美术作品的创作是一种复杂的精神活动和生产制作活动，是现实生活在画家头脑里的反映的产物。艺术美是真善美的高度统一，它是一切艺术创作必须设定的自觉的目的。每个艺术家都应该在其作品中显现出他对于美的独特感受和理解。现实美和现实丑都是美术创作的源泉。通常被看作内容的东西，只是艺术借以表现自身的真正形式，而通常认为只是形式的东西，恰恰构成了一件艺术品的真正内容。美术作品是通过形象和技法手段传达作者感情思想以及审美理想的载体。
关键词：艺术创作艺术美现实美现实丑内容形式
美术作品的创作，是一种复杂的精神活动和生产制作活动。它包括两个相互衣存、互为表里的方面：一是对社会生活的观察、体验和审美认识；二是运用物质媒介材料和技艺手段将这种审美认识表现出来，使其物化。这样，一幅油画作品在成为艺术品之前，则要经历两个大的阶段，前者是创作的构思活动阶段，后者是美术创作的传达活动阶段。这种创作活动是一种追求艺术美的过程。
那么，怎样的作品才是真正的艺术作品呢？或者说什么样的作品才具有艺术价值？
苏珊-朗格说：“艺术是人类情感的符号形式的创造，一切艺术都是创造出来的表现人类情感的知觉形式，这种创造出来的形式是供我们的感官去知觉或供我们想象的，而它所表现的东西就是人类情感。”
在希腊语中，艺术一词兼有两种涵义：一是指美的作品；二是指创造、技巧、技艺。艺术品就是具有审美价值的人工技术制品。由此，我们又可得出一点启示，当我们称赞一部艺术品优美时，往往是蕴涵着两层意义：一是指这件作品的表现形态非常优美，二是指这件作品的制作技艺非常优美。这两种不同的评价，前者对物、对作品。后者对人、对艺术家。
一件真正的艺术作品，必须满足两个基本条件：一是它必须是人类劳动和智慧的创造物，二是它必须能给人以精神上的愉快感受，即具有审美价值。
这两点，可以说是艺术品与伪艺术品相区别的根本特征。首先我们应当排除一种错觉。有人认为，凡是优美的事物，就都属于艺术。这种看法没有区分优美中的自然美与艺术美。而自然美尽管可以是艺术的对象，却绝不是真正的艺术本身。
油画创作表现的是自然美，是对现实美的再创造。但艺术美不等于自然美，它高于自然美。油画作品反映的是现实美，现实中美的事物或事物的美，是油画创作的有力根据或根源。
比如，这样一幅生活情景：在暮色苍茫的天空下，有一对衣着朴素，身体健康的农民夫妇，在田野斜斜相对而言地站着，都低了头，把手放在胸前，身边倒着一辆手推车和一个盛满马铃薯的篮子。他们在辛勤劳动了一天正要回家的时候，远处传来了教堂的钟声，于是他们脸上现出虔诚肃穆的神色，双双心情平和地做起了晚祷。这不是法国19世纪农村典型的生活景象吗？在这幅生活景象中，我们看到的不正是劳动人民那种纯朴善良的性格美和人与人之间和谐诚挚的关系美吗？是的。但是，这种现实生活中的景色和美，是法国农民画家米勒在他的名作《晚钟》里为我们描绘出来的。
现实的生活是丰富多彩的，美术正是以这种在一定历史条件下多彩的现实生活为源泉而创造的。现实中无论人、自然事物或社会事物，只要与人类的社会生活相关，都可以成为美术创作的源泉。假若没有丰富多彩的现实生活，也就不会有所谓的美术。当然，现实中有些不美或丑的事物，也可以成为美术创作的根据，反映到美术中来，经画家审美意识的加工改造而成为美术作品的艺术美。
实际上，人们对艺术与美有许多误解。人们总是以为艺术就是美的；凡是不美的就不是艺术，丑是对艺术的否定。事实上，艺术并不一定都是美的。即是说美术既能根据美的现实而创造现实美，也能根据丑的现实反映现实丑，并且通过审美创造使现实丑转化为艺术美。
为什么美的艺术可以表现丑恶？对于艺术家来说，问题并不在于表现对象的丑恶，而在于必须对丑恶作出卓越的表现。例如，在罗丹的雕刻名作《美丽的欧米哀尔》（又名《老妓》）中，现实的丑神奇地转化成了艺术的美。罗丹自己解释说：“平实的人总以凡是在现实中认为丑的，就不是艺术的材料——他们想禁止我们表现自然中使他们感到不愉快的和触犯他们的东西。这是他们的错误。在自然中一般人所谓“丑”，在艺术中能变成非常美、、、、、、委拉斯贵支画菲力浦四世的侏儒赛巴斯提恩时，他给他如此感人的眼光，使我们看了，立刻明白这个残废者内心的苦难——为了生存，不得不出卖他作为一个人的尊严，而变成一个玩物，一个活傀儡、、、、、、这个畸形的人，内心的苦越是强烈，艺术家的作品就越显得美，米勒表现一个可怜的农夫，一个被疲劳所摧残的、被太阳所炙晒的穷人，像一头遍体鳞伤的牲口似的呆钝，扶在锹柄上喘息时，只要在这受奴役者的脸上，刻画出他任凭“命运”的安排，便能使这个噩梦中的人物，变成全人类最好的象征。在作品中，现实丑的本质范畴转化了，其现实性削弱了，艺术性加强了。作品中的形象已经不是原来的现实中的丑的事物或人物，已经渗透了创作主体的认识、情感和评价等主观精神因素，从而成为一个典型形象。它从反面揭示出社会生活的本质真理，是形象的真理，亦即艺术的美。对丑的深刻剖析和否定，就是对美的肯定。罗丹的《老妓》是这样，委拉斯贵支的《赛巴斯提恩—莫拉》和米勒的《扶锄人》，朱耷的“白眼向人”的《荷花水鸟图》等都是这样。在国内外美术史上，有许多这样把现实丑转化为艺术美的成功之作。
事实上，丑恶只是题材的丑恶，它只构成艺术作品的表现形式；而优美却来自艺术家的智慧和表现力的超绝，它形成了艺术作品的深层结构。由此可见，美的价值具有超越性。在自然美中，它超越自然，而达到仿佛拟人化的理性结构。而在人类的艺术中，它又超越了人类，仿佛回到了本
色的自然，返噗归真。
在油画作品中，通常被看作内容的东西，其实只是艺术借以表现自身的真正形式。而通常认为只是形式的东西，即艺术家对美的表现能力和技巧，恰恰构成了一件艺术作品的真正内容。人们对一件作品的估价，正是根据这种内容来确定的。
拉斐尔的《圣母》像就是这样。在一个早以被表现过千百遍的旧题材中，他以自己的精湛造诣为之赋予了崭新的艺术内容。从而使这个已死的形式获得了新的灵魂和生命。他的这种艺术表现是如此深刻，正如黑格尔赞叹：“我们确实可以说，凡是妇女都可以有这样的情感，但却绝不是每一个妇女的面貌都可以完全表现出这样深刻的灵魂。”
一个事物，只有当它以其现象的真实充分地体现出其本质的真理，以其具体的形式充分地表现出其内容的必然性，以其形象的个别性充分地显现出其种类的普遍性，而且这现象，这形式，这形象又必须是非常的突出，鲜明生动，那它才是美的。这就是美的规律。
凡是美术作品都离不开形象，离不开生动的视觉形式；凡是优秀的美术作品都离不开创造高度真实、高度概括的视觉形象，离不开创造艺术典型；而创造了艺术典型的美术作品，都必定以其鲜明生动的视觉形式充分的表现出社会生活的真理，同时又都突出地体现出创作主体真挚的思想情感和个性的善。而这感情和善，作为审美价值，却体现了艺术在文化中内在的价值品格和价值理想。这就是艺术的美。
在这个意义上，美术作品的艺术美，是真、善、美三位一体，高度统一的，在艺术审美经验中得到了融合。
在油画创作中，艺术美是必然的。因为美，是一切艺术创作必须设定的自觉目的。每个艺术家，都应该在作品中显现他对于美的独特感受和理解。
艺术理想的本质在于这样使外在的事物还原到具有心灵性的事物，因而使外在的现象符合心灵，成为心灵的表现。（黑格尔）
而在现代社会，有些想借艺术平步青云的人，总是在思考着画什么，什么样的画才可以出名的问题。这种画缺少对艺术的真诚，缺乏那种能打动人的真实情感。这种人实际是在究研成功之路，而非研究艺术本身。画油画重要的不在于你画什么样的内容，内容只是作为一种载体来表达你对生活的种种感悟，对生活的态度。社会在不断发展，我们的认识也在不断变化。绘画就是在记录这种变化，就像写日记一样，记录着对生活的理解，自己的感受，画自己感兴趣的，最激动人心的。其实可画的内容很多，关键在于能真实的反映生活，反映自己的真情实感。
画画，最痛苦的莫过于心中有了灵感的火花，却无法把这种感动表现出来。黑格尔有名话很形象：“艺术家常遇到这种情形，他感到苦闷，但是由于把苦闷表现为形象，他的情绪的强度就缓和了，减弱了。甚至在眼泪里也藏着一种安慰。”绘画有时是一种情感的宣泄。
绘画是一种视觉艺术，是现实生活在画家头脑里的反映的产物。这种反映不是机械被动地照搬生活，而是一种高于生活的再创造。绘画创作是具有强烈个性和情感色彩的精神劳动，是生活与心灵碰撞之后激发出来的情感流露，，绘画作品是通过形象和技法手段传达作者感情思想以及审美理想的载体。
吴冠中说过：艺术家是最憧憬美的一群人。艺术家的天职就是要将自己血液中携带的，对人类的命运，前途那一缕淡淡的哀愁表现出来，感染他人引发思考。
而我描绘生活在城市边缘人的印象，通过自己的视角观察体验时代的发展变化，用形象揭示人性中最善良，最质朴，最美好的一面。我深刻地感到他们有一种贴近我的心灵，伴随着我的呼吸的
东西。具体说不清是什么，也许是一种感动吧！但他永远吸引着我，打动着我内心深处。
参考文献：
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[7]《李玉昌言谈录》《中国油画》1997年第3期
[8]《情感的寄托》《中国油画》2003年第1期
油画课程的心得体会 得知这学期要上油画课以后，心情不免有些紧张。因为它对于我来说是那么的陌生。在此之前从未接触过油画。我曾欣赏过无数中外优秀的油画作品， 陶醉于画家笔下那灵动的线条，丰富的情感和栩栩如生的色彩，但通过这次自身的油画课实践，终于明白了任何优秀的作品都源于画家对生活的热爱和追求，对艺术领域的积极投入。任何优秀的作品并非一朝一夕的历炼，它源于画家毕生心血的投入。所以说，任何成功并非偶然。 通过这次的两次模特写生和一次临摹，让我从不会画油画，到会画一点油画，比想象中要简单一点。在此之前一直都没有接触过油画，认为油画很难画，不知道从哪里下手。但画了一幅再到第二幅的时候，慢慢的就得心应手了，就觉得油画充满了情趣。它体现了我们做事的态度。在绘画的过程中，不仅要仔细观察人物的外部特征，同时要准确地捕捉人物的内心世界，把握人物的喜怒哀乐，并通过造型和色彩将其生动地表现出来。 通过前两张人物写生，我认为色彩的运用很重要，一幅好的作品，给人的第一感觉应该内容丰富，感情细腻，色彩充满魅力，一开始我对于色彩的运用很生疏，尤其是人物的脸部色彩把握不好，导致调出的颜色不协调，整个人物看起来是僵硬呆板的，后来，在老师改画的过程中学到了一些技巧。初学者的我们，太拘拟于造型，所以在绘画过程中忽略了整体的把握，导致画出来的作品缺乏生动性，但老师的绘画手法潇洒而富有活力，很注重整体效果的把握，做到形中有神，神中有形，神形兼具是画人物画的关键。 画最后一幅画的时候，绘画有了感觉，因为是临摹，所以激起了我很大的兴趣，首先从选材上再到上色的时候也是比前面的画更游刃有余。通过临摹，我学到了优秀作品中色彩的运用，画中的色彩统一而不单调，人物生动而富有内心独白。经过一番练习，惊奇的发现画油画蛮有趣的。看着自己认真画出来的作品，心中充满了对艺术的热爱。 通过这次油画课，我学到了很多画油画的技巧，同时认为做任何事的时候，态度很重要，绘画需要我们观察周围的事物，热爱我们的生活，同时把自己丰富的情感融入艺术。绘画更需要我们静下心来，运用自己的绘画技巧充分的把自己的内心世界充分的表达出来。 学习油画要从最基本的着手，也就是基础。首先是素描，画素描绝不单纯是打轮廓，素 描不仅由线条所组成，它还是具有表现力，有内在的形，有画的全局，是艺术的
除极少数国家和地区以外，人物画几乎是全人类各民族进行艺术表现的第一主题。可以说一部西方艺术史就是在研究如何表现人这一主题的过程中发展起来的。 油画由于其所具有的那种丰富的表现能力，它在记录人的音容笑貌、人类的社会活动和揭示人的精神世界的各个方面都具有得天独厚的功能。 用油画这一艺术形式去表现“人”这一永恒的主题离不开人物写生。人物写生主要包括头像写生、半身着衣人像写生（含全身着衣人像）和人体写生三个大的部分。由于“人”本身所具有的那种造型的复杂性和人们对于“人”自身的熟悉程度，往往会对人物画的方方面面较之静物、风景提出更高的要求（特别是在造型的准确性上提出更高的要求）。如何在较短的时间内通过有效学习使我们可以较快地基本掌握人物画的表现方法，这对于教与学的双方都是一个甚为复杂的课题。 1. 头像写生 人的头部是人们认识某人和与他人相区别的基本特征所在，是记录其社会属性和传达内心情感的最为重要的关键部位。由于其在生理结构本身所具有的复杂性和通过其可以传达出的精神世界的丰富性，
都使我们在对之进行写生时必须先经过静物、风景的学习并拥有相应的油画写生的知识和能力，方可得以顺利地进行。同时因为头像写生本身所具备的那种造型上的难度，因此它又对有关人物画的其他各方面的练习具有一定的启动作用。当我们具备了一定的关于人物头像写生的知识并在实践中可以游刃有余的时候，这就意味着我们已为后一步的学习铺平了道路。 我们可以从如下几个方面来组织和进行一幅人物头像的练习。 (1)挑选模特 进行油画人物写生练习时应尽量去挑选那些个性特征比较突出的模特儿。世人心目中那种长相乖巧漂亮的面孔往往并不一定适合作为绘画表现的对象。这既是因为一个个性特征突出的人物形象，其本身所具备的那种生动的表现性有助于锻炼我们大胆的处理和概括对象的能力，而那种乖巧的形象由于其五官各部的过分精致，反而会妨碍我们抓大体，特别是初学者在作画时谨小慎微，从一开始就易于陷入被动的亦步亦趋的描摹之中。这也是一个美学上的问题，要将那种艺术的美和生活中的“漂亮”区分开来，从学画之始就应该树立起这种观念。 （2l设置对象
这里提出的问题是进行艺术欣赏考试时所用的全部问题，口试、笔试都从这里出题。 I、专题名画家类 1、达利 简述画家达利、达利的艺术特点、有哪些名作（不少于4幅）？ 达利的一生绘画之路分为那几个阶段？每个阶段的名称是什么？ 达利在艺术上的表现技法是什么？他在进行创作思考时，运用怎样的理论来进行分析？ 2、雷诺阿 简述画家雷诺阿、雷诺阿的艺术特点、有哪些名作（不少于4幅）？ 雷诺阿的一生绘画之路分为那几个阶段？每个阶段的名称是什么？ 雷诺阿在艺术上的表现技法是什么？他在处理光影时有什么特点？ 3、莫奈 简述画家莫奈、莫奈的艺术特点、有哪些名作（不少于4幅）？ 莫奈主要的表现内容（系列）有什么？ 莫奈在艺术上的表现技法是什么？在画面上着重体现什么？ 4、梵高 简述画家梵高、梵高的艺术特点、有哪些名作（不少于4幅）？ 梵高的一生绘画之路分为那几个阶段？每个阶段的名称是什么？ 梵高在艺术上的表现技法是什么？在创作上他主要借鉴了那种东方艺术绘画？ 5、毕加索 简述画家毕加索、毕加索的艺术特点、有哪些名作（不少于4幅）？ 毕加索的一生绘画之路分为那几个阶段？每个阶段的名称是什么？ 毕加索在艺术上的表现技法是什么？在画面上着重体现什么？ 6、康丁斯基 简述画家康丁斯基、康丁斯基的艺术特点、有哪些名作（不少于4幅）？ 康丁斯基的一生绘画之路分为那几个阶段？分别表现了什么内容？ 康丁斯基在画面上表现了什么内容？以什么形式表现？ II、历史进程类 中世纪 7、中世纪的欧洲艺术主要出现在哪两个国家地域？表现形式是什么？ 什么是镶嵌画？它还有什么名称？它主要反映什么内容？它在哪里最盛行？ 中世纪的欧洲建筑很出众，请说出有几种主流建筑式样？（不少于三种）分别叫什么？它们又有什么特点？ 文艺复兴（14、15、16世纪） 8、文艺复兴是存在于哪几个世纪的艺术运动？它主要主要反映什么方面的内容？ 文艺复兴的中心在哪个国家的哪个城市？在那里有被人称为“文艺复兴三杰”的人是谁？请列举出这三位的三幅（包括雕塑）作品，每人一幅（件）。
油画笔触的欣赏 油画笔触是油画的表现语言。我们在欣赏一幅油画的时候，不太了解油画的人，常常会有许多困惑：为什么有些油画的画面，有的地方颜色堆得很厚？而有的地方却露出画布的底色？真如常人说的：油画是近看一块疤，远看一朵花吗？此话似乎有些道理，至少朴素地说出了油画的笔触和机理效果， 如果，我们从初略的油画历史说起。早期古典的油画作品多是平涂式的，如达芬奇、拉斐尔等著名大师，以及18世纪初的大卫和安格尔，他们都是采用此法。这种方法是用宽大的笔一遍又一遍地从暗部画起，最后加亮部，精雕细琢的直至完整地表达对象为止。我们再从绘画崇尚自然说起。长期以来的画家都是崇拜自然的，以表达自然为荣，或是迎合市场。他们的作品感觉光滑、细致，笔触磨得很光，几乎不易察觉，但这不等于说他们用色较少，他们在光感、质感上的追求仍达极高的水平。应该说，古典派画家在画面底层上做了很多功夫，只是喜欢用“扫”、“磨”甚至“揉”等绘画方法，表现画家自己对自然的理解和表现。如达芬奇的著名油画《蒙拉丽莎》，就是用这种方法完成的。这种绘画的方法细腻，具有照相术的视觉效果；这种方法也能在一定的范围内表达光感，以及素描效果较强。但这种方法较易束缚画家的个性，尤其在照相术发明之后（18世纪中叶），古典的、细腻的写实画风被工业文明所代替。可以说，是工业文明迫使画家在油画风格上趋向个性化，或者说是画家的生存不得不与照相术玩表现技巧。 我们从油画色彩理论上说，厚堆法的出现，是欧洲画家长期研究自然、光学、色彩学的成果。他们在照相术出现以后的绘画实践中，在表达一些质感和光感等方面尚达不到所追求的效果时候，逐渐加强了色彩层，厚厚地堆上颜色，使欣赏者看画的时候，常常要退后稍远一些看，神奇的效果才出现。诸如形象、立体感、光感才被表现出来。如最初出现“堆”颜色的画法是伦勃朗，他在《戴金盔的人》画面上，金盔就是经过了多次的厚厚重叠，使之成为“浮雕”似的造型方法得到表现金盔的质感，从而准确地表达了花纹的凹凸起伏，加强了金盔的金属质感，并和人面部的距离拉开。在这幅画里，光感、质感、空间感都得到了完美的表现。当然，伦勃朗的时代照相术还没有发明，而他的“堆”颜色的画法只是追求当然，初学油画的同学，由于在这种表现方法上的经验不足，初期的笔触总是显得拘泥杂乱，细节也多。而成熟的画家由于在个性方面大多趋向豪放，细节也相对减少了许多。如列宾、透纳的画，我们常常是只见到飞舞奔放的笔触，但也准确地表达了形与色，这与画家对技法的熟练，以及个人的感情也在他们的笔触中显露。这也印证了中国人所说的“字如其
现当代中国艺术之我见 姓名：蒋丽洁 学院：美术学院 班级：12-5班 学号20122503141021 指导老师：王凡 日期：2014年6月
作为一名学习油画专业的大二学生，在本学期学习了《艺术概论》这门课程，并参观了几次画展后，我想谈谈我对现当代中国艺术的理解与看法。 艺术是人类最具特色的一种创造，也是人类文化史上最为动人的部分。对艺术的思考、探究，始终追随着人类的艺术创造与艺术实践，不同时代、不同社会、不同民族对艺术有着形式不同、角度各异的思想与讨论。 纵观中国艺术发展史，无论是自然类的题材还是人物类的题材，由始至终都强调着“大象无形”“意境”“灵肉合一”这样的主题，而反映出的正是中国式独有的世界观，抽象的“天人合一”，原始社会开始，人类始终都在认识和探索外在大自然和人自身这个自然体的奥秘，“天”这个词从我们理解的角度并非物理意义上的天空，而是与“人”相对立而又共生的“自然”的结合体，它反映着是人们对未知或者是不可抗力的敬畏，由此诞生的哲学系统。自封建社会开始，人类创造了宗教，老子，周庄等学说，更是贯穿着中国两千多年的艺术、文学发展。 我觉得中国艺术和西方艺术二者本质的区别。中国艺术要出世，西方艺术要入世。（对于中国人学习艺术而言）为什么这么要说呢？中国画又称国画，它是古人艺术的精华，中国山水画要早于西方绘画1000多年，可以说古人对于绘画技法已经是炉火纯青了，我们现在要做的是什么？学习完古人的技法后，就要去
创造发展这门艺术了，让它走出世界，如果现在还是一味的守古守旧，那么中国艺术必将走向死亡，传世精品就在我们身边，也就是说中国画精华，我们随处可学，很多学画的人，老师一定给你说过一句话，你要走的进去，还要出的出来。现在我们就是要走出来，走出去。而学习油画的人呢？我建议你们要去入世，真正的去学习一下西方绘画的思想，了解他们的精华，我所见过的一些油画画家，动不动来一个所谓的现代油画，在我看来也不就是一些投机取巧，骗骗外行人的“作品”罢了。 毕加索这两位被人称为“东张西毕”的艺术大师，就算是小孩子也能说得出来吧，当两位大师的见面，张大千看过毕加索的作品后，才发现毕加索所谓的抽象艺术，并不是胡乱涂抹，而是有着很深厚的绘画基础的前提下，所表达的个人语言。毕加索则说，真正的艺术在于中国，其次是越日，日本的艺术也是借鉴与中国，所以说中国艺术与西方艺术有着本质的区别。 新中国以来，美术教育有三次飞跃式发展：第一次是20世纪50年代。解放前，20世纪前半叶初具规模的、尚属草创性质的美术教育进入新中国，随着国家整个教育系统的正规化，美术教育也获得了正规化和普遍提高的第一次飞跃；第二次是改革开放的80年代初，随着整个教育生产力的巨大释放，美术教育也迎来了一次飞跃式发展，这是和文艺界改革开放后迎来“文艺的春天”这样一种创作的繁荣模式相适应，也可以说形成了支持；第三次是从90年代初开始，
创造中国式的现代油画山水 ——关于油画风景写生的几点心得 崔建军骆耕野先生约我写篇关于油画风景写生心得的文章，作为林泉画展“东西方视角交集中物我相生的写生风景”学术研讨会的发言。我非常喜欢林泉的油画，无论他的荷花为题材的油画还是以风景为题材的油画都有令人赞不绝口的精品佳作。但我自知才学疏浅，没有信心将林泉的油画做一番专业性的评论，只能就自己的风景写生心得，以中西融创的艺术史段为背景，写一点关于现代油画山水艺术的设想。抛砖引玉，与同道中人一同研究当下的风景写生课题实属乐事。 当以一种学术的目光在中西方的绘画资源中来回穿梭之时，我们发现二者有着太多的可以融合构架的可能。 中国山水的构图方式所表现的大宇宙之感，较之焦点透视的西画风景，在精神纬度上已经不可同日而语（中国山水画的图式成为中国艺术“天人合一”精神情怀的直接反应）。但是西方的现代派（特别是立体主义）的构图方法，在打破不同时空进行构结的方式上，已经以另一种相类似的方式，自由地让更多的内容在画面上相逢，为以油画语言表达中国式的山水艺术提供了参照，奠定了基础。本人以为中国画传统图式如何在油画语言的探索、改造中焕发出生机，是21世纪东方表现主义有待研究的学术命题。如果用一句话来描述现代艺术的研究成果，“平面上将画面空间与自然空间假以区别，进而转化为精神空间”，是最直白明了的描述了。艺术家由此可以不做视觉自然的奴隶，而是以自然为媒介将自己对于自然、生命、社会的理解放到画面中去。绘画从先前的表达我与自然的关系，转向了表达我与画面的关系。表现某种地域性的风光再现成为摄影的专利，已经成为不争的事实。即使绘画可以涉及到这一领域，也往往是以一种消解绘画语言的方式表达某种观念的时候才有意义。西方现代绘画在艺术形式上，的确可以和中国传统绘画作比较、嫁接。将西方现代绘画对于画面空间的形式研究，“处理主题与背景的关系”研究，纳入到中国艺术家现代油画语言学习的过程中去，纳入到中国高等美术院校美术教学过程中去，必然对于中国的现代艺术体系的建设有实质性的意义（关于中国现代油画史的梳理本文暂不涉猎）。 绘画语言形式问题的解决，意味着对于画面空间的自由的处理。之于风景油画写生而言，一旦具备这样的空间处理能力，中国绘画的图式就可以为我所用。吴冠中先生作过类似的试验，本人并非要对这位令人尊敬的大艺术家做什么评判，只是指出先生的油画风景作品还是以小品居多，先生孤单一人尚未开拓出中国大油画山水的面貌出来，更谈不上油画山水以一种集体强劲的面貌在中国的当代画坛出现。东方表现主义在此领域大有作为之处！ 之于色彩，南齐谢赫“六法”中有“随类赋彩”之说。中国绘画对于色彩以一种“类”的概括方式，将对于色彩的感性认识转化为一种与个人感受有关的精神体验。西方绘画对于条件色的准确表达，使得艺术家对于瞬间的自然变化达到了只可意会不可言传的境域。印象派艺术所含有的色彩之美以及背后的浪漫诗意，已经逐渐为国人所认可。只不过中国的文化传统不会将色彩与物质性紧密联系，而是强调气韵、传神等形而上精神层面的东西。对于视觉光色的感受必须升华到此时此刻心色相融的时候，色彩才会与中国的文化发生某种关系。精神性的参与使得光色转化为精神性的光色。似乎这就是中国式的现象学吧。 之于书写，中国式的书写文化在油画语言实践中如何运用值得研究。油画材料的可以不断修改的特性，在无形中消解了中国水墨的一次性的书写特点。也恰恰就是这种材料特点，才为我们今天的油画创造出更多的探索空间。在反复的修正中渐渐地看到某种涂抹的诗意。换句话说，材料变了，对于中国文化精神的表达方式就会改变。当书写的文化应用到油画实践中时，在新的中国的笔墨文化体系中必然会有着油画语言参与方式的记述。
《美术鉴赏》复习题 单项选择题 1. 以下属于帛画的是（C）A.《松岩阁楼图》 B.《步辇图》 C.《人物御龙图》 D.《消夏图 2. 在中国古代绘画史上_C__提出了“诗话本一律”的概念，使文人画趋向成熟。A.文同 B.唐寅 C.苏轼 D.文征明 3. 西方美术自__B__开始分化形式，此后产生了诸如野兽主义、达达主义等艺术流派。A.文艺复兴时期 B.20世纪 初 C.第一次工业革命 D.第二次工业革命4《千里江山图》是哪位画家的作品（C）。A.张择端 B.李可染 C.王希孟 D.傅抱石 5. 下列哪一件瓷器是北宋时期生产。（ A ）A.白瓷孩儿枕 B.五彩花碟纹攒盘 C.青花瓷远洋连纹盆 D.青釉凤首壶 6. 以下哪位不是文艺复兴“三杰”（B）A.拉斐尔 B.鲁本斯 C.达`芬奇 D.米开朗基罗 7. 米勒属于哪个流派的大师：（ D ）A.浪漫主义 B.印象主义 C.新古典主义 D.现实主义’ 8. 中国现代美术一般指__A____起始的美术。A.1919年“五四”运动 B.1949年中华人民共和国成立 C.文化大革命结束后 D.三大改造后 9. 以下属于现实主义画家的是（D）A.德拉克罗瓦 B.安格尔 C.贝尔尼尼 D.库尔贝10油画《呐喊》出自哪国的哪位画家之手？（ C ）A.中国潘天寿 B.法国塞尚 C.挪威蒙克 D.荷兰梵高 11. 罗丹的作品《吻》取材自：_B_____ A浮士德 B神曲 C 罗密欧与朱丽叶 D包杰利夫人 12.下列哪一幅中国古画对于街市招幌的描绘最细致：_ B_____ A郭熙的《早春图》 B张择端的《清明上河图C夏圭的《长江万里图》 D李昭道的《明皇幸蜀图》 13.中国传统仕女画的“三白法”，通常用白粉涂在脸上的那一个部位？__A____ A额头、鼻梁、下巴 B额头、鼻梁、脸颊C鼻梁、脸颊、下巴 D额头、鼻尖、颧骨 14毕加索的《亚威农少女》常被认为是何种艺术的开山之作C__A浪漫主义 B野兽主义 C立体主义 D超现实主义15 一件艺术品若只是为了纯粹的艺术性视觉体验，而无功能性，称之为：_A_ A纯艺术 B装饰艺术品 C工艺美术 D实用美术 16.《溪山行旅图》是何人所作？__A____ A范宽 B梁楷 C齐白石 D米芾 17. 下列何人可称是巴洛克时期最重要的雕刻家？_B_____A米凯朗基罗 B贝尼尼 C卡诺瓦 D罗丹 8. 写在中国书籍、字画、碑帖前面的文字叫“题”，而后面的文字叫：_C_____ A款 B策 C跋 D序
风格在绘画创作中的运用 摘要：风格指事物所呈现的个性特征，它具有特殊个性和独有专利性，只有独一无二的个性，才能冠以“风格”的称谓。艺术指完全不同的某些其他东西。绘画艺术是艺术的其中一种。风格在绘画艺术中起着至关重要的作用，没有风格，各种表现都千篇一律，艺术便不成其为艺术，但风格在绘画创作中的运用不是随心所欲，须有扎实的绘画功底，还要有精辟的理论支撑。 关键词：风格艺术绘画艺术运用 引言 风格在艺术当中是一个很现实的存在，在个人绘画中起着至关重要的作用，没有风格就不存在艺术。每个人由于诸多内在及外在因素的不同影响，造成在自己的创作实践中，流露出不同的独有风格。一个人在绘画中形成了独特的艺术风格，标志其艺术创造实践活动达到了成熟。在世界与社会文明不断发展的今天，人们的欣赏水平也在不断提高，这就赋予了我们更高的期望和要求。我们只有不断学习，不断实践，形成自己的绘画风格，才能使自己在绘画艺术的不断探索中有所成就。 众所周知，绘画艺术的培养，有助与一个人智力因素与非智力因素的协调发展，促进他的创新精神和丰富他的审美素养，更有利于一个人的个性发展。这里所说的“个性”，不外乎所说的“风格”，一个人的个性在自我绘画的风格中，可以得到很好的体现。然而什么叫风格？什么叫绘画艺术？要知道风格在自我绘画中怎样运用，首先必须弄清这两个涵义。 一、风格与绘画艺术的涵义 风格从本意上讲，指事物所呈现的个性特征，它具有特殊个性和独有专利性的基本特征。也就是说，只有独一无二的个性，才能冠以“风格”的称谓。如在中国绘画中，被称为四君子的梅、竹、兰、菊。人们就用一句“梅花香自苦寒来”的诗句，把梅的“冲寒斗雪，有冰肌玉骨之姿，先众花而报春”的物种个性特征揭示了出来。竹，坚忍不拔；兰，冰清玉洁；菊，傲立风雪。它们都有各自的个性特征。某物一旦有了风格，它便成为人们予以区别它物的标志。风格在艺术中，是指创造者在艺术创造实践中所呈现出来的艺术特色和创作个性，或者说是艺术作品在内容与形式的结合中所表现出来的较为一贯而稳定的创作个性。然而，每个人由于性格、环境等诸多内在及外在因素的不同，造成在艺术创作实践的不断探索中，总会流露出不同的想法，形成不同的独有风格。
浅析油画笔触之美 ——以凡高的《星月夜》为例摘要：在油画艺术领域中，笔触作为形式美的因素之一，是构成美的作品的重要的绘画语言，它以丰富的表现性和情感传达力在艺术家和观者的心灵之间架起一道互相沟通的桥梁，显现着独特的审美价值。本文通过对凡高的《星月夜》这幅作品的分析，使我们更直观地了解到笔触背后所体现的审美内涵。 关键词：油画笔触美情感运动感 “笔墨等于零”是吴冠中先生提出的一个重要命题，他的意思是指：“脱离了具体画面的孤立的笔墨，其价值等于零”1。在这里，我们是否可以这样说“脱离了具体画面的孤立的笔触，其价值等于零”。只有当我们面对具体的作品时，我们才能体会到笔触给我们带来的美感；只有当画家运用不同的笔触运动形式捕捉对象的本质、恰到好处地表现自然与主体的内在节奏时，这样的笔触才具有了某种审美价值。现在我们就《星月夜》这幅作品来浅析绘画作品中的笔触之美。 《星月夜》是凡高最杰出的 代表作之一，凡高以其绚烂的色 彩和奔放的笔触表达着自己狂 热的感情。作品中，凡高疯狂地 使用笔触，激越而狂放，笔触那 强有力的主观表现力无不体现 着他此时此刻的作画状态，流露 着他智慧的灵性和坦诚的态度， 笔触成了他心灵的外化与象征， 是“生命寓于画家的画笔挥动所 留下的痕迹之中”2。作品中的油 画笔触作为一种独特的画面结构，在成就此幅作品美的同时，也成就了笔触自身美感，其本身就可以成为一种独特的欣赏对象，呈现着多方方面的审美特性。 一、笔触的运动美 在观看此作品时，给我们的第一感觉则是画面强烈的运动感。我们分析会发现凡高在作品中大量使用了短促细密的斜线笔触与长而卷曲的笔触。所谓斜线是指“画面中与画框边线不平行的直线”3，这就使人联想到钟摆、倾倒的物体、人的跌倒和前冲等，给人一惊险、运动、速度等感受。蒋跃在《绘画形式语言研究·多维视野下的绘画形式理论研究》一书中就描述到：“画面的形式结构线为斜线时它所起到的
山东艺术学院毕业论文 油画创作的构思到成稿 ——通过创作的感悟 姓名：刘金岭 指导老师：张淳、杨庆义、李晓辉、邢士强 专业名称：油画 学位级别：学士 班级：2009级 论文提交日期：2013年5月31日 论文答辩日期：2013年6月5日 油画创作的构思到成稿 摘要：油画创作是一个非常复杂的过程，一幅完整的油画作品的诞生包括采风、构思、草图设计和油画正稿等环节。生活是艺术的源泉，艺术来源于生活高于生活，所以油画创作需要体验生活的同时更要感悟生活。只要从身边的点滴生活中培养自己敏锐的眼睛和敏锐的情感触觉，就会发现身边的生活中创作的源泉取之不竭用之不尽。在对生活体验中的素材进行剪裁、提炼 的同时还要充分的发挥想象力既要深入充分的体现生活，也要主观能动的进行创新。 关键词：油画创作；体验；构思；借鉴；创造 油画创作，乃美术的一种表现形式，是运用油画材料、工具和技法制作油画的过程。油画创作也是艺术家运用自己独特艺术语言向人们展示自己的内心世界以及对生活中的平凡美的高度总结和概括的手段。随着社会经济日新月异的发展，人们的思想接受到不同国家的文化滋养，不同思想流派的渗透，油画创作的形式也展现出了形形色色的姿态。在生活中各种颠覆传统，打破常规视角来向人们展示美的存在的油画作品应运而生。
但是艺术创作是万变不离其宗的。油画创作有着对形体、空间、色彩、材质的塑造和表现能力，创作过程极其复杂。油画创作形式也是多样的，在内容上有景物、风景、人物；在题材上有表现现实生活的，有反映历史事件的，有描写神话故事的；在创作风格上有古典主义，现实主义、浪漫主义、表现主义等等。 油画创作是一个非常复杂的过程，一幅完整的油画作品的诞生包括采风、构思、草图设计、油画正稿等几个环节。结合着自己的毕业创作过程，简单的谈谈油画创作各个环节中自己的观点和感悟，以及所遇到的问题。 一、采风 也就是常说的体验生活。生活是艺术的源泉，艺术来源于生活高于生活，油画创作需要体验生活的同时更要去用心感悟生活。在采风的选择上要有意识的选择与自己创作灵感和冲动相关联的事物，应注重对生活内容的观察、发现和大量采集生活中美的素材，找出与自己想强烈表现和创作冲动相符相关联的资料。要在平凡的事物中发现美，并找到合适的方法变现出来展示给人们，这个步骤是非常艰难的。不过只要是用心去体会、领悟，现实生活中发现美并不难。 在这里着重要说一下的是，采风并不需要铺张浪费的去游山玩水，只要从我们身边的点滴生活中培养自己敏锐的眼睛和敏锐的情感触觉，就会发现自己身边的生活中创作的源泉取之不竭用之不尽。 四年的大学生活就要结束了，总感觉到心里空空荡荡的。在相当长的一段时间里就构思着想要创作一幅表现校园生活的作品记录下大学里面值得回首的往事。在选题上我在我身边的大学环境中参考了同学聚餐，宿舍里面打扑克，同学集体出游，教室里面绘画的情景，踢足球，打篮球，跑步等等校园内的常见活动，经过自己的筛选，最终我选择了打篮球的画面，因为我认为篮球可以在一个角度上很好的体现出我们大学生的团队精神，可以让读者感受到大学生的激情和动感，可以把大学生的青春活力很好的展示出来。所以采风这个阶段
提起徐悲鸿的作品，人们首先想到的是《奔马图》和《群马》。徐悲鸿生于一个动荡的年代，他的人生经历和他所处的社会环境对他个人，及其作品有着深远影响。徐悲鸿画马，不仅只为一般观赏，而大多是借以抒发郁结难言之悲愤和爱国忧世的心情。例如《奔马图》作于1941年秋季第二次长沙会战期间。此时，抗日战争正处于敌我力量相持阶段，日军想在发动太平洋战争之前彻底打败中国，使国民党政府俯首称臣，故而他们倾尽全力屡次发动长沙会战，企图打通南北交通之咽喉重庆。二次会战中我方一度失利，长沙为日寇所占，正在马来西亚槟榔屿办艺展募捐的徐悲鸿听闻国难当头，心急如焚。他连夜画出《奔马图》以抒发自己的忧急之情。由此可见，徐悲鸿不仅是一名画家，更是一名爱国主义者。曾有外国学生趁醉酒时对中国人大肆侮辱，徐悲鸿愤而蹶起，厉声叱道：“先生，你不是说中国人不行吗？那么，我代表我的祖国，你代表你的国家，我们比一比，等学习结业时，看看到底谁是人才，谁是蠢材！”徐悲鸿为了祖国的尊严，刻苦学习绘画，终于学有所成，徐悲鸿进入巴黎国立高等美术学校后在几次竞赛和考试中获得了第一名。1924年，他的油画在巴黎展出时，轰动了巴黎美术界。这时，那个在大家面前大骂中国人无能的洋学生，也不得不低下他的头，对徐悲鸿和中国人佩服得五体投地。他对徐悲鸿说：“你是个了不起的天才，我认输了！”徐悲鸿却说：“我不是天才，因为我心中装着我的祖国，是她，给我力量和智慧。祖国在我心中是神圣的、伟大的、任何人都不能侮辱我的祖国。” 专业人士论徐悲鸿画马，泼墨写意或兼工带写，塑造了千姿百态，倜傥洒脱的马，或奔腾跳跃，或回首长嘶，或腾空而起，或四蹄生烟，笔墨酣畅，形神具足。用外行的眼光观察，徐悲鸿笔下的每一匹马都处于动态，或而飞奔，或而卯足精神，伺机而发，马鬃和马尾无一不随风卷起，体现了马内心的澎湃。内行人又称，徐悲鸿刚劲矫健、剽悍的骏马，给人以自由和力量的象征，鼓舞人们积极向上。中国人自古以来对马的感情都是难以言表的，马是人才的象征，名族振奋的象征，古有千里马与伯乐之美谈，老马识途的智慧，现代的影视作品也多次体现并赞美
《艺术欣赏》考试试题及答案 一、单项选择题（每小题1分，共15分。将正确答案的字母序号填入横线上方。） 1．画家对色彩有浓厚的兴趣，音乐家对现实中的音响非常敏感，雕塑家对 B.体积和空间非常敏感。 A.用料和工具 B.体积和空间 C.色彩和线条 D.形象和造型 2．中国古老建筑紫禁城午门之前的太庙和社稷坛，显示了 D. 族权和神权对皇权的拱卫。 A.族权对皇权和神权的倚赖 B.神权对皇权和族权的庇 护 C.皇权和族权对神权的拱卫 D.族权和神权对皇权的拱 卫 3．“四君子”等寒窗清供之物是传统文人的常用花鸟画题材，而 A.齐白石的画作已不限于此，他是将生活现实中的普通 物象，特别是将大量农村生活物象收入画幅。 A.齐白石 B.徐悲鸿 C.潘天寿 D.吴昌硕 4．我国著名的瓷都是 D.江西景德镇 A.江苏宜兴 B.广东石湾 C.山东淄博 D.江西景德镇 5．刚柔、急缓、轻重、提按等是指书法艺术中的 B.用笔。 A.用墨 B.用笔 C.结构 D.章法 6．《雀之灵》与《残春》同属于 D.三人舞。 A.独舞 B.双人舞 C.群舞 D.三人舞 7．在诸多艺术种类中，既有形可见，又流动持续，这便是 A.舞与诗、乐的区别。 A.舞与诗、乐 B.乐与舞、画
C.雕塑与诗、乐 D.舞与诗、画 8．“咬字就如猫抓老鼠，不一下子抓死，既要抓住，又要保存活的。”是 B.程砚秋对自己“依字行腔”的形象说明。 A.梅兰芳 B.程砚秋 C.荀慧生 D.尚小 云 9．在摄影作品中，为表现愉悦的、活跃的审美感受，多用 C.曲线结构表现。 A.对称 B.水平线 C.曲线 D.斜线 10．在戏剧这一综合体中，居于中心地位和主导地位的是 D.演员的表演艺术，这是戏剧艺术的本体因素。 A.服装道具艺术 B.舞台的布景艺术 C.音乐伴奏艺术 D.演员的表演艺术 11．一部戏剧作品的基本单位是 C.场面。 A.故事 B.人物 C.场面 D.情境 12．摄影艺术中，用以表现某一个被摄对象的全貌和它所处的环境为目的，一般应用 A.全景。 A.全景 B.中景 C.远景 D.近景 13．拍摄人像时，最好使用 C.顺光。 A.侧光 B.顶光 C.顺光 D.逆光 14．有“活子龙“和“活武松”之称的是演员 A.杨小楼与盖叫天。 A.杨小楼与盖叫天 B.盖叫天与马连良 C.尚和玉与盖叫天 D.盖叫天与周信芳 15．“推、拉、摇、升、降”是电影摄影艺术中的 B.动向表现手段。 A.光线表现 B.动向表现 C.光学表现 D.色彩表现
浅谈主题性油画创作的社会现实意义 沈阳师范大学 硕士学位论文 浅谈主题性油画创作的社会现实意义 姓名：张志军 申请学位级别：硕士 专业：@ 指导教师：广廷渤;吕鸿 20100326 浅谈主题性油画创作的社会现实意义
浅谈主题性油画创作的社会现实意义 摘要 在人类社会文化发展的长河中，绘画作为人类社会文化的一部分，在整个人类 文明的历史上占有重要的位置。而油画艺术作为绘画领域里一个重要的表现形式， 在满足人类情感表达与审美诉求方面，发挥了无法替代的作用。作为一个起源于西 方的画种，在西方历史发展的不同历史时期，呈现出了无数艺术家和不朽之作。这 些经典的巨作与现实生活完美结合，提高了人类的审美情趣，又使人类的心灵得到 安慰，而作为舶来之品，中国几千年的文明历史为其生根发芽提供了丰厚的养料和
肥沃的土壤，从一开始就为其打下了现实主义的烙印。 本文通过分析东西方油画创作对历史的记录及对时代精神的理解，着重分析中 国油画发展的历史进程，油画从外来艺术发展成为中国绘画的组成部分，经历了漫 长的学习、吸收和成长的过程。而这经历蜕变的百年历史也正是中华民族从遭受屈 辱到自强自立，再到繁荣富强的过程。几代油画家把个人情感与民族命运紧密相联， 创作出一幅幅反映社会现实的感人画面，人文精神在这些优秀主题性油画创作中得 到了充分的体现。在研究这些伟大历史巨作的同时与当下油画创作的一些现象相比 较，以此讨论主题性油画创作的社会现实意义。油画家作为知识分子的一部分，理
应应担负讴歌时代、记录历史的社会文化责任。阐述新时期文艺工作者应该从关注 现实生活中美好事物出发，创作出更多符合新时期人文审美情趣的主题性油画作品。 本人作为主题性油画创作工作室的研究生，在以后的油画创作中，要保持清醒的头 脑，与时俱进，反映社会现实，争取创作出具有一定社会意义的好作品。 关键词：油画，主题性创作，社会现实意义，良知 I 浅谈主题性油画创作的社会现实意义 On the thematic significance of the social reality of oil painting
1.1漫画的含义（一）已完成成绩：100.0分1 【单选题】《武大郎开店》是（）的作品。 ?A、张乐平 ?B、方成 ?C、宫崎骏 ?D、丰子恺 我的答案：B得分：33.3分 2 【判断题】漫画可以在一定程度上反映社会现实。（） 我的答案：√得分：33.3分 3 【判断题】中国的漫画发展已经超过了三百年。（） 我的答案：×得分：33.3分 1.2漫画的含义（二）已完成成绩：75.0分1 【单选题】漫画的核心要点是（）。 ?A、只能用铅笔画 ?B、题材有限 ?C、无拘无束 ?D、遵循规则 我的答案：C得分：25.0分
【单选题】（）更加更加擅长于叙事，比较容易展开。 ?A、连环漫画 ?B、新闻漫画 ?C、四格漫画 ?D、单格漫画 我的答案：A得分：25.0分 3 【单选题】（）不是漫画的基本特征。 ?A、夸张 ?B、变形 ?C、讽刺 ?D、写实 我的答案：D得分：25.0分 4 【判断题】画漫画时，勾勒的细致程度和绘画功底是成正比的。（）我的答案：√得分：0.0分正确答案：× 1.3漫画的含义（三）已完成成绩：50.0分 1 【单选题】从形式的角度看，漫画需要具备的美感不包括（）。 ?A、构图美 ?B、内容美 ?C、造型美 ?D、线条美 我的答案：C得分：0.0分正确答案：B
【单选题】从内容的角度看，漫画最根本的特性是（）。 ?A、教育性 ?B、思想性 ?C、幽默性 ?D、夸张性 我的答案：B得分：0.0分正确答案：C 3 【判断题】《北斋漫画》出版以后，漫画一词才称为一种绘画形式的名称。（）我的答案：√得分：25.0分 4 【判断题】风景画和美人画是浮世绘的两大主题。（） 我的答案：×得分：25.0分 2.1漫画的种类（一）已完成成绩：100.0分 1 【单选题】相较于油画和国画，漫画的难度在于（）。 ?A、构图 ?B、构思 ?C、不能重复 ?D、创作形式 我的答案：C得分：33.3分 2 【单选题】从内容角度上来说，漫画不包括（）。 ?A、儿童漫画 ?B、哲理漫画 ?C、报道漫画 ?D、讽刺漫画 我的答案：A得分：33.3分
浅谈油画创作中技法的运用 一、传统油画技法 油画的基本技法有很多，从造型元素上看，就有点、线、面、笔触、肌理、形状、色彩、空间、构图等。从画画技巧上看，又有拍、摆、挫、揉、扫、跺、抑、拉、砌、划、刮、线、点、涂、摖，等等。从所用颜料来看，又是从蜡和蛋胶逐渐地发展到油介质的。从派别上看，主要有三大画派;第一是尼德兰画派，这种画派的典型特点是透明薄涂画法，代表画家是扬凡代克;第二是意大利画派，典型特点是不透明厚涂画法，代表画家是提香;第三个画派融合了上面两种画派的技法，代表画家是佛兰德斯画家鲁本斯，典型特点是暗部透明薄涂，而在亮部不透明厚涂。这些油画的基本技巧各有特点，分别能够产生不同的艺术效果，善于表达不同的题材或者是情感等。例如达芬奇名作《蒙娜里莎》就是多种技巧和笔法综合运用的杰出创作，除了细致的观察和提炼，色彩和光的运用尤其值得称道。 油画中色彩的运用是技法的另一个主要方面。油画作品的灵魂，就是一幅油画所要表达的情感，而能够最好地表现画家情感的方式是色彩。以毕加索的作品为例，他作品中的色彩能够体现他人生的不同境遇。他用蓝色表现《人生》，展示了一种贫老与孤独;玫瑰时期的油画却增加了一些亮色，在依然冷漠的表情下，有一种和谐的美感和对人性的关注。这种明与暗、薄与厚的变化往往被画家们赋予精神上的某种象征意义。 此外还有油画中线条的运用。线条是绘画中重要的情感表达方式，通过线条的艺术表现力可以塑造出更好的画面效果，这种情感思想表达通常是画家的心理反应，也就是说线条能够反映画家的个性。比如席勒的《干洗房》，画中的线条运用令人感觉震撼，这种艺术语言给人一种紧张、痛苦、压抑的感觉，让人产生于让人类生与死的思考，非常具有表现力。 总体来说，传统油画的典型技法是写实的。中国油画艺术家在学习油画创作的过程中一开始走的也是写实的道路。比如杨飞云、郭润文、朝戈等都是著名的写实派油画家，他们都重视传统技法和材料的运用。传统油画技法和材料在经典油画中得到了完美体现，经典油画在写实性的同时能够重现油画本身固有的材质美感。这种技法准确地再现了自然界的景物和人物，从而使人们获得再现艺术的享受和满足，同时，传统油画技法也是现代油画技法的基础，油画的各种基本技法也都包括在其内。不过，进入上世纪60 年代，绘画艺术产生了颠覆性的革命，从这一时期开始当代艺术成为美术创作的主导，在此期间产生了众多的艺术形式，如波普艺术、观念艺术和抽象艺术，等等。注重个性化和观念化是当代油画艺术的表现特点。但是，创新并非意味着传统油画艺术的消亡，油画技术不但没有走向终结，反而向着多元化发展，同时油画绘画方式当然也会承受各种发展压力。新的艺术形式不同于以往，但是同样要有赏心悦目的吸引力，各种新的尝试和思考，都要借助新的技法来实现。 二、新的油画创作技法 我国的油画创作者从西方的理论和实践中不断汲取营养，同时也在继承传统中国绘画中的精华，并且与现代科技结合在一起，近年来掀起了创新与开拓的高潮。新的油画创作技法不断产生和发展，其中既有传统元素的回归，也有新科技和新材料的应用，还有新风格的展示。其中传统要素的回归方式之一是把中国传统文化的内容和意境融入到西方油画的创作中，带来油画创作的中国风。这些元素既包括一些具有象征意义的中国传统器具和服饰，如鼎、
龙源期刊网 https://www.doczj.com/doc/9113502034.html, 浅谈油画创作过程 作者：苗阳 来源：《艺术科技》2015年第12期 摘要：油画创作，实乃美术的一种表现形式，是运用油画材料、油画工具和技法生产油 画的过程。随着社会的发展，艺术家们的思想接收到不同国家的文化滋养、不同思想流派的渗透，油画创作的形式也展现出了形形色色的姿态。一般意义上的油画创作分为三类：人物画、风景画和静物画。细分题材、风格也大相径庭。由于油画创作的多样性，油画创作成为一个极其复杂的过程，它需要包含选题、构思、素描稿创作、油画正稿几个过程。 关键词：浅谈；创作过程；油画 1 选题 有人对灵感作过这样的描述：“灵感的确是一种特殊的思维现象。对某一问题百思不得其解而陷入山重水复疑无路的境地时，由于某一偶然事物或信息的激发或在某种特殊的思维状态下，主体在情感迂回、思路盘旋之中忽然顿悟、捕捉到了事物的底蕴，所要探索的问题一下子获得了明确的解决。”当然脱离了生活的灵感就成了无根之木；感受生活，把它融于作品创作中，为自己的作品增色，更会创作出与众不同的佳作。 随着物质文明时代的发展，人的审美意识不断提高，“人物画”这个有血有肉的生命实体的表现方式愈发突出。儿时的向往、青春的憧憬、壮年的打拼、残年的恬然安逸皆是生命在求索，追随幸福是人的本性，也是人类社会繁荣发展的原始动力。人们对审美观念产生新的认识，过渡到了物质文明的层面，升华到了精神文明的文化境地，把利欲私念割裂开来，越来越呈现着和谐大同的氛围。《雨·碌》的灵感源于一场毛毛细雨。暮色降临，灯火阑珊，人们漫步于街头，紧张忙碌了一天之后，带着丝丝的倦怠和匆匆的脚步。但一场淅淅沥沥的小雨给大家带来一阵清凉，雨水平复了躁动的心，如同青涩的心情，焦躁却也带着美满。创作自始至终是要用心灵、智慧、学识、功力、修养、勤奋等去支撑的，一幅成功的作品是创作者怀着无暇的心面对现实、体察生活，敏锐地捕捉到事物的内在而提炼精髓、表现艺术美感完成的。 人类喜欢自然之美，自然之美是和谐纯净的，如春天一束含苞的花朵。《雨·碌》引发的美感，是自然的造物，是人们生活的物质存在，整个画面的节奏和旋律协调。静观画中的几个青年，不混杂忧喜，也不带任何感情冲动，只因一场淅淅沥沥的小雨将大家带回了一个青涩无忌的时代。整个画面进入了表现人的自然之美的情形当中，显示出绘画主体的淡泊清净和坦荡胸怀，其感情明晰，无遮掩藏饰之意。天然去雕饰，返璞归真地表现人的物质生活，体察生命之歌、青春之歌，进入无我之境，到达物我两忘的审美境界，超越了大自然中的美，保持了精神的纯净。 2 构思创作
油画艺术鉴赏 梵高《向日葵》机电工程学院000 学号：0000
向日葵的花语是信念、光辉、高傲、忠诚、爱慕，，向日葵代表着勇敢地去追求自己想要的幸福。向日葵的花姿虽然没有玫瑰那么浪漫，没有百合那么纯净，没有兰花那么无邪，但它阳光、明亮，爱得坦坦荡荡，爱得不离不弃，有着属于自己的独特魅力，而且，它绽放的不仅是爱情，还有对梦想、对生活的热爱。当花朵在阳光底下慢慢伸展，当阳光刺透它薄弱的叶，那天生与阳光最搭配的花朵，高贵又不失风度，看着天空，它好像希腊神话里的阿波罗，他是高贵的太阳之子。向日葵是我最喜欢的花朵，因为我爱着它不计名利的完全绽放。爱它对阳光的无限渴望，它永远不追随别人的脚步，它只跟着光，跟着它的信念，也只有光。我无意中在画册上看到了一个画家所画的的向日葵，这幅画直击了我的心灵，震撼了我的灵魂。我认为这是无限爱生命的人才能用画出油画《向日葵》，至少也是因为喜爱向日葵啊，然而让我迷惑的是，画向日葵不正是代表爱生命的表现，为何画家在艺术面前走向自我毁灭呢？既然怀有无限热情，又为何在大好年纪放弃了艺术，选择了死亡。于是我开始关注他的生平，追问画家是何人，原来他就是梵高。我问过我的同学和老师，很多年过去了，梵高为什么让人久久不忘，让人动容。有人说是他的画，是啊，一个画家最重要的还是他的艺术作品，风吹过的麦田，迷人的星空，美丽的果园，金色的向日葵，他不曾放过一丝生活细节，他着迷了色彩，那种有强烈感觉的色彩，冲击感，那个世纪，也只有梵高做到了。正如他所说：“画面里的色彩就是生命中的热情。
梵高一生命运多磨难，他屡遭挫折，艰辛备尝，在仅仅37岁的生命里，他把最重要的时期留给了艺术，而事实上他生前却从品尝过艺术带给他的荣誉，贫困潦倒，用来形容他是最好不过了，他到处流浪，也曾遇到过爱情，和一个遭遇过生活摧残的女性，梵高收留了她，女人也给了他不岑有过的温暖和幸福，可梵高太执着艺术了总是把艺术放在第一位，试问又有几个女人能接受吃不饱，穿不暖的生活呢，更何况是经常饱受困苦的女人，所以离开了梵高，为生计所迫，梵高失去了爱人，可他却未曾抛弃艺术，我想这也许就是他后来被人熟知的原因吧。就像他说的生活对我来说是一场艰难的旅行，但我又怎会知道潮水会不会上涨，及至淹没嘴唇，甚至会长的更高呢？但我将奋斗，我将生活变得有价值，我将努力战胜并赢得生活。生活在低处，灵魂在高处，这就是梵高，他不是残疾人，他是油画艺术里的巨匠。 文森特梵高出生在荷兰一个乡村牧师家庭。他是后印象派的三大巨匠之一。梵高年轻时在画店里当店员，这算是他最早受的“艺术教育”。后来到巴黎，和印象派画家相结交，在色彩方面受到启发和熏陶。他在学习前辈伦勃朗等人的基础上，吸收印象派在色彩方面的经验，并受到东方艺术的影响，形成了自己的艺术风格，以此，人们称他为“后印象派”。梵高早期只以灰暗色系进行创作，使用荷兰传统的褐色调，直到他在巴黎遇见了印象派与新印象派，融入了他们的鲜艳色彩与画风，创造了他独特的个人画风。他最著名的作品多半是他在生前最后二年创作的，期间梵高深陷于精神疾病中，其最后在他37岁那年将他导向自杀一途。