善于体验、感受并酝酿有诗意的境界、气氛。
比如选择什么题材？放在什么季节？什么时间？什么环境等条件下，从而形成一种特殊的意境。
国画不但重意境，而且强调意溢画外，意到笔不到，有如品茶，吃橄榄，余味无穷。
要讲究立意为先，“胸有成竹”。
但落笔时又要善于捕捉稍纵即逝的化机，临阵变化，即“胸无成竹”。
清代郑板桥在一段画跋中说：“意在笔先者定则也，趣在法外者化机也。
”他讲出了定则和化机的辩证关系，着重强调一个变字。
这种对立统一的辩证关系，渗透于诸如：分合、奇正、藏露、虚实、疏密等等中国画构图的基本法则之中，其美学上的独特性，与中国的文学、哲学思想一脉相通。
所以，我们在学习中国画基本技法的同时，也要学一点文学、哲学、有条件的可以涉猎更多，借以提高自己的思想境界和文化素养，这对于学好中国画是十分有益的。
中国画十分注重笔墨，尤其讲究用笔。
笔墨两字几乎成为中国画的别名。
中国画的主要工具是毛笔，它具有尖.圆、齐、健的特点。
使用时五指齐力，落笔后不断变换角度，采用中锋、侧锋，逆锋，卧锋，甚至拖笔，从而产生出各种不同的线条。
![[论文]大写意花鸟画](https://img.taocdn.com/s1/m/f2095348777f5acfa1c7aa00b52acfc789eb9f77.png)
中国花鸟画 在长期的历史发展中，适应中国人的社会审美需要，形成了以写生为基础，以寓兴、写意为归依的传统。
所谓写生就是“移生动质”，就是“变态不穷”地传达花鸟的生命力与各不相同的特性。
所谓寓兴，通过花鸟草木的描写，寄寓作者的独特感处，以类似于中国诗歌“赋、比、兴”的手段，缘物寄情，托物言志。
所 谓 写意 ，就是强调以意为之的主导作用，就是追求象 中国书法艺术 一样淋漓尽致地抒写作者情意，就是不因对物像的描头画脚束缚思想感情的表达。
为此，中国花鸟画的立意往往关乎人事，它不是为了描花绘鸟而描花绘鸟，不是照抄自然，而是紧紧抓住动植物与人们生活遭际、思想情感的某种联系而给以强化的表现。
它既重视真，要求花鸟画具有“识夫鸟兽木之名”的认识作用，又非常注意美与善的观念的表达，强调其“夺造化而移精神遐想”的怡情作用，主张通过花鸟画的创作与欣赏影响人们的志趣、情操与精神生活，表达作者的内在思想与追求。
表现在造型上，中国花鸟画重视形似而不拘泥于形似，甚至追求“ 不 似之似 ”与“似与不似之间”，借以实现对象的神采与作者的情意。
在构图上，它突出主体，善于剪裁，时画折技，讲求布局中的虚实对比与顾盼呼应，而且在写意花鸟画中，尤善于把发挥画意的诗歌题句，用与画风相协调的书法在适当的位置书写出来，辅以印章，成为一种以画为主的综合艺术形式。
在画法上，花鸟画因对象较山水画具体而微，又比人物画丰富，所以工笔设色更具写实色彩或带有一定的装饰意味，而写意花鸟画则笔墨更加简练，更具有程序性与不可更易性。
写意花鸟画的形成和发展 ( 1 )花鸟形象比人物、山水出现要早，如在新石器时代的彩陶出现的花木鸟兽、虫鱼、龙凤等纹样。
如长沙马王堆的帛画《人物夔凤图》等，当时还没有产生专门从事花鸟画创作的画家和理论，花鸟画也多是作为人物画的背景出现的。
这些作品或是常有较多的装饰性，或是主要表现人物生活环境。
( 2 )唐代经济繁荣， 统治者 生活奢侈豪华，社会习俗与审美观念都有新的要求(此期间出现不少花鸟画高手，如画鹤的 薛稷 ，画马专家 曹霸 、韩干，还有如 韦偃 画龙，戴嵩画牛等)。
浅谈菊花摘要:中国画亦称“水墨画”,它积淀了深厚的中华民族的文化渊源,是我国传统文化的精华。
菊花则是国画四君子之一,在国画当中有着非常重要的地位。
要画好菊花,就应该了解菊花,要画好菊花就应该要真正的喜欢菊花。
历史上关于菊花的诗词文章和国画都是非常多的,这与菊花的生长习性有很大关系,这也赋予了她更多象征意义。
菊花一开,万物无颜色。
一直都记得这句诗句,似乎菊花历来就是美好的象征。
同时菊花亦以高风亮节,品质高洁而深受人们赞赏。
画菊的方法有很多种,流派也多。
但万变不离其宗!大家的作品风格也是多变的。
或娇艳,或雅致,或冷峻野逸,或笔力雄健,或气势磅礴,或清高正气。
这都是后人应该继承的。
有了这么多的前辈为我们提供好的方法和资料,我们画菊的水平一定会更上一层楼。
关键词:菊花;艺术;作品;写意;技法近日关于菊花可谓是常言的三多,即多赏,多想,多画。
但要画出理想的佳作,谈何容易!细观大师之作,或勾,或描,或泼墨,或点染,意趣横生,美妙至极。
我想名师之作之所以有如此效果,除想法奇特,技法纯熟之外即是对菊花本身的一种特别的爱!记得著名画家徐湛说过:如果要画出好的作品,则要长期细致的观察,做到胸有成竹,画心中的花,画心中的画。
为此,我作了一些功课,查阅了相关资料,对菊花逐步有了进一步的了解。
菊花为多年生菊科草本植物 ,是经长期人工选择培育出的名贵观赏花卉,也称艺菊,品种已达千余种。
是中国十大名花之一,在中国已有三千多年的栽培历史,约于明末清初之时传入欧洲。
中国人极爱菊花,从宋朝起民间就有一年一度的菊花盛会。
古神话传说中菊花更是被赋予了吉祥、长寿的含义。
中国历朝历代的诗人画家,亦以菊花为题材创作出许多名诗名画,因而历代均有歌颂菊花的大量文学艺术作品,给人们留下了许多名谱佳作。
菊花株高20-200cm,通常30-90㎝。
茎色嫩绿或褐色,除悬崖菊外多为直立分枝,基部半木质化。
单叶互生,卵圆至长圆形,边缘有缺刻及锯齿。
头状花序顶生或腋生,一朵或数朵簇生。
中国画鉴赏结课论文班级:11地质2班姓名:张飞飞学号:201114460225 记得，在我上学的每一学期，都会学习美术，但对于这些，我每每都是抱着一种走马观花的态度，直到进入高中，在美术欣赏老师的影响下，我渐渐的对中国画产生了兴趣，于是乎，进入大学后，毅然选修了这门中国画鉴赏。
中国画是中国传统民族绘画的统称，也称国画或水墨画。
它以墨为主要颜料，以水为调和剂，以毛笔为主要工具，以宣纸和绢帛为载体的具有民族特色的特有画种。
它植根于华夏浓厚的文化沃土之中，跨越不同的时空，经历萌芽、发展、成熟、创新、再发展的诸多不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系。
它与西方的油画形成了两座并峙的艺术高峰。
我很喜欢中国画，应为它总蕴含着淡淡的意境令人百看不厌。
它的“抒情”不是直接抒发出来或直接呐喊出来的，是通过“景”间接暗示出来的，所以它的形象性特别强，让人回味无穷。
唐寅(1470—1523)，字伯虎，一字子畏，号六如居士、桃花庵主、逃禅仙史等。
吴(今江苏苏州)人。
出身于商人家庭，居吴趋坊，和文徵明同岁而略长数月。
少有俊才，博雅多识，与张灵友善。
初学画于周臣，后与文徵明、祝允明、徐祯卿结交，人称“吴中四才子”。
二十九岁时由诸生举应乡试，得第一名解元，名声大噪，故人称唐解元。
翌年，因牵涉科场舞弊案，被罢官为吏，自后灰心仕途，终日诗酒，或漫游名山大川。
自刻印章“江南第一风流才子”，以卖画为生。
曾应江西宁王朱宸濠之请，聘往南昌，因不惯藩府生活，不久辞归。
在绘画上，他是一个取材广博的画家。
山水多取法于南宋李唐、刘松年，一变斧劈皴为细长清劲线条皴法，并兼及元人法。
画人物工笔，写意俱佳。
画花鸟喜用水墨，清隽峭利，有别于同时代的其他画家。
与沈周、文徵明、仇英合称“明四家”。
兼善书法，工诗文。
晚年好禅学，。
思想趋向解脱颓放。
自号“六如居土” (谓人生如幻、梦、泡、影、露、电)，著有《六如居士全集》其实，我蛮喜欢唐伯虎的画的，但是我们老师觉得他的画太浅，不浓厚。
中国画教学的创新与探索中国画和西画是两种迥然不同的体系，在发展的道路上两者都有交流和吸收的情况，但总的面貌是不会改变的。
千百年来，中国的画家在国画程式的表现上，有过很多的创造，但是根据时代的要求，远远不能满足需要，即使是古人创造得比较完美的程式，也不能完全满足现代人的思想感情和审美要求，于是必须进行改革和重新创造。
总之以程式的方法来创造画面，是中国画表现形式上的重点特点。
有人认为程式是一种僵死的符号，我认为程式应该是一种代表物象特性的美的因素的有节奏的生动的组合。
比如古人创造了用“介”字或“个”字的字形，用于表现美的单元素。
又如以斧劈皴表现坚实的岩面，以披麻皴表现草木丛生的山坡，人物画上的一些描法，何尝有不是如此。
然而由于时代不同，人们的思想感情、审美意识也不一样。
你可以在竹子上找到一种先所未有的美的单元，创造新的程式，新的笔墨。
同样在山水、人物上都可以创造新的程式。
然而，中国人物画在近几十年的演进中，有一种和中国传统艺术相反的趋向，它似乎在脱离传统表现艺术的范围，走到西方艺术的圈子中去了。
谈到中国人物画的继承和创新问题的时候，大有必要在这一问题上进行一次讨论。
一、中国画的继承与创新新中国成立前，中国人物画已很萧条。
新中国成立后为了拯救人物画，一方面在民间年画中吸取养料，一方面引进了俄国契斯柯夫的素描教学法，以培养人物画的造型基础。
在当时画坛上活跃的：一是单线平涂的年画，一是彩墨画。
它们在解放初期对新形式的宣传画都起了相当大的作用，其社会功能应该给予足够的肯定。
五十年代中期前后，美术学院在老一辈画家的直接影响下，与新一代既具有一定的传统国画基础，又具有写实能力的年轻画家的努力探索下，浙江的水墨画比开国初年的彩墨画，在吸收与运用的传统技法上开了生面，全国独树一帜。
直到六十年代“文革”以前，当时所开创的，被誉为“浙派”的人物画已传播全国，影响甚大。
更为值得一提的，当时一些优秀的人物画，曾在五彩缤纷的国际展厅里显露了长久沉沦中国人物画特有的风貌，得到了高度评价。
传统艺术课题研究论文（五篇）内容提要：1、当代山水画传统艺术精神的表现研究2、传统艺术符号在现当代艺术中的运用3、数字艺术和传统艺术的结合探讨4、数字时代传统艺术原创性神话5、传统艺术元素与现代家居设计的融合全文总字数：13518 字篇一：当代山水画传统艺术精神的表现研究当代山水画传统艺术精神的表现研究中国画的发展特别是山水画的发展与中国数千年的文化有着紧密的联系，由此折射出来的艺术精神也有着千年的文化积淀，并逐渐形成了一种完备的价值系统。
无论是古代还是现代，山水画所代表的艺术精神往往与画家的个人志趣密不可分，以此寄托胸怀与情感。
山水画那或灵秀或澎湃的艺术气质是在不同宗教、文化的淬炼下形成的，对于当代山水画传统艺术精神的表现有着重要的作用。
一、意象基于儒家思想，中国传统文化吸收了佛家思想、道家思想、法家思想等不同的思想流派，这些思想互相交融、影响，发展至今，形成了中国传统的道德文化理念。
山水绘画追求画面呈现出的意象，意象作为一个哲学范畴和美学范畴，有着朦胧的、感性的界定。
但我们不难理解，山水画中的意象往往是画家想要传达给观众的画外之意。
画家表现意象的方式有许多种。
我国现代的山水画分为两种：一种是水墨山水画，一种是彩墨山水画。
水墨山水画注重对山水风景的勾勒，讲究传神、留白和构图，画家将人物或动物的剪影在画面恰当处巧妙勾勒，还能表现出动静相宜的趣味。
彩墨山水画可以说是近代之后迅速崛起的绘画方式，常见的彩墨山水画中，画家往往会用细致的线条勾勒、精准的色彩填补绘制一幅堪比油画的逼真景色，也有画家用水墨山水画的技法绘制、构图，体现出来的画面意象则有着时空穿梭之感。
当代山水画在吸收了众多绘画技法的优点和长处之后，逐渐形成了独特的意象，无论这种意象用哪种方式表现出来，艺术精神都是其最终的落脚点。
二、空灵空灵这一艺术精神主要来自佛家的思想，佛家追求“万物皆空”“灵慧”等境界。
李玉民的作品以山水题材为主，以独特的构图和留白方式赋予画面空灵之感，其作品《偶听琴弦声声脆》中精细雕琢树木和凉亭，简略勾勒山石，用留白勾勒川流和土地，全图没有画出古琴，也未见弹琴之人，但观者完全可以通过画面想象出一定有人在凉亭中演奏妙音，而这声声脆的琴弦之声也从画面留白处飘然而至。
中国画演进之视觉转译摘要：中国画的文化感在于，由文化修饰而成的笔墨语言以及对这种语言所倾心的热情。
意味着中国画笔墨语言在使用过程中，由于文化情态的不同影响，使得笔墨语言对中国画构件而言，更多扮演了文化情态的替补角色，也就是说，笔墨语言的使用者在锤炼笔墨语言的同时也塑造了文化情态。
中国画笔墨语言不是单纯地被看作构件要素，而成为构件本身的一部分，即不是单纯的符号象征，而是包括符号及象征的全部意义。
点的面积大小、墨色深浅、方向和形状、线的长短、力度和速度的表达、面的空间意涵等一切体现大自然生命律动的再现无非旨在体现语言的张力和运动状态，其实质也是在关人的生命状态描述，笔墨语言的描述过程也是文化形态的铸造过程，生命状态遗迹在文化情态中的全部内容用视觉方式表达时，正是由于笔墨语言所具有的弹性空间，即笔墨语言的不同读解和演绎所形成的传统和现实状况，造成了视觉转译模式的必然存在。
关键词：中国画笔墨；视觉转译；审美倾向中图分类号：j21文献标识码：a文章编号：1009-0118（2012）05-0254-01中国画以平面方式再现立体概念，如果不是对线有着别致的经营理念，如果没有对画面黑白赋予某种特别的看法，即那些潜在的“转译”思维所形成的视觉转译模式的作用存在，用平面手法表达一个多维的时空可能会显得勉强或力不从心。
线在欧洲人看来是宇宙构建的外部痕迹，是由外力造成的某种运动轨迹，其运动和指向不外乎呈现出水平、垂直以及直角的状态，这些线性的状态被赋予某种知觉存在，即呈现所谓冷、热、中性等寓意，并因此有了丰富多彩的构建物象的种种方案。
中国画家对线的理解恰恰相反，线被看作是宇宙内部自为的活动，线是中国人心中的一种看法，是一个可以类比的物，即所谓：无垂不缩、无往不复、折钗股、壁折缝、屋漏痕、锥画沙、绵裹针、印印泥，等等，皆是对物象的感觉之物，从所见中品悟出所知，从所知中呈现所见，是对物象施以转译的知觉存在。
线在中国画家眼中是洗脱的、流动的、随迹而化的物，中国画家在腕底使之轻柔飘逸，刚正威猛，或婉约如窃窃细语，或顿挫如激昂抒怀，在起承转合间尽表时空流迹，所以线可用来状树之阴阳、石之三面、山之高低起伏、水之旋转迂迥、云之隐现、光之恍惚、影之绰约、人之媚、体之态，或静或动，或缓或疾，化万象于其中。
---文档均为word文档，下载后可直接编辑使用亦可打印--- 摘要中国画历史悠久，是我国传统艺术瑰宝，在世界美术中也有不可替代的位置。
但是，随着互联网的普及和科技的进步，现代摄影摄像技术、新媒体技术、动漫等新事物渐渐淡化了中小学生对中国画的认识。
所以，中国画的中小学美术教学对目前我国中小学生的学习和生活至关重要，是提升学生审美能力的关键，也是传承民族精神的重要途径。
本文针对目前中国画教学在中小学美术教育中的现状及存在的问题进行分析，希望通过对目前我国中小学生的中国画教育所存在的学生兴趣观念淡薄，家长不够重视，教学方法和教学环境不完善等一系列问题提出合理的解决对策，为中国画的中小学教育寻找新的方向。
关键词：中国画教学；中小学美术教育；中国传统文化；传承AbstractChinese painting has a long history, is a treasure of traditional Chinese art, in the art of the world can not be replaced. However, with the popularity of the Internet and the progress of science and technology, modern photography technology, new media technology, animation and other new things gradually dilute the primary and secondary school students' understanding of Chinese painting. Therefore, the primary and secondary school art teaching of Chinese painting is very important to the study and life of primary and secondary school students in China, is the key to improve the aesthetic ability of students, but also an important way to pass the national spirit.This paper aims at Chinese painting teaching in primary and secondary schools of art education and the analysis of existing problems, hopes to present China painting education in primary and middle school students in China the students' interest in the concept of weak, parents do not pay enough attention, teaching methods and teaching environment is not perfect and so on a series of problems puts forward the reasonable solutions, looking for new the direction for the primary and secondary education Chinese painting.Key words: Chinese painting teaching; primary and secondary art education; problems; Chinese traditional culture; inheritance目录TOC \o "1-2" \h \u HYPERLINK \l _Toc30175 摘要IHYPERLINK \l _Toc24444 Abstract IIHYPERLINK \l _Toc32140 目录IIIHYPERLINK \l _Toc31699 前言1HYPERLINK \l _Toc31753 一、中小学中国画教育的背景2HYPERLINK \l _Toc15601 （一）“多元化”的文化背景2HYPERLINK \l _Toc23951 （二）中国画教学与民族文化精神2HYPERLINK \l _Toc6631 二、中小学中国画教学的现状与问题3HYPERLINK \l _Toc29110 （一）现状3HYPERLINK \l _Toc19830 （二）存在的问题3HYPERLINK \l _Toc13217 三、中小学美术中国画教学的合理化建议4HYPERLINK \l _Toc27661 （一）家长从小培养孩子对中国画的兴趣4HYPERLINK \l _Toc15478 （二）改变原有教育体制的弊端5HYPERLINK \l _Toc28389 （三）学校加强对中小学的美术课程改革，创新教学方法6HYPERLINK \l _Toc1283 （四）增加中国画美术教学的经费，教学设备和师资力量7 HYPERLINK \l _Toc23259 结语9HYPERLINK \l _Toc16665 参考文献10HYPERLINK \l _Toc13215 谢辞11前言随着社会经济的发展和互网络时代的到来，信息的获取方式越来越便捷，人们物质生活极大丰富，所以社会大众的精神追求呈现出多元化。
国画名作赏析资源建设研究[摘要]随着信息技术和网络技术的快速发展，现阶段，国画名作赏析步入了快速发展的新时期，这一时期不仅仅体现于创作方面，亦体现于以欣赏活动激励创作活动方面。
本文主要对国画名作赏析资源建设进行概述，并对国画名作赏析资源建设的具体途径进行探讨。
[关键词]国画名作艺术赏析资源建设[中图分类号]j222 [文献标识码]a [文章编号]1009-5349（2013）01-0066-02一、国画名作赏析资源建设概述艺术赏析，又称艺术鉴赏，是指人们在对艺术作品的接触过程中所产生的审美评价和审美享受活动，也是人们利用艺术形象和艺术意境来感知和认识客观世界的一种思维活动。
在艺术赏析过程中，欣赏者的感觉、知觉、表象、想象、思维、情感和联想等各种心理因素都会被极大触动和激活，在艺术欣赏者的参与下，作品会在原创的基础上实现不断的艺术再创造。
所以，艺术创作过程必须加上艺术赏析过程才是一个完整的艺术活动，而且，它们之间是相互依存不可偏废的关系。
人们对国画作品的创作能力与鉴赏能力也是在相互促进中不断发展变化的。
国画艺术创作水平的提高会促进人们对国画艺术鉴赏水平的提高；反过来，国画艺术鉴赏水平的提高也会促使国画创作者不断提高创作水平。
国画艺术作品的赏析发展主要经过三个时期：国画艺术产生的初期，也就是国画艺术鉴赏的诞生期，这时的国画艺术的表现形式主要为山石崖画等艺术形式，鉴赏者的鉴赏活动处于相对被动的情况下；伴随着布锦纸张、笔墨彩绘等新技术手段的出现，国画艺术鉴赏进入了新的发展期，此时，国画艺术作品的表现形式和表现手法均飞速发展，国画作品的数量和质量随之大幅提升，对国画艺术的鉴赏发展为私人之间的人人相传的观赏群体中，这种观赏群体相对狭小和封闭；随着印刷术的发展，国画艺术鉴赏步入了成熟期，书籍和画册的出现，使得人们对国画艺术作品的鉴赏发展为以书本为主要媒介的鉴赏活动。
随着信息技术和网络技术的产生、发展与广泛使用，人们收集信息、存储信息和利用信息的手段与方式不断发生着巨大的改变，这也推动了人们对国画艺术的鉴赏方式的改变。
中国画论文：浅析中国画的艺术特征 张静 （武警政治学院，上海200435） 摘要：中国画在长期的历史发展中，形成了独特的艺术语言及审美特征。中国画的艺术特征主要体现在五个方面：一、以形写神，畅神达意；二、以线造型，笔精墨妙；三、以虚带实，虚实相生；四、以大观小，散点透视；五、诗书画印，综合艺术。通过认识中国画的艺术特征，可以更好地欣赏中国画，进而陶冶情操，提高修养。
关键词：中国画；艺术特征；写意；笔墨 中国绘画艺术历史悠久，源远流长。她植根于华夏文化沃土，跨越不同时空，历经不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系，是世界艺术领域中的一朵奇葩，更是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲。她所体现的艺术美蕴含昭示了深刻的人生道理及宇宙意义的最高境界。传统中国画在长期的历史发展中，形成了独特的艺术语言及审美特征。当然，“五四”运动以后，西学东渐，近现代中国画借鉴了西方写实主义的观念和技法，力图中西合璧。而当代的中国画更是不断创新，形式多样。但万变不离其宗，中国画的主要特征依然不变。笔者将中国画的主要艺术特征概括为以下五个方面，其中第一与第二个方面尤为典型和重要。
一、以形写神。畅神达意 “形”指外在的形象，“神”是内在的精神。中国画不满足于“形似”，而要求“神似”。早在大约一千多年前，东晋画家顾恺之就提出了“以形写神”的原则。相传他画人物，数年不点睛，人问其故，答云：“四体妍媸，本无关于妙处；传神写照，正在阿堵中。”“阿堵”是六朝和唐代的常用语，相当于现代汉语的“这个”，在这里指“眼睛”。这句话指出，绘画的关键不在于对象的美与丑，而是重在“画龙点睛”，表达出人物的内心世界或精神意境，使其“含情而能达，会景而生心，体物而得神”。顾恺之的“传神论”奠定了中国画以形写神、重在传神的基础框架。
中国画坛先辈虽然很早就提出了“以形写神，形神兼备”的原则，但他们也很早就看到了“形似”并不一定“神似”，为了更好地传神，形的表现可以很灵活，可以夸张变形，甚至不求“形似”。例如宋代苏轼曾说“论画以形似，见与儿童邻”。元代倪瓒曾说“仆之所谓画者，不过逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳”，现代国画大师齐白石的名言“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世”也常被诸多画家奉为圭臬。画家们讲究“物外求似”、“意在笔先”、“缘物寄情”、“物我交融”，他们超越了对具体物象的描摹、再现，强调对事物“精神性”的把握和作者主观情怀的流露，总之一句话，中国画强调“写意”。
何谓写意？“意”，指意志、意识、情意、意趣、意境等，即画家的思想感情。“写”，就是表达和抒发。“写意”就是画家“寓情于景”，“缘物寄情”，“托物言志”，通过绘画来表达抒发自己的思想感情。作画是为了“写意”、“写性”、“写心”，状物乃是为了“寄情”。例如元代画家倪瓒的《六君子图》。它表现的是江南秋色，近景坡陀上有六棵树，疏密掩映，直立挺拔，画的上部只有淡淡远山一抹。这六棵树分别是松、柏、樟、楠、槐、榆，都有其象征意义。黄公望题诗中指出：“居然相对六君子，正直特立无偏颇。”这也是此画叫做《六君子图》的原因。画家以枯而见润的笔墨，营造了湖光山色，荒寒空寂的意境，清淡的画面，既反映了画家看破沧桑、超然物外的思想情绪，又体现了他崇尚平淡天真的审美理想。写意既是中国画的一种表现风格，又是中国画总的艺术观念，它体现了中国画家的特殊审美取向。所以它也是中国画区别于其他外来画种的最基本特点。
中国画的写意性，体现在各种形式的绘画中，无论是简括疏放、水墨淋漓的写意画，或工整细致、层层渲染的工笔画，都有明显的写意性，其笔墨或写或工，只是技法形式的不同而已，其写意传神的艺术特征一致的。写意画可以“逸笔草草，不求形似”，可以放笔驰骋，直抒胸臆。而工笔画工致细腻，严谨周到，但同时也追求写意的韵味意趣。如北宋画家范宽《溪山行旅图》，画面既工整细腻，又开放有度，既是工笔又是写意。该画层次丰富，墨色凝重，极富美感。扑面而来的悬崖峭壁占了整个画面的三分之二，细如弦丝的瀑布一泻千尺。整个画面气势逼人，使人感觉身临其境。山底下，是一条小路，一队商旅缓缓走进了人们的视野，给人一种动态的音乐感。马队铃声渐渐进入了画面，与山间潺潺溪水相应和。动中有静，静中有动。这就是诗情画意！我们从画面本身就能感受到画家本人的生活阅历、人生感悟及内心体验。范宽如果没有在终南山辋川一带的隐居生活，感悟自身，感悟自然，就不会有这经典的《溪山行旅图》问世。
二、以线造型，笔精墨妙 线是中国画的主要表现技法之一，更是中国画的基础。远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画。例如，湖南长沙楚墓出土的《人物龙凤》和《人物驭龙》帛画，是迄今发现的最早的独幅绘画实物。两幅帛画均以引领灵魂升天为主题，在丝帛材料上用毛笔勾线画成。这之前又有原始岩画和彩陶画。这些早期绘画奠定了后世中国画以线为主要造型手段的基础。
其实，线并不在客观的物体中存在，而是画家们自己的主观想象。经过长期的发展，中国画的线独具艺术魅力，因为它是立体的、有生命的、有情的线。说它是立体的线，是由于中国画的线讲究浑圆厚实，笔力深沉，力透纸背。这种“圆”、“厚”的效果是从中国毛笔的特点和使用方法中产生出来的，主要通过“中锋行笔”获得。中锋行笔就是笔锋始终保持在行笔轨迹的中间运行，笔杆竖直下向。这样写出的线条是一个立体的圆柱形，中心是骨，四周是肉，外柔内劲，如“绵裹铁”。中国画的线是有生命的线。因为中国画的线条不僵硬，不呆板，讲究在起讫运转中一波三折，提按顿挫。画家把线的长短、粗细、曲直、刚柔、轻重、疾徐、浓淡、枯润加以巧妙的组合，形成了各种不同的节奏和旋律，赋予线条以生动的气韵。线有了气韵便有了生命，自然会灵动传神。中国画的线又是有情的线。因为在中国画中，线条的作用远远超出了塑造形体的要求，而成为表达作者的意念、思想、感情的手段,成为形、意、情的综合表述。既然线可以表达画家的思想感情，那么，每个画家的线条自然各有特点。比如：顾恺之的线如“春蚕吐丝”、联绵不断、悠缓自然；吴道子的线“势若风旋”，圆转飘逸，所绘人物衣带宛若迎风飘举，被誉为“吴带当风”；陈老莲的线“高古奇骇”，变幻莫测，朴拙生动；吴昌硕的线“遒劲泼辣”，力透纸背，纵横恣肆。总之，线是中国造型艺术之魂，是中国画家赋予自然人化的生命中介。
如果说西画是体、面和色彩的交响，那么中国画就是点、线和水墨的协奏，中国画的表现手法就是以线为主的笔墨。画家通过笔墨技巧，表现艺术形象，传达思想感情。有无笔墨，是人们评价中国画优劣的一个重要标志。
中国画讲究“笔精墨妙”，用笔要求笔力深沉，力透纸背，讲究笔法、笔力和骨气。用墨主张以墨为主，以色为辅，讲究“墨分五色”。所谓“墨分五色”就是以水调节墨色多层次的浓淡干湿，焦、浓、重、淡、清的墨色变化是十分丰富的，这些丰富的变化，虽然不是五彩缤纷，却可以产生一种极为典雅稳重的色彩效果。笔墨的表现形式是千变万化、万般风貌的。描绘对象不同，笔墨的表现形式也不同。其实用笔和用墨是一种技巧的两个方面，一笔下去，既有笔也有墨，墨由笔出，笔由墨现，笔为骨骼，墨为血肉，笔法和墨气混然天成。
需要说明的一点是：中国画主张以墨为主，以色为辅，但并非不重视色彩。中国画古称“丹青”。在唐代以前，色彩的运用得到普遍的重视，画家的色彩意识十分强烈。唐宋时期的工笔重彩画，更体现了极高的色彩技巧，设色浓丽，艳而不俗。然而唐宋以后，尤其是元代，随着文人画的兴盛，水墨写意画渐渐跃居前列，成为主流，丹青色彩的运用受到了抑制。这也是为什么很多人一提中国画，首先想到的就是水墨画，甚至将水墨画作为了中国画代名词的原因。
三、以虚带实，虚实相生 中国画美学体系的形成和发展是与中国的哲学思想紧密联系并受其支配的，其中的“虚实”、“疏密”、“计白当黑”、“天人合一”等思想无不有着浓厚的道家色彩。老子日：“天下万物生于有，有生于无”。“有”即宇宙之实体，在中国画中就是实处、有笔墨处；“无”即宇宙之空间，在中国画中就是虚处，即空白处、笔墨清淡虚灵处。“虚”和“实”是一对既对立又统一的矛盾体，无虚就无所谓实，无实亦无所谓虚。清初画家笪重光在《画筌》中云：“空本难图，实景清而空景现。神无可绘，真境逼而神境生。……虚实相生，无画处皆成妙境。”在中国画中既要有实处，又要有虚处。画中的虚与实，相辅相成，互相依赖。要使虚处空灵，单从虚处去求，无异于缘木求鱼。老子讲“知其白，守其黑。”就是指要使虚处灵，应求实处工，着眼于空白之“虚”，必须立足于笔墨之“实”。要计白当黑，又要知白守黑，这就是中国古典哲学、传统画论中虚实结合的辩证原则。
自古以来，画家们常常在画面的构图上经营有方，注重虚实结合。画面有时层层渲染，密不透风；有时寥寥几笔，疏可走马，同时大片留白，给观众一种画有尽而意无穷的感觉。这种空白之美的意境增添了无限的神秘之感，使人不禁产生无尽的联想和审美愉悦。如南宋马远的《寒江独钓图》，画中只画一位老者荡一叶扁舟独自垂钓，寥寥几笔波纹，却让人感到烟波浩渺。画中大面积的空白，渲染出一种江面的空旷及寒意；萧条的气氛，更有力地衬托出渔翁凝神贯注于一线的神气，令人不禁产生无穷的想象。马远在章法大胆取舍剪裁，善于描绘山之一角、水之一涯的局部，画面上留出大幅空白以突出景观，因此有“马一角”之称。再如他的作品《山径春行》，左下角画山间小径、树木人物，画面大面积留白。主体人物面向空白之处，使看画的人，眼光也会随之望入那一片虚空之中，发人幽思，意境极佳，有笔断而意未断的妙处。与马远同时代的夏圭，构图常取半边，近景突出，远景清淡，人称“夏半边”。夏圭的《溪山清远图》，半边实境，半边虚境，通过大片留白，以虚带实，虚实结合。再如齐白石画虾，画蟹，背景中并不画水，而空白之处皆是明净之水。
由此可见，“空白”是中国画艺术表达审美意境的重要组成部分。“天人合一”的宇宙观与“虚实相生”的美学思想是中国画的灵魂，没有了空白，中国画也就失去了神韵。
四、以大观小，散点透视 西方绘画采用的是焦点透视法，简单的说就是近大远小，极远处消失于一点。但中国画采用的是散点透视法。画家观察点不是固定在一个地方，也不受视域的限制，而是根据需要，移动着立足点进行观察，不同立足点上所看到的东西，都可组织进自己的画面上来，这种透视方法也叫“移动视点”。
中国山水画能够表现“咫尺千里”的辽阔境界，正是运用“以大观小”，散点透视的结果。何谓“以大观小”？北宋沈括在《梦溪笔谈》中写道：“大都山水之法，盖以大观小，如人观假山耳，若同真山之法，以下望上，只合见一重山，岂可重重悉见……”沈括生动地说明了山水画的散点透视，“以大观小，如人观假山”就是俯视鸟瞰，以高观下，山川之景尽收眼底，若同真山之法，再美之景也难成中国山水画。“以大观小，如人观假山”说明了山水画家处理空间的艺术手法，所说“假山”绝非指花园里的大假山，而是指放在案头以供观赏的山水盆景，盆景中以小石块垒起数座径不盈尺的山峰，再放置小亭等等，画家只要站着就可以尽收眼底，就像在空中俯视大地上的千岩万壑，画家全山在胸，方能妙笔生花。
