衣之禅——漫谈服装设计中的禅文化
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【摘要】“禅”讲回归天真，扪摸真实，宽容，用平常的眼光去看待世事，包容万物。“禅”，是我们的真如自性；“禅”，是我们都的本来面目；服装的设计艺术的中有着“禅”这种文化的存在，我们所做的是需要去探索寻找以及体会。
【关键词】禅文化服装设计平实自然包容祥和真如自性
服装是一个民族文化的象征，也是人的思想意识和精神风貌的体现，它是一种综合性的艺术，涉及社会科学和自然科学等各个领域，服装本身在一定程度上因此会受到各种文化形式的影响，形成了很多的艺术风格。“禅”作为一种极高的精神文化形式而融入到服装设计当中，使服装的设计在称之为艺术设计的同时，必然要超越人类之表的情怀，反映设计者的内心世界，使设计师的内在意蕴表达的更为突出，这是专为设计而设计所达不到的。
“禅”起源于印度古国，在梁武帝时代，由达摩始祖将这种文化传入中国，为中国播下禅宗的第一粒种子，于是“禅”逐渐在中国扎根成长继承下来，并在以后的时间里又不断传播到世界各地。“禅”，是言语道断的世界，但所谓“妙高顶上，不可言传，第二峰头，略容话会”，因此禅的最高境界往往是无法用文字来完整表达和继承的。禅的境界，固然无法言诠，但如果全然不说，一般人是很难领会的，何况现在
我们要探讨的正是这种真实存在于服装中的禅文化，因此在此只能尽心表述，尽力诠释。
“禅”讲回归天真，扪摸真实，用心灵去体悟，去领会其内涵的博大、宽广、自由，不拘泥于形。禅文化在和服装设计艺术相结合的同时，同样表现出这种独特的性格，融入禅文化的服装设计不是仅仅由局限的某种造型特点和颜色或者特别的面料就能表达。首先要表达的是一种理念，不能拘泥于服装的造型色彩，不能只看到服装款式局部的变化，应放下具体形象的束缚，脱离其表象，并不是有完整造型的服装就能全然表达设计师对服装美的追求，而要从服装的灵魂来入手，顺应内心的声音，使设计师的情感渐渐流露，达到服装艺术美的升华，去真实地表达设计者的灵感以及设计意图。通常情况下人们一谈到某种文化的时候，往往最先联想到的是这种文化本身，因此当一谈到禅文化在服装设计中的表现时，人们第一时间想到的往往是和尚服、对襟、搭襟款式、麻质粗布面料抑或是比较低调的灰白色彩等等这些具有“禅”文化表象特征的服装形式或元素，如果只通过这种简单的表面联想去做设计的话，那难免有些太表面、太肤浅，设计的空间也会很狭窄。我们所说的是一种文化在设计内涵上的应用，除了那些表象的元素之外，更多的是使这种文化如骨髓般地深植于其中，从精神或思想的高度去理解把握它。
在世界著名的设计大师中，有些日本设计师的设计作品
中流露出的禅文化气息比较明显，而在这些日本设计师中，当属三宅一生先生成就最高，他曾说过：“我的设计不是东方的，也不是西方的，而是我自己的”。他的服装被人称为是“流动的雕塑”，每一件衣服只有在穿到模特的身上之后才会形成一件完整的作品，并且没有固定的造型模式，完全靠模特的行走或移动来不断的形成新的艺术形象，造型因此从开始的没有而达到最终的千变万化。“禅”是不限于任何形式的，是我们的真如自性，三宅一生的很多设计虽然没有采用那些表象特征非常明显的元素，但是他在自己的设计中依然反映出了浓厚的禅文化底蕴，我们反对那些只看到表面款式造型或者表象色彩形式等元素就以偏概全的人，这首先就脱离了禅道，没能理解“禅”的内在精神。
“禅”常谓：要有“平常心”，要宽容，用平常的眼光去看待世事，包容万物。从世故庸常中超脱出来，排除偏见，留住清醒，公平客观的看待世事。禅，是艺术的生活；禅，有时空的普遍性；禅，有人生的平等性，于是要用平常之心去发现平常之美。然而越为接近自然和接近生活的东西就越平凡，因此众多的设计师会从自己熟悉的事物中去发掘美的存在，而将这些元素运用到自己的设计当中。人、动物、植物、街市、建筑、雕塑、绘画等大千世界包含的所有物象都能成为设计师们的灵感来源，经过设计师们的认真体味，领悟，通过服装的艺术形式表现出来，这种情感的表现会更加
生动，更加自然、活泼，发自内心而打动人。许多的设计大师如加利亚诺、克里斯汀.拉夸、巴伦夏加、瓦伦蒂诺等包括很多东方设计师在内的很多设计师，他们或运用街头元素，或运用东方元素，或运用民族元素、或运用绘画元素，或运用抽象以及宗教、哲学等等各种不同的元素，来表达不同的理念和内心的情感，从而使设计更贴近人的生活，形成一种生活的艺术，使人更能对他们的服装艺术产生强烈的共鸣。当然这种元素的运用也不是照抄，照搬所能达到的，要有一种置身躁动的服装圈外的冷静与清醒，要用看透浮华的冷漠于平和，以客观的平常之心去吸取各种不同元素的精华，创造出属于自己的性格之美，这同样是禅理的体现。
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褶皱在服装设计中的应用 南阳师范学院美术与艺术设计学院 孟少妮 [摘 要]褶皱的设计与应用在服装造型艺术中占有重要的位置,在现代服装设计中被广泛应用。通过对面料的加工和服装工艺的加工,使服装产生了褶皱的艺术效果,增加服装的层次感和空间感。同时也起到了重新塑造人体的作用,是对设计、面料、工艺、质感的综合掌握以及对设计技巧的一种感悟。 [关键词]服装设计 褶皱 造型 艺术效用 在服装中采用褶皱的设计处理是近年来的流行趋势之一。褶皱作为服装造型的一种手段,从平面到立体,褶皱的不同表现贯穿于从面料的设计到服装的造型变化的整个过程,在服装造型中具有特殊性、多样性以及不可替代性。在实际创作过程中,应结合功能主义与唯美主义,更好地运用褶皱来表达服装造型。 1.褶皱的含义与种类 服饰上的褶皱是服装造型中常用的面料塑形手法,是改变面料原有形态属性和面貌特征的重要手段之一,一般将面料进行有序或随意自然的揉捏、叠加或堆砌,既表达了服装和人体的美感,起到装饰作用,又体现了服装对人体的功能性。它有许多种类和表现方式。 褶,是服装成衣工艺中的常见手段,是衣裙按照一定规律折叠所产生的纹痕。 皱,是因服装面料表现紧缩和揉捏而形成的自然或随意纹路。 皱褶,设计时,以各种方法在衣服的不同部位使用皱裙,例如:育克、袖子、裙、嵌条或饰条。皱褶常用于袖山、袖口、肩部、领口、胸部、门襟、腰节、侧缝、下摆、脚口等位置,打褶以后,原来的宽度通常减少一半或1/3,根据设计中所用的织物,其效果有所不同。针织平针织物、丝绸或很细的羊毛织物有很柔软的悬、垂折褶,而锦锻、棉织物和塔夫绸则产生很深的皱裥织物的经间纹理,有很好的皱裥的效果。 褶裥,有三种基本褶,即刀褶、箱褶和阴褶,都由宽余的织物折叠而成。又可分定形褶裥和非定形褶裥。褶裥可产生动感,以各种方式用于裙、上衣、袖子、也可用于口袋、育克或女服嵌料上,以形成一定的风格,褶的两端固定或一端固定,也可整个长度都缝住。不经压平的褶,一端固定,但没被缝住或压住,其效果随所用织物的质地,从轻薄织物到厚重的毛呢织物有所不同。 刀褶,这是一种在织物上简单折叠,向一边压褶,褶以下不同的方式安排,在裙上可以连续压褶或组、或单独打褶等。其中的手风琴褶是用高温高压烫压而形成的,具有较细间歇的似手风琴般的褶饰。 箱褶,用于裙子、上衣和表示口袋细部特征的褶裥,是左右对称的褶缝。 阴褶,两片刀褶对褶,常在中间缝在一起,位于腰部附近。褶裥的作用一方面起装饰作用,另一方面增加服装活动量,尤其是开衩部位及裙子摆处。加了褶裥的部位在穿着走动时会产生律动,具有动态的优雅美感。 襞褶,常常用于女裙、袖子、领子和上衣,织物经过褶裥处理,其深度根据所用织物重量和所要求的效果而定。最细的襞褶宽度为3mm。 皱裥缝,这种缝迹装饰性很强,在接缝处打褶裥可形成丰满的效果。根据织物和皱裥数的不同,其效果也有所不同。常常用于袖子、领口、育克和腰带。 超皱缝,这种缝线用于裙子、袖子、上衣、肩部,可产生很强的装饰效果,抽动缝可获得纹皱的效果。褶皱的形状、大小、紧密度可根据设计需要随意调节。 抽褶,抽褶几行松紧线,可以在整个宽度上控制丰满度,以产生装饰效果。身体活动时,抽褶产生弹力紧身或扩展。抽褶可用于整体衣服的上部或者只在袖口、肩部或臀部的一小部分,适用于轻薄织物。 2.各个历史时期褶皱的设计应用 2.1西方历史时期的服装褶皱 褶皱作为造型元素在服装中有意、无意地普遍存在,但在古希腊、古罗马时期和16、17世纪,褶皱的表现却十分突出,表现形式也因政治、经济和文化背景不同而大相径庭。 古希腊、古罗马时期的服装同雕塑一样,充满了对自然人体美的推崇。古希腊、古罗马时期最具代表性的服装款式是“基同”,面料主要是软羊皮和棉麻布料等,款式没有经过裁剪和缝纫,而是将长度大于着装者高度,宽为伸长手臂,指尖到指尖距离2倍以上的大幅块状布料,直接披挂或缠绕于人体,由别针固定或腰带随意系扎而成。面料自然形成的缕缕垂褶,随人体的活动,显示出生动的明暗和层次变化,富有韵律和节奏感。它的款式造型属于自然形,没有刻意的细节设计和装饰,面料的悬垂性设计就是它的主要特征,流动的褶皱就是服装美的体现。 在17世纪,华丽、夸张、矫揉造作的巴洛克艺术成为欧洲艺术风格的主流、服饰风格唯美、慵懒、奢华、褶皱的设计也充满了刻意的装饰性。这时期,宫廷服饰主导潮流,多采用华丽的丝绒、塔夫绸、雪纺等面料,男子穿着肥大丰满的灯笼裤,女子时兴蓬松的裙子。服装的领子、袖口和裤角均用大量的花边和抽褶作为装饰。庞大的裙子由多层组成,采用在腰间打褶的方法形成膨大的造型,并以大量松垂的褶皱堆积来增添体积感和层次感。由于巴洛克风承袭矫饰主义,因此,这一时期服装的褶皱通常和花边、绣花同时组合运用,采用抽褶、堆褶、叠加褶等多种褶皱工艺、装饰性很强,装饰的部位多,达到繁华的颠峰,以至烦珠累赘。 2.2中国传统服装褶皱 在中国历代服装中,褶皱的设计运用也很多,但褶皱都不是强调装饰性,而是借褶皱更突出地表现人体的动态美,传达出一份气势和神韵。就像在敦煌壁画中看到的飞天,衣褶飘曳,让人更多地体会到舞动的美。 历代妇女穿着的褶皱裙中,最有名的是汉朝的“留仙裙”。“留仙裙”就是百褶裙,款式设计简单,长及脚跟的半身长裙,在腰部规律地打褶,同时加大了裙摆的幅宽。“留仙裙”的美主要体现在动态上,缕缕的褶皱,和着女性轻盈的脚步,极具律动美感。“留仙裙”引领了一朝的裙装风骚,留下许多的佳话,宋词《绿意/疏影?咏荷叶》写道“恐怨歌忽断花风,碎切翠云千叠。回首当年汉舞,怕飞去漫皱,留仙裙折。”也借留仙裙之美,描述荷叶的亭亭玉立和清姿妙绝。赵飞燕的传奇色彩,促使了留仙裙的流行与盛名,但留仙裙本身褶皱的律动美感,是在服装史上流光溢彩的真正所在。 在封建社会经济,文化高度繁荣的唐代,崇尚宽衣博袖,裙子以宽肥为美,色彩浓艳,尤喜红色,称为石榴裙。裙子一般是用六幅布制成的,华贵的则用到七幅八幅。裙子多有褶,所谓“破”,几破就在于几褶,最华丽的裙子达到二十破,褶多了就比较浪费,唐高宗曾下诏禁止:“天后我之匹敌,常著七破间裙,岂不知更有靡丽服饰,务尊节俭也”。可见当时褶皱之盛。唐代服饰的褶皱设计,代表了一种华丽、大气磅礴的服装(下转第278页)
试论中国传统文化在服装设计中的继承 与发展(1) [论文关键词]传统文化继承发展服装设计 [论文摘要]服饰作为民族文化的产物，只有以古老中国的传统文化为设计源泉，创作出凝结着中华民族神韵和精神风采的现代服装，才能推动辉煌灿烂的中国服装走出国门，走向世界现代时尚的殿堂，只有让世界从我们民族的当代服饰中看到更多中国优秀的传统文化，中国传统民族服饰才能够真正成为世界的。 随着我国综合国力日益增强，国际交流与合作日益密切，我国的文化正被越来越多的国家接受，他们对我国传统文化元素的出色运用，向国内专注于服装设计的人们提出新的挑战。中国传统文化是一个庞大的文化体系，如何选择、如何继承、如何与服装设计相结合，要既不失传统、又能符合现代生活品味，这是个值得我们去思考的话题。 一、应对中国传统文化有所了解 我国的历史悠久，传统艺术的遗产极其丰富并且辉煌，每个时代都拥有各自不同的文化特征，各地方各民族都有着不同的地域、民族和宗教文化。剪纸、绘画、书法、音乐、舞蹈、戏曲、工艺美术等等，都有几千年的积累，都有伟大的创造，都透着五千年文明古国深厚的文化底蕴。传统艺术是中华民族的宝贵财富，也是全世界的宝贵财富。中国传统
艺术以其浓郁的乡土气息、淳厚的艺术内涵和生动的历史痕迹，越来越受到世界人民的喜爱和欣赏，成为众多设计师们创作的灵感源泉。 服装文化的发展决定着服装的技术、服饰审美趋向等发展变化。古希腊风格、古埃及风格、巴洛克、洛可可风格，这些在现代服装大师的作品中随处可见，在不同的民族、不同的国家，我们看到的服装设计作品中更多的是差异：而这种在服装作品中的差异，往往成为服装作品的生命力。服装艺术设计，归根结底是通过艺术、思想和科学共同合成的。一个对本民族传统文化知之甚少或者一无所知的服装设计人员，就不叮能有什么优秀的创意作品： 我是从事教学作的，我认为往教学过程中应该计学生学习了，解传统文化艺术的思想，特别是要领会中国传统的哲学思想以及意境美、形式美。这些都可以为我们今天的学生，明天的服装设计师的未来创作活动，打下坚定的创造基础。认真研究、挖掘和弘扬中国传统文化和历史，正确认识中华民族悠久而又丰厚的文化知识宝库，把握中华民族文化精髓，吸收其他国家与民族的精华，对学习服装设计的学生来说大有益处。通过对本民族传统文化和历史的了解，使学生的视野拓宽了，设计构思更丰富了，审美观念也提高了，对民族文化有了良好的认知，才能创造出源于传统历史和文化的时尚服饰作品，并在作品中，体现出本民族的独特风格、风土
建国大学服装设计 专业介绍： 致力于在服装审美、社会生活和穿着舒适度之间找到平衡。既注重培养学生的设计创新力，同时也会学习人文社会知识和市场营销知识，保证设计出的时装有创意，有市场。 课程设置： 西洋服装史、时尚市场营销、色彩基础、服装设计、立体构成、服装设计（手绘）、时装配饰设计、时装构成、时装心理学、纺织品学、时装实用英语、服装CAD、服装零售、毛织服装设计、素材应用研究、饰品设计等 专业总结： 应用性的服装设计专业，比较注重设计与市场营销的结合，让你不单单成为优秀的服装设计师，还会懂得如何推销出自己作品。 弘益大学时装设计学部（纺织品类） 弘益大学是韩国人心目中的设计师摇篮，就相当于国人心中的中央美院，其美术科系师资力量雄厚、学生在国际上频频获奖。所以其时装设计部也秉承了弘益大学的精髓，注重细节、注重创新。 专业介绍： 以艺术知识和时尚设计知识为理论基础，以纺织材料等为代表作实践培训，毕业生可以作为一个时装设计师纺织和时装设计师。在纺织品贸易公司，室内设计公司，花式供应商，汽车公司工作。或者从事时尚设计师，纺织品和时尚杂志记者，时尚协调员，电影和游戏设计师等职业。 课程设置： 纤维时装设计概论、基础平面设计、韩国美术史、纤维基础造型、立体基础学、西洋美术史、服装手绘、纤维造型实习、纤维美术论、时装造型、染色技术、纺织品设计、时尚饰品设计、纺织技术、纤维美术、立体剪裁等 专业总结： 与建国大学的设计+市场的课程设置不同，弘益大学的服装设计课程更注重于专业性、技术性、设计理论、设计实践。关注学生的美学知识、设计理念等。像从事设计师、服装研发等职业的学生可以选择。 庆熙大学服装设计专业 专业介绍： 1999年开始庆熙大学的服装设计专业开始招生。以基本印刷，纺织设计，教育面设计，手画和艺术，工艺品，染色等时装设计，时装设计等为教学内容。培养理论与实践相结合的双料人才。 课程设置： 观察与表现、平面设计、美术的理解、材料表现、色彩表现、现代美术史、数字设计、手绘、立体构成、纺织品设计、时尚摄影、服装素材规划、服装与环境、染色工业、服装商品规划、服装品质管理、CAD、纺织品加工设计、时装设计、市场营销、艺术实践 专业总结： 庆熙大学是一所综合大学，以酒店管理、经济类的课程闻名。所以时装设计专业也会有经济类的课程与建国大学相似。而且中国留学生较多，留学生管理较完善。
服装设计艺术浅谈 发表时间：2009-06-26T14:10:38.420Z 来源：《戏剧之家》2009年3月第3期供稿作者：王雅华[导读] 舞台服装设计是戏剧舞台塑造典型环境中典型人物外部造型的重要手段之一，与化妆一起，统称为人物造型。舞台服装设计是戏剧舞台塑造典型环境中典型人物外部造型的重要手段之一，与化妆一起，统称为人物造型。在戏剧的演出中，服装设计揭示典型环境中典型人物的时代特征、生活地区特征、以及人物性格特征等，是人物造型设计的时代精神及性格特点在服饰装束上的反映，与布景设计创造的环境一起，共同揭示戏剧的主题思想。 由于服饰直接揭示人物的思想面貌及性格特点，所以它对表现人物及帮助人物的行动更富有特殊的重要意义。除剧本赋予角色以行动、通过人物的行动有所揭示外，人物外部造型的服饰也起着对人物性格的揭示作用。人物性格必然在生活中有所反映，从而成为戏剧创造典型环境的依据之一。因此，舞美设计者在构思舞台布景设计的同时，还必须把人物造型的服装样式、色彩及线条考虑进去，使演出成为统一、完整的整体。布景的样式，是舞台美术各个部门创作的基础。服装设计的创作，也必须在布景样式的范围内进行思索，从而使服装样式与布景样式达到协调统一、严谨完整。正像不了解题材就无法寻找到恰当的体裁、不熟悉内容就无法寻求到恰当的形式一样，如果不了解服装造型设计的特点，也就无法确立与布景样式相一致的人物造型的表现手法。而这个环节的重要性，也正是一部戏剧演出成功与否的关键所在。服装设计的依据是剧本中的人物，一个成功的服装设计者，在创作时，必须熟悉剧本中的人物，把握人物的个性、情感、性格以及人物所处的时代和地域等特点，充分把握人物思想性格的变化，使服装设计富有强烈的表现力和造型美，使人物性格、个性鲜明，富于艺术感染力。舞台服装与舞台布景的作用都在于烘托人物，突出人物。服装设计的色彩，要根据布景和灯光的色彩而定。生活中各种颜色都不是孤立存在的，而是各种颜色相互衬托产生的冷暖变化。人物在背景中突出的方法之一，就是色彩上的突出。色彩上突出的方法，是利用对比效果。如：红花绿叶、白云蓝天、白纸黑字等，都是对比效果。而在舞台上，服装设计的原则，更应该突出这一点。只有这样，才能在布景色彩与灯光色彩的对比中突出景物，在舞台布景色彩与人物服装色彩的对比中突出人物。话剧《女大十八变》，是一部具有浓郁乡土气息和地方特色的现代农村生活轻喜剧。舞台美术以写实为主、略带写意的设计手法，根据舞台美术的设计总原则，服装设计采用了写实的样式。艺术源于生活，高于生活。在这个戏的服装设计工作中，设计者到农村体验生活，给服装设计工作奠定了坚实的创作基础。凭着一种艺术的感觉，设计者把现实生活中北方农民对于色彩的理解，作为一种艺术的原创力，融进服装设计之中。在体验生活的日子里，设计者发觉，在农村广袤的大地上，金黄色的麦田、绿油油的庄稼、大红大紫的山花、蔚蓝的天、洁白的云——色彩是那么的纯，那么的对比强烈，这就是农民最真、最原始的艺术美。依据剧中人物关系和类型，设计者把服装色彩搭配分成组。女主人公喜鹊的个性像一团火，燃烧自己，给别人带来了温暖和光明，她又像一只报春的喜鹊，带给人们美好的祝福。她热情、深沉、忍让、不善言辞而善于思索，敢于行动，在她整个的行为过程中充满着青春的活力和朝气，这个人物的色彩定位在以红色为基调的暖色系上。喜鹊的恋人得福毕业后参军，以蓝绿色调为主，戏结尾处以军人形象出现，表现出两个人物性格个性的清新、鲜活。剧中人物大埋汰和张淑兰，是佟、毛两家分别给喜鹊和得福找的对象。张淑兰个性追求华而不实的生活态度，服装设计色彩艳丽，自身服装色彩对比强烈、夸张、刺激，与大埋汰的生硬、不修边幅略显龌龊的形象形成鲜明对比，衬托出人物的不同个性特征。为使服装色彩既对比强烈又协调，就要使服装色彩具有一定的中间色调。根据人物的性格和年龄特征，对于佟支书和洋砬子与毛驴子、破锣，采用了中性色的设计基调，如深、中、浅灰色、蓝紫色、赭石色等。利用细碎的小花图案和灰色相间的条纹形图案等，表现色相的不确定件。这样处理，便于接受灯光的色彩，同时，又与中和状态下的布景颜色相糅和，突出了人物形象。服装设计作为视觉的艺术语言，除了色彩的形象性，还包括线条、形状和结构。任何服装设计，都是艺术创作的外部造型，它首先是一件艺术作品，它所呈现和表现的，不仅仅在于表象，更在于一个艺术创作者所赋予它的艺术性语言。把形象性的艺术语言，转化成可以直接感知的事物，是艺术创作的根本任务，更是服装设计者所不断追求的理念。责任编辑王庆斌
摘要:“民族的才是世界的”。现代服饰并不是所处时代仅有的和自发的创造，而是历史进化的产物，民族服饰文化的延伸。学习借鉴民族传统文化应当是每一个设计师都不可忽视的课题。在服装设计教学方面更应注重对本民族传统文化思想的学习，服装设计教育才会在未来的世界舞台上体现出具有本民族特色的服装教育体系。关键词:传统文化;服装设计;教育体系;文化传承中国传统文化符号是民族精神最重要的载体,形成了不同于世界其他国家和地区的鲜明的民族特征,这些符号从原始氏族的图腾、商周的象形文字、秦汉的印章到形形色色的民俗图形、吉祥纹样,构成了民族文化的符号系统。在现代服饰设计中,多元化的设计日渐发展 ,每个国家都有自己不同的文化传统和民族特点。这些传统和特点无疑会在设计师的身上打下烙印,并将其注入自己的设计理念,必然会使设计获得强大的精神支撑,成为现代服装设计师展示中华文化的艺术特色和美感,塑造独特服装造型的重要手段。这些深厚的民族传统文化是现代服装艺术创作的灵感和激情源泉。学习借鉴民族服饰文化应当是每一个设计师都不可忽视的课题。一、我国服装设计教育过程中对本民族传统文化的传承情况我国少数的的一些服装院校，在服装设计教育中已开始注重对本民族传统文化教学，在课程中向学生灌输中国文化的知识和基本概念，注重培养学生的中国文化情结。特别注重对中国传统服饰文化和少数民族服饰文化教学。但更多开设服装设计教育的院校对传统文化的教学是薄弱的，特别是在一些经济发达的城市服装院校，一味的追求快速的市场效率，甚至是对传统文化的轻视，崇洋媚外现象也是相当普遍！一些设有服装专业的院校因《服装史》教学的课时不够，对学习《中国服装史》的认识不够，其实我们当今的许多流行服饰的设计元素就来源于中国历代服装中。在课程安排上只有个别院校安排了民族图案课程，有的院校虽安排了专业写生课程，却没有明确其写生大纲主要是针对民族传统文化的考察。目前服装设计教育长期面临着艺术与技术之争，为了迎合中国的设计市场，课程的安排上多偏重技术课程方面，忽视了对学生开展民族文化的学习，面临着拓展艺术专业的适应性与专业学习深入的矛盾，面临着毕业就业的重大压力。国内大多数服装院校，对本民族传统文化艺术的教学总是显得那样的苍白无力。多年的服装教育发展也很难体现出本民族的服装教育特色。这种现象若长期如此，我们培养的服装设计师缺乏深刻认识本民族服饰文化的民族精神，在服装设计过程中又怎样去体现本民族的精神和特色，又怎样在世界舞台上与西方的服装设计师一争高低！我国的服装产业又怎样立足于世界舞台！这是我们服装教育界同仁值得深思的问题。二、国外设计大师运用中国传统文化情况中华民族有着悠久的历史,有着深厚的文化底蕴,正因为这一点,在国际服装舞台上,国外的设计大师们特别注重对中国传统服饰文化的吸收和借鉴,并融入大量的时尚元素,设计出传统与现代相结合的作品。一贯西味极浓的意大利著名服装设计师拉瓦尼.瓦伦蒂诺(gara-ranivalentino)也开始汲取多元文化的营养,受中国十八世纪屏风艺术的启示,推出了以清代中国服饰为其新作的服装设计作品,体现了既庄重、华丽,又质朴、大方的艺术情调;世界服装界非常著名的日本服装设计师三宅一生,他的服装设计里也常常采用中国传统服装的一些元素和符号;还有近些年韩国服装设计师在国际上展示他们的作品时也可以常常看到他们的作品里有中国传统服装的痕迹。特别是九十年代末法国著名品牌迪奥的总设计师加里亚诺(j.gal-liano)先后将二十世纪三十年代的上海风情及红军、红卫兵的形象搬上国际时装t型台,令巴黎的时尚巨匠们为之动容。迪奥品牌1997年推出的服装的灵感,就来源于30年代的旗袍。设计大师伊夫.圣.罗朗(https://www.doczj.com/doc/6a3877446.html,urent)干脆将日本和服搬上t型台,其中设计的一款浅黄色的右衽时装,其实更像中国汉代的样式。伊夫.圣.罗朗曾经说过:“中国一直吸引着我,吸引我的是中国的文化、艺术、服装、传奇,我们西方的艺术受中国之赐可谓多矣,那影响是多方面的而且明显的。没有中国,我们的文明绝不能臻于今日的境地。”这正说明了中国传统服装文化的魅力。
服装设计艺术及影响设计 一、服装设计中语言文化艺术发展的现状 由于世界各地社会文化的发展层次和层度不一，对物质生活和文化生活的品味不一，对服装设计语言文化艺术的主观理解和客观教育认知不一，出现了服装设计中语言文化艺术的发展程度也有不少的差距。在这里，我们或许可以用西方现代艺术的发展历程作为服装设计中语言文化艺术发展程度的判断和评价标准，以此来度量一下当前服装设计中语言文化艺术的发展差异。我们都知道西方现代艺术发展所经历的六个时期：第一是对表现手段现实化的探索时期；第二是表现手段即艺术符号的确认时期；第三是艺术符号的形式与表达的内涵完全同一化时期；第四是艺术符号被提炼到夸张和变形但未失去原有的象征意义的时期；第五是艺术符号经历过夸张和变形进入极端且富有新意的时期；第六是艺术符号的非定型时期，即艺术符号变得让人无法理解，出现一种阶段性的新潮现象.如果以这种西方现代艺术标准来衡量目前的服装设计中语言文化艺术发展的程度，可以说目前的服装设计中语言文化艺术所表现出的设计品味水平参差不齐。某些地方的设计品味以及其服装设计中语言文化艺术所表现出的象征意义正进入第四、五时期；更有甚者，有极少数地方的服装设计品味即将进入第六时期。这些高品位的语言文化艺术设计的服装所呈现出的那种姿态超乎一般人的想象，但是它又没有完全脱离具体的语言文化艺术符号设计，即该设计处于一种形神兼备时期，既处于一种可视阶段又处于一种可感阶段，有其独特的“只可意会不可言传”之妙。当然，不可否认的是也有不少的服装设计产品处于第三时期，甚至是一、二时期，像这种一直处于该阶段且停滞不前的产品毫无新意可言，是一种设计观念无个性、无情感的重复，更是一种对服装设计的理念及服装设计中的语言文化艺术缺乏细致研究、深入发现、独特理解，只是简单的对贫乏的语言文化艺术设计的服装的再创造，没有新意的语言文化艺术设计. 二、语言文化艺术给提高服装设计品味带来的启发 实际上，不管是哪个国家服装的设计文化，很早之前就开始运用诸多的语言文化艺术符号来体现服装设计的独特品味，以一种比较现实、理性的展示方式来体现对服装设计中语言文化艺术符号的理解，以此来摆脱专门实用主义服装的普通和平凡。比如说我国各朝各代的朝服样式及其花纹图案的设计品味及设计要求。如用飞鸟作为文官朝服的图案，象征其文花；用走兽作为武将朝服的图案，象征其英勇。用飞鸟走兽来设计服装，不仅仅为其美观，更是为了体现封建帝制的政治文化，可以说从代表义走入引申义，从一般的服装设计图案提升到了国家政治文化的高度，可以说代表了政治符号的语言功能。因此可以这样理解：如果现在的服装设计仍不能快速的与语言文化艺术相结合，那么在未来的服装文化中无法找到其栖身之所，或者可以说将处于服装设计文化的最底层。我们可以预见：随着社会文化的发展以及时代的变迁，服装的设计将更依
毕业设计报告 ——褶皱在服装设计中的应用 内容摘要：随着人们审美能力的提高，服装的造型设计尤为重要，而褶皱设计是服装造型设计的重要手段。本论文所涉及的毕业设计则是利用褶皱设计来表现服装的空间感和美感，使用不同的褶皱设计改变服装的整体和装饰效果，使其更加符合人体学，具有舒适性，更能表现服装的层次感和装饰性，使服装更富有视觉冲击力。 关键词：褶皱装饰性造型空间感层次感 一绪论 1 课题简介 褶一般指折皱重复的部分或者服装面料折叠形成的纹理。在专业术语中，褶皱指服装面料折叠而形成的波纹。褶皱作为服装设计中一项重要的装饰形式，广泛的应用于服装中的各个部位。褶皱因为其形成的方式多种多样，所以它的种类很多，风格也各不相同。在古代和现代的服装中，服装褶皱的设计风格使服装的造型更加的丰富，使服装更能表现人体优美的体型且人体运动得到了更大的调节度，为服装设计的创新内容增添了丰富多彩的手段。从古代服装到现代服装，风格各异的设计，褶与皱都能于其相互协调互应，且在服装设计中起着举足轻重的作用。 2 选题背景 随着人们生活方式的提高，人们更加注重服装的高品质、舒适化和多元化。人们的审美能力、创新能力都有着很快的发展提高，对于服饰的审美性和舒适性以及运动性的要求也越来越高。对于服装的造型美而言，服装的面料设计显得尤为重要，面料设计是服装设计的先决条件，甚至超越款式设计，设计师对于面料的选择与变化制作的好坏直接决定着设计的成败。设计师对于面料的改变不只是面料之间的搭配组合，更重要的是面料的二次加工，而褶皱设计则是面料制作的重要手段。它能使服装更加具有空间感和美感，使服装的适体性得到更大的提高，有着其它服装装饰形式不可替代的作用。在许多时装设计中，人们经常采用不同的褶裥改变服装的整体或者装饰效果，使其更加符合人体学，更能表现服装的动感和装饰性，更加富有视觉冲击力。使
浅论中国传统文化元素在服饰中的体现 中国传统文化元素作为服装界里永不过时的元素被各国人们所喜爱,也始终是各国着名服装设计师们热衷选择的时尚元素之一。本文详细论述了中国传统文化元素在服饰面料、色彩、款式和图案中的体现,说明了中国传统文化元素所拥有的文化底蕴和运用价值。 关键词:中国传统文化元素;服饰;体现 1前言所谓的中国传统元素应该就是让人们看到后马上会联想到“传 统中国”,看上去就知道是从中国文化中脱胎出来的东西。中国传统文化元素之所以经久不衰,其中重要的一点就是中国的许多传统文化都蕴含在服饰里,其中 最具代表性的是儒家思想。它的核心是中庸、和谐、内敛。这些传统文化都可以在服装上得以充分的体现。比如服饰里渐变过渡的中间色,它给人的感觉是温文尔雅,宁静致远,这就是一种代表中国传统文化的很好的风格;宽袍大袖也是从汉代服饰发展而来的一种服装样式;还有丝绸的材质等等。东方和西方的服饰对比起来就好像西方人更强调竞争、中国的传统则是讲究平和的,如放风筝、太极等,讲究的是自我完善的过程,是一种内在的修行。中国传统元素是一种神韵,不是一件旗袍、大灯笼袖或者某种色彩可以诠释的。 2中国传统文化元素在服饰中的体现无论是哪种形式的服装必然包含 着三个元素,那就是面料、色彩和款式。不同年龄或不同身份地位和消费水平的人对这三个服饰里的重要元素都有着不同的需求,根据季节的变化还有科技、工艺水平的不断发展,服装的面料、色彩和款式也都在不断地改进和更新,所以这三个重要因素足以让服饰千变万化,来适应各种人群对中式服装的不同需要。中国传统元素在服装里可以体现在这三方面的任意一点上。 面料。总体来讲,中式传统服装的面料选择十分广泛,但其中有些面料却是中国独有的或是最先运用在服饰中的。例如大麻被称为汉麻;苎麻,被称为中国草;丝绸也是我国特有的面料。而棉布最早则是从印度引进的。其他的面料包括绫、罗、绢、绮、绵、纨等。我们看到在出土的西周时的织物中,麻织品的精细程度甚至可与丝织物相媲美。由此可以看出,中式的服装不仅仅是单纯的从形制和款式上同其他民族其他国家的服装有所区别,而且在服装的面料上也颇有特色。也正是因为这些独特的服装面料使中式服装增色不少。 色彩。传统的中式服装在色彩上是很有讲究的,也并不是所有颜色都适合人们的日常穿着。 在中国的传统服饰中,什么人穿着什么颜色的衣服有着严格的规定,在
MIX&MATCH，翻译成中文就是混搭，最早时候是由时尚界提出的，就是将不同风格、不同材质、不同身价的东西按照个人品味搭配在一起。只要我们心情好，我们可以将所有的穿衣法则丢到脑后，玩腻了现代与复古、简约与繁复、性感与优雅之后，再想不出其他风格，只好将对立的东西放在一起，冲撞出强烈的视觉效果和个性主义。 混搭的概念已经不新了，但是它却奇迹般的被时尚一直宠爱，mix&match的感觉让每一个人都可以随自己的喜爱mix&match，风格端庄文雅的上半身，可以配搭充满动感与活力的下半身；古朴的上衣，也可以配搭动感十足的裙子。也可以是很便宜的上衣配较华贵的裙子或裤子，不管怎么穿都可以，在或者如果我们有十足的把握和勇气，我们可以穿的像vivien westwood样的夸张繁复的无厘头，也可以像奥尔森姐妹那样不顾世俗，随心所欲。mix&match 代表了一种服装新时尚，我们可以发挥创意，尝试将各种以往不可能出现在一起的风格、材质、色彩等时装元素搭配在一起。但是混搭高手在混搭的时候，也并不是乱搭，混搭也是有章可循的，这样让我们的混搭看起来才更加的有品味。 混搭并不等于就是乱搭，混搭时应当让每一件单品以及配饰有内在的对比联系，比如曲线条的褶绉裙与直线条的中性小西装的混搭，造成一种曲与直的对比，而白色与黑色，红色与绿色的撞色混搭，更能体现出色彩给人的冲击力。一般来说，混搭有几种方式，可根据撞色、面料、线条感以及风格这四种类型来进行混搭。 服装造型设计要以时代为背景,突出美和新,把握住潮流感和多样化的趋势。 设计新的服装款式,首先要求美观。时装的设计与制作是实用艺术和工艺技巧的结合,像其他的艺术创作一样,直接体现了创作者的艺术修养和审美情趣。一款新的服装设计出来,穿到人们的身上,能不能显示出其艺术魅力,关键是取决于设计师的审美。从穿着者的角度来讲,欣赏的款式,选择的款式,都取决于个人的审美。 通过对色彩视觉规律和色彩视错觉的利用研究，达到肤色、体态和色彩美的整体统一，以实现服装设计的世界性和个性化。服装色彩和自然界色彩相比较而言，服装色彩的选用局限性很大，要因人、因地、因时而宜，所有的服装都是为人服务的。所以，服装色彩和人的关系概括起来可以分为服饰色彩与自然环境的关系、服饰色彩与社会生活的关系、服饰色彩与人的特点的关系。 基于以上的观点，随着混搭风日益盛行，色彩的千变万化，服装面料的新发展，在以后服装更具个性的设计中，我们完全可以发明一种能综合服装各个因素，且设计制作更简便的衣服。在这里我们暂叫其为“拆补法”，这种衣服由一块块布料组成，这些布料的边缘装有一种很容易拆合的东西（如拉链），这样，不同的人就可以根据自己的喜好，用不同的面料拼凑（制作）出自己喜欢的衣服色彩及造型。也许在以后我们就不用再买衣服了，而是买布，一块块加工好的布，回家自己拼接起来就可以了。这种方法可以随拆随接，而且布块可以循环使用，非常环保和节约资源。如能实现，那以后真正就是“天下没有两件相同的衣服”了，再也不用为“撞车”而尴尬。也许在将来的某天，当你遇到一个穿着由千万个“补丁”组成的衣服时，请不要认为他（她）是一个乞丐，因为他们是时尚一族。那时种衣服已变为一种潮流！
龙源期刊网 https://www.doczj.com/doc/6a3877446.html, 探究服装设计与传统文化的融合 作者：刘松 来源：《世界家苑》2018年第04期 摘要：在经济全球化发展的今天，服装行业的竞争变得尤为激烈，如何让自身服装品牌 在市场中不断前行、发展，将是值得我们所深思的问题，而近年来，在服装设计领域兴起的一股“民族风”，让我国的服装行业再次迸发出别样的火花，我国拥有千年的文化传承，将这些文化元素融入到服装设计中，不断增添了服装的民族性特点，更为传统文化的传承另辟一条新路。本文，笔者将结合自身所学及对我国服装设计现状的了解，试分析服装设计与传统文化的融合发展，以期促进服装行业与传统的共同繁荣。 关键词：服装设计；传统文化创新；融合 一、我国服装设计现状 中国的传统文化丰富而且有特色，呼吁在服装设计中弘扬中国传统文化也有十儿年的历史。在本上化的服饰设计逐渐受到重视的过程中，国内市场上出现了不少传统风格的服装设计作品.但起大多数服装设计师未能真正摆正传统与突破、模仿与创新的关系，致使设计作品缺 乏市场竟争力。在当前国际品牌纷纷涌入国内市场，而国内缺乏与之抗衡的品牌的情况下，挖掘传统文化精髓创立品牌、参与竞争已是当务之急。当前，国际品牌以两种方式进军中国，一是直接将产品打进中国市场，二是贴牌。据不完全统计，月前在中国设立专营店或专营柜的世界名牌服装，如姬龙雪.贝纳通.鳄鱼恤花花公子.欧迪芬、袋鼠等已有50多个，这些品牌全部 来自法国、德国、意大利、美国.日本、英国等国家和地区。大量国外品牌已经抢占了国内市场，我们却缺少叫得响的国际知名品牌与其竞争。在出口创汇的服装中，我们缺乏原创产晶与发达国家一争高低，产品缺少高附加值。因此.要使我国服装业在愈来愈激烈的市场竞争中站 稳脚跟，稳步发展，缩短与发达国家之间的差距，就必须开发独特的产品、创遗自己的中国特色。 二、服装设计创新与传统文化的关系 传统文化是由古至今行生下来的习惯和生活，正是人们的日常生活。从历史的角度，传统文化是人们生活在防史里的沉淀物。传统文化与今天创新的文化像-一条河流，本质上是割不断的。服装设计作为实用艺术。同绘画、音乐等一样是文化的一个领域，“是作为精神的存在，以一定的理念为指导原理的精神、价值创造的一种形式。”服装设计楚对我们穿着的创作和革新，是一种与我们的生活息总相关的工作。历史上各个时期的文化椰起着承前启后的作用，服装设计也问样如此，它能够体现了当代文化的演进和发展。 如何整合继承传统文化与服装设计创新，是当前中国服装设计+师面临的关键问题。首先应当明确。继承传统是服装设i计创新的前提。不了解传统文化。服装设计就是无本之木、无
第一章服装概述 教学导入：服装作为人的“第二层皮肤”，可以帮助每个人确立自我概念，使人们在交际中获取关于对方的有用信息，建立相关的知觉与印象。服装就如同无声的语言，帮助人们表达自我，默默的传递大量的信息，如个性、信念、价值观、魅力、印象等。 教学内容： 第一节服装的第一属性——生活用品 一、服装的功能 1、服装的生理需求功能 简单的说，是为了在不同季节和气候下生存，为了防止外界的伤害，其基本功能是满足人们遮身蔽体，防寒保暖的生理需求。 2、服装的心理需求功能 服装也是个体寻求社会归属，展现社会地位、阶层与角色的有力工具。在人际关系中也扮演着重要的角色，有魅力的服装能提升人的吸引力。 3、服装的社会需求功能 作为人与自然环境、社会环境相互作用的产物，服装还是人类特定文化习俗与价值观的物化表现。 4、服装的文化需求功能 服装是人与自然环境、社会环境相互作用的产物，是人类特定的文化价值观和规范的物化表现。它体现了不同的社会习俗、习惯禁忌、道德法律对人的制约，体现了不同的文化背景下的人们在穿着观念和穿着行为上的差别。 5、服装的审美需求功能 除了作为一种具有生理防护功能和社会文化功能的物品，服装还具有纯粹的审美功能。这也是为什么服装被称为软雕塑的缘故—它能让穿着这和观赏者得到精神上的美感体验。 二、服装的分类 常见的服装分类方法是从人们熟悉的、约定俗成的、在服装的一般流通领域容易被接受的角度对服装进行分类，这些服装名称出现的频率一般都比较高，便于在现实生活中被普通人所认识和接受
1、根据年龄分类 婴儿装（0~1岁） 幼儿装（2~5岁） 儿童装（6~11岁） 少年装（12~17岁） 青年装（18~30岁） 成年装（31~50岁） 中老年装（51岁以上） 2、根据国际统一标准分类 （1）高级定制女装（Hante Couture （2）高级成衣（Couture Ready to Wear） （3）成衣（ Ready to Wear） hom Browne 2013/14秋冬时装山本耀司2014春夏高级成衣3、根据目的分类 比赛服装——为参加各类服装设计比赛而设计的服装 发布服装——为各种发布会而设计的服装 表演服装——为适应各种表演目的而设计的服装 销售服装——为适应市场销售而设计的服装
135 2012 · 02 设计学 ART EDUCATION ■ 梁军 王超 论服装设计艺术与技术的灵动 服装是一种社会文化，服装设计是人类社会物质文明和精神文明发展的产物，服装设计产品本身是由艺术设计与技术设计两个方面 构成的。文章通过对服装设计艺术与技术灵动特征、服装设计艺术与技术灵动关系、服装设计艺术与技术灵动表现等方面的论述及实例分析，深刻揭示了服装设计艺术与技术灵动性的内在规律。 服装设计艺术 技术 灵动 内容摘要：关键词：服装设计是在一定社会形态中存在的一种文化，是人们先由想象而变形的一种意识，进而将这种意识用图形表现出来，最终将其转化为实物。这一过程既参与了人们感性意识的创作，又参与了将这种意识创作实现的理性技术。也就是说，一件服装产品的形成需要艺术设计和技术设计的结合才能实现。 艺术设计是随着社会的发展和进步而产生的，是人类为了完成某种特定目的而进行的创造性活动，是以工程技术和艺术美相结合为基础的设计体系。在解决物与物关系的同时，更加侧重于解决物与人的关系，考虑对人的心理和生理上所产生的作用，以此来提高产品的市场竞争力。在服装设计中，艺术设计主要体现在服装的造型、款式、色彩、面料、肌理等形式美感表现上。 技术设计解决产品内部功能、结构原理以及组合条件等物与物之间的关系，更多地考虑产品自身合理性和对人生理功能需要上的作用。在服装设计中，技术设计体现在服装的结构、工艺等内在本质要素运用方面。 一、服装艺术设计与技术设计的灵动性特征 服装设计中无论是艺术性还是技术性，都是为了实现服装产品所采取的设计手段，都具有商品属性，而商品是用来调节社会关系的中介，具有一定的社会性，所以，服装的艺术设计和技术设计也都具有一定的社会性，并各自具有一些特征。 艺术设计是一种显性的表达，注重美感形式和情感性，是以形象思维为主，其最显著的特征就是审美的文化性，即赋予产品以文化意义。不同时代、不同民族的人们具有不同的生活背景和物质生活条件，这使得每个国家和民族对服装艺术设计美的理解和标准不同，也就使服装的审 美具有了多种文化意义。例如，中国唐装、旗袍和盘扣元素的运用使服装具有鲜明的民族文化意义；西方20世纪六七十年代受后现代主义文化思潮影响，强调以人为本，推崇人性经验的主导作用，以历史的互渗性及个性化、自由化的思想方法和多元性、模糊化的设计语言，产生了波普、欧普、嬉皮、朋克等反传统的服饰文化现象。人们可以在传统与现代、民族与时尚之间的服饰文化中游走，这使得服装具有明显的时代文化意义。 技术设计是一种隐性的表达，注重数理性和逻辑性，是以抽象的思维为主，其最显著的特征是物质性，即服装从图形化的构思到人们可以穿用的物质化过程，从选取面料、确定款式到打板、裁剪、缝制和熨烫都有技术设计的参与。对面料的新颖性和环保性、生产能力和工艺水准、结构及尺码的要求等方面，都是技术设计物质性的体现。并且，这一物质性特征还包含了效用性和舒适性。 服装是人们的第二层皮肤，强调的是服装的可穿性，其功能是起到保护人体、满足人体的生理需要，而又不影响人体正常活动的作用，这就需要服装结构的合理与工艺的完善来实现。人体各部位功能作用、形体起伏是结构设计的根本，而选择合理的面料及相应的工艺制作技术，是实现服装设计功效性的必然手段。 技术设计的另一特征是功利性，即设计出的产品的最终目的是设计者和生产者能够从中获取利润。因为真正获取利润才是一个服装企业存在和发展的关键，如果设计出的产品实现不了功利性，也就没有技术设计的意义了。 艺术设计与技术设计这一显性和隐性的两个特征共同构成了服装产品的特征。在服装设计中，在发挥艺术设计的特征时，要加入技术设计的数理性、功能性特 征；在发挥技术设计的特征时，应融入艺术设计的情感性特征，使两种特征灵动地结合在一起。 二、服装设计艺术与技术的灵动性关系 服装设计从某种角度也可以看作是一门艺术，是设计者运用一定的文化载体、艺术表现手段进行创造，更确切地说是美化人类生活着装和生活环境的一门实用艺术。而实用艺术从其实用意义上来说，它又是艺术领域之外的，还有其实用价值的立足点，也就是工艺技术品质。为此，服装艺术设计是以技术设计为内容，技术设计则以艺术设计为形式，两者互不可分。布劳恩?劳森在《设计师怎样思考》中说：“为了达到设计目的，设计师必须理解和应用相应的技术手段，设计师不但要明白他们期望得到怎样的结果，还要清楚怎样得到这些结果。”这就是说，只是进行设计而没有考虑技术设计实践的设计是没有思考的设计，对预期的视觉效果是无法达到的，对自己的创意构思也无法实现。因此，如果一个服装设计师在设计时完全不考虑技术设计的实践要求，只注重形式和材料的美感，而没有考虑服装作为产品的功能性和商品性，其设计只能是形式优美的艺术作品或概念性作品。同样，如果设计师在设计时只注重技术性，而没有融入艺术的灵性，这个设计虽然具有了功能性，但由于缺少了服装的文化和艺术美的感染性，也会黯然失色。 服装艺术设计和技术设计的不可分，并不是把两者牵强地拉扯在一起，而是找到一个美的结合点，使二者自然地融为一体、相互整合，从而创造出具有功能美和艺术美的服装产品。 在服装设计创作中，服装的艺术设计往往是第二性的，技术设计是第一性的。 服装设计并不只是简单地先进行艺术设计 图1图3图2图4图5
《服装设计（造型）》教学大纲 一、课程性质及开课要求 课程编号： 课程名称：服装设计（造型） 课程类型：专业发展课（必修） 学时总数：52学时 开课学期：第三学期 开课对象：服装设计本科专业方向学生 先修课程：服装设计概论、服装设计（款式）、服装结构1、表现技法（服装） 后续课程：服装设计（专题） 选用教材：无指定教材，按任课教师的教学计划执行 二、教学目的 本课程主要是掌握服装设计中服装造型设计的基本理论知识，以及廓形设计，结构设计，服装局部造型设计的方法和服装造型的表现形式等。通过有针对性的服装色彩设计、形式美设计、风格设计等内容，加强学生整体全面的造型意识；通过对服装制作初步的简单的实践，使学生对服装造型的空间概念有更加深刻的体会。 三、教学安排及学时分配 1、基本理论知识（12学时） ⑴服装造型构成要素 ⑵服装配色设计 ⑶服装的形式美法则运用 ⑷服装风格设计 2、理论知识细化（16课时） ⑴服装廓形设计 ⑵服装结构设计 ⑶服装局部造型设计 3、课后资料收集 要求学生根据每次的授课内容进行相关资料的收集、整理。
4、课堂实践（18学时） ⑴点线面设计（至少3张） ⑵服装配色设计，服装设计形式美法则运用及风格设计（至项至少3张） ⑶廓形设计（至少2张） ⑷结构设计（效果图至少5张+用白坯布尝试制作成衣至少1件） ⑸立体布纹制作（至少2种纹样） ⑹针织手法学习 5、主题系列设计要求（1学时） ⑴学生以个人形式进行系列设计。 ⑵根据主题寻找创作灵感，并用文字说明。 ⑶根据灵感收集创意元素，拟定系列服装的色彩、造型、面料。 ⑷画出系列服装的彩色效果图以及正反面款式图（每个系列4-6款服装），相关配饰。 ⑸挑选一件杂志上的服装，进行立体裁剪的简单尝试，将尝试结果拍照（实物单品正面、侧面、背面，细节）。 6、设计交流（5学时） 对每次的课堂及课后训练进行评讲、修改、总结；学生在完成主题系列设计时，对灵感来源、面料、色彩等设计内容进行交流，通过对效果图草稿的审核完善设计内容，完成系列设计后，同学和老师间就设计内容进行相互沟通，使学生广泛汲取各种意见和建议，便于课后总结。 四、参考书目 服装设计造型. 柒丽蓉. 广西美术出版社. 2007-12 中国高等院校设计教程?服装造型设计教程. 林燕宁邓玉萍. 广西美术出版社. 2009-07 时装设计元素:款式与造型. 西蒙·卓沃斯-斯宾塞瑟瑞达·瑟蒙邹游董雪丹. 中国纺织出版社. 2009-08 服装造型学(理论篇日本文化女子大学服装讲座) . 三吉满智子. 中国纺织出版社. 2006-04 五、考核及成绩评定方式 1、考勤成绩、平时成绩、期考成绩比例换算按照教务系统换算比例执行。 2、考勤成绩按照学生出勤情况评定。
服装艺术在社会中存在的价值和意义 艺术源于生活，高于生活。艺术是生活的提炼。加工和再创造。艺术家从生活中提取有价值的，有意义的内容，运用到艺术中去反过来又充实人们的生活，给人们带来新的感受。艺术无处不在，每一个职业，每一个动作，每一种语言，每一种形态都可拥有艺术的成分。自然界更是最大手笔的艺术家。人类生存已有很长时间，随着社会的出现，人类的文明开始发展，人类的自我意识，审美意识开启了艺术的大门。随着社会的不断进步，人类对美的认识，对艺术的要求也不断提高，在生活中艺术无处不在。艺术是生活的重要组成部分，对社会。历史。人生，具有审美认识功能。 艺术具有三种功能：认知功能：艺术作品是人类文明和知识的载体。尤其是具象写实的艺术作品中往往会记录一些现实生活的事件和场景，通过欣赏艺术作品，人们可以认识作品创作的年代的一些社会风貌，通过艺术作品了解和学习历史。 教育功能：科学是以理服人的，而艺术则以情感人，艺术通过对观众情感的影响而陶冶人们的情操，提高人们的境界。艺术教育有着科学文化教育不可替代的功能。审美功能：艺术作品的本质属性是审美属性，人们通过欣赏艺术作品满足审美的精神需求。可以说，审美功能是艺术最重要的社会功能 艺术与生活息息相关，体现在人们日常生活的各个方面。人的衣、食、住、行中看，衣在首位，可见服装是生活中必不可少的，从远古时代，人们有了自我意识开始，就有了它的存在。服装文化也随之而变化，服装的发展随着社会的不断变迁，服装文化也随而变化。同时服装也也体现一个时代的政治、文化、经济、思想的发展。也是每个地区、民族的代表特征。例如我们中国的代表就是旗袍。而且服装也已经不仅仅是为了蔽体、御寒，更是一种美的享受。服装存在于艺术之中，也激发每个平凡人对艺术的追求。俗话说‘人靠衣装，佛靠金装’，人们在衣服的要求上也大有不同，他同样与人的地位，形象，性别。。。大有联系，每个人都有自己的品味，就像每个人的名片一样，穿上不同的衣服，彰显的气势也不同，每个人对衣服美的需求不同，就造就了现今社会的服装多样化，对于服装设计师也是很大的考验。服装设计师（Fashion Designer）直接设计的是产品，间接设计的是人品和社会。随着科学与文明的进步，人类的艺术设计手段也在不断发展。信息时代，人类的文化传播方式与以前相比有了很大变化，严格的行业之间的界限正在淡化。服装设计师的想象力迅速冲破意识形态的禁锢，以千姿百态的形式释放出来。新奇的、诡谲的、抽象的视觉形象，极端的色彩出现在令人诧异的对比中，于是不得不开始调整我们的眼睛以适应新的风景。服装艺术显示出来的形式越来越多，有时还比较玄奥。怎样看待服装艺术、领略并感受服装本身的语言，成为今天网络时代“注意力”经济中的“眼球之战”。服装设计既要有很强的审美观，和价值观，既然设计出来的衣服是要在生活中穿的，既要美观时尚，又要低调优雅，是服装永远不会落后，所以一个设计师在设计服装的过程中要忘掉自己是自己，而是在设计你所想表达的意向。 社会在不断地进步和发展，越来越高品质的物质给人们带来也越高的品质精神生活的渴望。这给设计艺术家们提出了更高的要求，使艺术设计跟时代前进的脚步不断的发展、提高。从而促进了时装的发展，时装，款式新颖而富有时代感