浅析《降e大调前奏曲与赋格》

专辑英文名: Bach: The Well-tempered Clavier (Book I & II)专辑中文名: 巴赫：十二平均律曲集（上下卷）别名: The 48艺术家: András Schiff古典类型: 室内乐发行时间: 1986年05月22日地区: 英国简介:资源码率：256K专辑介绍：一、十二平均律《平均律钢琴曲集》（48首前奏曲与赋格）是巴赫键盘音乐中最伟大的作品，这套作品是巴赫音乐创作的峰巅，彪罗（Hans Guido Von Büllow)把它比喻为音乐上的《旧约圣经》。

平均律的标题乃巴赫所起。

平均律是一种律制，它对自然律进行修正，将八度音程分为十二半音的调律法，以便于转调。

这种调律法虽在18世纪已被提倡，但一直未予以重视、首先采用这种方法运用于全部二十四调的音乐家，就是巴赫。

在巴赫之前，菲舍尔（Johaun Kaspar Fisher，1665—1746）曾作过二十调的《前奏曲与赋格》（作于1702年）。

《平均律钢琴曲集》一共两卷，各24首。

第一卷BWV846—869；第二卷BWV870—893。

在第一卷的扉页，巴赫作有这样的说明：“《平均律钢琴曲集》（48首前奏曲与赋格）使用一切全音和半音的调，和有关的三大度do、re、mi，小三度re、mi、fa作成的前奏曲和赋格曲集。

这不仅能给热心学习音乐的年轻人提供一个机会，也能使熟悉此类技巧的人从中获得乐趣。

”前奏曲与赋格或幻想曲与赋格，井不是古老的曲种。

这种曲体起源，可能是自由的即兴部分与赋格曲部分所交替的多段体的托卡它。

托卡它的创世者可能是梅鲁洛(Claudio Merulo，1533－1604)，梅鲁洛的托卡它是把对位方式部分放在中间的三段体。

后来，弗洛贝尔格(Johann Jakbb Froberger，1616—1667)等，把即兴性的第三部极端缩小，把第二部赋格曲扩大，最后把第三部删去。

把第一、第二部分开，就产生了前奏曲与赋格。

海顿“降E大调第62号奏鸣曲”与巴赫《平均律钢琴曲（上册）第21首赋格曲》演奏浅析作者：刘东月来源：《世界家苑》2018年第08期摘要：通过对《降E大调第62号奏鸣曲（Hob.XVI：52）》《平均律钢琴曲（上册）第21首赋格曲》三部作品深刻的分析、理解、演唱，以音乐会的形式全面检验自己的钢琴表演综合能力。

关键词：作者简介；曲式结构；音乐特征；演奏提示一、海顿“降E大调第62号奏鸣曲（Hob.XVI：52）古典主义音乐，首先映入人们脑海的人物肯定是海顿、莫扎特、贝多芬。

三位大师的的音乐虽然相互影响，但是又各具特色。

人们亲切的称海顿为“海顿爸爸”，因为海顿的一生过得相对安稳，虽然有时对周围的环境感到痛恨，但是他却能安于现状，乐在其中。

海顿一生经历了音乐史上的巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义前期，所以其音乐也经历了风格上的巨大演变。

他一生共创作了62首钢琴奏鸣曲，其音乐风格朴素、自在，并且充满活力和幽默的气息，作品中没有反映强烈的矛盾对比，而更多的是对世态风俗性的描述。

海顿的“第62首奏鸣曲海顿的《降 E 大调奏鸣曲》（Hob.XVI/52）是其最后一首钢琴奏鸣曲，于 1794 年—1795 年间完成，”[1]是演奏会上最经常听到的曲目，也是海顿所有的钢琴奏鸣曲中最艰难的作品。

不论是曲调还是技巧方面，都取得了长足的进步。

这种精湛的技巧和大胆的和声进行，使该曲产生了很高的艺术价值。

整部作品共分為三个乐章，第一乐章共有116小节，降E大调，奏鸣曲式结构。

这个乐章的结构非常庞大，素材较之前变化丰富，调性对比频繁，大量的使用远关系调。

不仅仅是单一的旋律流动或饱满的和声语汇连接，还有更多的交响性和幽默性穿插其中。

呈示部一开始就不断的突出主题，并且将这一简单的乐思形象不断的扩展，直至形成一个庞大的音乐结构，这一点与贝多芬的奏鸣曲有很多相似之处。

，展开部音乐引入新的素材，附点音符和装饰音成为本段落的一大特色。

第1-2小节在音响造成了如整个交响乐队齐奏的效果，给人一种宏伟饱满的感受。

舒伯特降E大调即兴曲演奏分析舒伯特降E大调即兴曲是舒伯特在1827年创作的一首钢琴即兴曲。

这首曲子以其华丽的旋律和丰富的和声而著称，被誉为是舒伯特的钢琴作品中的巅峰之作。

在演奏这首曲子时，演奏者需要展现出对旋律和和声的深刻理解，并在即兴的基础上展现出自己的技巧和想象力。

我们来分析一下这首曲子的旋律特点。

舒伯特在这首即兴曲中运用了大量的音乐变化和音乐构思，使得整个曲子充满了动感和情感。

曲子的开头即为抒情的旋律，轻柔的音符交织在一起，给人以轻盈飘逸之感。

随后，曲子转入了激昂的部分，音符的速度加快，音域变化更加广泛，给人以一种活泼、激情的感觉。

而在曲子的结尾部分，则再次回归到抒情的旋律，音符逐渐减缓，最终以温柔的方式结束了这段即兴演奏。

在和声方面，舒伯特的即兴曲也表现出了丰富的特点。

曲子中出现了许多复杂的音乐结构和和声风格。

曲子中的赋格部分展现了复杂的对位和声，展现了舒伯特在和声构思上的深厚造诣。

曲子中的和声进行也十分丰富多样，从简单的三和弦到复杂的七和弦，再到琶音、转位和声等等，都能在这首曲子中找到。

在演奏这首曲子时，演奏者需要充分理解曲子的旋律和和声，将其演绎得更加生动、富有感情。

对于旋律部分，演奏者需要注重表现曲子中的轻盈柔美和激情奔放，通过音色和演奏技巧来展现这些特点。

对于和声部分，演奏者需要注重和声的层次感和结构感，将复杂的和声进行表现出来，使整个曲子更加丰富多彩。

在演奏这首曲子时，演奏者还可以根据自己的理解和想象进行一定程度的即兴演奏。

舒伯特的即兴曲本身就是一种即兴演奏的形式，因此演奏者可以在此基础上加入一些个人的想法和创意，使得演奏更加生动有趣。

可以在旋律部分加入一些装饰音和变化，让旋律更加丰富多彩；在和声部分可以加入一些变化和转位，使得和声更加立体丰富。

这些即兴演奏的技巧可以使演奏更加具有个性化和表现力。

舒伯特降E大调即兴曲是一首充满活力和想象力的钢琴曲。

通过对其旋律和和声的分析，我们可以更加深入地理解这首曲子的魅力所在，并在演奏中加以体现。

舒伯特降E大调即兴曲演奏分析1. 引言1.1 概述舒伯特降E大调即兴曲是舒伯特创作的重要钢琴作品之一，被誉为浪漫主义音乐的代表作之一。

这首即兴曲是舒伯特在1827年1月作曲的，是一首完全即兴创作的作品。

舒伯特在曲中展现了他的音乐才华和即兴创作的技巧，表达了深沉的情感和内心世界。

这首即兴曲以其简洁而深刻的旋律、细腻而动人的和声、富有变化的节奏以及丰富的表达力而著称。

舒伯特通过这首曲子展示了他对音乐形式和结构的深刻理解，同时也展现了他对音乐表现力的敏感和超凡的艺术感悟。

在这篇文章中，我们将对舒伯特降E大调即兴曲的曲式、旋律、节奏、和声以及表现力进行深入分析，探讨这首作品的演奏技巧、音乐性，并对整体结构进行总结，希望通过这篇分析能更好地理解和欣赏这首伟大的钢琴曲。

2. 正文2.1 曲式分析舒伯特降E大调即兴曲是一首典型的即兴曲，其曲式主要包括自由变奏曲式和自由发展曲式。

在整首曲子中，舒伯特通过不同的音乐元素创造出了连贯的音乐叙事，展现出了他丰富的音乐想象力和创造力。

在曲式方面，舒伯特的即兴曲以自由变奏曲式为基础，即主题的不断变奏和发展。

在演奏中，可以感受到主题的多次反复出现，并且在不同段落中被加以变奏和发展，增加了音乐的层次和变化。

曲中还包括了自由发展的部分，展示了舒伯特在演奏中的即兴创作能力。

在曲子的结构上，舒伯特采用了多样化的形式，包括重复、对位、对比等手法。

通过这些形式手法，舒伯特在曲子中创造了丰富的音乐情感和变化，使整首曲子更加富有戏剧性和张力。

舒伯特降E大调即兴曲在曲式上展现了丰富多样的音乐元素和变化，通过不同的形式和手法展示了舒伯特的音乐创作才华和即兴演奏技巧。

在曲式分析的基础上，我们可以更深入地理解和欣赏这首优美动人的即兴曲。

2.2 旋律分析舒伯特降E大调即兴曲的旋律是其整首曲子的灵魂所在。

在这首曲子中，舒伯特运用了丰富多彩的旋律线来表达不同的情感和意境。

旋律的走向多变，既有悲伤的抒情，又有欢快的跳跃，使整首曲子充满了变化和张力。

舒伯特降E大调即兴曲演奏分析【摘要】舒伯特降E大调即兴曲是一首具有独特魅力的钢琴曲，本文旨在对其演奏进行深入分析。

在乐曲结构方面，可以看到其变化多端，富有变化和层次感；和声方面呈现出丰富多彩的和弦变化和音程跳跃；旋律上展现出华丽的旋律线条和情感表达；节奏感强烈且多变，给人以动感和活力；演奏中要注重表现力，通过音色、速度和力度的变化来诠释曲中情感。

在可以总结出舒伯特降E大调即兴曲演奏具有丰富的特点，需要演奏者具备优秀的技巧和情感表达能力。

建议演奏者在演奏中注重细节处理和情感表达，尽可能还原作曲家的意图。

这首曲子将带给听众独特的聆听体验。

【关键词】舒伯特降E大调即兴曲、演奏分析、乐曲结构、和声特点、旋律特点、节奏特点、表现力、特点、演奏技巧、结语1. 引言1.1 背景介绍舒伯特降E大调即兴曲是奥地利作曲家弗朗茨·舒伯特在19世纪创作的一首钢琴即兴曲。

舒伯特是浪漫主义时期最重要的音乐家之一，他以其优美的旋律和丰富的和声而闻名于世。

这首降E大调即兴曲被认为是他成熟期创作的代表作之一。

舒伯特在创作这首即兴曲时，并没有事先写谱，而是完全凭借即兴的方式演奏、创作。

这使得这首曲目充满了即兴性和随机性，展现了舒伯特的音乐天赋和创作灵感。

降E大调是一个温暖和富有激情的调性，适合表现浪漫主义情感。

舒伯特在这首即兴曲中充分展现了他对和声、旋律和节奏的巧妙运用，通过丰富的表现力和细腻的演奏技巧，使得这首曲目成为钢琴演奏家们常常选择的经典曲目之一。

通过对这首曲目的分析和演奏，我们可以更深入地了解舒伯特的音乐风格和创作特点。

1.2 分析目的通过对舒伯特降E大调即兴曲演奏的深入分析，我们旨在探讨这首作品的乐曲结构、和声特点、旋律特点、节奏特点以及表现力等方面的特点。

通过对这些方面的分析，我们可以更好地理解这首曲目的音乐内涵和演奏要求，从而提升我们对这首曲目的理解和演奏水平。

我们也希望通过对舒伯特降E大调即兴曲演奏的分析，为广大乐手提供一些演奏技巧建议，帮助他们更好地演绎这首优秀的作品。

前奏曲前奏曲是一种短乐曲，没有具体的固定曲式。

前奏曲以前只是组曲之前的器乐引子，在演奏之前一般演奏家要即兴演奏一小段，逐渐演变成一种艺术形式。

前奏曲也用于歌剧以代替序曲，曲式自由，一般取材于剧中的音乐，在正场前使用。

17世纪时出版商在出版乐谱以前会印发前奏曲作为广告。

在巴洛克音乐时代，前奏曲经常作为赋格曲的前奏，巴赫就曾为所有12个大调和12个小调写过前奏曲和赋格曲的组合，总称《十二平均律钢琴曲集》。

到了浪漫主义时期，肖邦写的《24首钢琴前奏曲》就有了自己独立的性质，具有浪漫与幻想的风格。

李斯特写过一部《前奏曲》，但并不是真正的前奏曲，而是一首独立的交响诗，取材于一首诗，原意为人的一生就是走向死亡的前奏，可是李斯特的作品却不悲观，充满对人生的赞美和肯定。

德彪西也写过独立的前奏曲。

萧斯塔科维奇也写过钢琴曲《24首前奏曲》（也是和赋格曲的组合）。

在世界钢琴音乐的宝库中，有一颗璀璨的明珠——钢琴前奏曲。

前奏曲的起源最早可追溯到15、16世纪，当时是曲琉特琴或管风琴作为一种“开场白”式的即兴演奏而来，常用和弦与走句交织而成，起到引入“正题”的作用。

音乐巨匠巴赫等继承和发展了这种体裁，以前奏曲与赋格、组曲、合唱等连结成套的出现，从而使其取得了“合法”的地位。

被举为“音乐圣经”的《十二平均律钢琴曲集》就是一套绝佳范例。

这一时期前奏曲总的来说，仍具有引子的特点与即兴的手法。

编辑本段历史沿革在巴洛克音乐时代，前奏曲经常作为赋格曲的前奏，巴赫就曾为所有12个大调和12个小调写过前奏曲和赋相关作品格曲的组合，总称《十二平均律钢琴曲集》。

到了浪漫主义时期，肖邦写的《24首钢琴前奏曲》就有了自己独立的性质，具有浪漫与幻想的风格。

李斯特写过一部《前奏曲》，但并不是真正的前奏曲，而是一首独立的交响诗，取材于一首诗，原意为人的一生就是走向死亡的前奏，可是李斯特的作品却不悲观，充满对人生的赞美和肯定。

德彪西也写过独立的前奏曲。

浅析巴赫《C大调前奏曲与赋格》的演奏技巧和艺术特征浅析巴赫《C大调前奏曲与赋格》的艺术特征和演奏技巧摘要：本文主要分析巴赫《C大调前奏曲与赋格》的艺术特征,让演奏者对这首曲子有一个比较直观的理解，并且通过演奏技巧分析进行分析,以便能更好的演奏这首作品。

关键词：巴赫；前奏曲；艺术特征；演奏技巧1 引题《圣母颂》是一首充满着一种高雅圣洁的氛围和气息悠长的旋律的圣歌，这首歌曲的伴奏部分其实就是巴赫所写的一首钢琴曲《C大调前奏曲》。

曲子的写作手法很简练，也很有特色。

自始至终采用十六分音符，分解和弦如流水一般地缓缓流淌，而和弦的变化就像色彩在变幻。

在相对稳定的节奏和速度上，那音乐就像珍珠一样串联起来，细腻人微的变化给人多么丰富的遐想。

巴赫(1685-1750年)被誉为“欧洲近代音乐之父”，他对欧洲音乐贡献很大，其中一个很重要的贡献就是创作了十二平均律。

虽然在巴赫已经有人发现了平均律的理论，包括我国明朝时期的朱载育。

然而真正在音乐上将平均律付诸实践的却是巴赫，他将八度音程平均分为十二个音来调律，使得音乐的转调变得非常简单和方便。

他因此创作的《钢琴琴平均律曲集》(48首)便成为现代钢琴音乐的圣经，在音乐史上具有举足轻重的作用。

巴赫分别在1722和1742年写成的《钢琴平均律曲集》(两集)就是这样的作品。

在写第一集的时候，他在乐谱上便标明:为了使好学的年轻人从中得到启发，让他们在这些技巧中消遣”。

在第一套曲集中，最开始的曲子就是这首《C大调前奏曲和赋格》。

曲子有前奏曲和赋格两个部分，人们熟悉的就是前面的部分，即前奏曲。

尤其是通过19世纪法国作曲家古诺在这个前奏曲上写了一段天衣无缝的旋律，并填上歌词后，成为流传极广的独唱曲。

有人还喜欢将钢琴部分用竖琴来代替，更加反映出音乐的圣洁和高雅气质。

音乐家莱曼听完这首音乐说: “它就像是奥林匹亚宁静、晴朗的太空一样的清澈。

”这大概是对巴赫的《C大调前奏曲》最绝妙的评价了吧。

解析雷格尔《莫扎特主题变奏与赋格》之赋格曲图马克思?雷格尔的《莫扎特主题变奏与赋格》(op132)作于1914年,是一首由两个性格完全不同的主题构成的二重赋格.作曲家非常喜欢双主题种形式,大多数赋格曲都采用了这种方式,如.《巴赫主题变奏曲与赋格》(op81)(钢琴作品),《贝多芬主题变奏曲与赋格》(op86)(四手双钢琴作品),管弦乐队作品《约翰一亚当一席勒主题变奏曲与赋格》(oplO0)都是如此.传统的二重赋格有三种布局方式:并列式,重叠式,综合式.《莫扎特主题变奏与赋格》(op132)采用了并列式的结构布局.具体分析如下:(1)主题特点赋格第一主题ARegletto=132.,,——====赋格第一主题,由第-/j\提琴奏出,它是一个包含两组从小字二组a至小字一组a的下行十二个半音旋律,这十二个半音被作曲家巧妙的隐藏在自然调式音中,赋格主题也恰巧被这两组a到a划为两个分句,并形成了自然音与半音的.I乐西安音乐学院郭强交替进行.当然它最后明确了赋格主题的调性,即与莫扎特主题同为A大调,8小节长,再加上6/8的拍子,让人们感到雷格尔有意在回归.赋格第一主题与莫扎特原主题不仅在外貌上没有任何联系,而且性格上也不相同,赋格第一主题的音乐天真烂漫,充满幻想,甚至在一提琴的跳弓演奏下还略有些"顽皮".赋格第二主题(第3小节l长笛,I双簧管声部)圣——====:===一赋格第二主题在外形上更接近莫扎特主题,由1长笛与I双簧管同度奏出,上行三度的旋律进行及下行二度模进这些原主题的特性均被第二主题保留,半音化的旋律形态,婉转悠长的音调,又赋予第二赋格主题新的性格特点,它的形象介于典雅的莫扎特原创主题与活泼的赋格第一主题两者之间,并有效的将第一赋格主题与莫扎特主题联系起来.第二赋格主题也为A大调,6/8的拍子,8小节长度,于是第一赋格主题,第二赋格主题,莫扎特原主题a句三者在长度,调性,节拍全部一致,这就为赋格综合再现部时三个主题的同时出现创造了条件.商从整体布局上来看,第一主题与莫扎特原创主题应是整部《莫扎特主题变奏与赋格》的核心,雷格尔在最后的赋格中也有意强调.第一呈示部时,一主题先后出现了六次(基本呈示部出现四次,补充呈示部出现两次);相比之下,赋格第二主题就显得相形见绌,呈示时先是结合主部素材构成的对题出现了两次,第三次呈示时与第一主题同时出现,构成二重赋格;并且第二主题在综合再现部三个主题同时呈现一次之后便隐去,只留下第一主题与莫扎特原创主题最终完成整部乐曲,两个核心主题被有意突出.这两个主题一个典雅,一个活泼,却都呈现出莫扎特式的"天真烂漫",充分表达了雷格尔创作此曲的初衷——表达对莫扎特的无限敬仰.与此同时,我们看到雷格尔在继承传统的同时对赋格主题也有所仓U新,其显着的特点就是主题不再是单一调性,尽管传统赋格也存在转调主题,那也只是在主/属,主/下属的范围内进行的,而雷格尔则在分属不同体系的范围内进行转调(自然音,半音体系),比之以前,这种做法迈进了一大步.但是雷格尔的传统观念并未就此而改变,首先表现在他的主题无论怎样变,最终仍然会回到调性框架之内,也就是说它的主题有调性;其次,它的调性布局仍为传统手法,就象下面将要分析的,《莫扎特主题变奏与赋格》(op132)的第一,第二呈示部均为主/属调,在这一点上他又是严格遵循传统.(2)赋格结构这首赋格由四部分构成,分别是第一呈示部,第一呈示部的展开部,第二呈示部,综合再现部.图示分列如下:第一部分:第一呈示部'星示巷'l补充呈示,15d'节1小节751,节I195Tl锄p—RI硼卜R】龋叫R插一ITI(ob)~TIcRlg.~)?晰一IB---Ilk TJ(Ⅱ)R3R5R工I锄r工)R6工l氓'班焉8小节,疆l71厦5小节量"1,节■411,节,加Ea41懦牛爵AE^EAEF在第一呈示部中,赋格第一主题总共出现6次,基本呈示部出现4次,在补充呈示部出现2次,调性遵循传统原则,主/属程式.应该指出,该赋格应用的全部都是自由对题,且对题素材均源自第一主题.第二部分:第一呈示部的展开部(中间部)豳3.5小节O.5+1.5+7小节l9小节一间插一Tl(音色主题)Tl一闻插一T1().-闻插一Tl(音色主履)第64小节后半■冀卯小节虞77小~dJl"84小节,譬94,.I-'IS,籍1o2十节,Ill十节, FECCF第二部分开始于音色转接式的间插,它用主题头部素材构成,从双簧管开始经过长笛,一,二提琴到木管再到弦乐之后,第一主题在F大调上出现,此时的主题不像呈示部那样以相对单一音色出现,而是将主题交由长笛——弦乐——长笛,双簧管——长笛,单簧管,大管——长笛,双簧管——弦乐——双簧管,单簧管,大管,中提琴来完成,构成了色彩斑斓的音色主题(下例第4小节起).开始于84小节的间插运用卡农式模进的手法,将音乐的情绪逐渐引向高潮,当圆号在C大调完整的演奏完第一主题,乐队随即掀起了这首赋格的第一次高潮,并形成了一个长达l9小节的问插段.令人叫绝的也是此句的结尾,雷格尔运用了他最钟爱的小下属和弦转调,主题第四次出现开始于F大调,但紧随其后的赋格第二主题却是出现在A大调,雷格尔巧妙的让第二部分的结束于八分音符的d的小三和弦,或者说结束于d小调,它既是F大调的关系调,又是A大调的小下属和弦,转调就这样非常自然的构成了.第三部分:第二呈示部2小节1l小节T2(Q:同)R(!.{DT2(Q￡,Q)RT2-j一间摇一TlQI童II)一间插一第128小节,第135小节,第144小节,第146小节壤:1.53小节AEA第二赋格主题出现于第128小节,它是一个非常甜美的音乐形象,由l长笛,l双簧管声部奏出(参见55页),并由上文(参见59页谱例)所述的A大调的小下属转调引出,对题采用以第一主题材料构成的自由对题;第二主题的呈示部仍采用传统的主属布局方式,在135小节时进入属调,音响变得浓重起来,I圆号,大提琴声部奏出真正的第二赋格主题,大管,I1V圆号,低音提琴则运用"和声旋律"形态主题进行强化处理,对题材料还是源自第一主题,主题的第二次陈述运用开放式收拢的方式引出两小节第一主题材料构成的间插,在这之后真正的二重赋格出现,如图所示,赋格第一主题与赋格第二主题在146小节相会,自由对题用第夭离—T——H—.E———I—C大师?名曲一主题素材所构成,音乐的情绪随着这两个主题的交相辉映逐渐高涨,再加上后续的l1小节间插段推波助澜,使得乐曲的第二次高潮疾风骡雨般来临.这里需要指出的是,传统并列式二重赋格,第二呈示部应该开始于属调,而此曲的第二呈示部开始于主调,如此设计,笔者认为原因有二:一方面它要与中间部形成和声转换,由C\F大调转入A\E大调,另一方面由于第一呈示部最后结束在属调E大调上,此处若再从E大调起调,调式色彩未免过于平淡.因此,作曲家将调式布局稍加改换,从主调起句,这样既可将两次主题的呈示方式统一,又达到上述两方面的目的,可谓"一举两得",同时也可以看到作曲家精心的安排与设计.第四部分:综合再现部3小节TI(El;Y;IlI.§)呻(扩充)薨扎特主曩键;:皴;￡!;!;iII1.旦'I2(E'蛙Iv.T1素材cI.T,~II.IIV)其扎..主■(—Trpt—,III)第165小节/第172小节/第175小节A蠡在汹涌澎湃的音响声中,乐曲进入赋格第一主题,第二主题和莫扎特主题同时聚合的第四部分(开始于165小节). 伴随着一,二主题,莫扎特原创主题由小号,圆号的激昂,嘹亮的奏起,三个主题~D---股势不可挡的洪流,相互碰撞着, 涤荡着,浩浩向前;密集的声部,交织的音响,将人们的情绪带至兴奋的顶点.再经过三小节的短暂扩充之后,第二赋格主题好似完成了它的历史使命,逐渐隐去,只留下了莫扎特主题与赋格第一主题——将这两个《莫扎特主题变奏与赋格》(op132)最为核心的主题汇合在一处,通过简单有效的单对位对比方式进行最后的陈述,如上图所示,声部依然是浓密,音响依然是磅礴,它再次强化了人们对全曲的印象与回味.乐曲的最后,音乐进入宽广壮丽的情境中(Largo),铜管声部再次出现在VatⅢ,VarVf,VarVm中出现过得的莫扎特变奏主题,仿佛仍在提醒人们回顾过去的变奏乐章.在恢宏激昂的情绪下,在宽广磅礴的气氛中,全曲结束.(3)对题特点a.整个赋格没有一次重复的对题,即:无固定对题出现.b.所有对题素材皆来自第一赋格主题.01五夭C对题多数半音化,要么整体半音化,要么局部半音化.d.由于对位的关系,多个自由对题同时并存.(4)调性与和声A通观整个《莫扎特主题变奏与赋格》(op132),应该说,雷格尔作品的调性是十分明确的,虽然乐曲中充斥着频繁的离调,转调,大量的半音和声,但是每一乐章均从主调开始,并结束于主调,这一传统手法并未改变.B.雷格尔的作品到处洋溢着浪漫晚期的和声特点,尽管他一生的音乐创作都在"遵循传统",并极力的倡导"纯音乐",但这晚期浪漫派的风格特点,使得他的音乐充满新的色彩,这也对传统赋格或传统技术做了非常有意义的创新.(5)结构特点A.结构庞大,音响浓重雷格尔从小随父亲,后来随林德纳,里曼博士学习管风琴,并以演奏家的身份进行巡演,应该说他非常喜欢管风琴这种宏大的音响特质,甚至还倡导了"管风琴运动",于是将这种音乐习惯引入到他的创作之中也就不足为奇,所以他喜欢"缜密的结构",并以此形成多种复合音色,增加音响的厚度,使之成为雷格尔作品的最显着的特色.B.多主题赋格的应用雷格尔的大部分赋格曲作品运用双主题的二重赋格形态,最早可追溯到其作品《三首管风琴曲》(op7,作于1892年) 中的《d小调赋格》,还有后来的《贝多芬主题变奏曲与赋格》(op86)(四手双钢琴作品),管弦乐队作品《约翰一亚当一席勒主题变奏曲与赋格》(opl00)都是采用二重赋格形态,这与传统赋格多数为单赋格有所不同,运用二重赋格这种壮观的立体对位形态,不但使得整个乐曲音响更为宏大,而且还增强了音乐上的戏剧性冲突,同时采用多主题赋格作为套曲的最后一个乐章,也可对全曲进行必要的概括总结.雷格尔一生钟爱赋格——这种复音音乐的最高形式,并且将它与变奏曲相结合,构成格律与非格律的综合音乐形态, 从而独树一帜.此外,他作品的严谨,细致以及极具个性的音乐语言也是值得后来者不断学习与借鉴的.应该说,雷格尔作为十九世纪末晚期浪漫派与二十世纪初现代多元化音乐的承前启后者,其历史地位必将得以广泛确认.套。

古尔德与巴赫解读试析两首《前奏曲与赋格》
巴赫的《前奏曲与赋格》和古尔德的《前奏曲与赋格》都是著名的作品，虽然两首曲子的作者不同，但是它们都被视为巴赫作品的代表。

巴赫的《前奏曲与赋格》是一首较为复杂的器乐组曲，曲子由前奏曲和赋格两个部分组成，前奏曲部分是一个独立的乐曲，赋格则是在前奏曲的基础上发展成的。

整首曲子通过前奏曲和赋格两个部分的反复呈现和变化，将主题和旋律展开和拓展。

这首曲子是巴赫对经典器乐进行再创作的一种尝试，也展示了他在器乐创作方面的才华和天赋。

古尔德的《前奏曲与赋格》是一首钢琴即兴曲，它以自由的形式自由地演奏着「前奏曲」和「赋格」这两个独立的元素。

这首曲子不仅突破了传统的乐曲结构，而且展现了古尔德的音乐家个性和创新精神。

虽然这两首曲子在形式和表现手法上有所不同，但它们都展现了创作者对音乐形式和表现手法的探索和创新尝试。

这些不同之处的存在为我们提供了更多关于音乐创作和表达的可能性和启示。

浅析肖斯塔科维奇《二十四首前奏曲与赋格》创作特征(一)内容摘要：肖斯塔科维奇的创作道路与20世纪的多数作曲家不同，然而他也决不是一个保守主义者。

从古代到20世纪,各个时代的音乐写作技法都是他独特音乐创作手法的源泉，也是他创新的基础。

因此，他的作品才显现出传统与创新、民族与现代、完美结合的独特个性。

关键词：赋格曲中古调式双重卡农前奏曲主调手法在音乐发展的漫漫长河中，因为历经了帕勒斯特里那、巴赫、贝多芬这些音乐史上里程碑式的音乐大师的创造与发展，使得复调艺术具有了不朽的生命力。

然而，此后的不同时期，主调音乐逐渐代替了复调音乐，奏鸣曲代替了赋格曲，对位法受到了冷落。

但在近百年来，尤其在进入20世纪以来，西方音乐发生了巨大的变化，一个以三和弦为音响结构原则，以不协和对协和依赖为进行规律的时期已经过去了，取而代之的是一个以崭新个性写作为特征的时期接踵而至，于是乎20世纪的作曲家将眼光都转向了沉寂多年的复调形式上来，对复调写作以新的思维方式、新的发展眼光，获得新的启发。

如像斯特拉文斯基于1927年就提出了“回到巴赫”的口号，也正是在这一思潮影响下产生了具有时代特征与民族风格的肖斯塔科维奇的赋格。

肖斯塔科维奇，前苏联作曲家。

不论在赋格写作技术方面，还是在实际应用中，均造诣精深，涵盖广阔，在其《二十四首前奏曲与赋格》曲集中，在交响乐、清唱剧、室内乐、合唱等体裁音乐中，对赋格形式都做出了创造性的贡献。

他在复调写作技术方面以及在实际应用中，均达到了民族性与时代性的完美统一。

我们可通过他的《二十四首前奏曲与赋格》看到他对古典赋格形式所做的创造性贡献。

首先，肖氏的赋格主题源于俄罗斯民间音调，具有鲜明的民族特征与文人气质，有的还具有“恶作剧似的谐谑风格”，有的接近悠长歌谣，极少使用传统的大小调，往往采用中古调式，例如No_1呈示部中用了伊奥尼亚和混合利地亚调式，中部则用了弗里吉亚、克利亚、奥利亚和多利亚调式；呈示部与再现部集中用了大调性质的中古调式，中间部使用的是含小三度的调式（弗里吉亚、洛克利亚、艾奥利亚和多利亚调式）主题及相应声部的和声色彩就显得多种多样了。

舒伯特降E大调即兴曲演奏分析
舒伯特的降E大调即兴曲 D.899 No. 2 是他创作的一首非常卓越的钢琴独奏曲，被认为是他音乐生涯中的代表作之一。

在这首曲子中，舒伯特完全展现了他的才能和独特的音乐风格，他的即兴表现力和感性的演奏一直吸引着听众。

首次听到这首即兴曲的时候，很容易感受到它的独特性，这是舒伯特独特的旋律和和弦的结构所创造的。

这首曲子表现出的情感非常深刻，这与舒伯特的许多其他作品一样，它有着深邃的内涵和崇高的精神。

该曲开头是一个简单的和声进行，以一个简单的三音动机开场。

这个动机不断地在曲子中不断地改变，时而变成流畅的旋律，时而变成跳跃的和弦。

旋律变幻无常，瞬间在曲子中挑动着听众的心弦，给大家留下了深刻的印象。

这首曲子在即兴表现上有着许多值得我们借鉴的地方，首先体现在舒伯特的自由度和即兴性，他的技巧自如地在键盘上行走，以各种方式倾泻着深沉的情感和思想。

他的琶音和年割很强的表现力，成为了这首曲子最突出的特点之一。

其次，该曲的和声非常丰富和复杂，几乎在每一刻都会有一些改变。

舒伯特将和声和旋律紧密结合起来，以营造出极具变化性和活力的音乐效果。

这一点使得整首曲子的节奏感非常明显，内部结构非常紧凑。

总之，舒伯特的降E大调即兴曲是一首非常优秀的钢琴作品，它富有戏剧性、感性和技巧性，具有极高的艺术价值。

无论是对于爱好音乐的听众，还是对于钢琴演奏家来说，都是一首不可多得的佳作。

幻行2019年第10期《■!▲創外》巴赫《前奏曲与赋格》巴扬改编版分析◎徐国奇摘要：《a小调管风琴前奏曲与赋格》是巴赫于18世纪初期创作的一部宏大的管风琴 作品，1980年由维塔利•蒙特亚努改编成自由低音巴扬手风琴作品。

作品以多调性创作为 基础，突出和声色彩，层次鲜明，结构严谨。

本文将以“速度力度”和“风箱控制”两方面 为切入点，探究并阐述作品在自由低音巴扬演奏技术方面所呈现出的显著风格特征，从而实 现作品在演奏层面二度创作的美学价值与意义，达到乐器、作品、演奏技巧以及审美的更深 层次统一。

关键词：《a小调管风琴前奏曲与赋格》；自由低音巴扬；速度力度；风箱控制约翰•塞巴斯蒂安•巴赫是巴洛克时期德国最具影响力的作曲家，他的诸多成就在音 乐史上是一座高峰。

在巴赫丰硕的作品中，其管风琴作品更是世界音乐宝库中的瑰宝。

我 们知道，管风琴属于气鸣式键盘乐器，是流传于欧洲的大型键盘乐器，距今已有2200余年 的历史。

它是风琴的一种，不同的是一般的脚踏风琴是通过脚踏鼓风装置吹动簧片使其振 动来发音，而管风琴是靠铜制或木制音管来发音。

因此，管风琴音量宏大，气势雄伟，音 色庄严肃重，并有多样化对比，能模仿管弦乐器效果，能演奏丰富的和声。

自由低音巴扬 也是风琴的一种，是通过风箱的拉推运动产生气流振动簧片而发声的活簧乐器，其不同的 发声原理和声音的灵敏度决定了其演奏方式的区别。

因此用自由低音巴扬演奏管风琴作品 时，既要表现出管风琴的波澜壮阔，也要体现出手风琴的个性特征。

《a小调管风琴前奏曲与赋格》是巴赫早期的作品，也是巴赫为管风琴创作的作品中影 响比较突出的一首。

自1980年由俄罗斯格涅辛音乐学院手风琴教授维塔利•蒙特亚努改编 为自由低音巴扬作品后，在演奏技巧和风格上均发生微妙的变化。

自由低音巴扬使手风琴左 手的音域从传统的一个八度以内扩展至四个八度以上，彻底具备了演奏多声部复调音乐的功2019年第10期作》能。

自由低音巴扬演奏此作品，既有适宜性又存在局限性。

浅析弗朗茨·约瑟夫·海顿降E大调奏鸣曲本文介绍了奥地利作曲家、维也纳古典乐派的奠基人弗朗茨·约瑟夫·海顿的生平及音乐作品，对其降E大调奏鸣曲作了分析和总结。

指出这首钢琴奏鸣曲是海顿最具庞大的钢琴作品，并常被人称为海顿最伟大的钢琴奏鸣曲。

这首奏鸣曲三个乐章都是古典主义风格，有一种非常振奋的活力，每一乐章的主题都具有不同寻常的密度，以他丰满的轻松和温暖给人以乐趣。

标签：弗朗茨·约瑟夫·海顿；奏鸣曲；创作意义；特点弗朗茨·约瑟夫·海顿（J.Joseph Haydn（1732～1809），是奥地利作曲家，维也纳古典乐派的奠基人，海顿是世界音乐史上影响巨大的重要作曲家。

他是维也纳古典乐派的第一位代表人物，一位颇具创造精神的作曲家。

一、生平及音乐创作简介海顿生于奥地利，6岁起接受音乐启蒙教育。

8岁成为教堂唱诗班歌童，并学习文化、音乐知识。

1758-1766年任伯爵宫廷乐长。

此时创作了大量的音乐作品。

1791、1794两次赴英国，指挥管弦乐队并创作乐曲。

在伦敦获牛津大学名誉音乐博士。

海顿是维也纳古典乐派的代表人物之一。

他的作品广博浩瀚，遍及声乐、器乐的各个领域。

早期作品处于从巴洛克向古典风格的转换，此后大量的音乐实践，逐步形成了近代交响曲和四重奏曲的曲式、以弦乐四声部为基础的双管制管弦乐队体制。

18世纪90年代后，他的创作达到了炉火纯青的境地。

音乐结构严谨、节奏富于活力，具有典型的古典乐派的风格特征。

二、降E大调奏鸣曲赏析降E大调奏鸣曲，完成年代1794年，HOB XVI52；L62，第一乐章奏鸣曲式，第二乐章三段式，第三乐章奏鸣曲式。

这首钢琴奏鸣曲是海顿最具庞大的钢琴作品，并常被人称为海顿最伟大的钢琴奏鸣曲。

因为在这首钢琴奏鸣曲中，海顿巧妙地显示了许多钢琴作曲技巧和钢琴响度问题，显示了对位手法在海顿钢琴奏鸣曲中的重要意义，此曲十分细致地对调性关系进行处理，调性丰富，结构紧密，色彩丰润，和声及节奏具有活力，音乐逻辑严密，具有表现力，作品是献给GENZINGER夫人的，是一首向她表示爱情的音乐。

单位代码:10458学号：*******硕士学位论文论文题目：艾米·比奇《前奏曲与赋格》的音乐探究与分析作者姓名：刘明珠学科：音乐与舞蹈学培养类别：全日制学术型研究方向：键盘乐器演奏指导教师姓名：孙志鸿副教授解彤副教授2017年6月1日目录中文摘要----------------------------------------------------------------------------------------1 Abstract----------------------------------------------------------------------------------------2绪论----------------------------------------------------------------------------------------------3第一章艾米·比奇的生平和创作--------------------------------------------------------5第一节创作初期与钢琴演奏职业生涯--------------------------------------------5第二节创作中期—维多利亚时代背景下的女性作曲家----------------------6第三节创作晚期—独立创作时期--------------------------------------------------7第二章《前奏曲与赋格》的音乐本体分析--------------------------------------------9第一节作品背景-----------------------------------------------------------------------9第二节作曲技术分析-----------------------------------------------------------------9第三章《前奏曲与赋格》演奏分析---------------------------------------------------20第一节速度、节拍与节奏---------------------------------------------------------20第二节触键与音色-------------------------------------------------------------------23结语--------------------------------------------------------------------------------------------26附录--------------------------------------------------------------------------------------------27参考文献--------------------------------------------------------------------------------------28致谢--------------------------------------------------------------------------------------------30攻读学位期间发表的学术论文-----------------------------------------------------------31中文摘要艾米·比奇是十九世纪末至二十世纪初美国乐坛具有代表性的作曲家，她的社会地位和艺术创作具有很强的影响力。

舒伯特降E大调即兴曲演奏分析舒伯特的降E大调即兴曲是他创作的一首即兴作品，是他创作的众多即兴作品中最著名的一首。

这首即兴曲是在1810年创作的，也是舒伯特最后完成的一部作品之一。

这首即兴曲的创作背景是舒伯特在维也纳的一场贵族音乐会上即兴演奏。

这场音乐会是为了庆祝根特大公主的婚礼而举办的，当晚有许多贵族和艺术家参加。

这首即兴曲的演奏分为五个不同的部分，每个部分的氛围和情感都不同。

首先是A段，它开始时是轻松而优美的旋律，给人一种温暖和舒服的感觉。

随着曲子的发展，旋律变得更加激情和充满活力，展现了舒伯特的即兴创作的才华。

接下来是B段，这一部分的情感是悲伤和忧郁的。

这个部分的旋律线条非常悲伤，给人一种忧伤和沉重的感觉。

C段是整首曲子中最具挑战性和技术性的部分，它的速度很快，演奏者需要具备高超的技巧才能演奏得准确而流畅。

这一部分的情感是充满活力和激情的，给人一种振奋人心的感觉。

D段是整首曲子中最宁静和平和的部分，它的旋律非常柔和和优美，给人一种宁静和平静的感觉。

最后是E段，这一部分是整首曲子的高潮部分，它的速度很快，旋律线条非常充满活力和激情。

整首曲子以全段的高音终止，给人一种强烈的冲击力和令人难忘的印象。

在演奏这首即兴曲时，演奏家需要具备一定的技巧和灵活性。

首先是要能够准确地表达曲子中不同部分的情感和气氛。

每个部分都有不同的情感，演奏家需要通过音乐表达出来，给听众带来不同的情感体验。

其次是要能够掌握整个曲子的结构和发展。

虽然这是一首即兴作品，但是它也有一定的结构和发展。

演奏家需要能够理解和诠释这个结构，以便在演奏时能够使曲子的结构变得清晰和有序。

演奏家还需要具备高超的技巧，特别是在C段和E段的部分。

这些部分速度很快，旋律复杂，要求演奏家具备高水平的指法技巧和手腕灵活性。

演奏家还要能够通过技巧的运用去表达出曲子中的激情和活力。

舒伯特降E大调即兴曲是他创作的一首充满情感和激情的作品。

演奏这首曲子需要演奏家具备一定的技巧和灵活性，能够准确地表达出曲子中不同部分的情感和气氛，同时也要具备高超的技巧，以便能够演奏出曲子中复杂和快速的旋律。

试析谢德林《二十四首前奏曲与赋格曲》之赋格曲二[摘要] 本文介绍了谢德林的生平、音乐创作阶段,并用简明的图示与谱例展现《二十四首前奏曲于赋格曲》中第二首赋格曲的曲式结构,从而较为详尽地阐述了谢德林的作曲思路,为理解作曲家所要表现的内容、情感和音乐形象提供了有力依据。

[关键词] 谢德林赋格曲音乐分析作曲家罗季翁•谢德林(Rodion Shchedrin)于1932年12月出生于莫斯科,是俄罗斯冷门作曲家之一,同时也是钢琴演奏家、音乐活动家。

1945年就读于莫斯科合唱学校,毕业于莫斯科音乐学院,攻读完硕士研究生后毕业留校。

1962年担任作曲协会会长,1973年根据苏联作曲家协会的创始人作曲家肖斯塔科维奇的意愿,谢德林接替肖斯塔科维奇担任会长长达10年的时间。

从1989年起,成为柏林艺术学院的院士,1992年获得当时俄罗斯总统叶利钦颁发的国家奖章。

谢德林对巴赫和巴赫以前的传统复调,以及俄罗斯的传统复调都具有浓厚的兴趣,因此受到巴赫《十二平均律》的启示,在1963～1970年创作出可与同期前辈大师肖斯塔科维奇的作品媲美的《二十四首前奏曲与赋格曲》,并以此作品献给他父亲。

一、创作的三个阶段谢德林早期作品是用地道的苏联风格写成的,从1960年代开始融入各种不同的音乐风格。

他的创作既不超前也不像肖斯塔科维奇那种旋律剑拔弩张、情绪强烈的风格,而是将俄罗斯的民族风格与现代创作技法相结合反映了他对传统复调音乐多方面的继承和创新。

纵观他的整个创作过程,大约可以分出三个不同的阶段:第一个阶段(20世纪50年代末之前):有《第一钢琴协奏曲》,合唱、室内乐等形式的作品。

第二个阶段(20世纪50年代末至70年代初):他创作了相当数量的、各类体裁形式的作品,其中包含两部交响曲,两部钢琴协奏曲,几部歌剧、芭蕾舞剧音乐、诗朗诵剧及清唱剧等杰作。

第三个阶段(20世纪70年代中期至今):除了继续创作歌剧、舞剧音乐之外,还在纯器乐体裁方面进行了新的探索。

浅论《24首前奏曲与赋格》肖斯塔科维奇的钢琴音乐最典型的特征就是干净简洁，像山水画似的清新灵动。

在肖斯塔科维奇的钢琴音乐里，织体都是简单清晰地，完全看不到华丽的技巧和刻意的设计。

他的奏鸣曲、协奏曲、前奏曲与赋格等等一系列的钢琴作品里，很少会出现高叠和弦，广泛运用的是一个声部在音区的另一极完全平行，中间是空的，这称之为“肖斯塔科维奇八度”。

另外，在肖斯塔科维奇的钢琴音乐平，为了追求干净的音响，清晰的复调织体，很少使用到踏板，伴奏织体也是简单干净的。

肖斯塔科维奇擅一长于将各种风格的索材进行融会贯通，以占典作为依托，融入现代的音乐元索，以民族作为背景，渗入世界的音乐观念，这就是肖斯塔科维奇的音乐之道。

本文分析的作品《24首前奏曲与赋格》是肖斯塔科维奇钢琴作品中一支奇葩，也是20世纪乃至整个音乐史上最重要的钢琴文献之一。

对于这部作品，作者这样说过：“最初，我打算作为技术练习写一些复调作品，但是后来，我又扩大了这个计划，我要按照巴赫《平均律钢琴曲集》的样式写一组具有明确形象和艺术内容的复调作品。

”这部作品在结构上参照了巴赫的《平均律钢琴前奏曲与赋格曲集》，在每一个调性上创作一首前奏曲一首赋格曲，两者自成一套，很好的体现肖斯塔科维奇的音乐精髓。

《24首前奏曲与赋格》作为肖斯塔科维奇复调音乐创作的最高成就之一，在创作上不但继承了传统前奏曲与赋格的套曲模式，又融入了20世纪别具一格的作曲技法，井深植俄罗斯的民族文化沃土，音乐语言取材于民间，风格独特。

乐曲在旋律的发展，调式调性的安排，和声与对对位的设计上别具匠心。

一、主题旋律的特征肖斯塔科维奇是一位集民族音乐和现代作曲技法为一身的音乐家。

他的《24首前奏曲与赋格》中主题旋律人都融入了俄罗斯的民间音乐元素，既有俄罗斯古老的民歌，又有同时期作曲家创作的民族曲调。

是一部被誉为“风格成熟的俄罗斯音乐百科全书”的作品。

肖斯塔科维奇结合传统的前奏曲与赋格形式，赋予.音乐旋律丰富鲜明的个性的同时，也将作曲家的内心感受一同抒发，这才是最真实的音乐。