中国绘画线条艺术论文

学科代码： 050406学号： 2008401100本科毕业论文（设计）题目：浅谈线条在工笔画中运用及重要性学院：艺术学院专业：美术学班级：09美本（2）班学生姓名：潘万鹏指导教师：潘金桥2012年 4 月20 日目录中文摘要 (Ⅱ)中文关键词 (Ⅱ)英文摘要 (Ⅱ)英文关键词 (Ⅱ)前言 (1)一工笔画中以线造型的因素 (1)（一）它与中国的思想体系有关 (1)（二）它与制作的工具材料有关 (1)（三）与书法艺术与绘画艺术的同时发展有关 (1)（四）线条具有很强的表现力 (1)二线条在工笔画中是一种独立的艺术语言 (2)三线条在工笔画中的运用 (2)四现代工笔画线条的形式 (3)五在创作中的认识 (3)六总结 (3)参考文献............................................................................................... . (5)致谢 (6)浅谈线条在工笔画中的运用及重要性潘万鹏（凯里学院艺术学院美术学2009级本科（2）班贵州凯里556011）摘要:以线造型体现了工笔绘画的主要特点，即用线来体现物体，利用线的穿插、疏密、浓淡、虚实等关系来表现物体的质感和动动感。

线在工笔画中起到了不可替代的作用，线的造型结构构成了工笔画的基本形式也形成了工笔画独特的造型体系，它所显现的魅力的重要性是其它绘画形式和技巧都无法代替的。

关键词：工笔画；以线造型；运用；重要性Discussion on painting line performance and its importancePan Wanpeng（Kaili University School of art in2009 undergraduate (2) class Guizhou Kaili 556011）Abstract:By modeling embodied the fine brush painting line the main characteristics, that is, torelect with object, using the line of puncture, density, shade, the actual performance, the relation between object to texture and move feeling. Line in fine brush painting plays an irreplaceable role, the modelling of the line structure constitute the basic form of fine brush painting also formed a fine brush painting distinctive modelling system, it appeared that the charm is other paintings form and technique can substitute.Keywords：Fine brush painting With the line model Application Importance前言经过几千年的演变，中国画已经形成了自己独特的艺术体系。

高中美术论文15篇文章1：艺术中的色彩运用本文探讨了艺术中的色彩运用对作品表现力的影响，从颜色的选择、组合和运用技巧等方面进行分析。

文章2：线条在绘画中的表现形式通过对线条在绘画中不同用途和表现形式的研究，探讨了线条在艺术作品中的重要性和创造力。

文章3：素描艺术的技巧与方法本文介绍了素描艺术的基本技巧和方法，包括线条的运用、阴影的处理和透视的表现等方面。

文章4：油画艺术的发展与特点通过对油画艺术的历史发展和艺术家作品的研究，探讨了油画艺术的独特特点和表现方式。

文章5：雕塑艺术的审美价值本文分析了雕塑艺术在表现形式、材料选择以及观赏体验方面的审美价值，探讨了雕塑作品的独特魅力。

文章6：水彩画的表现力和技法通过对水彩画的材料、技法和表现力的研究，探讨了水彩画在艺术创作中的独特魅力和表现手法。

文章7：版画艺术的技术与流派本文介绍了版画艺术的常见技术和不同的流派，通过对版画作品的分析，展示了版画艺术的多样性和艺术性。

文章8：摄影艺术的表现手法与影响通过对摄影艺术的不同表现手法和影响的研究，探讨了摄影作品在视觉艺术中的独特地位和表达方式。

文章9：建筑设计中的艺术与创新本文分析了建筑设计中的艺术元素和创新理念，探讨了建筑作品如何通过艺术表达和创造新颖的空间形式。

文章10：现代艺术对社会的影响本文研究了现代艺术对社会的影响和观念变革，通过对不同现代艺术形式和作品的分析，呈现了现代艺术的多样性和辩证性。

文章11：装饰艺术的风格与趋势通过对不同装饰艺术风格和趋势的研究，分析了装饰艺术在室内设计中的作用和发展，展示了装饰艺术的美学价值。

文章12：书法艺术的传统与创新本文介绍了书法艺术的传统和创新，通过对书法作品的分析，探讨了书法艺术在中国文化中的重要地位和创作手法。

文章13：艺术与环境保护的关系通过艺术作品对环境保护问题的表达和呼吁，探讨了艺术与环境保护的关系和艺术在提升环境保护意识方面的作用。

文章14：印象主义对艺术的影响本文研究了印象主义艺术对传统艺术观念和创作方式的颠覆和影响，探讨了印象主义作品的独特表现形式和艺术理念。

美术的论文（通用9篇）一、论文怎么写1、确定主题在写论文之初，首先要确定好论文的主题，才能够查找相关的知识点。

建议在确定主题的时候，一定要根据自身的专业，并且要使自己擅长的，这样在选题的时候不仅更加容易一些，也更容易通过。

2、列好提纲选好主题之后，就需要搜集一些相关的写作资料了。

查找相关资料后要仔细的阅读，可以根据所选择的主题来列好写作的提纲，这样在正式写作的时候就会有清晰的目标，不会出现跟主题偏差的问题存在。

3、正式写作当列好相关的主题和提纲之后，就开始进入到了写作的阶段。

因为书写论文通常会有字数的要求，一般需要几天才能完成，所以在写作的时候先要做好计划，可以确定好每天完成的部分。

在制定计划的时候，可以根据自己的写作习惯来安排。

4、仔细修改写完论文的内容之后，并不代表论文的书写已经完成，因为其中可能会存在一些论点错误，以及一些不通顺或者是错别字的问题。

可以仔细的阅读一下，查找出不对的地方进行修改，确保论文是通顺并且有正确观点的。

5、完善要素完善要素是最后一步，也是非常重要的一步，需要查看文章中是否有缺少的事项，并且要根据实际情况来添加。

二、美术的论文（通用9篇）无论在学习或是工作中，大家都经常接触到论文吧，论文是探讨问题进行学术研究的一种手段。

那么一般论文是怎么写的呢？下面是小编为大家收集的美术的论文（通用9篇），供大家参考借鉴，希望可以帮助到有需要的朋友。

美术的论文1 我国历史文化渊源流长、博大精深，在不断地探索与实践中涌现出了现代美术设计教育，是中华民族优秀历史文化不可或缺的一部分。

传统工艺美术在一定程度上为现代美术设计教育提供了一定的借鉴性意义，现代美术设计教育要想积极走向世界、走向全球，就必须要加强与传统工艺美术的融合，立足现实，不断推陈出新、革故鼎新，要适度进行保留与创新，进而构建全新的现代艺术设计教育体系。

1传统工艺美术与现代美术设计教育之间的关系分析1.1区别中国传统工艺美术内涵丰富，聚集了无数历史积淀，而现代美术设计注重强调现代审美意象的延伸。

工笔花鸟论文通用8篇花鸟画在中国画上千年的发展史中，逐渐构成了完整的艺术体系和哲学范畴。

受儒释道思想的影响，人与自然的和谐关系成为中国传统美学的核心资料，所谓“天人合一”、“道法自然”都是以儒释道的哲学理论为指导思想的。

主张虚无、崇尚虚境，在有限的空间里追求无限的意义。

因而，意象、意境成为衡量花鸟画艺术价值的重要标准。

如果说花鸟画“师造化”、“写真”有其内在的必然性，那么“重趣”、“尚意”，追求“神与物游”、“象外之境”，以及诗意空间的表达，则更契合花鸟画“以物喻志”、“以画喻理”、“诗中有画，画巾有诗”的审美主张。

从宋代院体花鸟画，到近代于非闇、俞致贞、陈之佛等工笔花鸟画大师的诗意空问表现概莫能外。

正如文艺复兴晚期样式主义画家面临的困境一般，当代工笔花鸟画家也被“影响的焦虑”所困扰，而“空间”正是他们的突破口。

艺术作品中的空问表达是艺术家对于存在的感知，如今，全新的生命体验带来了不一样以往的诗意空间，或清灵梦幻、或凝重丰蕴、或安谧孤独……工笔花鸟画中亘古的留白最终不再盘桓不去，多变的空间语言成为新一代工笔画家诠释内在感受、传达个人体验的新工具。

在这类作品中，空间之间没有明显的分界，行云流水般的柔润过渡，时而温厚、时而轻盈。

满构图和水墨淋漓的大面积渲染一改传统工笔花鸟画中均质单调的白色虚空，将它变得流动、柔软。

画面的主体被蕴藏着生命动感的虚灵背景绵绵密密地包裹，仿佛在鸿蒙的混沌里。

流动空间既是当代时间、空间碎片化的隐晦表达，又是绵延不绝生命体验的象征形式。

它是当代空间语言中最具古意和文化积淀的一种，因为从形式看，它借用了写意画水墨渲染的效果，依旧坚持了传统画面的虚实关系；从审美看，则秉承道家“阴阳相感，化生万物”的哲学理念。

笔者的《清露》是一幅很典型的流动空间作品。

淡淡的水墨罩染让画面笼罩着一层似有若无的水汽，也让点染在画幅中部的胭脂与石绿带有盛夏的绿意、清润得沁人心脾。

画面右下角那片墨色，浓重却不失空灵，仿佛浓荫里闪着微光的潮湿水汽，轻柔地飘荡在湖面上。

浅析李唐《采薇图》一、两宋时期的画风北宋继承前朝旧制，在宫廷中设立了“翰林图画院”，宋代的院画，对绘画发展起了推动作用，同时培养了一大批绘画人才。

山水画，至此朝着广度和深度进一步发展，更加注意写生和技法的探索，呈现出巨匠辈出，异彩纷呈的繁荣景象。

著名画家有李成，范宽，他们继承了荆浩水墨传统，以北方雄浑的自然景观为描绘对象，他们的创作，具有划时代的意义。

之后，有王士元，王端，燕文贵，许道宁，高克明，郭熙，李宗成，丘纳，王诜等。

其他还有擅楼台界画的郭忠恕，擅湖山小景的惠崇，赵令穰，擅青绿山水的王希孟等。

花鸟方面，发展的成就突出，花鸟画家比较注重师法自然，注重写生，同时也强调了花鸟画的思想内涵。

主要画家有以黄筌为代表的富贵一派，有黄筌，黄居采，以徐熙为代表的野逸一派，有徐熙，徐崇嗣，徐崇勋，徐崇矩。

其中徐崇嗣创造了“没骨画法”。

后来还有时画风发生变化的赵昌，崔白，崔悫，吴元瑜，易元吉等。

院画花鸟中，以徽宗为代表，其本人的粗笔水墨花鸟画也是一种创新。

人物画，尤其是人物故事和社会风俗画得到了高度发展。

主要有武宗元，高元亨，毛文昌，祁序等。

文人画开始出现，主要有苏轼，文同，黄庭坚，李公麟，米芾等。

他们强调绘画要有诗的意境，追求萧散简淡的水墨表现风格，主张即兴创作，取神舍形。

此外还有燕肃，宋道，宋迪，李公年，李时敏，梁师闵，郭元方，李延之，王宗汉等。

南宋绘画的活动中心，仍集中在画院。

南宋的画风与北宋有所不同，山水画家一部分仍沿袭北宋，以全景式的构图，雄浑的自然山水为表现题材。

而真正能够代表南宋山水风格的是着重意境，以抒情为目的的偏角山水。

其构图简洁，意境完整，主体鲜明，笔触大胆泼辣，水墨发挥的更加充分。

这方面，李唐是开派大师，后有刘松年，马远，夏圭等。

技法方面，马远的“大斧劈皴”，夏圭的“拖泥带水皴”是一个重大发展。

文人画在实践中创造了杰出成就，梅，兰，竹，菊四君子画，成为文人画的特殊题材。

二、李唐简介李唐是宋朝一个有名的画家，他对山水、人物、林木、竹石、禽兽等，几乎无一不工，其中造诣最深的是山水画，其次是人物画，画牛也很出名。

工笔花鸟论文（6篇）现如今，大家都不可避免地要接触到论文吧，借助论文可以达到探讨问题进行学术研究的目的。

你写论文时总是无从下笔？下面是书包范文为小伙伴们带来的工笔花鸟论文（6篇），希望可以抛砖引玉，帮助到朋友们。

当代工笔花鸟画之诗意空间花鸟画在中国画上千年的发展史中，逐渐构成了完整的艺术体系和哲学范畴。

受儒释道思想的影响，人与自然的和谐关系成为中国传统美学的核心资料，所谓“天人合一”、“道法自然”都是以儒释道的哲学理论为指导思想的。

主张虚无、崇尚虚境，在有限的空间里追求无限的意义。

因而，意象、意境成为衡量花鸟画艺术价值的重要标准。

如果说花鸟画“师造化”、“写真”有其内在的必然性，那么“重趣”、“尚意”，追求“神与物游”、“象外之境”，以及诗意空间的表达，则更契合花鸟画“以物喻志”、“以画喻理”、“诗中有画，画巾有诗”的审美主张。

从宋代院体花鸟画，到近代于非闇、俞致贞、陈之佛等工笔花鸟画大师的诗意空问表现概莫能外。

正如文艺复兴晚期样式主义画家面临的困境一般，当代工笔花鸟画家也被“影响的焦虑”所困扰，而“空间”正是他们的突破口。

艺术作品中的空问表达是艺术家对于存在的感知，如今，全新的生命体验带来了不一样以往的诗意空间，或清灵梦幻、或凝重丰蕴、或安谧孤独……工笔花鸟画中亘古的留白最终不再盘桓不去，多变的空间语言成为新一代工笔画家诠释内在感受、传达个人体验的新工具。

在这类作品中，空间之间没有明显的分界，行云流水般的柔润过渡，时而温厚、时而轻盈。

满构图和水墨淋漓的大面积渲染一改传统工笔花鸟画中均质单调的白色虚空，将它变得流动、柔软。

画面的主体被蕴藏着生命动感的虚灵背景绵绵密密地包裹，仿佛在鸿蒙的混沌里。

流动空间既是当代时间、空间碎片化的隐晦表达，又是绵延不绝生命体验的象征形式。

它是当代空间语言中最具古意和文化积淀的一种，因为从形式看，它借用了写意画水墨渲染的效果，依旧坚持了传统画面的虚实关系；从审美看，则秉承道家“阴阳相感，化生万物”的哲学理念。

绘画教学论文(5篇)绘画教学论文(5篇)绘画教学论文范文第1篇综合材料在艺术进展中已经融合而且必定与艺术作品同时存在着，综合材料的语言范畴是宽泛而且直接的。

从广义来讲，任何的艺术创作其实都是相对“综合”的并且是“材料”属性的。

由于我们知道任何的艺术创作都不是单纯的独立存在的（包括现当代艺术中的观念艺术），都是一种以内容为载体而存在的，或者以观念的形式被感知的。

那么这种存在或者被感知都需要肯定的空间或时间，从而才被发觉，脱离了肯定的“空间或时间”，这些必定的综合“材料”而独立存在的艺术创作是不存在的。

从狭义来讲，不管任何画种或者任何形式的艺术创作都需要肯定的“材料”而且必定是综合性的。

例如，水墨需要水和墨以及纸张或者绢等载体，如油彩需要油与颜色以及画布或者画板等载体一样，我们现在能看到的艺术创作都需要这些基本的创作元素，包括国画、油画、版画、水彩、漆画、雕塑、设计等等，有了材料的存在才有了创作存在的载体，或者说有了材料的综合运用我们才能看到和触到艺术作品。

2历史上有关于综合材料内容的课程在绘画教学和设计教学中的运用在前面有关于综合材料定义的段落中叙述过综合材料的存在，那么在历史上绘画教育和设计教育中关于综合材料是怎么样运用的也有据可查。

我们从目前的历史资料来看，即使在美术史上较早存在的美术院校中也非常重视与绘画相关材料的专业涉及，甚至我们在目前可以看到的欧洲早期的油画中就有关于“绘画材料内容”画面信息的存在，早期欧洲的油画大师的工作室甚至有的地方就犹如现代试验室，各种材质的颜料与色粉以及各种不同属性的油脂和研磨工具的存在不是已经很好地证明白当时的画家们已经都很重视绘画材料的运用和进展，从而也就证明白欧洲的绘画艺术教育从早期开头就很注意培育画家的材料运用力量。

我们中国古代传统的教育中虽然没有欧洲那样相对完整的特地的艺术学院，但是在中国古代传统教育中是将绘画与传统文化完整结合的，并且是从最初的启蒙教育开头就已经为成为画家奠定了基础，那就是书法教育的培育。

浅谈中国绘画之用笔【摘要】中国绘画艺术历史悠久，渊源流长，经过数千年的不断丰富、革新和发展，以汉族为主、包括少数民族在内的画家和匠师，创造了具有鲜明民族风格和丰富多采的形式手法，形成了独具中国意味的绘画语言体系，在东方以至世界艺术中都具有重要的地位与影响。

它是中国文化的重要组成部分，根植于民族文化土壤之中。

它不单纯拘泥于外表形似，更强调神似。

它以毛笔、水墨、宣纸为特殊材料，建构了独特的透视理论，大胆而自由地打破时空限制，具有高度的概括力与想象力，这种出色的技巧与手段，不仅使中国传统绘画独具艺术魄力，而且日益为世界现代艺术所借鉴吸收。

【关键词】笔;墨;线我是一个对中国传统文化艺术很钟情的热血青年。

也常常会看看、写写、画画，这样会让我领略到笔、墨、线的博大精深及其神妙之处。

在此要和大家一起分享中国绘画笔、墨、线之神妙。

一、论笔中国画绘画语言的主体是笔墨，千余年的实践和目前绝大多数画家所遵循的模式不允许我们对它妄加臆断。

所谓笔，实际上是指线这种表现形式在其运用过程中所展示出来的表现程式而言的。

在中国画长期的发展过程中，各家各派不约而同地赋予线以性格特点。

对线提出了很高的审美标准，并且反复强调线在表现程式中的地位和能动性。

对于墨的解释就更加直观。

墨，不仅是一种色彩符号，它的含意也包括这种单色在塑造形象的同时所展示出来的丰富而优雅的表现力，如轻重薄厚及干湿浓淡的相互照应，明暗度的对比推移以及配合工具材料时所出现的韵味。

中国画塑造形象、撑持语言体系的主体是线。

面对大千世界，它把西方绘画所遵循的光色块面等造型因素弃之不顾，只选用了明快、犀利、多变的线来扑捉、记录、描绘对象的骨架、纹理、形象和风采。

同时也有意无意地记录了画家当时当地的心理刺激和感受。

一幅成功的中国绘画作品，它的线，总是紧扣结构的要害部位，删繁守精，使描绘对象在缩小无数倍之后仍然活灵活现，入木三分呀！线的另一种表现力是讲究力度。

力，就是要富有弹性，度，是对力的规范和调控。

中国美术史论文中国美术史3000字论文美术史是美术学院的一门公共课，也是一门专业基础课，中国美术史是中华民族优秀文化遗产的重要部分，在世界艺术史中占据独特重要的地位。

【1】中国美术史教学初探对于美术学院的学生，了解中国美术的发展脉络，流派，重要画家，及其风格特点，及其在中国文化的重要位置，可以为个人创作积累经验，为深入学习研究打好基础，对学生的专业学习、人才成长发展有不可替代的作用。

对于中国美术史教学工作者，科学地、系统地研究中国美术史，探究中国美术的优秀传统，总结经验，探寻规律，向学生传授中国美术史知识是其本职。

经过几代美术史家和教育工作者的努力，中国美术史教学已经有了坚实的基础，但是在实际教学中依然存在诸多问题：中国美术史和时代的政治、经济、各种文化思想的发展密切相关，现行教材在知识内容上较为丰富，在对学生启发性思考方面依然有所欠缺。

由于中国美术史涉及博大丰富精深的中国传统文化内容，在有限时间内，可传授的知识内容太多，详略重点的处理不好把握，教师教学时力求面面俱到，内容太多，使初入大学的学生学起来感到吃力，找不到重点，师生间的互动研讨交流难以达到。

因此，美术史的教学中往往出现重视美术知识的积累、视觉审美经验的积累，以期为自己创作研究打下基础，但容易出现对作品深层社会意义开掘不够，难以培养学生的创造性思维，也难以达到对学生创作的指导。

再有大量的中国美术名作藏于台北故宫博物院及其他海外博物馆、北京故宫博物院，中小城市教师学生很少有机会见到名作真迹，美术史教学研究实物资料不足，印刷品又难以真正呈现中国画之美。

这样就很难在课堂上让学生真切感受到中国画之美，让他们在艺术美的海洋里徜徉，从而自觉自发的主动学习研讨中国美术史。

总之，由于各种原因，中国美术史教学不可避免存在不足，在学习美术史等艺术理论课上，部分同学思想上存在中轻视和应付的念头，他们重视艺术技巧的学习，轻视美术理论知识的学习，在思想层次上缺乏高度，其画作也很难达到一定层次。

美术论文鉴赏优秀3篇美术鉴赏论文篇一从《瑞鹤图》谈美术鉴赏的意义经过这一段时间美术鉴赏课的学习，我想从一幅花鸟画，《瑞鹤图》简单谈一下美术鉴赏的意义。

那么要谈美术鉴赏的意义，首先我们要知道什么是美术鉴赏。

了解了什么是美术鉴赏，下面就要说说美术鉴赏的意义。

既然是鉴赏美术作品，那美术鉴赏的意义就首先是美术作品的意义。

而美术作品的意义又分为本身意义及延伸意义。

其本身意义就是说我们看到一件美术作品时所获得的美感和愉悦感。

拿《瑞鹤图》来说，此图绘彩云缭绕之汴梁宣德门，上空飞鹤盘旋，鸱尾之上，有两鹤驻立，互相呼应。

画面仅见宫门脊梁部分，突出群鹤翔集，庄严肃穆中透出神秘吉祥之气氛。

此幅一改常规花鸟画构图的传统方法，将飞鹤布满天空，一线屋檐既反衬出群鹤高翔，又赋予画面故事情节，此在中国绘画史上是一次大胆尝试。

绘画技法尤为精妙，图中群鹤如云似雾，姿态百变，无有同者。

更为精彩之处，天空石青满染，薄晕霞光，色泽鲜明，鹤身粉画墨写，睛以生漆点染，顿使整个画面生机盎然。

卷后为徽宗瘦金书题记及诗，款“御制御画并书”，签押“天下一人”，观其书风，健笔开张，挺劲爽利，侧峰如兰竹，媚丽之气溢出字里行间。

看到此图后，我们为之一震。

一片生机跃然纸上。

我们在看图的同时，也得到了美的享受。

这就是其本身意义。

北宋政和二年上元之次夕（即公元1112年正月十六日），都城汴京上空忽然云气飘浮，低映端门，群鹤飞鸣于宫殿上空，久久盘旋，不肯离去，两只仙鹤竟落在宫殿左右两个高大的鸱吻之上。

引皇城宫人仰头惊诧，行路百姓驻足观看。

空中仙禽竟似解人意，长鸣如诉，经时不散，后迤逦向西北方向飞去。

当时徽宗亲睹此情此景兴奋不已，认为是祥云伴着仙禽前来帝都告瑞，国运兴盛之预兆，于是欣然命笔，将目睹情景绘于绢素之上，并题诗一首以纪其实。

但“祥瑞之兆”却难以挽回衰败的国运，此后第十五年，即公元1127年，金兵攻陷都城汴梁。

宋朝军民纷纷起来抗击金兵，金人自知无力吞下这个腐朽然而却十分庞大的仅仅通过一幅画，我们就了解到这么多的历史文化知识，我们的文化底蕴、艺术和文化素养得到极大提高。

传统艺术课题研究论文（五篇）内容提要：1、当代山水画传统艺术精神的表现研究2、传统艺术符号在现当代艺术中的运用3、数字艺术和传统艺术的结合探讨4、数字时代传统艺术原创性神话5、传统艺术元素与现代家居设计的融合全文总字数：13518 字篇一：当代山水画传统艺术精神的表现研究当代山水画传统艺术精神的表现研究中国画的发展特别是山水画的发展与中国数千年的文化有着紧密的联系，由此折射出来的艺术精神也有着千年的文化积淀，并逐渐形成了一种完备的价值系统。

无论是古代还是现代，山水画所代表的艺术精神往往与画家的个人志趣密不可分，以此寄托胸怀与情感。

山水画那或灵秀或澎湃的艺术气质是在不同宗教、文化的淬炼下形成的，对于当代山水画传统艺术精神的表现有着重要的作用。

一、意象基于儒家思想，中国传统文化吸收了佛家思想、道家思想、法家思想等不同的思想流派，这些思想互相交融、影响，发展至今，形成了中国传统的道德文化理念。

山水绘画追求画面呈现出的意象，意象作为一个哲学范畴和美学范畴，有着朦胧的、感性的界定。

但我们不难理解，山水画中的意象往往是画家想要传达给观众的画外之意。

画家表现意象的方式有许多种。

我国现代的山水画分为两种：一种是水墨山水画，一种是彩墨山水画。

水墨山水画注重对山水风景的勾勒，讲究传神、留白和构图，画家将人物或动物的剪影在画面恰当处巧妙勾勒，还能表现出动静相宜的趣味。

彩墨山水画可以说是近代之后迅速崛起的绘画方式，常见的彩墨山水画中，画家往往会用细致的线条勾勒、精准的色彩填补绘制一幅堪比油画的逼真景色，也有画家用水墨山水画的技法绘制、构图，体现出来的画面意象则有着时空穿梭之感。

当代山水画在吸收了众多绘画技法的优点和长处之后，逐渐形成了独特的意象，无论这种意象用哪种方式表现出来，艺术精神都是其最终的落脚点。

二、空灵空灵这一艺术精神主要来自佛家的思想，佛家追求“万物皆空”“灵慧”等境界。

李玉民的作品以山水题材为主，以独特的构图和留白方式赋予画面空灵之感，其作品《偶听琴弦声声脆》中精细雕琢树木和凉亭，简略勾勒山石，用留白勾勒川流和土地，全图没有画出古琴，也未见弹琴之人，但观者完全可以通过画面想象出一定有人在凉亭中演奏妙音，而这声声脆的琴弦之声也从画面留白处飘然而至。

敦煌壁画中飞天的艺术展现容摘要：敦煌壁画包括敦煌莫高窟、西千佛洞、安西窟共有石窟552个，有历代壁画五万多平方米，是我国也是世界壁画最多的石窟群，容非常丰富。

敦煌壁画是敦煌艺术的主要组成部分，规模巨大，技艺精湛。

敦煌壁画的容丰富多彩，它和别的艺术一样，是描写神的形象、神的活动、神与神的关系、神与人的关系以寄托人们善良的愿望，安抚人们心灵的艺术。

因此，壁画的风格，具有与世俗绘画不同的特征。

但是，任何艺术都源于现实生活，任何艺术都有它的民族传统；因而它们的形式多出于共同的艺术语言和表现技巧，具有共同的民族风格。

著名的敦煌壁画有九色鹿救人、释迦牟尼传记、萨锤那舍身饲虎等著名的壁画故事。

飞天是敦煌艺术的标志。

敦煌地区约5OO多个石窟中，都绘有大量的飞天形象。

飞天，是佛教中乾闼婆和紧那罗的化身。

乾闼婆，意译为天歌神、紧那罗，意译为天乐神。

原是古印度神话中的娱乐神和歌舞神，是一对夫妻，后被佛教吸收为天龙八部众神之一。

乾闼婆的任务是在佛国里散发香气，为佛献花、供宝，栖身于花丛，飞翔于天宫。

紧那罗的任务是在佛国里奏乐、歌舞，但不能飞翔于云霄。

后来，乾闼婆和紧那罗相混合，男女不分，职能不分，合为一体，变为飞天。

现在，把早期在天宫奏乐的叫“天宫伎乐”，把后来持乐器歌舞的称“飞天伎乐”。

关键词：舞蹈飞天壁画第一：北时期飞天所画的围已扩大到说法图中和佛龛两侧。

飞天形象虽然还保留着西域飞天的特点，但已发生了变化，逐渐向敦煌飞天转变。

如北226窟北壁后部说法图西侧上方的一身散花飞天，脸型由椭圆变为长条但丰满，鼻丰嘴小，五官匀称，身材修长，衣裙飘曳，横空飞翔，豪迈大方，势如飞鹤，鲜花飘香，姿势优美，动感特强。

隋代飞天正处在融合、探索、创新时期。

主要表现在体型不同，身材修长，比例适度，腰姿柔软，绰约多姿。

脸型有的清秀，有的丰圆。

服饰不同，有上身半裸的，有穿大袖长袍的，有穿短衬长袍的。

飞态不同，有单飞的，有群飞的，有上飞的，下飞的，逆风飞的，顺风飞的……如隋代大窟之一第427窟是画飞天最多的洞窟，计108身。

中国传统绘画的形象与造型特征摘要：中国传统绘画的形象与造型特征主要体现在用笔的书法性、空间的虚拟性、物象的程式性、主体的意象等个方面。

这些特征和传统文化、使用工具等因素有着密切的关系。

关键词：传统绘画；形象；造型特征中图分类号：g633.95 文献标识码：a 文章编号：1002-7661（2011）10-069-01形象与造型，在某种意义上是同义词。

人们习惯用“造型”表示无生命物体的形象，而“形象”多注重指人物精神内涵层面。

广义上讲，无论是人还是物在绘画中均可视为一种“形象”，也可称为“造型”。

中国传统绘画基于文化基础和使用工具等因素，其形象与造型具有独特性．主要表现在以下几个方面：一、用笔的书法性中国汉字至今仍保留着原始绘画的痕迹。

像这样将文字与绘画有机结合起来的形象，在其他国家的艺术中非常少见。

唐代张彦远的《历史名画记》记载：“颜光禄日：‘图载之意有三：一日图理，封象是也；二日图识。

字学是也；三日图形，绘图是也。

’又《周官》教国子以‘六书’，其三日‘象形’，‘图画之意也，是故知书画异名而同体也。

”“书画同体”的艺术理论，对此后的中国画影响深远。

这一理论体现在中国传统水墨画中，就是用笔的书法性与绘画造型的有机结合。

再如花鸟画。

近代吴昌硕与现代齐白石的花鸟画比较接近．但在用笔上，吴昌硕以篆书的圆笔入画，齐白石则常用侧锋方笔，他们的作品都体现出典型的书法性。

形成这一特性的原因有以下几个方面：首先，毛笔是书写和绘画共同使用的工具。

毛笔有极强的吸水性能，这使它在点、画、勾、勒时能够得心应手地表现出抑扬顿挫、刚柔曲直的节奏变化。

其次，共同的审美对象。

线在中国传统绘画中是种最原始的表现方法，这种表现方法在书法和绘画中得以保存且进一步发扬光大。

直到现在，人们仍将线视为中国传统绘画和书法的基本特征之一。

再次，共同的创作主体。

在先秦两汉时期，绘画多是画工所为。

经六朝以至唐宋，越来越多的文人士大夫开始学习绘画。

由于书与画都以毛笔为工具，所以，士大夫们很容易将自己的艺术才能从诗文扩展到绘画，于是在文人的带领下形成了一股潮流和风气，即中国画史上讲的“文人画传统”和“文人画派”。

浅谈“中国民族性”油画中情感的表现方式摘要油画作为西方艺术传入中国，经历了漫长的过程。

在这一过程中，西方的油画艺术被智慧的中国人传承、发扬，形成了独特的具有中国民族性的油画，这一转变促使了文化的交流以及多元化发展。

在这一百多年的油画历史发展中，我国将中国的绘画艺术与西方的油画相结合，创造出了具有中国特色的油画，并且在一幅幅精美绝伦的油画中表现出独特的情感。

中国的传统艺术家用自己高超的技艺将自己的情感表现在一幅幅画卷中，而当西方油画与中国传统绘画相遇，更是碰撞出了独特的火花。

在中国艺术家中油画有着重要的意义，它以写实和非凡的结构以及色彩表现出来，同时又构建出具有东方艺术气息的无声语言，体现出具有中国特色的绘画神韵。

在这一立足点上中国的艺术家能够寻找到民族与世界的交融点，从而将自己的丰富情感表现与世界之中。

这也是使中国文化走向世界的一个重要契机。

关键词：民族性；油画；情感表达目录绪论 (3)一、“中国民族性“油画的发展 (3)二、中国油画的民族性体现 (4)（一）中国油画中对民族精神的体现 (4)（二）在中国油画中对民族文化符号的合理运用 (4)（三）中国民族性油画中的审美意识 (4)三、“中国民族性”油画的传承 (5)（一）中国油画的形式传承 (5)（二）中国油画的色彩传承 (5)（三）“中国民族性”油画的表现形式分析 (6)1、对爱国热情的表现 (6)2、装饰性色彩的表现 (6)3、中国传统绘画技法的使用 (6)四、“中国民族性”油画的情感表达 (7)（一）情感表达的形式 (7)1、形式美感 (7)2、色调美感 (7)（二）情感表达的根源 (7)（三）情感表达的当下思考 (8)五、结语 (8)参考文献 (8)绪论油画是外来艺术的表现形式，俗话说“一方水土养一方人”，将西方艺术在中国发扬光大，这无疑是一种考验。

在经历了漫长的反思实践过程以后，油画终于具有了中国的民族性，同时在中国的油画中也有了独特的情感，这也是文化交融的过程。

我国时代手绘动画艺术论文1新媒体时代对个性表现的追求手绘动画是动画艺术中重要的一个部门，即具有商业价值，使动画达到预期效果，提高动画的视觉感染力和表现力，促进消费，同时，手绘动画也具有艺术价值，它作为当前思想的一个缩影，是一种对个性解放的追求和向往。

后现代影响思潮中的自我认识和自我反省的表现方式充分的展示出动画的高度融合性和统一性，将空间、视觉、图像等化为一体，提高了绘画的整体的艺术表现力和感染力，是一种新式影像手法。

伴随着科技的飞速发展，社会经济体制的改革，以知识型和科技型为代表的产品不断地冲击着我们的日常生活和工作。

在社会改革中，对个性化、自由和人性化的产品追求越来越突出。

手工绘画作为绘画中重要的组成部分，在时展的潮流中其表现手法不断地发生改变，在新媒体时期，手工绘画开始追求和展示个人体验的成果，更人性化和鲜明化。

艺术产品的最终价值就是为人服务的，新媒体动画把握时展下的思想形态，为手工绘画提供更多的发展空间，满足时展下对手工绘画的要求，提高其艺术表现力。

新媒体手工绘画从早期的手工绘画的形式和内容上加以创新和突破，从印象派到风格派、达达艺术、超现实主义、部落文化等，都丰富了手工绘画的表现形式，使手工绘画更加具有创造力。

思想的开放性、语言的多元化、内容的丰富化、结构的多样化等，使手工绘画形成一种全方位的格局。

充分的展示手工绘画的魅力和特色，体现在新媒体时期人们的思想，张扬个性色彩，使手工绘画作品更加吸引人和打动人，加强情感与思想的结合，现代文化与传统文化的结合，加强手工绘画的创新，从而提高手工绘画的艺术价值。

深圳原创动画《卖猪》以其独特的视角和独具特色的民族风格赢得了无数的好评。

该动画充分的把握好特色抓住焦点，以陕北黄土高坡风情为背景展开，讲述兄弟二人卖猪的故事。

以原生态展示出别具一格的地方特色，展示出原汁原味的“中国风”。

2新媒体时代手绘动画个性化的实践在新媒体时代，加强新媒体与手绘的结合，是动画发展的必然选择。

当代工笔重彩画中线的造型功能摘要：线条是人类绘画共用的造型元素，中国传统绘画中的“线条”不仅是表现客观对象的外轮廓、结构等形象要素，而更为注重这些要素的组织过程、生长过程。

关键词：当代工笔重彩画线；造型功能中图分类号：j211 文献标识码：ａ文章编号：1005-5312（2011）30-0189-01线条是人类绘画共用的造型元素，它在东西方绘画中并无本质区别，都是一种表现事物的语言方式。

但是，由于中西方民族文化、社会环境等因索的不同，在美学追求、艺术精神、价值取向及物质手段和表现形态上表现出巨大差异。

中国传统绘画的线在写形状物的同时，更有抒情达意的追求，它是主体与客体有机交融的产物，是“天人合一”思想的反映。

从中国画发展的历史我们就可以看出，中国绘画在表现技法上，向来是用线条来表现对象的一切形象的，因为用线条来表现对象，是最概括简练的一种办法，是合于东方民族的欣赏要求的。

线条成为画家凭以抽取、概括自然形象、融入情思意境，从而创造艺术美的基本手段。

画家所塑造实际的人物对象往往具有画家自身强烈的个人特征，因为它是画家将实际形象从自然形态中主观提炼出来的结果，即“意象造型”。

但线条在中国画的艺术语境中，却有着独特的审美价值。

中国画线条的独特之美，源于中国绘画的独特工具：毛笔和墨，正是这种笔和墨把画家的思想情感，追求理念转化为神奇的线条表达出来，使线条的表现更富有魅力。

中国画的点画不是一个单纯的笔迹，而是一种心迹，是一个力量运动的结果，它带有笔线运动的全部信息，是一条有着充沛生命情意的线的全息缩影。

因人性不同，笔之用不同，因笔之用不同，笔趣自然不同。

笔趣来自笔性。

应该说明，笔趣是一个画家的整体的、本质的风味，而笔迹则较具体。

笔线是特殊韵味和美感的渊薮。

笔迹之所以具有鉴定学上的法律效应，是因为它代表每个生命个体的个人气质。

虽然笔迹趣味可以模仿学习，但是，从根本上说，它是从属于每一个个人的，具有本质上的不可重复性。

对国画专业素描的再思考摘要：素描是所有造型艺术的基础，也是中国画学习的基础，国画中使用线条对轮廓的刻画就是需要扎实的素描基本功。

国画中的素描要利用明暗但是不能只有明暗，突出线条，注重本质结构。

本文就关于如何学习国画素描的基本方法进行讨论，从而提高国画专业学习的效果。

关键词：国画专业素描0.引言素描是人类历史上最早出现的绘画形式，也是最古老的艺术语言。

在文艺复兴时期，人们发现其独特的魅力，在这一时期，出现了诸多在整个人类历史上都比较璀璨的艺术家，如达芬奇、米开朗琪罗，他们创造的作品到现在仍是艺术宝库中的无价之宝，许多作品至今我们还要叹为观止，每一次他们作品的展映都会引起全世界艺术爱好者的热情追捧。

我们今天所能看到的素描来源于中古世纪欧洲德国的民间木刻版画，起初只在民间作坊里画宗教题材的版画，后来人们发现其用途，并在15世纪，艺术大师们发明了透视学、解剖学和构图学原理，为素描表现的立体感和空间感提供了科学的依据，逐步完善了素描。

从此素描便成为一种近乎完美的绘画形式在欧洲画坛独树一帜，进入新世纪以来，素描这种绘画形式更是成为当今绘画学习的基本功，不管是学习西方美术还是国画，都需要通过前期的素描练习来掌握基本的轮廓描绘。

1.国画素描学习现状专业人士都知道，白描是中国绘画的基础，它讲求线条的趣味性，重于意象造型，较少受光线、时间等变化因素影响[1]。

中国绘画中的线条，吸收了中国书法中的笔法技巧。

更多的是立足于物象的神韵与意趣的表达。

我国从五十年代开始，苏联契斯恰科夫的素描教学体系在我国成为主流，这种素描体系被称之为“苏派”，这种素描教学体系的应用，提高了我们素描的整体水平，推动了我国油画事业的发展。

但是这种素描教学体系存在着明显的不足之处，首先是塑造”无数空间透视面”的明暗教学法，使学生迷失于分面的弊端，造成学生线条造型能力弱；其次是传统素描的学习程序一般是从几何形体开始，经过静物、石膏像、头像、半身像、全身像到人体素描的过程，在整个过程中是由浅到深，逐渐深入的过程，但是绘画是以培养造型意识与造型能力的过程，单以基础的训练为基本教学任务是不够的，因此不可过于强调对客观物象的研究，而忽视造型语言的研究；再次这种教学程序束缚了学生的创作能力，由于过于重视对基础的训练，学生往往在实际的创作中，空有美好的愿望和热情，但是却无从下手之感，由于情感与形式没有经常联系，往往情感找不到表达的方式，情绪越激动，就画的越糟糕；最后就是当前多数美术院校的国画专业课程的设计不合理，前两年是清一色的明暗素描，后两年则是油画、国画等专业课程，在前两年的明暗素描课程中，习惯了素描的画法，再转到国画的画法，国画的画法与素描的画法有相当大的不同，因此就很难适应，这就是基础教学与国画的造型语言不谐合造成的。