文艺复兴一词，源出意大利语rinas-cita，意为再生或复兴。
14世纪时，新兴资产阶级视中世纪文化为黑暗倒退，希腊、罗马古典文化则是光明发达的典范，力图复兴古典文化，遂产生“文艺复兴”一词，作为新文化的美称。这种提法在诗人F.彼特拉克和小说家G.薄伽丘的作品中已经出现，15～16世纪流行。
1550年，G.瓦萨里在其《艺苑名人传》中，正式使用它作为新文化的名称。此词经法语转写为renaissace，17世纪后为欧洲各国通用。19世纪，西方史学界进一步把它作为14～16世纪西欧文化的总称。它标志着欧洲近代历史文化发展的第一阶段。
成就和意义文艺复兴虽以学习古典为特点，却绝非单纯的复古，实质上是通过学习古典的途径创造新文化。希腊、罗马的古典艺术由于中世纪的长期破坏，已经相当残缺，虽极力恢复，所得仍属有限。然而文艺复兴时代的人们学习古典,并不是简单仿效,而是取其精神。
古典艺术的具体形式固然予人以启发，但更重要的是从中领悟到现实主义的方法和古典社会的民主思想。中世纪被教会控制的美术基本上是非现实主义的，宗教神学笼罩一切；反封建的文艺复兴新美术主要以贯彻现实主义和体现反对宗教禁欲主义的人文主义思想为宗旨，而古典美术也正是在这两方面成了新美术的良师益友。因此，文艺复兴美术之学习古典不同于其他时代的复古、仿古倾向；也不同于中世纪美术中偶尔可见的习用古典形式的个别现象。与此相关的是，从具有现实主义这个本质特征看，某些西欧的早期文艺复兴美术（如尼德兰美术），虽然学习古典这方面尚无多大发展，却同样应被认为是新美术的一个杰出代表。文艺复兴美术的现实主义方法和人文主义思想，在创作实践上是密切结合的。人文主义强调人性崇高与身心的全面完美，重视世俗的现实生活，反对神学权威和封建特权。新美术创作的真实完美的人物形象和生动丰富的现实情景，就最能体现这种思想，产生最为广泛和强烈的反应。
加以在当时具体条件下，新美术创作是较易为广大群众和新兴资产阶级接受的文化形态，因此美术变成文艺复兴文化最受欢迎的代表，成果也最为丰富文艺复兴美术作为西方近代美术的源头，它的基本风格和表现技法构成了西方近代美术的主要传统，影响极其深远。在造型艺术方面，它以写实传真为首务，开创了基于科学理论和实际考察的表现技法，如人体解剖和透视法则等，从而使它得以达到古典艺术之后一个新的高峰，在风格和技法上它和东方艺术以及一切近代之前的艺术有本质区别。在建筑艺术方面，它以恢复古典建筑传统为首任，同时着重探讨建筑美感的理性法则，从而奠定了西方近代建筑延续数百年的典范形制。在社会身份和专业教育方面，文艺复兴的艺术家也经历了从中世纪转向近代的演变。14～15世纪，艺术家犹组织在行会里，等同工艺匠师，学艺亦在作坊中采取师徒传授形式 16世纪起渐有改变，艺术家成为类似近代的知识阶
层的一员，行会变为学会或艺术学院，艺术家的个性、个人才能与风格特色得到承认。有关艺术家的传记、评述以及艺术史的研究也从此时开始涌现。
分期文艺复兴美术发生的时代背景，是欧洲封建社会内部出现了资本主义经济的萌芽，城市工商业的繁荣及其政治上的相对独立或自治。在中世纪的最后阶段，西欧地区出现上述情况比较明显的有两处：南为意大利，特别是其中的佛罗伦萨；北为尼德兰，包括今荷兰及比利时。16世纪，法国、英国和西班牙建立了全国统一的王权，城市经济也有发展，王权和市民阶级为反对封建割据有一定的联合，文艺复兴美术遂传播到那里。
根据各国各地具体情况，文艺复兴美术的发展分期各有不同：在意大利（以佛罗伦萨为主要代表）可分为3期:初始期（14世纪）、早期（15世纪）和盛期（16世纪）；在尼德兰则为 2期：15世纪和16世纪；在法国、英国、德国、西班牙等国主要为16世纪1期,一般不再细分。17世纪时，西欧各地续接文艺复兴美术的是巴洛克美术。由于巴洛克美术有不少继承文艺复兴传统之处，过去有人也把它归入文艺复兴美术的范畴，认为整个西方艺术直至19世纪皆属文艺复兴阶段。目前则普遍认为17～18世纪各有新创，皆可自成一体而与文艺复兴有别。
意大利早在13世纪后半期，意大利中部以佛罗伦萨为中心出现了新的美术动向，意味着以中世纪美术向文艺复兴美术的过渡。
这一时期的代表有画家是奇马布埃和雕刻家N.皮萨诺。后者于1260年完成的比萨洗礼堂讲经台，被认为是最早一件仿效古典风格的文艺复兴作品，浮雕人物体形壮伟，具有古罗马风度，虽有幼稚之处，却透露出新时代的曙光 N．皮萨诺：比萨洗礼堂讲经台
初始期自奇马布埃以后，佛罗伦萨画派成为新美术最主要的流派，14世纪时产生了伟大艺术家乔托。乔托的艺术具有鲜明的现实主义倾向，他的作品虽属宗教题材，却开始真实表现世俗生活情景，注重空间深远关系与人物的立体表现，杰出地体现了现实主义与人文主义相结合这个文艺复兴美术的基本特点。乔托之后，佛罗伦萨画派人员众多，并影响于整个托斯卡纳地区。在雕刻方面，皮萨诺之后有其子G.皮萨诺以及佛罗伦萨的雕刻家和建筑家阿诺尔福．迪坎比奥(1232～1302)，在G.皮萨诺主持下开始了佛罗伦萨城内的两大建筑工程：市政厅大厦和大教堂，前者1299～1311年建成，后者自1296年动工后，至15世纪中叶才完工。
乔托：《犹大之吻》早期从15世纪开始，意大利文艺复兴美术进入蓬勃发展阶段，佛罗伦萨仍然是最大中心，但其他地区也出现了重要流派。15世纪初年，佛罗伦萨艺术首先从建筑和雕刻方面掀起高潮，建筑家F.布鲁内莱斯基首倡实地考察古典遗迹，运用古典风格与柱式，在完成佛罗伦萨大教堂圆顶之后，又建育婴堂(1419)和圣克罗切教堂的帕齐礼拜堂(1430～1440)等,空间开阔，比例和谐,开创了文艺复兴建筑风格。他还发明透视画法，引起造型艺术的革命。与布鲁内莱斯基一起赴罗马实地考察的雕刻家多纳太罗则竭力追慕古典艺术的写实手法，潜心研究人体实物,开始创作完美的裸体形象,如《大卫》。另一位佛罗伦萨雕刻家L.吉贝尔蒂穷毕生之力制作了佛罗伦萨洗礼堂的两座青铜门，技艺精美绝伦。其中一座被誉为天堂之门，并在浮雕艺术中首次使用透视。佛罗伦萨画家马萨乔将上述诸人成果用之于绘画,第1次以科学手法构图着色，人物形象坚实雄伟，富于人文主义精神。继他之后，佛罗伦萨人才辈出，产生不少一流大师，如F.安杰利科、P.乌切洛、F.利皮、A.del卡斯塔尼奥、A.波拉尤奥洛、S.博蒂切利、D.吉兰达约等。他们都从不同角度发扬了现实主义与人文主义相结合的传统，风格雄伟秀丽各有所重,呈现百花齐
放、美不胜收的局面,注重空间透视表现和人物坚实造型，以及善用线条则是他们作为佛罗伦萨画派代表人物共有的特色。在佛罗伦萨美术界具有特殊地位的还有艺术理论家兼建筑师L.B.阿尔贝蒂，他的《绘画论》(1435)、《建筑论》(1452)等书是新美术最重要的理论著作。安杰利科：《哀悼基督》
博蒂切利：《诽谤》在佛罗伦萨影响下，意大利中部先后出现了几位大艺术家：画家弗朗切斯卡、雕刻家 J.della奎尔恰，以及前者的门徒L.西尼奥雷利和梅洛佐?达福尔利。奎尔恰的雕刻粗朴壮伟,别具一格;梅洛佐?达福尔利的绘画则在其师严谨风格的基础上更秀逸精致，以情真意切取胜。与佛罗伦萨邻近的地区还形成了另外画派：锡耶纳画派和翁布里亚画派。锡耶纳画派14世纪最为繁盛,其创始者杜乔?迪博宁塞纳取得了可和乔托相比的名声，只是写实方面略为保守，15世纪的代表则有萨塞塔等。翁布里亚画派的主要代表是拉斐尔的老师佩鲁吉诺，风格静雅秀美；另一代表则是平托里乔，用色鲜艳华丽，他的艺术在罗马甚受欢迎。意大利北部15世纪也开展了新美术运动。早期的大师是彼桑奈罗，他擅长写生，风格优雅，并善于雕刻徽章。后期大师则是A.曼泰尼亚，他精于透视，并以钻研古典文物著名。经他们带动，加以佛罗伦萨的影响，北部也出现了两个画派：弗拉拉画派和威尼斯画派。弗拉拉画派主要代表有C.图拉和F.科萨，他们服务于弗拉拉公爵宫廷，以装饰性的华美取胜。威尼斯画派，15世纪的代表是贝利尼父子三人。威尼斯画派虽属晚起，前途却未可限量，在乔凡尼?贝利尼努力下，威尼斯画派到15世纪末已充分发展了自已善用色彩的特点，并在意大利各画派中首先掌握油画技法，已有超越各个地方流派而与佛罗伦萨争雄的实力与气势。盛期意大利美术在16世纪达到了繁荣的顶点。在此以前，15世纪的文艺复兴美术已基本完成了掌握现实主义表现方法的任务，透视法则与人体结构的科学知识已相当丰富，在此基础上，16世纪的艺术家们遂可集中全力于艺术典型的创造。更有甚者，此时的艺术大师虽在艺术修养与技艺上达到更高水平，时代环境却日益动荡不安，意大利经济停滞，城市共和政治难以维持，外国武力入侵频繁，面对危机四伏的现实，艺术家思想上不免矛盾重重，而伟大的艺术创作要求作者对现实中的逆流展开顽强的斗争。因此，16世纪为盛期文艺复兴大师们准备了优异条件，也提出了严峻要求，正是这种复杂情况产生了辉映千古的艺术繁荣。盛期文艺复兴美术的 3位主要代表是L.达?芬奇、米开朗琪罗和拉斐尔。前两位都是佛罗伦萨艺术家，拉斐尔虽师从安布里亚画派，也主要在佛罗伦萨完成学业，形成自己的艺术风格。但他们 3人的活动都不限于佛罗伦萨，米开朗琪罗和拉斐尔主要活动于罗马，达芬奇则前期在米兰，后期远走法国，他们的艺术也在更广泛的范围内代表了意大利的民族成就。达?芬奇的特点是熔艺术与科学于一炉,他既是大艺术家又是大科学家,艺术典型的加工与科学研究的深邃紧密结合,相得益彰,因此他的作品在体现人文主义思想和掌握现实主义手法上较之前人有了极大提高，杰作如《最后晚餐》、《莫娜丽萨》等皆被誉为世界名画之首。米开朗琪罗则在雕刻、绘画和建筑方面都留下了最能代表盛期文艺复兴水平的典范创作。他的人物形象雄伟壮健，气魄浑宏，意志强烈而力量无穷，显示了艺术家在写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。拉斐尔则以秀美、典雅的风格著名，构图和谐，情态自然，尤以圣母形象的塑造最为成功。他的圣母像寓崇高于平凡，被誉为美和完善的化身，最充分地体现了人文主义的理想。除了造型艺术外，他们 3人都曾从事于建筑设计构思和实践，达?芬奇景慕中心型的圆顶厅堂结构，拉斐尔崇向严谨和谐的古典风格，米开朗琪罗晚年主持圣彼得大教堂的建筑工程时设计的大教堂圆顶，更成为日后欧美各国所有圆顶建筑的样板。
米开朗琪罗：《大卫》除了上述3位主要代表外,盛期文艺复兴在建筑、绘画、雕刻方面还有不少名家，他们的创作共同构成了近代西方艺术传统中的典范风格，几百年间盛行不衰。建筑方面的代表是D.布拉曼特和A.帕拉迪奥，他们在细部形式和整体风格上都比15世纪更为彻底地仿效希腊罗马的古典建筑，但又非泥古不化，而是善于以人文主义思想活用古典形式，以比例和谐风度高雅取胜。布拉曼特和达?芬奇一样倾心于研究中心型建筑的理想结构，认为它最适于体现人文主义思想，他在动工兴建圣彼得大教堂之际就决定抛弃传统的十字型而采用中心型圆顶厅堂，可是这项大工程刚破土砌墙他就去世，它的完工成为以后两世纪间意大利建筑的中心任务（米开朗琪罗完成的大圆顶也是其中一部分）。布拉曼特建筑理想的实际体现则是罗马蒙多里奥圣彼得教堂中的小庙（1502～1514）,圆形的古典柱廊上置以圆顶,规模虽小却气象浩阔，成为世界建筑史上不可多得的杰作。帕拉迪奥则在建筑实践和理论著述上都为后世留下了丰富的遗产，影响至为深远。他的杰作圆厅别墅(1550)，布局讲究对称之美，在房屋四面各置一古典柱廊，内部正中构成圆顶大厅。远睹近观皆不失和谐高雅之趣，对日后的西方建筑界极有启发。在绘画方面，古典风格的代表还有佛罗伦萨画家F.巴尔托洛梅奥和A.de萨尔托。前者虽身为教士，吸收新风格
却不遗余力，他深得达?芬奇平衡构图和轻柔用色之妙，作品气势安详、布局精微而光照均匀，他的《圣卡塞琳的婚礼》(1512)被认为是集佛罗伦萨画派大成之作；后者则有无瑕画家之称，被同时代人认为在构图和造型上皆达无可指摘的完善程度，代表作《哈皮的圣母像》以清纯崇高著称，被奉为古典风格的一件样板。与他们同时的P.di科西莫则富于闲情逸趣，喜欢画神话题材的幽默作品,在佛罗伦萨画派中另辟蹊径,自成一体。此外，达?芬奇在米兰的长期工作也推动了当地新美术的发展，形成了米兰画派。米开朗琪罗和拉斐尔在罗马的活动则促成了罗马画派。
在盛期文艺复兴美术中成果最丰富的另一流派则是威尼斯画派。它在16世纪先后出现了乔尔乔涅、提香、丁托列托和P.韦罗内塞四大家，尤以提香长达70年的创作活动，为威尼斯画派赢得了雄视全欧的声誉。威尼斯画派诸家皆以色彩取胜，但个人风格各有所长。例如乔尔乔涅的富于诗意，提香的健美丰盛，丁托列托的浩大灵活，韦罗内塞的富丽豪华等，都从不同角度奏出了新的最强音。由于威尼斯画派油画技法的卓绝，它对日后西方近代艺术的影响甚至较佛罗伦萨画派尤为直接。
韦罗内塞：《迦南结婚仪式》在意大利16世纪艺术中异军突起的一大流派是样式主义。它的艺术家都崇奉米开朗琪罗和拉斐尔等盛期文艺复兴大师,但他们只追求风格形式而失其精神实质,且由于专务新奇而走向程式化，偏离了文艺复兴美术的现实主义方向。样式主义最早于1515～1520年间在佛罗伦萨萌发，16世纪中期及后期甚为流行，代表者有“J.da蓬托尔莫、F.罗索、Il布龙齐诺和G.瓦萨里等。因此当其流行之际，意大利除威尼斯画派外，文艺复兴美术已告衰微。样式主义的出现，反映了意大利16世纪的经济、政治和文化的危机，其服务对象也不是城市新兴的资产阶级而是有回潮之势的贵族宫廷。但是样式主义的保守倾向并不能代表新美术发展的主流，文艺复兴美术的现实主义与人文主义传统仍有巨大潜力，从而在17世纪的新形势下促成了巴洛克美术的兴起。
尼德兰14～15世纪，西欧北部工商业最发达地区是尼德兰。它有繁荣的城市，其中尤以布鲁日的纺织业和安特卫普的国际贸易业最为昌盛，安特卫普从1460年起建立了欧洲第1个股票市场。在政治上,尼德兰在15世纪初期和中期一直是法国伯艮第公爵的领土，与伯艮第的首府第戎联系密切；15世纪末尼德兰转归哈布斯堡王朝，而该朝拥有德国皇帝和西班牙王位，因此尼德兰在16世纪与德国-西班牙来往频繁,虽然政治归属复杂，尼德兰城市仍获得一定自治权利，新文化也比较发达。15世纪尼德兰文艺复兴美术的兴起是在14世纪末15世纪初，它接受了一些意大利的影响，但主要是从本地的后期哥特式艺术转变而来。最初的代表有雕刻家C.斯吕特尔、画家M.布罗耶德拉姆和P.de林堡。他们虽成长于尼德兰，却主要工作于法国。斯吕特尔在第戎的占甫莫尔修道院雕刻的大门井栏(1395～1406)开始摆脱中世纪的程式而面向生活，人物逼真生动、雄强有力，可和意大利的大师相比。布罗耶德拉姆也开始在画幅中注意空间的深远和实物写生，这些新发展到林堡手中更有重大突破，在他为法国伯里公爵的《时辰书》作的细致画插图(1413～1416)中，对一年四季的自然景象和生活风俗作了前所未有的精采描绘,雪景麦田皆如实刻画,而且第1次表现了真实的阴影。在他们之后,尼德兰美术就产生了几位极有成就的现实主义大师：R.康平、凡?爱克兄弟以及 R.van der韦登。他们在掌握透视画法和人体结构方面虽不及意大利艺术家，但写实的精确细微却有过之；他们在西方绘画史的另一重大贡献则是首先使用了油画技法，然后传入意大利。到15世纪后期，尼德兰绘画已蜚声西欧各国，并开始吸收意大利的新成果。
尼德兰全境形成了几个地区性的艺术流派：南部尼德兰有布鲁日的P.克里斯特斯和H.梅姆灵;在根特有H.van der胡斯；在鲁汶有D.包茨。北部尼德兰则有圣扬斯的海特亨（圣扬斯的）和15世纪末最著名的大师H.博斯。这种百花竞放的盛况只有意大利美术可以和它相比。尼德兰大师的传真绝技也受到普遍的称赞。16世纪16世纪是尼德兰文艺复兴美术的第 2个发展阶段，此时的特点是意大利的影响加强，不少尼德兰画家着意追摹罗马画派和威尼斯画派的艺术，因此有罗马主义或罗马派之称。他们热衷于透视画法和人体特别是裸体表现，尼德兰美术固有的写实精神却有所削弱。
罗马派的著名代表是J.van斯科列里和J.戈沙尔特,尽管风格较杂，他们却在传播文艺复兴和人文主义方面起了巨大作用。与此同时，一些尼德兰画家仍续有新创，如J.帕廷尼尔之精于风景，P.阿尔申之善画风俗民情，A.摩尔之肖像写生等。但16世纪最有成就的尼德兰艺术大师却是有农夫之称的P.勃鲁盖尔。他不仅善于描绘民间的特别是农民的生活情态，而且是西方一位伟大的风
景画家，不愧为尼德兰美术集大成者。他虽有丰富的人文主义学识,却不机械地仿效意大利的古典风格,作画意境高远，幽默之中隐含讥讽。杰作如《绞刑架下的舞蹈》（又名《绞架上之鹊》），从空中鸟瞰角度展视林野风光，近景的舞蹈情节所含的诙谐与远景山水的幽静完美相反相成，富于诗意，在西方风景画中独树一帜。
法国法国文艺复兴美术在15世纪后期受意大利及尼德兰的影响开始萌发,代表大师有画家J.富凯等人;其蓬勃发展则在16世纪。当时法国军队几度入侵意大利,并长期占领米兰等地,朝野上下皆和意大利接触密切,达?芬奇等艺术大师也被邀赴法工作，从而促成了法国文艺复兴运动的高涨。达.芬奇赴法已在晚年，他居留法国期间没有进行什么创作，但他的到来以及最后在法国去世就已有很大的象征意义。以后来法的有罗索、B.切利尼等人，他们以枫丹白露为据点，对法国美术影响巨大。罗索等虽属样式主义流派，但法国先进人士重视的仍是他们所带来的意大利文艺复兴美术的成果。与此同时，不少法国艺术大师也成长起来,在建筑方面有R.de罗姆和勒斯科,雕刻有J.古戎，绘画则有F.克卢埃等。作为法国文艺复兴美术的一个最重要纪念物则有卢佛尔宫(1546动工)，勒斯科主建筑，古戎主雕刻，堪称珠联璧合。他俩的成果是今卢佛尔宫方形庭院西翼南侧楼房，在法国传统形式上运用了古典柱式装饰，风格优美，它不仅为日后卢佛尔宫的整个建筑定了基调，也为法国的古典风格建筑定了基调。
德国德国文艺复兴美术以产生了不少第 1流绘画大师而自豪。德国皇帝在文艺复兴时代仍一直是意大利名义上的君主，16世纪且数次率军队进入意大利，两国在经济和文化上的联系也相当密切，许多德国艺术家以游学意大利作为主要的艺术学业。16世纪也是德国尤其南部一带城市工商业兴旺发达之时，市民阶级和农民群众都有强烈的反封建要求，终于促成了宗教改革运动和伟大的农民战争。这些社会背景都是产生杰出艺术大师的时代条件，使德国画坛顿时群星灿烂，蔚为壮观。他们中最著名的有A.丢勒、M.格吕内瓦尔德、L.克拉纳赫、H.荷尔拜因和A.阿尔特多费尔，虽然他们的风格特色各有不同，却都以现实主义的成就显示了新美术的巨大进展。德国还是西方印刷术的摇篮和最大中心，使它的艺术家也注意甚至集中主要精力于版画的创作，丢勒、荷尔拜因等都是西方版画史上最负盛名的大师。在建筑与雕刻方面，德国的艺术家侧重于使哥特式传统和意大利风格互相融合，带有民族色彩。代表作如海得尔堡的选侯宫(1556～1559),门面遍体装饰以古典柱式和雕像,但整体比例仍属传统形制，它的富丽豪华风格也和后期哥特式建筑的精巧细致取得协调。
英国英国文艺复兴美术从16世纪开始发展。由于此时是都铎王朝,因此新建筑获得都铎风格之名,它主要表现在贵族府邸建筑上。代表作如朗格里特府邸(1567～1579)，明窗洞开，布局和谐整齐,细部虽杂以古典柱式装饰，整体上却保持了英国建筑传统的朴实开朗特色。英国的文艺复兴绘画受德国艺术家荷尔拜因影响甚大，他作为欧洲最负盛名的肖像画家两次来英工作直至去世(1526～1528,1532～1543),他为王室及宫廷显贵作画甚多，也受到各界人士广泛欢迎。荷尔拜因精于写真传神的技艺和他的冷静洒脱的风格启发了英国一代画师，其中最著名的就是肖像画家N.希利亚德。他的作品小巧玲珑，色彩艳丽，在工细笔调中传出倜傥风流的贵族情态，甚得伊丽莎白朝野上下的喜爱。西班牙西班牙文艺复兴美术由于其国势突然强盛而获得巨大推动。16世纪的西班牙因哥伦布的发现而占有美洲新大陆广大地区，它的王室因属哈布斯堡王朝而和德国关系密切，并拥有尼德兰，占据南部意大利，成为欧洲最大势力。这些情况使经济较落后的西班牙一变而为欧洲舞台上的要角。西班牙文艺复兴绘画的主要代表是出生于希腊的El.格列柯。在建筑方面的主要建筑物则是埃斯科里亚尔宫(1563～1584)，它是一组庞大的包括王宫、教堂与修道院的建筑群,以整齐划一、浩大严谨取胜，主持其事的是西班牙建筑师J.de赫雷拉。虽然最初设计出自他人，赫雷拉却是其整体规划的完成者，它的规整的古典风格反映了西班牙宫廷文化的特色。
17、18世纪的外国绘画艺术，仍以欧洲的绘画最突出，影响也最大。西方绘画中的主要体裁——神话、宗教、历史画，肖像画，风俗画，风景画和静物画，都达到了相当高的水平，产生了一系列有影响的作品。本课欣赏的作品就是分别从上述绘画体裁中选出的有代表性的作品。鲁本斯感兴趣的并不在于情节本身的描写，而在于通过劫夺与反劫夺的戏剧性的斗争，把两男两女四个主要人物组成一个他最喜欢的复杂而又具有强烈动势的构图。两匹烈马的浓重的棕黑、青灰色，与女子白皙的肌肤的明亮色调形成鲜明的对比。尤其引人注目的是在妇女形体的造型上，鲁本斯追求丰满强健的肉感，这是对人的生命力的美的歌颂。开阔、有力的笔触与富有动感的线条使画面洋溢着勃勃的生机。热烈、明快的色彩，抒发了画家的浪漫情怀。鲁本斯是北方佛兰德斯巴洛克时期的代表人物，就像贝尔尼尼是南方意大利巴洛克时期的代表人物一样。荷拉斯兄弟的宣誓
330ｘ425厘米巴黎卢浮宫〔法国〕达维特法国画家达维特的《荷拉斯兄弟的宣誓》，是法国大革命前夜具有明显的政治倾向性的历史画。此画原是国王路易十六的订件，但画家并没有按照统治阶级的意愿去画，而是赋予这一古罗马历史故事(罗马城和邻城阿尔巴交战，双方各派三兄弟参战以决胜负。虽双方之间有着姻亲关系，但代表罗马城的荷拉斯三兄弟毅然大义灭亲)以鲜明的主题——个人情感服从国家的利益。画家采用对比的手法表现了这两种情感的冲突。一方面是位于画面主要位置的荷拉斯三兄弟，在出征前从父亲手中接过武器并庄严宣誓；另一方面则是画面右侧的三兄弟的母亲、妻儿和姊妹因此而陷入了个人情感而哀伤。她们的行为反衬出三兄弟的勇敢坚强，突出了此画的主题。整个画面构图严谨、均衡对称、造型坚实，体现了以达维特为代表的新古典主义美术的重要特征。《１８０８年５月３日夜间起义者被枪杀》油画２６６×３４５厘米，１８１４作普拉多博物馆藏西班牙画家哥雅的《1808年5月3日的屠杀》是表现西班牙人民反抗法国入侵者而遭受残酷镇压的史实，画中一群遭枪杀的起义者与对面持枪射击的法国士兵构成无比尖锐的矛盾冲突。在左边人群中一个穿白衬衣的青年农民高举双手发出惨烈的呼喊，几个起义者已倒在血泊中，另有几个则表现出无比的愤怒或因不忍目睹而掩住自己的面目。作者以强烈的爱憎和直写无遗的画笔创作了这幅具有气壮山河的震撼力的杰作。肖像画描写特定人物的肖像画，因欧洲文艺复兴时期对人和人的价值的重视，逐渐成为西方绘画艺术的重要体裁。不仅许多著名画家都画肖像，而且出现了专门的肖像画家，如文艺复兴时期德国著名画家荷尔拜因，]7世纪荷兰著名画家哈尔斯、伦勃朗，17世纪西班牙著名画家委拉斯凯兹，18世纪英国著名画家雷诺兹和庚斯博罗等。他们的肖像画手法多样，风格各异。本课选印了伦勃朗的《夜巡》、哥雅的《着衣的玛哈》和委拉斯凯兹的《宫女》三幅肖像画。它们体现了不同的手法和风格。杜普教授的解剖课伦勃朗（荷兰）17世纪的荷兰，除了盛行风景画、风俗画和静物画，还盛行肖像画。而且，经常有某一个团体或行业公会集体出资向画家订制群体肖像画。1632年，年近26岁的伦勃朗应著名医学家杜普教授和其他七位医生的要求，绘制一幅群体肖像画。在画中，作者不仅把每个具体人物的形象、动态、表情，表现的真实动人，而且，以前所未有的形式把具体人物和具体事件结合起来，使荷兰传统的群体肖像画从简单人物排列的表现方式转换成了更具有典型特征和深刻内涵的全新的人物表现形式。在画中，画家着重突出了杜普教授。他独坐在一边，面对着七位学者，一边做着解剖一边阐述着人体的结构原理。七位学者：有的情不自禁地凑上前来吃惊而专注地看着教授所示的地方；有的手拿教材默默地思索；有的好象茅塞顿开；有的又好象如梦初醒……这丰富多采的表情，这鲜明的个性，这生动的姿态，在这冰冷、苍白的尸体的反衬下显得异常生动。大概伦勃朗也没有想到，这幅《杜普教授的解剖学课》不仅使订画者非常满意，而且使他几乎在一夜之间成了远近闻名的大明星。从此，订画者源源不断，伦勃朗也因此由一个普通的平民一跃成了显耀的“贵族”。然而，难得的是，画家并没有为了维持这令人羡慕的“贵族”生活而墨守成规，而是不断地实验、探索，不断地突破自己。在他36岁那年，他又以前所未有的“光线语言”在《夜巡》一画中表现了紧张而变幻不定的情绪、气氛，反映了他在探索“光线语言”揭示主题的表现上所达到的深度和开拓精神。但是，订画者并没有认识到这一点，他们因都付了同样的费用而没有受到同样的“待遇”（没有以同样的光线或角度被画家表现）而大为不满，甚至他们告到了法院……这意味着，画家不但得不到报酬，反而，还要赔偿他们的“损失”，也将会因此而失去原有的“威望”。但是，伦勃朗顶着巨大的压力不予理睬。他认为“比金钱更重要的是名誉，比名誉更重要的是自由”。为了艺术上的崇高信念，他没有去迎合，宁愿从一个上层的“贵族”沦落为一个下层的平民。《夜巡》作于1642年,尺寸为363X437厘米,现藏于阿姆期特丹国立美术馆。伦勃朗的《夜巡》，是外国美术史上一件著名的作品。原是画的白天，后因画面色调变暗，长期被误认为是夜间。此画原是阿姆斯特丹民兵总部委托伦勃朗给他们画的团体肖像画。可是，不为世俗观念所左右的伦勃朗把它画成了一幅具有鲜明生活气息的风俗画。它的基本情节是民兵总部突然接到执行任务的命令，领队班宁·柯克大尉和另一中尉急忙集合队伍准备出发。所以，画面上的民兵们是匆忙聚集的人群。强烈的明暗对比、错综的光线和纷乱的戏剧性场面，突出体现了伦勃朗的艺术风格，同时增强了画面的深度和统一感。穿插在民兵中的小孩进一步增强了画面的生活气息。画面上的人物主次分明，民兵们的形象极富变化。但是，它违背了当时团体肖像画的常规，订购者拒绝接受，并且向法院提出控告。为此，伦勃朗的声誉受到了严重的损害。但历史证明，这是一幅富有创造性的团体肖像画。此画可以说是伦勃朗艺术和生活的一个重要转折点伦勃朗因为把艺术,名誉和自由看得比金钱更重要
而不愿迎合资产阶级和小市民那种平庸的艺术趣味而降低作品的艺术性,不愿放弃自己的美学观
点和表现手法,因此而得罪了那些没有丝毫艺术欣赏力的订画者,在生活上很快沦为贫民,而且从此
不再收到他们的订单了。《宫女》318×276厘米1656年藏马德里普拉多博物馆西班牙画家委拉斯凯兹的《宫女》也是一幅别出心裁的群像肖像画。它好像是我们在马德里皇宫漫游时，偶而发现的身为宫廷首席画师的委拉斯凯兹正在他一间大画室中作画的情景。这时，打扮得非常漂亮的小公主和她的侍女们突然闯了进来。这一切都描绘得那样真实。但是，仔细审视画面之后，就会从墙上的一面镜子中出现的影像中，发现委拉斯凯兹原来是正在给国王和王后画像。画面深处一门口站着的一位骑士回头看的姿态进一步说明了国王和王后正站在与我们观众同样的位置。所以，这幅群像肖像画的构思和构图是极其巧妙的，其描绘技巧也是十分高超的。
纺纱女油画220×289厘米1657年藏马德里普拉多博物馆
《教皇英诺森十世》油画，１２０×１４０厘米，１６５０年作，罗马多利亚美术馆藏大多数的名画很难激起观众视觉经验的惊奇，一者因为耳熟能详的缘故，二者名画向来被捧得太高，以至令人厌倦。不过委拉斯凯兹（DiegoRodriquezdeSilvayVelasquez，1599——1660）的这张《教皇英诺森十世肖像》（1650）似乎是个例外。尽管问世已经三百多年，但它依然能够强有力地震撼当代观众的感官知觉。从此画的形式看，它与欧洲当时的其他肖像画没有什么两样，人物的姿态、构图都符合肖像画传统，这与此画那种不同寻常的真实感形成了强烈对比。它令人想起委拉斯凯兹的同时代观众对其作品的评价：“所有其他的作品都是绘画，只有这一幅才是真实的。”此画是委拉斯凯兹第二次访问意大利期间画的。在罗马，作为西班牙国王腓力四世的宫廷画家，委拉斯凯兹出席了教皇英诺森十世主持的1650年庆典。当时他还会见了同时代的画家普桑（NicolasPoussin，1593／1594——1665），雕刻家贝尼尼（GianlorenzoBernini，1598——1680）等人。就是在那里，应英诺森十世之请，委拉斯凯兹画了这幅有名的肖像画。据说当教皇本人第一次看到这张画时几乎是吃惊而不安地说了一句话：“画得太像了！”这个真实显然来自画家对人性的观察深度。委拉斯凯兹和十八世纪的西班牙宫廷画家哥雅（FranciscodeGoyayLucientes，1746——1828）在生平经历方面相似，艺术声望也相当，而且都为王室、贵族画过许多肖像画。但是哥雅毫不掩饰他对宫廷贵族的鄙视，他着力于揭示贵族们的庄严华丽外表与头脑的呆滞，内心的空虚之间的惊人对比，他的画笔锋利如刃。委拉斯凯兹则对各种身份的人一概平等对待，无论贩夫走卒，还是王公贵族，他都能“画如其人”。《教皇英诺森十世肖像》是一个很典型的例子，在这幅画中，他只是把对象当作一个“人”来表现，画出他的身份和他的性格。从这样的作品上，看不到作者的好恶，因为他并不“介入”，他“观察”。正因为如此，委拉斯凯兹的教皇肖像在那个没有发明摄影术的年代几乎可以说是“客观的”写实绘画。画面上没有任何夸张，一切只忠实表现画家的视觉所见。创作此画时，画家刚过五十岁，正值创作的盛年。如果说他早年的《卖水人》这样的作品还有卡拉瓦乔风格的影子，那么这时候的委拉斯凯兹早已创造了自己的艺术王国。他对解剖、造型、色彩的把握在此画中体现得淋漓尽致，以致于人们在这样的作品前很难意识到这只是一张“画”。人们的全部注意力为画家对人性的描绘的深度和广度所吸引，这是绘画史上的奇迹之一。难怪教皇会感到吃惊，他无论如何想象不到，这位西班牙画家竟能在他的善于伪装的外貌上真实地表现出一个以阴谋和狡诈著称的权势人物的内心世界。委拉斯凯兹的力量就在这里。委拉斯凯兹，1599年6月6日诞生于塞维利亚城，当时是西班牙对外贸易的重要港口。由于对外贸易发达，经济繁荣，文化艺术也随之迅速发展。这是西班牙文艺繁荣的“黄金时代”。委拉斯凯兹作为艺术家的生平一帆风顺，也就没什么传奇色彩。他从12岁起师从塞维利亚画家佛朗西斯科·帕切科，五年后加入画家行会，开始了独立生涯。次年，他娶了帕切科的女儿芙安娜。从早年起，委拉斯凯兹就显示出他善于从身边熟悉的事物中采取题材的特点。他的早期作品多取材于城市下层人民的生活，如作于1617——1619年之间的《卖水人》，《三个音乐家》、《煎鸡蛋的老妇人和少年》等等。这些作品采用了卡拉瓦乔式的明暗对照的方法来组织画面。风格虽未成形，但已经显示出一些明显的个人特点，特别是那种平和爽朗的处世态度。虽表现社会底层百姓的生活，但调子并不忧伤。1623年，委拉斯凯兹迁居马德里，他有机会觐见国王腓力四世，并为他作了肖像。国王非常满意，下令把他的其他画像全部从墙上取下来，宣称今后只有委拉斯凯兹才有资格为他画像。进入宫廷后，委拉斯凯兹很快成为欧洲首屈一指的画家。起初他受到一些宫廷画家的排挤，他们嘲笑他出身低下，艺术拙劣，只会画头像，别的一无所长。不过委拉斯凯兹用他的作品有力地反击了这些对手，如《酒神巴库斯》（1629）《阿波罗来到火神的锻铁场》（1630）、《布列达的投降》（1634——1635）等，反映了他在艺术上的全面才能。晚年他更创作了《宫娥》（1656）、《纺织女》（1657）等。然而，由于地位的关系，肖像画是委拉斯凯兹进入宫廷后画得最多的绘画类型，而且也最能反映他的“客观”画风。《教皇英诺森十世肖像》成为欧洲文艺复兴以来最有名的肖像画之一。
俄国画家苏里柯夫（VassilyIvnovichSurikov，1848———1916）对此画极为推崇：“这一切都很完美，技巧、形式、色调每一部分都使人惊奇———这是一个活的人，这是所有过去绘画中高于一切的绘画。”二战以后的英国画家佛朗西斯·培根（FrancisBacon，1909——1992）还曾经以此画为基础作过一系列著名的变体画，如《保罗二世》（1951）。今天，在画家的故乡塞维利亚还能看到一座委拉斯凯兹雕像，基座上刻着：纪念真实的画家。《Magdalene》Oil on canvas, 122,5 x 98,5 cm Galleria Doria-Pamphili, Rome 《Bacchus》Oil on canvas, 95 x 85 cm Galleria degli Uffizi, Florence <>Oil on canvas, 66 x 49,5 cm National Gallery, London 《海伦娜.弗尔曼肖像》79
×54厘米1620-1625年现存伦敦国立美术馆风景画和静物画欧洲的风景画和静物画，在16世纪末和17世纪初即已成熟。风景画以17世纪荷兰最突出。它的主要特点是写实，善于从平凡的景物中发现美，且有鲜明的地区特色。著名风景画家雷斯达尔的《埃克河边的磨坊》便是重要的代表作之一。17世纪荷兰普遍流行的用风力做动力的磨坊的风车，像一个巨人屹立在埃克河边。这是典型的荷兰风光。大面积的略带蓝色的灰色云朵聚集在空中，给人以飘动的感觉。它和河面上的船只形成了力的平衡。整个画面宁静而又充满生气。强烈的空间感和光感，使观众如在画中。《Still-Life with Flowers and Fruit》Oil on canvas, 105 x 184 cm 1590s Galleria Borghese, Rome 《花果篮》油画46×64.5厘米1596年藏米兰安布罗西阿纳美术馆这时期的静物画，在描绘客观物象的形态、质感和色泽等方面，达到了很高的技巧，充分显示了西方传统绘画高超的写实技巧。
17世纪意大利画家卡拉瓦乔的《花果篮》突出地体现了这方面的高度成就。它不仅构图自然严谨，而且对花果、篮子的形态、质感和色泽的描绘，达到了乱真的地步。尤其令人叹为观止的是它的一丝不苟的细节描写，如苹果上的斑点，被虫蛀的和业已枯萎的叶子等。18世纪法国画家夏尔丹多描绘平民家庭的生活景物，他画的静物画朴实无华又内涵丰富，给人以温馨亲切的感受。这种取材于日常生活的静物画所体现的美，使我们联想起19世纪法国最杰出的雕刻家罗丹的名言：“生活里到处都存在着美，就靠我们去发现。”
不管是富于意向性的中国山水画，还是善用明快色彩的西方油画都给我们提供了一扇通往美的世界的大门。在欣赏完中国与外国的美术作品后我不经问自己我得到了什麽？粗看之下中外美术绘画作品只是在给我们展示一幅幅山水和人物，并没有向我们展示任何其他的东西，但细想之下我们就会发现那些超越作品单纯表现之外的含义。那不仅仅在是一幅幅的山水和人物，而是整个世界甚至是无所不包的宇宙了。通过美术作品的欣赏我发现了以往经常被我们忽视的那些东西，以下就是我的一些感受。 众所周知，美术的鉴赏是运用感知、记忆、经验、知识，对美术作品进行感受、体验、分析、判断而获得审美享受和美术知识的过程。我之所以选了中外美术经典作品赏析这门课其实原因很简单，我自小非常喜欢美术方面的东西，对这些看似神秘的艺术形态十分好奇，很想从这课程当中得到一些艺术的知识与熏陶。记得曾经看过一幅油画，画面上描述了优美的风景，当时只是觉得那很美，想要表达些什麽但却又不知如何说起。后来在上完这门课之后我才发现原来我看过的那幅作品竟是西方最著名的风景画的代表，作者就是法国巴比松画派的代表人物让·巴蒂斯特·卡米耶·柯罗，而这幅作品就是他的《孟特芳丹的回忆》。我尝试着用我在这门课上的心得来再次欣赏这幅作品时，从整幅作品的构图、基调、色彩和透视技巧等方面来再次欣赏，我获得了前所未有的感受，整幅作品是那样的动人和生动，柔和的颜色充斥于整个画面，渐渐的我仿佛融到了画面之中许久不能自拔，我想这就是美术的魅力之所在吧。当然我懂的还不是很多，但我能稍微懂得作者的心情与这幅画所要表达的感情，这就是我最大的收获了。 在我看来美术作品的最终意义，就在于使我们的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使我们的身心在欣赏美术作品的同时得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。犹如一首淡淡的歌一般，美术已经渐渐的融进了我的身体之中了，它给我的身体带来了养料，在欣赏时我可以完全的投入其中暂时不去思考现实之中的种种不快，美术就是拥有这种令人痴迷的魅力。最后感谢胡老师您了，是你带着我们进入了美的世界并用语言教会了我们如何去发现美的事物。谢谢！
中外电视剧精品赏析 摘要：英国作家约翰·埃利斯曾经说过，电视剧是一个国家和民族的私生活。由此可见，赏析中外电视剧精品是有一定的价值的。 关键词：中外，电视剧，精品，赏析 电视剧的艺术特性决定了它本质上是展现人类心灵世界的艺术，黑格尔说的好：“艺术作品应该揭示心灵和意志的较高远的旨趣，本身是人道的有力量的东西，内心的真正深处。”在现实生活中，每时每刻，在世界上的某一个角落，总会在上演着人生中不平凡的故事，总会彰显着人性中丰富的品质。而这一切，都在电视剧小小的镜头下被展现的淋漓尽致，而这一切，都在电视剧美妙的艺术下被描绘得栩栩如生。我们常用“戏剧化”来形容我们变幻莫测的人生，孰不知，电视剧的产生正是基于我们丰富的经历。那镜头下映射的正是生活，那屏幕上演绎的正是人性，那电视剧艺术背后的正是人生的影子，人性的化身。 优秀的电视剧作品有很多，但由于本人涉猎不多，现列举我看过的中外电视剧精品各一例，与大家分享： ·中国《甄嬛传》 ，但是从没有一部电视剧是这样吸引我，电视剧后宫甄嬛传改变自流潋紫的同名小说，由郑小龙导演，孙俪，陈建斌，蔡少芬等主演，由北京电视艺术中心制作。该剧是一部宫廷情感大戏，更注重描写“后宫女人”的真实情感，剧中甄嬛从一个不谙世事的少女，成长为一个善于谋权的深宫妇人，凝结了千百年来无数后宫女子的缩影。该剧因涉及大量宫斗成分，常常与2004年的《金枝欲孽》相媲美，自播出以来引发收视狂潮，将即《金枝欲孽》后成为另一个宫廷剧的经典。2012年3月26日，《后宫·甄嬛传》已经在安徽卫视、东方卫视联播。收视率连续一个多月排在同时期冠、亚军。 小山重叠金明灭，鬓云欲度香腮雪。懒起画蛾眉，弄妆梳洗迟。照花前后镜，花面交相映。新贴绣罗襦，双双金鹧鸪。 到最后甄嬛还是孤独一生。为保全自己的孩子不得不骨肉分离。终究还是没逃过鹧鸪双双的命运。 用李商隐的这首诗来形容甄嬛的处境恰到好处，在后宫之中为了自保，即使再纯洁的人也会被无情地同化，后宫争权夺利，勾心斗角，皇帝为巩固政权随时可以牺牲他人，不论是后宫还是皇帝都不是可依可靠之处。 沈眉庄，甄嬛在深宫中的挚友，即使无心与人争斗，也落得遭人陷害，遭人算计致死，甄嬛却无能为力。 果亲王，甄嬛挚爱，虽无心觊觎帝位，却遭兄长质疑，即使戍边三年，也不得善终。甄嬛抱憾终身。 自古江山与美人是皇家必争之物。西周周幽王微博红颜一笑烽火戏诸侯，汉有刘彻金屋藏娇，唐有一骑红尘妃子笑，其中不乏千古佳话，同时也有人背上千古骂名。 《甄嬛传》与其他宫廷剧比，演员以实力派演员为主，不走偶像路线。《甄嬛传》不像其他热播的古装宫廷戏一样，找一些年轻的偶像演员，只是为了一时的收视率，比如去年热播的电视剧《宫》，就以年轻演员为主，不注重情节，只
中外美术欣赏（外国） 1.古希腊建筑： 古希腊的三种柱式： ①多立克柱式（或陶立克柱式）---又被称为男性柱，柱高与柱直径的比例是6:1，凹槽20条。eg：帕提农神庙 ②爱奥尼克柱式---又被称为女性柱，柱高是其直径的8—9倍，凹槽24条。这种柱式比较纤细轻巧并富有精致的雕刻，柱身较长，上细下粗，但无弧度，柱身的沟槽较深，并且是半圆形的。eg：雅典娜胜利女神庙 ③科林斯柱式：柱头是用毛莨叶做装饰，形似盛满花草的花篮，形成两对涡卷，装饰性强。四个侧面都有涡卷形装饰纹样，并围有两排叶饰，特别追求精细匀称，显得非常华丽纤巧。eg：雅典宙斯神庙 2.罗马建筑的特点？（简答题） 罗马建筑一般以厚实的砖石墙、半圆形拱券、逐层挑出的门框装饰和交叉拱顶结构为主要特点。 3.中世纪教堂的建筑形式：哥特式罗马式 4.哥特式建筑的特征：①门窗由半圆拱形改为尖拱，更具向上的方向感②柱子采用束柱，就是一根柱子做的好像几根细柱，捆成一束，垂线感觉强烈③拱顶则用尖券形成交叉式或六分肋拱作为承重构件④飞扶壁在外墙和柱间的运用起到了斜撑的作用，同时飞扶壁做的很灵空，起到装饰作用⑤窗饰花纹有宗教的寓意 5.中世纪的工艺美术特点：神圣威严 6.巴洛克式建筑： 特征：外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻，有强烈的色彩，常用穿插的曲线和椭圆形空间。 建筑特点：①炫耀财富②常采用非理性组合手法产生反常与惊奇的特殊效果 ③充满欢乐的气氛④标新立异，追求新奇 7.洛可可建筑：柔媚细腻和纤巧的建筑风格。 8.浪漫主义建筑：在艺术上强调个性，提供自然主义，这种思潮在建筑上表现为追求超主脱俗的趣味和异国情调。 9.现代主义建筑：具有鲜明的理性主义和激进主义的色彩，又称为现代派建筑。eg：包豪斯校舍 10.现代主义建筑的特征：①对建筑的空间重视②灵活多样的建筑外形③建筑装饰的简化④运用新材料新技术 11.最早的美术学院：意大利的博洛尼亚美术学院 12.文艺复兴时期： 早期：14--15世纪早期画家乔托马萨乔把人文思想与对自然的逼真结合。 中期：盛期三杰（达芬奇米开朗琪罗拉斐尔） 达芬奇的代表作：《岩间圣母》《最后的晚餐》《蒙娜丽莎》 米开朗琪罗的代表作品：《创世纪》《最后的审判》《大卫》 拉菲尔的代表作品：《西斯廷圣母》《圣母子》《椅中圣母》 17--18世纪：巴洛克艺术 13.《蒙娜丽莎》：（作品分析）达芬奇，①构图：半身②表情眼神嘴角③运用优美的自然景色 14.巴洛克艺术的特点：
镇馆宝物之一《米罗的维纳斯》 《米罗的维纳斯》创作于公元前2世纪末，高204厘米，1820年发现于爱琴海的米洛岛，1821年后为卢浮宫所收藏。她被誉为“黄金时期的缩影”，总结了古希腊所代表的一切。女神失去了双臂，但保留了完整的头部和面容，使我们能一睹女神秀美的风采。雕像从头、肩、腰、腿到足的曲线变化使人体以无比圣洁的姿态展现在人们眼前，沉静的表情里有种坦荡而自尊的神态，在她的面前，人们感到的是亲切、喜悦及对生命自由的向往，丝毫没有俗媚和肉欲。艺术家充满深情地表现了女性温柔宁静的美，被认为女性美的原型。 虽然米罗的维纳斯诞生已有2000多年，但站在她的面前，丝毫感觉不出她有“古董”的气息，她是那么美、那么纯，微微倾斜的身体静静地矗立在那里，仿佛在沉思，仿佛在等待，曳地的长裙自然下垂，呈现出流畅的衣褶，使女神具有一种柔和的流动感。在她面前可以感觉到强烈的艺术感染力，可以净化人的灵魂，升华人的精神。 镇馆宝物之二达·芬奇的油画《蒙娜丽莎》
达·芬奇的油画《蒙娜丽莎》想必大家都熟悉，又称《乔空达夫人》，在其创作中具有代表性。位列卢浮宫三宝之首。艺术家用了近四年的时间创作了这幅油画，可谓苦心经营。后来他把这幅画献给了法兰西斯一世，之后一直被保留在卢浮宫内。达·芬奇在绘画过程中一反当时肖像画华美的装饰效果，把人物性格与特质的脸部作为最重要的因素，并使它成为最显眼和重要的构图中心。他还认为面部表达的微妙表情中还需有活人的真实感，这种真实感是左右一切的力量。可以看到，夫人微微开启的双唇和嘴角的微笑，充满温情的双眸，在暗色调的衣服和幽远背景的衬托下给人一种莫名的吸引力。扶靠在椅背上交叠着的柔若无骨的双手，与端坐的人物形成了三角形的构图，使整个画面充满安逸祥和的气氛。画家在一个具体人物的身上创造出理想化的美，使瞬间即逝的面部表情成为一种喜悦的永恒象征。这幅肖像画中所表现的以人物为中心的倾向对以后的画家产生了极大的影响，为近代肖像的技法打下了基础。 据说蒙娜丽莎还很神秘，无论你站在她的正面还是两侧，她的目光总是盯着你，甚至似乎在向你眨眼睛。她的笑容也不一般，不同的人或不同时间看她，总会有不同的感觉：亲切、温柔、娇嗔；玩世不恭、嘲弄讥讽抑或是……。特别随着岁月的流逝，画上油彩开始出现一些细微的裂痕，越来越使她的笑容变得诡秘。
作品分析 中国 1.赏析董源的《潇湘图》 《潇湘图》是五代画家董源的代表作，以横幅形式描绘江南山丘、沙岸、江河纵横的秀美景色，表现了南方的山势平缓、烟雨朦胧、淡然天成的艺术境界。山头丛林杂树以水墨点染，平沙坡岸间以披麻皴擦描绘而成，开卷处有两位宫装女子并立，滩头列有五人击鼓奏乐，江面舟中有朱衣贵族端坐，后段近岸处有人拉网捕鱼，山水皆以花青运墨点染，平淡幽深，生动地表现出江南气候湿润，烟雨迷蒙的特色。人物以细笔重彩描绘，神采历历俱足，是董源的传世名作。 2.赏析八大山人的《孔雀牡丹图》 《孔雀牡丹图》画了两只空气立于头重脚轻的卵石顶端。作者于图中画形貌丑陋、白眼向天的孔雀，尾拖翎毛三支，站于不稳的石土之上，以此来表现自己孤傲不群、愤世嫉俗的性格，从而创造了一种前所未有的花鸟造型。八大山人的花鸟画往往从立意、构图和题诗方面表达作者对国破家亡的悲愤凄凉的心境。同时宣泄着他对现实的强烈不满。在该幅作品中八大山人借用两只丑陋的孔雀、题诗及其独具风格的落款，通过诗画结合，嘲笑了哪些唯命是从的奴才，具有辛辣的讽刺意味。 3.赏析《霍去病墓石雕》 霍去病是西汉汉武帝时的名将，因有战功，封为骠骑大将军，死后陪葬武帝茂陵旁，有大型石雕散置墓旁，以作纪念。《霍去病墓石雕》多是根据原石自然形态、运用圆雕、浮雕、线刻等手法雕刻而成。浑厚深沉，粗放豪迈，简称传神。代表作品有“马踏匈奴”“伏虎”“跃马”等。石雕散置于封土之上，远望如山石，近看神态十足，是中国现存最早、保存最完整的一批石雕艺术精品。 4.赏析帛画《人物龙凤图》 这是1949年在湖南陈家大山楚墓中发现的我国现存最早的绘画作品之一。此画表现楚国贵族妇女祈祷飞腾的龙凤引导她的灵魂登天升仙的场景。此画主要采用墨线勾描的表现手法，线条运转有节奏韵律感，用色单纯。黑白块的对比，点、线、面的结合，使形象有一定的重量感。此画以墨线勾画，可以认为战国时期已经形成了中国线描人物的传统风格并达到了较高水平。 5.赏析赵佶的《芙蓉锦鸡图》 全图设色艳丽，绘芙蓉及菊花，芙蓉指头微微下垂，枝上立一五彩锦鸡，扭首顾望花丛上的双蝶，比较生动地描写了锦鸡的动态。这种表现形式在宋代花鸟画中很流行。五彩锦鸡、芙蓉、蝴蝶虽均为华丽的题材，但此构图不同于一般装饰，而充满了活趣。加以双勾笔力挺拔，色调秀雅，线条工细沉着；渲染填色薄艳娇嫩，细致入微，实达到了工笔画中难以企及的形神兼备、富有逸韵的境界。
《中西方绘画艺术作品对比赏析》 ——泼墨仙人和吹笛少年 会计专科1105班万毅指导老师李雅娟 【内容摘要】美术即是以物质材料为媒介，塑造可观的静止的,占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术表现。表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态。在漫长的历史发展过程中，中西方的绘画艺术也在逐步完善，各自都出现了很多优秀的代表作品。由于中西方的地域环境、文化、历史等等人文环境的不同，因此，中西方绘画艺术在观念和表现上有着差异和趋同性，通过中西方绘画作品内容、形式的对比，以及中西方艺术观念差别的简单描述，最终认识到中西方在差异和区别之上的共同目标。中国非常强调人与自然的调和，认为自然先于人类而存在，人是自然中后生的一部分；而西方则认为人是自然的主人，自然为人类而存在。这种观念的差异，表现在艺术中，就形成了不同的艺术主张，也使的艺术形式和表现的多样化。在艺术实践中，形成了不同的传统和风格。中西方世界观、艺术观等方面虽然有着差异，但毕竟是生活在同一片蓝天下的人类，必然存在着相似或共同点。本篇论文就是通过分别介绍一幅中西方的代表作品，来认识中西方绘画的差异。通过分析和对比中西方文化的差异，做到相互借鉴，取长补短。更好的去发展和弘扬中方文化艺术。 对比作品为梁楷的《泼墨仙人》和马奈的《吹笛少年》 【关键词】梁楷；泼墨仙人；马奈；印象派 【正文】 （1）梁楷——《泼墨仙人》 梁楷是南宋画坛上独树一帜的大画家，擅长画人物、鬼神和道教佛教中的神佛，同时亦画山水、花鸟，水平也很高，晚年曾被任命为南宋画院的待诏，并赐佩金带，由于厌恶画院中的种种清规戒律，毅然将金带挂在院中，悄然离职而去。他这种豪放不羁的性格也生动地体现在作品中。《泼墨仙人》是梁楷的代表作，也是中国古代人物画泼墨人物代表性作品。 《泼墨仙人》中的仙人形象，并不象古代壁画中的神佛，头上画着光环，神情庄重玄妙，不可一世，竭力表现出某种崇高感、神秘感。这个形象似乎来之于生活，正如后人题款上写道：“大似高阳一酒徒”，象喝醉的和尚，长襟宽袖上洒满了酒渍，醉意朦胧，漫步街头，自得其乐，有着人间的真实和亲切感。然而，他又绝对不是人间可以寻找到的形象，前额和秃头是那样出奇地高耸宽大；眉眼口鼻又是那样出奇地挤在一堆，似醒未醒，似笑非笑，一脸怪相，似乎有着无限的智慧，看透了宇宙的一切，他袒露胸腹，无拘无束，精神在自由自在的天地中飞翔。这种极度夸张了的形象，是人，也是神，或者说是人化的神。 在这幅画中，画家梁楷对画中人物以简化和夸张、变形等处理使之“传神”。相比于西方人物画，中国人物画除了在手法上不最求科学真实外，中国作品留下的印象却一时难以找到恰当的现代词汇来概括，这时还是觉得“气韵”二字比较符
1.什么是美术鉴赏?其本质是什么?谈谈如何提高自己的美术鉴赏能力? 2．欣赏者首先应保持注意的稳定性,在欣赏美术作品时欣赏者一要注意把感受、思考、联想、想象等心理活动指向并集中于某一特定的作品，有时还需要保持相当长的时间，才会在欣赏中逐渐得到较为深刻完整的认识，因为画面中的每一处细节都是画家经过深思熟虑、精心按排的，都在起着十分重要的作用。要展开联想和想象的翅膀，面对抽象美术作品时，欣赏者要学会发现其独特的艺术个性。只有多看、多想、多实践才能逐渐对一般的艺术规律有一些基本认识，有了这些认识，则有助于我们在今后的美术鉴赏中，更好的感受和理解每一件具体的艺术作品。要想提高美术作品鉴赏能力，不仅需要接触作品本身，还要了解不同艺术样式，不同流派的风格特点，此外还应具备相当的历史文化修养，方能真正成为一个高水平的鉴赏者。 2.简述中国人物的“形”“神”论并结合具体作品分析 1.中国古代关于心身关系的理论。虽然这是一个哲学问题，但却包含深刻的心理学思想。形指身体，神指精神或心理。 2.顾恺之的代表作之一《洛神赋图》在气势恢宏的大汉王朝结束之后， 第一、魏晋南北朝大动乱、大灾难的时代，但也是一个民族大融合，文化大融合的时代。文人开始有了较多的思想自由，在艺术界，艺术要表现人们主观情趣的要求被突现出来，顾恺之等画家们已不满足于描绘事物的外形，而把更多的注意力投放到刻画人物性格方面来。第二、顾恺之也是出身于一个文化氛围极浓的士大夫贵族家庭。仕途及艺术方面发展奠定了一定的基础顾恺之自己的努力。除过众多客观原因，顾恺之所取得的巨大成就和他自身的努力是分不开的。顾恺之天资聪颖，从小又受有良好的教育，所以他从少年时期便禀赋超群，显现出极强的艺术潜力。离开礼教和政治等严肃的话题而重视人物的言论丰采和才华在顾恺之的作品中被充分用到。这表示绘画艺术视野的扩大，从而为人物画提出了新的要求——表现人的性格和精神特点。顾恺之的一生给后世留下了众多的著述和画迹。他提出了传神论、以形守神、迁想妙得等观点，为后人研究中国画提供了许多理论依据。通过研究分析作品创作的时代背景，有助于我们更清晰的了解魏晋时期的整体美学思想和魏晋南北朝之后中国古代绘画史整体的发展走向。
中西方绘画作品比较赏析 ——绘画的两大体系赏析 内容摘要：中西方艺术文化都有着悠久的历史，在不断演变的同时，既继承先辈留下来的风格，也加入每个时代赋予的新元素。 这篇文章中将中西方艺术中两大体系的主要代表绘画作品进行各个角度的分析和研究，从中找出共性和各自特色为今后的艺术学习研究创作夯实基础。 中西方绘画注重表现与写意，既强调感性；而西方绘画注重再现与写实，既强调理性。这就决定了中西方绘画的表现手法不同。中国画不固定在一个立脚点作画，也不受固定视野的局限，而是根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见的到的和见不到的景物统统摄入自己的画面，即运用了散点透视法。西方画家则是理智地进行构图，采用科学的透视学和色彩学来表示近大远小焦点透视和色彩的空间变化，形象的立体感很强，逼真肖似，具有典型性。 所以中西方传统绘画让人感觉是两个不同的体系，给人的感觉不同。 关键词：绘画的两大体系赏析；中国画；壁画；水彩、水粉画；版画；素描；新画种。 绘画的两大体系：欧洲油画和中国水墨画。 油画艺术可以说是世界绘画艺术中最有影响的画种。油画是以油为调和剂调和颜料在经过制作的不吸油的平面上描绘而成的绘画。其特点是颜料色彩丰富鲜艳，能够充分表现物体的质感、量感，能够传达物象所处空间的光线、色调和气氛，使描绘对象显得逼真可信，具有很强的艺术表现力。 中国画是中国传统绘画的统称。从广义上说，中国画包括中国传统绘画的各种 类别，但我们所说的中国画通常是指以水为调和 剂，以墨为主要颜料的一类，又称“水墨画”、“彩 墨画”。中国画表现出变化无穷的线条情趣，以墨 代色则表现了中国画独具特色的丰富的艺术表现 力。
艺术作品赏析论文参考范文 艺术赏析课应充分发挥艺术感性形式的优势,以情切入,以理导引,情理并重,才能引导学生以切实的内心体验参与艺术的感悟,以情感激发理性,促进艺术教育目标的达成。下文是学习啦小编为大家搜集整理的关于艺术作品赏析论文参考范文的内容，欢迎大家阅读参考! 艺术作品赏析论文参考范文篇1 试谈《镀金时代》中黑色幽默语言艺术的应用 《镀金时代》是马克?吐温的代表作，这部小说揭露了当时美国社会扭曲的价值观以及人们对于财富的疯狂向往。其中，应用了大量的黑色幽默表达方式，让“镀金时代”这个词语成为美国社会的代名词。本文拟对《镀金时代》中黑色幽默语言的应用进行探析，以深入理解马克?吐温的写作手法。 一、《镀金时代》的创作背景 《镀金时代》是马克?吐温创作生涯中的首部长篇小说，这部小说受到了业界的高度评价，为读者展现是美国经济膨胀时期人们价值观和道德观的扭曲。《镀金时代》完成于1873年，当时南北战争结束，为经济的发展扫平障碍，大量移民聚集到美国，希望可以趁机发笔横财，而当时美国西部的矿产资源也吸引了大量的外来者，整个美国经济实力开始膨
胀，一跃成为当时的世界强国。美国南北战争彻底摧毁了奴隶制度，为美国资本主义经济的发展奠定了基础，工业革命大大提升了当时的工业生产效率，让美国经济得到进一步发展。在这种历史背景下，马克?吐温用诙谐、幽默的表达手法创作出了具有里程碑意义的《镀金时代》。 二、《镀金时代》中蕴含着现实主义的黑色幽默语言 《镀金时代》中，作者应用大量蕴含现实主义的黑色幽默语言来讽刺与鞭笞当时美国社会的掠夺和投机行为，成功的刻画出西部投机者、政府官吏与东部企业家等人物形象，将当时社会的投机取巧、贫富差别、巧取豪夺刻画的入木三分。书中内容描写的是美国经济社会迅速发展的阶段，看起是“黄金时代”，实际上人性异化、物欲横流。人与人之间的关系不再单纯，而演变为赤裸裸的金钱交易，每一个人都为了自己的利益打着小算盘。 在《镀金时代》中，郝金斯老爹为了给子女带来巨额财富，期望他们“生活得像王子，受到追求和崇拜，名字在大洋与大洋之间传播”，于是乎大肆买地，在当时人们的思想中，有钱就拥有了一切。小说的主人翁塞勒斯上校一贫如洗，但是内心深处却有很多的发财计划，其中一个计划就是在全国甚至全世界销售假的眼药水。一些贪婪的投机者，骗取他人钱财来给自己投资，露丝的父亲正是因为想一夜暴富而屡屡被骗子欺诈。露丝不禁向父亲提出了这样的问题：
《民间美术作品欣赏》 课程设计题目： 学《民间美术作品欣赏》心得 姓 名： 艾斯 班 级： 土木工程1402班 学 号： 99号 老 师： 刘 凌 江 日 期： 2 0 1 5 年 12 月
《民间美术作品欣赏》心得 本来对中国民间艺术了解不多的我，在上了“中国民间艺术欣赏”这一课时之后，对其了解了一二。虽然不是很多，加上因为这一课时而引起的兴趣而上网了解更多了。 民间艺术是针对学院派艺术、文人艺术的概念提出来的。广义上说，民间艺术是劳动者为满足自己的生活和审美需求而创造的艺术，包括了民间工艺美术、民间音乐、民间舞蹈和戏曲等多种艺术形式；狭义上说，民间艺术指的是民间造型艺术，包括了民间美术和工艺美术各种表现形式。 按照材质分类，有纸、布、竹、木、石、皮革、金属、面、泥、陶瓷、草柳、棕藤、漆等不同材料制成的各类民间手工艺品。它们以天然材料为主，就地取材，以传统的手工方式制作，带有浓郁的地方特色和民族风格，与民俗活动密切结合，与生活密切相关。一年中的四时八节等岁时节令、从出生到死亡的人生礼仪、衣食住行的日常生活中都有民间艺术的陪伴。 按照制作技艺的不同，又可以将民间艺术分为绘画类、塑作类、编织类、剪刻类、印染类等等。 从创作者的角度看，民间艺术是以农民和手工业者为主体，以满足创作者自身需求或以补充家庭收入为目的、甚至以之为生计来源的手工艺术产品。 从生产方式看，民间艺术是以一家一户为生产单位，以父传子、师带徒的方式世代传承的。
从功能上看，它包括了侧重欣赏性和精神愉悦的民间美术作品，也包括了侧重实用性和使用功能的器物和装饰品。作品的题材和内容充分反映了民间社会大众的审美需求和心理需要，造型饱满粗犷，色彩鲜明浓郁，既美观实用，又具有求吉纳祥、趋利避害的精神功能。 在刘老师的课上，我学到了很多，收获了很多。下面通过分析几幅画来讲讲我在民间美术作品欣赏这门课上的心得体会。 首先，我们来讲讲陶艺。瓷器是中国古代的一项伟大发明，中国的英文名称叫China，意思是陶瓷。从这一点就可以看出陶艺瓷器在世界民间艺术界的地位。陶瓷形态的基本材料是土、水、火、金。人只有掌握了水土揉合的可塑性，流变性，金属釉面的涂画方法以及成型方法和烧结规律，才能促成陶艺形态的产生和演化，使陶瓷器物产生美的形式，瓷器产生美好的釉面。这也是老师的一幅作品。课上老师也让我们参观了陶艺工作室，真想亲自试试。
中国美术作品鉴赏 1.简述张择端《清明上河图》三段的内容 （1）开首一段是京郊的农村风光； （2）中段是以“虹桥”为中心的汴河及其两岸船车运输、交通、手工业和商业、贸易等紧张忙碌的活动 （3）后段是城门内外街道纵横交错，店铺林立。车水马龙的繁华景象。 2张择端《清明上河图》 （1）、宋初市民阶层的形成，出现了以市俗生活为中心内容的风俗画。 （2）通过郊野、汴河、街市三个段落，展现了北宋都城汴梁汴河两岸清明时节的街市景象。 （3）构图采用散点透视。布局有序，内容丰富，主题突出。采用线描淡彩画法，并紧密结合对象的质感特征。 （4）体现了中国古代风俗画的最高成就，对研究宋代的城市生活以及民俗、服饰、建筑、工商、交通等具有重要的文献价值。
3分析王蒙的《青卞隐居图》： （1）元朝的“世事多变”造成文人画家逃避现实、隐遁山林。 （2）描绘了浙江吴兴县西北18里许的卞山景象。 （3）立轴采用高远法构图，画出卞山自山麓至顶全貌，结构谨严，纵横离奇。画草庐数间，点出了文人隐逸的主题。画法先以淡墨勾石骨，再用焦墨皴擦，淡墨微染，层层加深，层次井然。画面密而不塞，实中有虚，有深远的空间感。 （4）运用前代画家之法，创造出线繁点密，苍茫深厚的新风格。被明代画家董其昌称为“天下第一。” 4黄公望《富春山居图》 （1）元代统治者荣枯无常使许多汉族文人只得纵情诗酒。 （2）描绘了富春江一代的秋初景色。 （3）吸收董巨披麻皴而更加简括，显示出较深的笔墨功力。 （4）堪称古代山水画中的巨作。对后代画家具有深刻的启发和影响。
5阎立本《步辇图》 （1）唐代中央政权与边远民族的友好交往促进了政治的稳定和经济的繁荣。 （2）作品描绘的是贞观十五年唐太宗下嫁文成公主与吐蕃王松赞干布联姻事件。 （3）构图均衡，人物主次分明，形象生动，线条匀细挺拔，富有弹性。设色浓重并适度晕染，效果单纯而明朗。 （4）作品具有历史价值，现存关西藏最早的一幅历史画。阎立本是开一代画风的划时代人物。 6.顾闳中的《韩熙载夜宴图》 （1）、五代南唐政权的摇摇欲坠造成许多人对前途悲观失望，故而疏狂自放以蒙蔽朝廷耳目。（2）通过听琴、观舞、休憩、赏乐、调笑五个场面，描绘了政治上失意的官僚韩熙载尽情声色、颓 唐放纵的夜宴生活。 （3）构思严谨，人物性格刻划生动而有深度。衣纹组织严谨而又简练。设色以浓重色调为主，配以淡彩，间隔以大块的黑白，起着统一画面的作用。 （4）除绘画史上的重要价值外，也是研究音乐史、舞蹈史、工艺史的宝贵资料。
优秀艺术作品赏析 一、古典主义和新古典主义绘画历史文化背景有何不同？ 古典主义绘画偏重理性，注意形式的完美，重视线条的清晰和严整。它的美学原则是用古代的艺术理想与规范来表现现实的道德观念，以典型的历史事件表现当代的思想主题，也就是借古喻今。古典主义绘画以此精神为内涵，提倡典雅崇高的题材，庄重单纯的形式，强调理性而轻视情感，强调素描与严谨的外表、贬低色彩与笔触的表现，追求构图的均衡与完整，努力使作品产生一种古代的静穆而严峻的美。在技巧上，古典主义绘画强调精确的素描技术和柔妙的明暗色调，并注重使形象造型呈现出雕塑般的简练和概括，追求一种宏大的构图方式和庄重的的风格、气魄。 雅克·路易·大卫（或译作雅克·路易·达维德），法国古典主义画派的奠基人，画风严谨，技法精工。大卫最初的创作基本上是学院派的，到了意大利后，他深入研究古代雕刻和意大利文艺复兴绘画珍品，沉浸在古典美的追求中。他在接受德国古典主义美学观念时，保持着独特的见解。从1778年开始，他对意大利17世纪以写实风格见长的卡拉瓦乔派产生浓厚的兴趣，并吸收他们的明暗表现法来突出主题。受其影响，大卫创作了《帕特洛克罗斯的葬礼》等作品。他的艺术充满了时代革命气息，具有鲜明的政治倾向性，并将古典主义的艺术形式和现实的时代生活相结合。 新古典主义绘画它题材新、风格新，科学的飞速进步使人们既渴望发明的创新。它力求恢复古典美术(主要指希腊美术和罗马美术)的传统,强烈追求古典式的宁静凝重和考古式的精确,受理性主义美学的支持,大量采用古代题材。 尼古拉·普桑：法国新古典主义画家。法国近代绘画的发端，一般都以普桑为第一人。他在罗马学习美术学习意大利文艺复兴大师，尤其崇拜拉斐尔。1640年回国为宫廷服务。16世纪末兴起的折衷主义学派——波伦亚学院派和自然主义者卡拉瓦乔，也使普桑倾倒。在著名装饰画家、文物收藏家波佐的影响下，他始终不渝地坚持古典主义立场，而对当时开始流行起来的巴洛克艺术风格甚为反感。 普桑的创作方法是严格遵循古典主义原则的，正如法国当代美术史家加利埃娜·弗朗卡斯泰尔所说：“他崇拜自然，但他的全部方法却是不自然的，他用不自然的方法使自然成为日常的灵感源泉。即使不直接对景写生，他在散步时却总是带着画夹，随时记下过路人的动作姿态，或者勾几笔偶尔见到的美景或废墟。可是，这些人物或风景资料，他从不直接使用，他总是对这些资料进行加工，溶化到体系中去。同时，他又到田野里拾取石子和土块，拿到画室里去面，以便能够更准确地表现它们的形状与色彩，并把一切模拟的逼真感和一切印象成分从作品中排除出去。对他来说，有两个基本的范畴：一是感觉，二是思想。” 二、印刷术、摄影术的传播发展对绘画的影响 印象派之后，画家和摄影的关系也是日益紧密。更重要的事实是，早在照片出现以前或者是在同时，照片和绘画之间就有着非常紧密的联系。曾共同从事研究的达盖尔和尼普斯可以说对于印刷术的贡献更大一些。当时盛行出版旅行记一类的书籍，市场对素描、肖像等的大规模印刷需要也日益增多，以往大量受雇的职业画家被快速普及的摄影所取代。当然，这一现象收到各界艺术家的强烈反抗。堪称美术界第一人的Auguste曾要求法国政府禁止照片这一行业，但后来却让自己的模特在达盖尔的摄影棚拍了照片，并于1856年完成了著名的作品《泉》。另一位曾称摄影为"恶魔之手"的法国诗人波德莱尔·查尔斯·皮埃尔（1821-1867）后来也请达盖尔拍摄了两张肖像，现在已经作为贵重的映像史料被收藏，这足以证明说服波德莱尔的达盖尔作为摄影师的伟大功绩。 纵观人类文明发展史，如何既保持优秀传统又和时代同步，绘画艺术看起来和科技
《民族民间工艺欣赏》课程教学大纲 课程编号：353036 学时：32学时学分：1分 适用对象：环境设计专业 课程类别：专业任选课 考核要求：考查 使用教材及主要参考书： 彭咏主编，《黔东南苗族侗族民族民间工艺美术教程》，成都：电子科大出版社，2008年 吴安丽主编《黔东南苗族侗族服饰蜡染艺术》，成都：电子科大出版社，2009年 张锦华主编《苗族民间文化考察录》，贵州民族出版社，2007年一、课程的性质和任务 民族民间美术是研究黔东南苗族侗族美术发展的历史，探讨民族民间美术的特征、美术发展的基本规律，是美术学专业基础理论课程。掌握民族民间美术内涵的基本规律，对于培养美术学专业学生理论素质，提高学生自身专业理论水平具有重要的指导意义。 二、课程教学目的与要求 通过学习，使学生了解和掌握民族民间美术的特征，要素和功能，有助于提高学生审美鉴赏的能力以及创新思维，做到学以致用。
四、教学中应注意的问题 避免满堂灌，在掌握的基本知识点上，发挥学生主体性主动学习，
多进行艺术观摩、作品分析。 五、教学内容： 第一章：原始社会时期民族民间美术 1.基本内容: 第一节悠久的历史 第二节鲜明的民族特色 第三节强烈的地域文化特征 第四节民族民间美术的大众 第五节民族文化的交流与发展 2.教学基本要求： 通过学习，使学生了解和掌握民族民间美术的特征，要素和功能，培养学生学习兴趣。 3.教学重点难点： 民族民间美术的特征、发展。 4.教学建议： 讲授法，艺术观摩、作品分析。 第二章远古时期的民族民间美术 1.基本内容: 第一节远古时期民族民间美术起源 第二节来源于神话传说的图腾形象 第三节从《苗族古歌》看苗族内涵的蕴味 第四节来源于现实生活的启示 第五节民族民间美术的表现题材 第六节民族民间艺术的作用 2.教学基本要求：通过学习使学生和掌握苗、布依、侗等服饰艺术。 3.教学重点难点：苗族、布依族、侗族服饰艺术的历史、特点、种类 4.教学建议：讲授法，艺术观摩、作品分析。 第三章原始寓意的图腾崇拜及偶像 1.基本内容: 第一节民族意识中的自然图腾崇拜 第二节民族意识中的和人为偶像崇拜 2.教学基本要求：通过学习使学生了解和掌握民族图腾艺术的特征。 3.教学重点难点：掌握各民族图腾艺术特色。 4.教学建议：讲授法，艺术观摩、作品分析。 第四章苗族的祟拜心理与创造意识 1.基本内容: 第一节对始祖的创造心理意识
《中外美术评析与欣赏》见面课及答案 见面课：20世纪以来中西艺术的交融与发展预测 1、下列（）为林风眠作品 A.《樱花小鸟》 B.《鹭》 C.《骏马》 D.《江畔》 正确答案：《樱花小鸟》; 《鹭》; 《江畔》 2、4. 下列（）属刘海粟的作品。 A.《巴黎舞女》 B.《黄山西海群峰》 C.《重彩荷花图》 D.《泼墨荷花》 正确答案：《巴黎舞女》; 《黄山西海群峰》 ; 《重彩荷花图》; 《泼墨荷花》 3、“岭南三杰”是指（）。 A.石涛 B.陈树人
C.高剑父 D.高奇峰 正确答案：陈树人; 高剑父 ; 高奇峰 4、下列（）属徐悲鸿的作品。 A.《巴人汲水图》 B.《英雄独立》 C.《愚公移山》 D.《百骏图》 正确答案：《巴人汲水图》; 《英雄独立》; 《愚公移山》 5、曾参与圆明园西洋楼的设计工作，历任康、雍、乾三朝的宫廷画家，有一位在中国从事绘画达50多年的画家为（）。 A.董邦达 B.郎世宁 C.钱维城 D.金廷标 正确答案：郎世宁 见面课：埃及宗教世界与埃及艺术 1、埃及人将图腾象征符号表现在图腾柱与图腾雕刻艺术当中。（） A.对 B.错
正确答案：对 2、埃及的国教为（）。 A.天主教 B.基督教 C.佛教 D.伊斯兰教 正确答案：伊斯兰教 3、古埃及象形文字体系分为（）。 A.圣书体 B.钟鼎体 C.世俗体 D.僧侣体 正确答案：圣书体; 世俗体; 僧侣体 4、古代埃及文学经历了漫长的发展过程，在艺术上取得了很高的成就。就其形式来说（）。 A.先有小说，后有诗歌 B.先有散文，后有诗歌 C.先有诗歌，后有散文 D. 先有寓言，后有散文 正确答案：先有诗歌，后有散文 5、以下对方尖碑描述正确的有（）。 A.外形呈尖顶方柱状，由下而上逐渐缩小
中国古代美术作品欣赏 大庆市第五十八中学李金燕 课时：1课时（第十六周） 教学目的： 1。通过欣赏活动，使学生初步了解我国古代绘画、雕塑艺术的高度成就和特点，学生并尝试如何欣赏古代美术作品。 2。进行爱国主义教育，激发学生的民族自豪感。 作业要求： 每人根据所学知识，试析一件古代艺术作品（欣赏过的或者从"自学教材"中选择均可）。要求从体裁、内容、表现方法、历史背景以及个人的感受等几个方面进行分析，文字限定500字左右。 课业类别：欣赏课。 教学重点： 1。中国古代人物画、山水画、花鸟画的主要特点； 2。中国古代陶俑、陵墓雕刻、宗教雕塑的主要特点； 教学难点： 古代雕塑欣赏；古代美术作品的历史文化背景及作品的内涵。 教学过程： 一、组织教学： 检查学生用具准备情况，表扬认真搜集古代美术作品和资料的学生（2分钟） 二、导入新课：可以复习观赏艺术品的主要作用是什么进行导
入，针对不少学生面对一件古代美术作品不知如何欣赏，不知好在哪里的情况入手，激起学生兴趣。（1分钟） 三、讲授新课： （一）扳书课题：中国古代美术作品欣赏。 （二）出示本课学习提要： 1。中国古代绘画分为哪几类？各类画的主要特点是什么？ 2。中国古代绘画主要有哪些表现形式？ 3。欣赏古代绘画的一般方法。 4。中国古代雕塑包括哪几部分？ 5陶俑、陵墓雕刻、宗教雕塑的艺术特点及其作用。 (三)欣赏中国古代绘画作品 1、请学生读第18页第一自然段"中国。。。三大类"，让全班同学在"人物画、山水画、花鸟画"下波纹线。 2、请学生读课本有关自然段"中国。。。根本要求"，让学生在"线条、传神"下画波纹线。 3、依次欣赏二幅人物画 《韩熙载夜图》《历代帝王图》 人物、题材、内容、形象特征、造型。 以传神为塑造形象的基本要求，分析人物动态表情及相关关系。 提炼主题思想。 概括地讲，基顺序为：题材内容--形象分析--造型--提炼主题--
民间艺术赏析 LG GROUP system office room 【LGA16H-LGYY-LGUA8Q8-LGA162】
中国民间艺术赏析我国有着深厚的历史文化底蕴，在五千多年的文明中，民间工艺也占据着重要的位置。民间工艺有着自己强大的生命力和鲜明的特色。我国的民间工艺在很大程度上，是对我国原始的一种延续，民间工艺中有很多原始艺术的影子。它同样继承了实用与审美统一的特点，大部分都带有浓厚的乡土气息，带有乐观向上、淳厚、真实的感情色彩，是人类劳动生活中最质朴的艺术思想和艺术的体现，在世界艺术宝库中也光彩夺目。 一、民间工艺的分类 1.美化日常生活用品的民间工艺 为了美化日常生活，勤劳的民族围绕着直接的衣食住行制作了很多必需品，如各地区和各民族的服饰鞋帽、房间装饰品、器皿家具、雨伞、扇子、帐子、帘子等。这些民间工艺有很多都具有较高的美学价值和浓厚的地方色彩。一般都是采用天然的材料和手工制作而成，简练质朴，明快大方。“在汉族地区的印蓝花布和花格土布，少数民族的蜡染和织锦，都是富有特色的染织品。贵州的蜡染，湘西的蓝印画布，云南和湘西的扎染，都是民间印染中几个极具特色的品种。” 2.装饰与美化的民间工艺 装饰美化环境的民间工艺有木版年画、剪纸、帐沿、挂饰等。民间木版年画分布于全国各地，是用于春节期间张贴而常年欣赏的，色彩艳丽富
有装饰性。剪纸的种类很多，有窗花、墙花、顶棚花、烟格子等。帐沿有画的、绣的和彩印的数种。挂饰如陕西省的泥塑虎头挂片、山东省的刺绣门帘挂饰等。这些民间工艺形式多样，生活气息和乡土气息很浓。“像民间剪纸各个地方都有自己的特色，山东黄岛剪纸粗犷豪放；山西浮山剪纸有鲜明的地方特点，内容十分丰富，有历史故事，民间传说等；江苏扬州剪纸是民间专门用做鞋花的艺术品，其特点是秀丽洒脱，光洁干净，构思新颖，布局完美。” 3.体现节令风俗的民间工艺 在中国传统节气中，从正月初一到腊月三十，一年里有许多的节令，并有相应的民间工艺产生。如春节的年画、门神、春联等，元宵节的灯彩，清明节的风筝，五月端午节的划龙船、扎彩粽、绣香包等，七月七日乞巧、刻花瓜、剪牛郎织女，八月十五中秋节吃月饼、做瑞饼花馍，九月重阳登高、做重阳糕、插重阳旗，等等。这些带有民俗特点的艺术年复一年地出现，其形式既有明显的传承性，又不断地翻新，在民间的文化生活中起着巨大的作用。“我国传统年画色彩鲜艳，画法工整，构图集中，人物突出，形象优美。它多以写实与装饰、写人与写景相结合的简明、夸张手法，表现欢乐、幸福、祥和、劳动和勇敢等题材，是绘画艺术中的一朵奇葩。” 此外，在民间工艺中有些是用来表达情谊和用作纪念的，如荷包、鞋垫、织的手帕、缝的绣球、花包等。有的是用于儿童玩耍的，有的是结合一些礼仪使用的，还有的是用来丰富文体活动的，诸如：皮影戏、木偶、
《中西方绘画文化艺术作品比较赏析》 ----泼墨仙人与站在窗口读信的女人 计算机科学与技术吴涛指导老师李雅娟 【内容摘要】中西方绘画在色彩运用和对色彩的感受上显然有所不同。中国传统的绘画是以墨调色，与西方绘画以油色烘染出的立体感、明暗透视等有巨大差异，在厚与薄、深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果。中国古代画论中认为，墨具有五色：焦浓、重、淡、清等；墨色之中又分为六彩：黑、白、干、湿、浓、淡。中国传统绘画黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不辨，是无凹凸远近。中国的绘画艺术以直觉的方式来感觉色彩的万千变化，而西方绘画艺术，整体上则是倾向于光学意义上的，更加富于几何精神和理性的思考 梁楷的《泼墨仙人》和维米尔的《站在窗口读信的女人》是东西方绘画中最杰出的肖像性作品之一。梁楷与维米尔的画风在当今的中国画家中影响也愈来愈大。维米尔的《站在窗口读信的女人》中人物微妙的神情，是通过精确的写实手法获得的；而《泼墨仙人》中仙人的神采，则是通过夸张、变形和狂放的笔墨来表现的。二者鲜明地体现了中西绘画不同的风格。 【关键词】中西；绘画；艺术；泼墨仙人；站在窗口读信的女人；梁楷；维米尔 【正文】 （1）梁楷——《泼墨仙人》 梁楷是南宋画坛上独树一帜的大画家，擅长画人物、鬼神和道教佛教中的神佛，同时亦画山水、花鸟，水平也很高，晚年曾被任命为南宋画院的待诏，并赐佩金带，由于厌恶画院中的种种清规戒律，毅然将金带挂在院中，悄然离职而去。他这种豪放不羁的性格也生动地体现在作品中。《泼墨仙人》是梁楷的代表作，
也是中国古代人物画泼墨人物代表性作品。 《泼墨仙人》中的仙人形象，并不象古代壁画中的神佛，头上画着光环，神情庄重玄妙，不可一世，竭力表现出某种崇高感、神秘感。这个形象似乎来之于生活，正如后人题款上写道：“大似高阳一酒徒”，象喝醉的和尚，长襟宽袖上洒满了酒渍，醉意朦胧，漫步街头，自得其乐，有着人间的真实和亲切感。然而，他又绝对不是人间可以寻找到的形象，前额和秃头是那样出奇地高耸宽大；眉眼口鼻又是那样出奇地挤在 一堆，似醒未醒，似笑非 笑，一脸怪相，似乎有着 无限的智慧，看透了宇宙 的一切，他袒露胸腹，无 拘无束，精神在自由自在 的天地中飞翔。这种极度 夸张了的形象，是人，也 是神，或者说是人化的神。 《泼墨仙人》是典型 的大写意。中国画的人物 画，由于形象要求严格， 在表现上远不如花鸟、山 水自由，因而在笔墨上也 难以允许有更多的随意性 和偶然效果，如用泼墨， 便很容易失去形似，浸渍 为一片墨污。所以古代画 家很少用泼墨画人物。但 梁楷为了充分表现画中仙 人的自由狂放和自己豪放
论民间美术鉴赏对大学生成长的作用与启示 姓名：学号：学院： 摘要：民间美术，是逐渐被现代化社会遗忘的中国传统文化之一，是直接反映 劳动人民的思想感情和审美趣味，是劳动人民聪明智慧和艺术才能的结晶。美术鉴赏这门课程，不仅能培养学生审美能力和强化学生美术素质，更重要的是，它带领着我们从另一个被我们忽略的角度去认识、去解读中国传统文化，让我 们体会到了中国文化的博大精深，让我们为自己是中国人而自豪。 关键词：民间美术传统文化大学生成长 从接触选修课起，我一直在寻找，寻找一个自己感兴趣又很有意义的课程。民间美术鉴赏第一节课开讲几分钟以后，我发现我终于找到了。《北京欢迎你》自零八年奥运会以后人人耳熟能详。但是在我们的意识里，它只是一首歌而已，一首旋律优美、具有纪念意义的歌。可是，在况老师的眼中，MV中处处包含着中国传统文化元素，处处是中国文化的写照。就在《北京欢迎你》的悠扬旋律下，我被中国传统文化感染、折服，被民间美术鉴赏课所吸引，从此开始了民 间美术鉴赏之旅。 顾名思义，民间美术与民俗活动联系紧密，甚至可以说民间美术源于民俗 活动。在民间资源、条件都有限的情况下，人们的宴会、娱乐活动就只有靠自 己手工布置，因此，民间美术得以萌生以及发展。换句话说，民间美术是民间 民俗生活的完美体现，它包括年画、刺绣、风筝、编织、玩具、剪纸等，从这 些民间美术中可以看到民间生活的方方面面。 民间美术不同于其他美术，不像绘画需要昂贵的颜料纸张，也不像摄影需 要高技术的设备。它取材做法都简单，它不需要什么技术含量，也不需要昂贵 的材料，随便一块布、随便一张纸，经民间美术家的手出来就是一件令人赏心 悦目的作品。民间美术的价值也不仅仅局限于欣赏，它还有相当高的实用价值。比如刺绣可以绣手帕纳鞋垫，这样一针一线绣出来的手帕鞋垫，舒服又耐用;又比如家具器皿，包括陶瓷、木器、竹器都可用做民间的日用品；再比如剪纸，在民间的婚庆中可是大功臣一个，到处都是它的身影：床头、墙炕上的“贴花”、“喜花”、“顶蓬花”，窗格上的“窗花”，门楣上的“门签”、“门画”。。。。它们诉说着对新人的美好祝福。