当前位置:文档之家› 中西美术比较 文档

中西美术比较 文档

中西美术比较 文档
中西美术比较 文档

由于中西美术的宇宙观、世界观和哲学背景的不同导致了中西美学的差异,使之中西美术形成了不同的风格和岁月,也即世界美术中东西方两大体系,由两大体系又衍生出不同的美术理论与美术创作,产生出美术视野的多元性,美术创作活动的多元性,中西美术本身的自律性是自在自为的,是在人类艺术地认识世界、审美地体验世界的无限推移中深化着、丰富着、发展着、开拓着的。当代社会正走向“全球化”,我们比以往任何时代都能强烈感受得到经济一体化和全球资讯在我们日常生活中的重要作用,美术的全球化,不是走向美术之“大同”,而是地域文化在包容人类文化互融过程体现出本土文化特色,一部世界美术史就是由不同地域美术为前提的不断追逐并充分体现人类艺术互融与演进的过程,全球化并没有也不可能消弥艺术差异和异质,个性与共性互融共存。艺术的地域差异中体现出“共性”,全球化浪潮中艺术往往遭遇本土化过程。

现从以下几方面来论述中西美术的差异与共性:

一、表现性意象和再现性具象东方艺术是重表现的;西方艺术是重再现的。然而近世纪东方艺术由古典的、表现的转向现代的、再现的。西方艺术则由古典的、再现的转向现代的、表现的。这种东、西方艺术逆向发展的趋向,汇聚于全球化潮流中,预示着反方向回归。认识上隐约出现了艺术的“十字形”交叉线。如同属肖像性绘画作品:梁楷(南宋)的《泼墨仙人》与17世纪荷兰通派维米尔的《站在窗口读信的女人》,前者是通过夸张、变形和狂放的笔意来表现的,后者是通过精确的写实手法,如达·芬奇所说的“绘画要象镜子般映

照自然”。自古希腊时期的苏格拉底、亚里士多德、毕达哥拉斯等,从那时起,西方美术很长一个时期都力图运用理性的数学方式实现对事物的模仿。在达·芬奇的《蒙娜丽萨》这幅画里,再现性是与审美客体生命本质精微体现相联系的东西。西方美术募仿的视觉可靠性还体现在透视问题,到了文艺复兴时期,作为科学的透视学和解剖学的兴起奠定了西方绘画再现法的基础,从拉斐尔的《圣母的婚礼》;曼特尼亚的《哀悼基督》;维米尔的《读信的妇女》;席里柯的《梅杜萨之筏》;列宾的《伏尔加纤夫》等作品中可以明显地看到透视学在西方绘画中所具有的举足轻重的作用。西方绘画努力从科学天地中寻找如透视学、解剖学、光学、色彩学等学科渗透到绘画中去。西方绘画的审美趣味,在于真和美,真指对象的真实、环境的真实。它讲究比例、明暗、透视、解剖等等科学法则。中国绘画总体上倾向于表现性,易经(公元前18世纪~7世纪)就以六条基本线的完形和断裂组成不同的图象。中国画的内涵、隐喻、言不尽意、意在言外显示出中国艺术的重性灵、重“意在象外”,象外意、象外之情把艺术的审美对象由外部世界转向内部世界,把艺术的传导力由再现转向表现。中国绘画是尚意,西文绘画是尚形,中国绘画重表现,重情感,西文绘画重再现,重理性。中国绘画的中心观念是“气韵生动”。“气”是画家的内在激情冲动“韵”是“气”表现在画面上的某种韵味、情趣。中国绘画讲传神,包括对象的内在精神,画家自己的主观情思。“传神说”从人物画移到了山水花鸟画,山水花鸟得到了人格化的表现。明朝唐志契说过:“山性即我性,山情即我情,水性即我性,水

情即我情。”指的就是画家要表现自己的真性情。

二、“天人合一”与“神人合一”“天啊……”在中国人在偶然遇到突发事件时,时常有这种感叹!“上帝啊……”西方人在偶然遇到突发事件时,时常有这种感叹!不同的惯用词代表着不同的文化倾向,中国美学与西方美学的巨大差异就是“天人合一”和“神人合一”的差异。前者由审美走向人际,回到生活,后者由审美走向宗教,皈依上帝。在美术史中,几乎同一时期的中国西汉霍去病墓雕与古希腊的米洛的阿芙罗蒂特雕像不同的审美取向,在于前者表现的是人生成于自然,回归于自然,这一巨型纪念碑式的雕刻,以卧虎、跃马、石象、怪兽等天然浑成的造型,拓展出广阔山野、丘陵和无极宇宙。霍去病墓如沧海明珠,孕含于天地精神之间。在那空阔之野,浸浴着一种恒久的人生感、历史感和宇宙感。而米洛的阿芙罗蒂特则体现出古希腊神话与人体美的结合。马克思说:“希腊神话是古希腊艺术的土壤。”希腊神话启发我们理解希腊雕刻的艺术美。在希腊神话里神和人是共存的,“神人同源”、“神人同形同性”,希腊人是以人的面貌来创造神,赋予神的形象以人的体魄和人的思想感情的。从雕像的整体风格看:美神的椭圆形脸蛋,直鼻梁(俗称希腊鼻)、平额、端正的弧形眉,扁桃形的眼睛,发髻刻成有条理的轻波纹样式,神态自若,不露笑容。她没有半点娇艳或羞怯,只有纯洁与典雅、庄重妩媚,体现了高度的古典理想美。中西美术的差异的“天人合一”和“神人合一”,一个由审美走向人际,一个由审美走向宗教,前者回到生活,后者皈依上帝。一个灵肉兼顾,情、理交融,一个尊崇灵魂,鄙

视肉体,一个与自然同在,重视此在,一个向上帝赎罪,企求来世。一个中庸平衡,一个纵欲禁欲。无论是东西方人类在生产劳动、文化娱乐活动中都要在人本身之外寻找支持和依赖。就是说,要找到力量和归宿。这方面东、西方都是一样,找到了一个权威的东西,就是“合”的过程。西方找到“神”,中国找到了“天”,于是形成了“神人合一”和“天人合一”这也就是中西美术的差异之一。中国古代画家多以儒家的思想来看待绘画的社会功能,审美方面则以道、释思想为指导,用道、释的宇宙观去领悟自然。中国绘画的审美心理,要求所描绘的东西直接诉诸人的感官,诉诸人的情感和想象,也即“天人合一”。

三、焦点透视与散点透视焦点、散点透视是中西画家绘画时对空间的不同理解。焦点透视,就象照相机,焦距对准的地方清楚,集中之外的模糊,从而表现出距离。从物理学的原理出发,用固定的视点表现同一个空间。这种透视只有一个固定的视点、视向和视域,作画取景也只限于在这个视点、视向所决定的视域内。而散点透视是指中国画的构成是不受时间和空间的限制,把时间和空间相结的一种表现方法。早在魏晋时期的顾恺之的《女史箴图》、《洛神赋图》以及五代顾闳中的《韩熙载夜宴图》都是通过环境式的景物衔接起来,让空间连续和时间流动结合起来。中国早期的山水画理论家宗柄就说过,画山水“非以案城域,辨方州,标镇阜,划浸流”。其后荆浩提出画山水要“搜妙创真”,都表现出用散点透视表现出自然美。宋代郭熙在《林泉高致》里提出了山水画的“三远论”:“自山下而仰山颠

谓之高远,自山前而窥山后谓之深远,自近山而望远山谓之平远。高远之色清明,深远之色重晦,平远之色有明有晦,……每远每异,所谓山行步步移也,每看每异,所谓山形面面看也”。三远法给画家经营位置以广阔天地。画家可以在一幅画上综合交错地使用三远法安排形象,在长卷中更能使景物有起有伏,有隐有显,有开有合,将散点透视和艺术表现效果结合在一起。散点透视给画面带来了整体上的音乐节奏感与和谐感。中国绘画从有限中见到无限,再从无限中回归有限,如此回旋经复,节奏鲜明。西方绘画则以有限见到无限,并一往而不复返。如中国东晋时代顾恺之的《洛神赋图》与十七世纪西班牙画家委拉斯贵支的《拉斯梅尼娜斯》(即《宫廷女官们》)两幅都是人物画,而《洛神赋图》突破时间和空间的局子,使静止的画面,随生活与情势而流动,富有时间感。《拉斯梅尼娜斯》则在单一的视点和静止的画面中,在纵向上塑造出变化丰富的空间。在构图上中国画利用散点透视表现物象内在联系上脉通气贯;在位置经营上环环相扣,节节相连,从内外两个方面形成一种起伏而又连贯的情感节。如宋张择端的《清明上河图》,在结构上有序曲、高潮(虹桥部分)、尾声,形成鲜明的情感节奏,突破时空的局限,同一时间里展现不同环境。在西方现代派画家向传统的西方焦点透视发起了攻击,但也无法否认西方焦点透视的根深传统,在现代派那里也无法否认这种实质,如西方现代派的照相写实主义,仍然可看到传统焦点透视学在形象上的完美体现。

四、线的节奏、笔情墨趣和光影韵律、丰富色彩中国画基本上

用线条、墨团、细碎墨点组成,而墨团和墨点只不过是线的扩大和缩小,它们同样要讲究骨力。西方油画主要是由光影明暗色调组成,所以中国画也可以说是线的艺术。它的形式美感,是线条(包括墨点、墨团)交织的节奏而产生的音乐性的美感。中国画线条的产生可上溯到彩陶、青铜器上各种以线条组织成的各种几何形花纹。线条的作用曾被孔子用来比喻人的修养。如他在《论语》中说到的“绘事后素”。就如涂了颜色再勾线一样,人有了美的天质,还须学礼。孔子把画中线条的地位提高到论理学的礼的地位。中国历代画家们十分重视“用笔”早在南齐谢赫时期他所提出的“六法”中,把“骨法用笔”列为首要之法。唐张彦远进一步把用笔的重要性阐述得更明确:“夫象物必在于形似,形似须全其骨气,骨气形似,皆本于立意而归乎用笔。”自顾恺之以来中国画的用线就有“紧劲联绵,如春蚕吐丝”的“游丝描”。有吴道子的“兰叶描”,所以张彦远称吴的风格为“疏体”,称顾、陆类型的风格为“密体”。疏体是得“磊落挥霍如莼草条”,易于表达作者的主观感情和个性。而“游丝措”须得高度凝神敛气,才能达到“体格精微,笔无妄下”。这样画出的线,是倾向于宁静、内敛、含蓄和理智。中国文化中的“书画同源”说明中国绘画线条的成熟得益于引书入画。如元代赵孟兆说过“石如飞白木如籀,写竹还须八分通”,他指出画石、竹,必须采用书法中的大篆、飞白和行书的笔法,明确地把线条独立于自然物象之外的特殊审美意味提示了出来。南北朝时期梁元帝萧绎就提出“信笔妙而墨精”,“高墨犹绿,下墨犹赤贞”到了唐代的张躁和王维的画“笔清秀,笔意清润”,张躁和王

维已开始了水墨渲染之法。后来王洽把水墨画进一步发展成为大写意的“泼墨”。从后世宋氏父子,高克恭等画的云山中多少可以看到这种用墨法的影响。中国画的笔尖、笔肚、笔根都会产生不同味道的线条。运笔时候还具有中锋、侧锋、卧锋、逆锋、拖锋、藏锋等笔势变化。粗扩豪放的秦汉画像砖,柔匀典雅的魏晋画风,“曹衣出水”,唐代的“吴带当风”,宋代的丰富皴法使线的风格驱向严谨、精细、典丽、方正。元代则更注意线的内涵,飘逸、潇洒、凝练、浑重。中国画用线中的“十八描”、十四皴法十分丰富地体现了线条和墨画的疏密、轻重、浓淡、干湿等相反相成的法则,这些法则体现出一种音乐性,抽象性、情绪性、感情性,画家通过用笔的疾徐、联绵、钝锉、刚柔等所造成的时间性的运动感、节律感,使画家的主观情感留驻于纸上。西方绘画以光影韵律为其形式美特征,西方绘画追求真实感、立体感、节奏感、明暗光影感。光影韵律的追求,首先导致对对象团块结构的理解,线为体面服务。光的具体化就是色彩,色彩不仅是最重要的造型手段,而且也是最重要的表现手段。如印象派及其后以创造性的主动精神去运用色彩,他们在对自然的色彩作了认真的观察、分析、理解之后,在获得对客观物象色彩的鲜明、强烈的感受和整体的色调认识之后,同时要求主动地,有所追求地去表现色彩,强调色彩的想象力,他们关注光影、色彩所产生的心灵作用,注意到色彩对人类心灵的某种暗示,如响亮的颜色在尖锐的形状里,音响效果会增强,低沉的颜色在图型里会提高视觉强度,他们在观察自然时,思于自然中的“光”与“色”的关系,他们为强烈的光色变化与空气感而

陶醉。西方文艺复兴时期绘画确立了科学的素描造型体系,把明暗、透视、解剖等知识科学地运用到造型艺术之中,印象派绘画则完成了绘画中色彩造型的变革,将光与色的科学观念引入到绘画中,创立了以光源色和环境色为核心的现代写生色彩学。在这里须补充的是中国画并不是一点也不讲色彩、讲光感,西方油画就没有线的表现。此处的比较中指西洋绘画中的线不处于表现手段的主导地位,中国画的色彩同样是抽象性的,它不模仿具体物象的色彩,着意构造色彩的调子。中国画的“墨分五色”就是说墨的韵味可以造成丰富的色彩错觉,产生闪烁的色彩。它或以单纯的色相,饱和的色度,造成响亮灿烂的效果;或减弱色度,缩小色相的差别,创造恬淡而蕴藉的效果。

五、诗书画印、画中有诗和“诗画分界”、以戏入画 19世纪法国浪漫主义大师藉里坷的《梅杜萨之筏》与中国现代绘画大师石鲁的中国画《转战陕北》都是主题性绘画,文学性很强。《梅杜萨之筏》的文学性主要是戏剧性的情节、戏剧性的冲突和戏剧性的对比;而《转战陕北》的文学性主要是“胸中自有雄兵百万”的诗情,它通过以景写情和情景交融的手法,用千山万壑的雄伟气象,暗喑性传达人物伟大的精神气度。上世纪50年代中国有画家尝试油画民族化,曾在油画上加题识,结果反而破坏了作品的整体效果,很不协调。这就是中国画与西方油画一个明显的不同。中国画诗、书、画、印有机结合,天衣无缝,相映成趣共同创造完整的艺术形象。中国画上能有题识,主要基于中国画笔墨线条的抽象的、超实象的形式结构,与中国书法、印章灵犀一点脉脉相通,在画面中显得十分和谐。中国画灵活变化的

空间形式能够包容题识,并使题识的书法有机地成为画中的一部分,使画面的构图韵律、线条节奏、笔墨韵味更加响亮,更加丰富,更加充实,内在形式上诗画相济。中国画的题识是随文人画的出现而出现的。苏轼推崇王维说“诗中有画,画中有诗”。北宋画家文同在自己画上常叫苏轼来题诗文。从元代以后,诗书画被人们称为画家必须具备的“三绝”(诗绝、书绝、画绝)“四能”(能诗、能书、能画、能治印)。随着文人画的发展,这种艺术表现形式日益精湛。中国美术的诗画相济,首先是意境了的契合,是胸中的感情同时发为诗和画,从而在形式上自然地融合,互为表里。在画面的有限形象中包含无限的不可见的情意。如清朝的郑板桥画了《风竹图》,题诗为“衙斋卧听潇潇竹,疑是民间饥苦声,些小屋潮州县吏,一枝一叶总关情。”此诗和画面里迎风抖颤的竹枝所表现的意境完全一致,而且反这种意境提升得更加高旷,使人们看到郑板桥深沉的情感和高尚的人格。西方近代美学开创的时候,德国的莱辛在《拉奥孔》中提出“诗画分界”说,他指出,绘画凭借线条和色彩描绘那些同时并列于空间的物体,因此绘画不适于处理事物的运动、变化与情节,诗通过语言和声音叙述持续于时间的动作,所以诗不适于充分地、逼真地描写静止的物体。法国启蒙学者狄德罗曾说诗人富于想象的人,善于感受的人,雕刻家和画家只能表现自然界的事物,诗能表现“可能是”,画只能表现“就是”。西方美学是戏剧美学,早期文学样式主要是戏剧和史诗,以后是小说,长于叙事,不长于抒情。西文戏、画两方面的特点,使西方绘画产生以戏入画的美学特点。在古希腊罗马至文艺复兴时期,画中

有戏,以戏剧性的情节、动作作为画面内在的构架,是艺术上的普遍现象。西方画家把故事性、叙事性的绘画抬到很高的地位上,像古典主义、浪漫主义、巡回画派等等深受文学戏剧性影响把故事性和情节性发展到了极致。

总之,不同族必定有其特定的历史沿革,民族主体性格,心理素质,文化背景,风俗民情及其艺术观念和艺术理想等等,总之,西方美术的审美趣味,在于真和美。西方美术追求对象的真实和环境的真实。为了达到逼真的艺术效果,十分讲究比例、明暗、透视、解剖、色度、色性等科学法则,运用光学、几何学、解剖学、色彩学等作为科学依据。如果说中国美术尚意,那么西方则尚形;中国绘画重表现、重情感,西方绘画则重再现、重理性;中国绘画以线条作为主要造型手段,西方绘画则主要是由光和色来表现物象;中国绘画不受空间和时间的局限,西方绘画则严格遵守空间和时间的界限。这种鲜明差异成为世界美术领域中的两大体系。在经济“全球化”的今天,美术不可能走向“全球化”,走向“大同”。一部世界美术史就是由不同民族美术为前提的不断追逐并充分体现人类艺术互融与演进的过程,我们也无须杞人忧天,担心艺术“殖民化”。尽管在“全球化”中地域间的文化交流与互渗、同化与被同化日益频繁、深化和广化,但地域的、民族的个性艺术决不会被殖民化!

中外美术鉴赏论文_

浅谈你对美术鉴赏的认识 -——美术鉴赏让我们懂得如何欣赏美 一个学期的美术欣赏课结束了,我受益良多。这一学期的课程,对我来说是"美的历程",从以前的不懂美,对美的浅薄的外在认识,到现在的欣赏美,逐渐明白更重要的是看到美的本质。 众所周知,审美教育是大学生全面发展教育中不可缺少的组成部分。尤其是我们建筑学专业的学生,更需要好好的去学习中外美术鉴赏这门课。有位大家说过:"艺术的最终目的,就是使人们更深地懂得生活,进而更加热爱生活。"学习美术欣赏,要更好的培养大学生,提高大学生的素质,最根本的问题是要提升大学生的精神境界。美术欣赏的最终意义,就在于使大学生的情感得到陶冶,思想得到净化,品格得到完善,从而使身心得到和谐发展,精神境界得到升华,自身得到美化。美术鉴赏课将我带到了一个全新的世界,带到了一个我以前从未涉足过的领域,带到了艺术的殿堂,我可以说出那些美丽的作品的故事,它让我发现原来世界是这么美,原来一个人的思想可以这样表达,原来先代们是那么的智慧。 美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,获得审美享受,并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏活动能帮助我们在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中,逐步提高审美能力,形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态

度。 美术欣赏有益于大学生灵魂的雕铸和人格的完善。艺术教育注重开发和挖掘人自身的潜能,并致力于培养人的自尊、自信、自爱、自立、自强意识,不断提升人们的精神文化品味和生活质量,从而不断提升人的生存和发展能力,促进人的全面发展与完善。人的全面发展,包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面,全面发展是一专多能的素质型发展。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段,在促进大学生灵魂雕铸和人格完善的全面发展中起着重要的作用。 欣赏以线造型的中外美术作品,提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。线条是美术最基本的造型手段,是构成视觉艺术形象的一种基本因素,无论平面的还是立体的作品;不论是写实,还是装饰;不论是抽象的,还是具象的……在长期的美术发展过程中.“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言,一直处于十分重要的地位,并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。尤其是古中国的美术,旧石器时代的粗石器,已能磨光、雕琢、钻孔,符合对称、均衡等形式美法则,初具节奏和线条的韵律美在新石器时代的仰韶文化中,可以找到中国美术的早期形式,这种形式一直延续直公元前6世纪。早在红山文化时期,就已经有玉雕的龙形及其他佩饰作品出土,从半坡遗址中可以发现,仰韶时期已经有陶艺存在。早期的陶瓷制品没有画上去的图案,但是有滚花。有很多画有以对称形式展开的鱼或者人的面部的图案。新石器时代的彩陶,从几何纹饰进展到动植物纹样,其中以仰韶文化和马家窑文化的彩陶纹样最为丰富生动。除彩陶

中西美术比较

中西美术比较 当今世界,最有影响得就是两大绘画体系,一就是以中国为代表得东方绘 画,一就是以欧洲为代表得西洋绘画。它们都就是人类得精神创造,但由于东西方生活环境、自然条件、文化传统、哲学观念得差异,使得二者在艺术创造 与表现形式上形成了鲜明对照。 1·技法:空间 西洋画运用焦点透视营造空间,用明暗法造型,讲究立体感。 中国画运用散点透视营造空间,用线描造型,讲究平面装饰性。 中西绘画表现时空关系得一个重要差异,中国绘画通过引导观者得视线有洞而表达得,就是故事得诗情美感,西方绘画通过在空间形式中融入时间因素而再现得,则就是事件得事实过程。例如五代得顾闳中得(韩熙载夜宴图)与达芬奇得(最后得晚餐)就在同样得主题内容中更清晰得展示了这种差异“夜宴”得结构语言就是画面经营位置与观瞧得时间流程相与谐;“晚餐”则就是故事得典型瞬间与环境得空间构成相统一,一个就是让空间服从时间得逻辑,主要人物得形象在一个画面中多次出现,一个就是让时间服从空间得设计,用典型瞬间凝练故事得演变过程。中国注重留白,西洋画景物充实,按自然得秩序布满画面,呈现出大自然得真实境界。西洋画中也有虚实变化,但一般靠明暗层次得表现来处理,亮处、有形处实,无形处、阴影处虚。中国画有形也可以虚,无形也可以实。无形可实得空白就是中国画独特得构成手段。 2·光影 中国画得造型语言就是笔墨,西洋画得造型语言就是光影色彩,就是笔触。中国画基本上就是由线条与大块墨团、细碎墨点组成。而墨团与墨点只不过就是线得扩大与缩小。所以中国画就是线得艺术。它得形式美感,就是线条(包括墨点、墨团)交织而产生得音乐节奏得美感,即所谓“笔情墨趣”。西洋画尤其油画就是由光影明暗色调组成,西洋画得形式美感,就是由光色产生得韵律。 西洋画得空间构造、形象塑造就是借光影色彩与笔触表现,它渊源于古希腊,希腊雕刻给人一种真实得、浑圆立体、可以触摸得感觉,在阳光下呈现出有节奏得明暗与光影。戈雅:“在自然中那里找得到线呢?我所瞧见得只有一些暗得体与亮得体,由远而近得面与由近而远得面,我得眼睛从来瞧不到线,也瞧不到细部。” 3·题材 西画题材主要有三方面来源: 一就是古代神话,二就是基督教,三就是世俗生活,历史与战争题材也包括其中。中国画从商代到战国肖像就是人物画题材之一,秦汉至今取材多位历史人神话题材与宗教题材,自然风光。 4·绘画本质: 西画求形似,中国画讲神似可谓两者本质区别,中国国画以线造型西画以面 造型,中国画就是表现得而西方绘画则就是再现,中国画偏于精神得,西方绘画偏于 物质得。 5·审美评价 中国画得审美评价就是“气韵生动”,西洋画得审美评价就是“模仿”。所谓“气韵”,在自然就是生命得律动,在人生就是最高得意趣。画家如能把客观对象得风

中国美术欣赏论文:浅谈中国美术欣赏

中国美术欣赏论文:浅谈中国美术欣赏 【摘要】中国画具有七千年的历史,它经历了漫长的发展过程,受到了儒、道、释等哲学文化思想以及民间艺术、外来文化的影响,才逐渐形成了自己的特点。特有的形式体现着中国画所独有的审美,必然影响到对中国美术的欣赏。欣赏中国美术是从中国画入手,并以中国画的特点作为欣赏的标准来介绍中国美术欣赏的要领。 【关键词】美术欣赏;中国画;写意;主体精神;意境中国是一个具有悠久历史和灿烂文化的文明古国,中国美术源远流长,具有鲜明的民族风格和独特的艺术成就。在漫长的发展过程中,中国古代的美术大师为我们创作了难以计数的美术作品及理论著述,为我们学习、欣赏、研究中国美术作品提供了良好的条件。我们学习、欣赏、研究中国美术,对于弘扬民族文化、增强民族自豪感、体现我们民族文化的先进性都具有重大的意义。我们欣赏中国美术是从中国画入手,并以中国画的特点作为欣赏的标准来介绍中国美术欣赏的要领。 1.我国关于美术欣赏的研究 八十年代以来,我国关于美术欣赏的研究取得了一定的成果。1986年,陈望衡、张涵在其著作《艺术美》中提出,艺术欣赏实质上艺术美的欣赏,是一种美感活动,艺术欣赏的特点主要是娱乐性、主客观辩证统一性、与创造过程的紧

密联系性等。1995年,尹少淳在其著作《美术及教育》中指出,美术鉴赏是运用感知、记忆、经验、、知识,对美术作品,进行感受、体验、分析、判断,而获得审美享受和美术知识的过程。1998年,张道一在其主编的《美术鉴赏》中提出,美术鉴赏对于鉴赏者来说也是一个复杂的心理活动过程,它与艺术的创造一样,同是知(认识)、情(情感)、意(意志)等过程的系统组合。21世纪伊始,关于此方面的研究近一步深入。2000年,王大根在《美术教学论》中提到,美术欣赏是一种视觉心理活动,它是从视觉对作品的直观感受开始,通过知觉与联觉、统觉而变成情感和意识的过程。2001年,王向峰其著作《美的艺术显形》中指出,艺术欣赏的主要特征有:艺术品相对与欣赏者的外在性、艺术欣赏的过程性、欣赏者在欣赏过程中的创造性。2002年,陈新汉在其著作《审美认识机制论》中提出,艺术欣赏是纯粹化、集中化的审美活动,是客观化审美活动的主观化,它作为对艺术作品的具体把握,是欣赏者接触艺术作品而产生的一种审美活动,也是一种通过艺术作品中的形象去间接认识客观世界的思维活动。 总之,美术的欣赏是运用感知、记忆、经验、知识,对美术作品进行感受、体验、分析、判断而获得审美享受和美术知识的过程。 2.写意

美术鉴赏

《美术鉴赏》 中国人物画鉴赏 系部:机电工程系 专业:制冷与冷藏 姓名:袁宏博 导师:徐津

中国人物画鉴赏 引言:中国绘画艺术历史悠久,从远古的岩画到新石器时代的彩陶纹饰,直至传统的水墨画,可以说绘画是历史的一面镜子,透过这面镜子能够看到,中国绘画起初仅是表现原始先民朴素的理想和生活,进而更多的为上层社会服务,同时也可以反映出个时代跌宕的社会风貌与世俗的生活图景。国画又称“中国画”或“丹青”,是区别与西洋画而对中国传统绘画的泛称。特指以中国独有的毛笔、墨和中国画颜料在特制的宣纸或娟上作画,包括卷轴画、壁画、年画、版画等各种各样的门类。中国画现分为三大画科:人物画、山水画、花鸟画;有工笔、写意两大种画笔;有卷、轴、册、屏等多种装裱形式。人物画是中国画中的一大画科,是以人物形象为主体的绘画的通称,其出现早于山水画、花鸟画。 关键词:美术鉴赏,人物鉴赏,绘画鉴赏,特点,解析例子 正文: 美术可以反映现实生活的方方面面,艺术家通过对社会与自然的领悟来反映他们的情感、愿望、理想、幻想。因此,美术为我们提供了一个富有魅力的认识世界的途径。美术作品视觉传达效果是其他文字形式所不能达到的,美术作品的内容、情节、形象、色彩具有特殊的魅力和形式美的内涵,对于人们有着强烈的吸引力,极易唤起人们的兴趣,人们由观看的兴趣进入美术欣赏的状态。 美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,获得审美享受,并理解美术作品与美术现象的活动。人们通过美术的学习更好地汲取不同时代美术作品中所蕴涵丰富的人文精神,而不断加深对人文精神的领悟,有效地形成和发展人们的人文意识。人的审美观念决定着人的审美活动。人们通过广泛接触中外优秀的美术作品,不断深入理解美术与自然、社会之间的关系,使学生在文化情境中认识美术,开阔美术视野,形成尊重世界多元文化的态度和审美判断能力。 美术鉴赏的过程中人们站在社会与历史的角度,用人文精神的思考和美术的造型知识解读它们,既让人们从观察、分析、思考中学习美术语言中的线条、形状、色彩、构图等形式美知识,也让他们从观察中了解社会与历史、认识特定时

中西方绘画作品比较赏析

中西方绘画作品比较赏析 ——绘画的两大体系赏析 内容摘要:中西方艺术文化都有着悠久的历史,在不断演变的同时,既继承先辈留下来的风格,也加入每个时代赋予的新元素。 这篇文章中将中西方艺术中两大体系的主要代表绘画作品进行各个角度的分析和研究,从中找出共性和各自特色为今后的艺术学习研究创作夯实基础。 中西方绘画注重表现与写意,既强调感性;而西方绘画注重再现与写实,既强调理性。这就决定了中西方绘画的表现手法不同。中国画不固定在一个立脚点作画,也不受固定视野的局限,而是根据画者的感受和需要,使立脚点移动作画,把见的到的和见不到的景物统统摄入自己的画面,即运用了散点透视法。西方画家则是理智地进行构图,采用科学的透视学和色彩学来表示近大远小焦点透视和色彩的空间变化,形象的立体感很强,逼真肖似,具有典型性。 所以中西方传统绘画让人感觉是两个不同的体系,给人的感觉不同。 关键词:绘画的两大体系赏析;中国画;壁画;水彩、水粉画;版画;素描;新画种。 绘画的两大体系:欧洲油画和中国水墨画。 油画艺术可以说是世界绘画艺术中最有影响的画种。油画是以油为调和剂调和颜料在经过制作的不吸油的平面上描绘而成的绘画。其特点是颜料色彩丰富鲜艳,能够充分表现物体的质感、量感,能够传达物象所处空间的光线、色调和气氛,使描绘对象显得逼真可信,具有很强的艺术表现力。 中国画是中国传统绘画的统称。从广义上说,中国画包括中国传统绘画的各种 类别,但我们所说的中国画通常是指以水为调和 剂,以墨为主要颜料的一类,又称“水墨画”、“彩 墨画”。中国画表现出变化无穷的线条情趣,以墨 代色则表现了中国画独具特色的丰富的艺术表现 力。

中西方美术比较的总结

以下是对此次研究中对中西方美术比较的总结 1.中国画讲究"气韵生动",西方绘画主要讲究形的要求. 2.作画方法,中国画讲究"默写"即获取素材之后回房作画,西方讲究写生. 3.观察方法,中国画讲究在游玩中无意中获取素材,而西方讲究刻意的取景. 4.构图,中国画讲究留白,而西方绘画出现留白则视为画面不完整. 5.透视,中国画为散点透视,西方绘画为焦点透视. 6.诗书画印的利用,中国画里诗书画印为一体,是画面的重要组成部分,而西方绘画没有此论. 7.西方美术以注重实际,光影效果要求严格为主,形似神不似创意抽象留出想想空间为辅; 中国美术以中国画为代表,注重意境,注重人的情感,神似形不似。以画家的意志为转移。 中西方美术的最主要差异就在于透视,这是最根本的,中国绘画在创作上重视构思,讲求意在笔先和形象思维,注重艺术形象的主客观统一。造型上不拘于表面的肖似,而讲求“妙

在似与不似之间”和“不似之似”,在透视上将焦点(一点)透视与散点(多点)透视结合;而西方绘画着重于焦点透视,比较客观科学地体现了物体的外观,真实客观是其特点。绘画风格对于整个社会的影响都是巨大的,同时整个社会所形成的文化底蕴也同时反哺给了绘画。举例来说,从建筑上来说,人文,天气和建筑材料以及建筑工艺都对其有很大的影响,同样是巴洛克风格,每个地方都有些细微的变化。西方人文在文艺复兴时期,思想波澜起伏,海纳百川形成了众多的艺术风格,功不在风格多少,而在于这一风气带动了人们的思想,不段的创新;反观中国古代,由于封建社会统治阶级的思想统治,迫使人们在一定框架中,不对君王,只对青山绿水,千年时间造就了中国画的辉煌,但也限制了中国绘画新时代的发展。当然在明清两代发展起来的工笔绘画,在一定意义上也偏重了西方绘画的焦点透视(工笔建筑要稍少一些)。 绘画工具的不同也造就了中西方绘画的差异。毛笔,纸张,绘画颜料可谓独树一帜,更体现了中国古代人民的智慧,当然整个当时西方社会的工艺水平也是很高的。 总的来说,中国绘画讲究的是意境,画面的构图可以北地之山,南河之水,成竹在胸,山林水楼,人物花鸟,增减不在

中外美术鉴赏期

1.什么是美术鉴赏?其本质是什么?谈谈如何提高自己的美术鉴赏能力? 2.欣赏者首先应保持注意的稳定性,在欣赏美术作品时欣赏者一要注意把感受、思考、联想、想象等心理活动指向并集中于某一特定的作品,有时还需要保持相当长的时间,才会在欣赏中逐渐得到较为深刻完整的认识,因为画面中的每一处细节都是画家经过深思熟虑、精心按排的,都在起着十分重要的作用。要展开联想和想象的翅膀,面对抽象美术作品时,欣赏者要学会发现其独特的艺术个性。只有多看、多想、多实践才能逐渐对一般的艺术规律有一些基本认识,有了这些认识,则有助于我们在今后的美术鉴赏中,更好的感受和理解每一件具体的艺术作品。要想提高美术作品鉴赏能力,不仅需要接触作品本身,还要了解不同艺术样式,不同流派的风格特点,此外还应具备相当的历史文化修养,方能真正成为一个高水平的鉴赏者。 2.简述中国人物的“形”“神”论并结合具体作品分析 1.中国古代关于心身关系的理论。虽然这是一个哲学问题,但却包含深刻的心理学思想。形指身体,神指精神或心理。 2.顾恺之的代表作之一《洛神赋图》在气势恢宏的大汉王朝结束之后, 第一、魏晋南北朝大动乱、大灾难的时代,但也是一个民族大融合,文化大融合的时代。文人开始有了较多的思想自由,在艺术界,艺术要表现人们主观情趣的要求被突现出来,顾恺之等画家们已不满足于描绘事物的外形,而把更多的注意力投放到刻画人物性格方面来。第二、顾恺之也是出身于一个文化氛围极浓的士大夫贵族家庭。仕途及艺术方面发展奠定了一定的基础顾恺之自己的努力。除过众多客观原因,顾恺之所取得的巨大成就和他自身的努力是分不开的。顾恺之天资聪颖,从小又受有良好的教育,所以他从少年时期便禀赋超群,显现出极强的艺术潜力。离开礼教和政治等严肃的话题而重视人物的言论丰采和才华在顾恺之的作品中被充分用到。这表示绘画艺术视野的扩大,从而为人物画提出了新的要求——表现人的性格和精神特点。顾恺之的一生给后世留下了众多的著述和画迹。他提出了传神论、以形守神、迁想妙得等观点,为后人研究中国画提供了许多理论依据。通过研究分析作品创作的时代背景,有助于我们更清晰的了解魏晋时期的整体美学思想和魏晋南北朝之后中国古代绘画史整体的发展走向。

梵高美术鉴赏论文

梵高——一个纯粹的自我 班级:金融1404 姓名:蒋雯学号:2120141051无论是初中还是高中,美术课上总会有一个画家的名字频频出现,他就是梵高。一开始看他的画作,我感受到的是常人无法理解的癫狂,色彩明艳,表情夸张,尤其是那金灿灿的向日葵,似乎就像一个个闪耀的小太阳,硬是要把光亮深深刺进你的胸膛。但慢慢的我发现即便看过许多名家作品,梵高依然是心头最爱。不,应该是:越是对比,越是觉得梵高可贵,越是爱。 不可否认的,梵高是一个天才,是一个有一颗“金子般的心”的人,他的画将情感和美感融入,偏偏特别动情,偏偏特别美。一件艺术作品的价值,要结合艺术家创作时的背景和心境。一个艺术家的成就,要看他对后人的启发。 梵高在1880年决定开始正式画画,那时候他27岁,他搬去乡下跟他的父母住。作为一个没有工作的单身狗,被爸妈嫌弃是必然的。那时候的梵高,虽然在画画,但是日子过的很压抑,这可以从当时给弟弟提奥的信里看出,他自嘲自己过的连条狗都不如。当时的作品普遍比较灰暗,颜色比较单一。 但是在这样的情况下,他画出了《吃土豆的人》。准确地说,这幅画是1885年画的,但在那之前,画家已经开始构思练习了。吃土豆的人为什么是名作?蒋勋说,梵高当年画矿工画农民,是一种救赎,他想救赎自己,而他拿起画笔的时候是在画他无法救赎的人。而我最感动的是,梵高在自己被人嫌弃无法救赎的时候,居然还有怜悯之心去同情他人。吃土豆的人里,柔和的灯光,昏暗的房间,“我想传达的观点是,借着一个油灯的光线,吃马铃薯的人用他们同一双在土地上工作的手从盘子里抓起马铃薯——他们诚实地自食其力”。 梵高在1886年去巴黎,可以说,这家伙终于踏上了艺术这条不归路。当时是个什么情况呢?莫奈,马奈,毕沙罗,罗丹等等艺术家在巴黎正以“先锋艺术”的形象大展头脚。梵高就像一个小粉丝一样,怀着一颗惴惴不安的心,住进巴黎

中外美术鉴赏

姓名:张堃 学号:ADS08024 专业:08艺术设计系环艺专业 太极与设计 太极图被称为“中华第一图”。从孔庙到道观的标识物;从道教的服饰到游方术士的招摇旗;从中医、气功、武术及中国古典书籍的书刊封面、会徽、会标,到韩国国旗图案、新加坡空军机徽、玻尔的爵士勋章等,太极图无不跃然其上。太极图除了阴阳鱼图形外,还有五层图形(即“周敦颐太极图”)、空心圆图形、黑白半圆图形等等。阴阳鱼太极图,早期称作先天图、河图、先天自然河图、先天自然之图、古太极图等;五层太极图又称无极图、太极顺逆图、太极顺生图、丹道逆生图等。 关于太极图的起源,历来说法不一,有原始时代说,有太古洪荒说,有生殖器崇拜说,不一而足。宋朝的朱震认为,太极图是由五代末宋初的道教鼻祖之一陈抟传下,他在《汉上易传·进易说表》中说:“陈抟以先天图传种放,放传穆修,穆修传李之才,之才传邵雍。”但是陈抟的太极图是谁传的,他没说,但恐怕也不会是陈抟自己创造的,因为有无数的出土文物证明。台湾的陈立夫在《关于太极图的一些问题》中认为:“大陆先后所出土之古太极图,较《周易》及《乾凿度》之成书,尚早三、四千年。诸如陕西永靖所出土六千五百年前(伏羲时代)双耳彩陶壶上之双龙古太极图现藏瑞典远东博物馆,乃使用毛笔中锋所画,竟早于孔子四千年。又出土商代及西周之多件青铜器上,亦契有雌雄双龙相互缠绕之太极图。”陈立夫所称“双龙太极图”实际上就是华夏始祖“伏羲女娲交尾图”,陈立夫的说法比较科学,远古先民没有今天这样的科学手段,借助图象来推演天文地理、宇宙万物,那是十分自然的。至于陈抟,也许只是把太极图当成道教的标识物而已。 还有人认为太极图出于道教徒之手,是道教内丹学的产物。据说有人利用EF扫描技术,给进入气功功能态下的气功师作脑电图,并结合中医学和气功学有关记载,对气功师的脑电图进行了测试研究,发现大脑存在一个太极结构,以此证明太极图最早是人体气功功能态下内景感受(或内视)记录的丹象,也就是人体气功功能态下的脑电图。因此提出狭义与广义太极图之说,狭义的“太极图”(从它的原始起源的意义上说)是一张脑电图,广义的“太极图”(从它发现并描述了某种普遍的物质运动原理与结构的意义上说)是一种宇宙物质运动模型。也就是说,要想获得这种丹象——太极图,只有气功修炼达到出神入化的程度,否则就不可能获得。但是用什么来修炼呢,还得求助古人,丹家的经典《周易参同契》就说,修炼的理法依据仍然是《易经》的原理和《易经》的太极模式。也就是说,丹家内景感受(或内视)到的丹象,是在易理易法的指导下修炼出来的。无论是汉代的魏伯阳,还是以后的陈抟等道教徒,他们都得研习《易经》,不研究《易经》,就不能发现内景感受(或内视)到的丹象与伏羲八卦原理及图形相一致。 太极图产生以后,在流传的过程中,或配以八卦,或配以六十四卦,于是便陆续出现了“先天太极图”、“天地自然之图”、“河图太极图”、“洛书太极图”等

美术鉴赏论文 (1)

中国绘画艺术浅谈 博大精深、源远流长往往是形容我国古代艺术文化、悠久历史的最佳词汇。一个线条,一个轮廓,一抹色彩,看似简简单单的几笔,画家却能够用远近呼应、以动衬静等手法将人物、山水表现得淋漓尽致、唯妙唯俏,这就是我们中国古代绘画的精髓所在! 从远古的陶瓷绘画,到魏晋的墓室彩绘砖,再到隋唐的壁画,个人感觉,相比较于西方油画的死板,我们中国美术讲究的是形散神聚,画家们举手投足之间一挥笔墨,就能表达自己对人物、事物的态度与看法——不论是一种巫术,还是讽刺官僚、表现民生疾苦,抑或是细致刻画某种动物等等。通过这几次选修课,我觉得古代的画家不仅仅是画家,他们往往能够用笔墨批判现实或者是表达某种愿望或抱负,总之,绘画的目的已经远远超越了欣赏,我们能够从众多的绘画之中感受到它们所带来的内涵美、意境美,这也是值得我们去欣赏、去研究的地方! 在美术鉴赏这门课中,我印象最深的就是顾恺之大师。顾恺之,字长康,晋陵无锡(今江苏无锡)人。顾恺之博学有才气,工诗赋、书法,尤善绘画。精于人像、佛像、禽兽、山水等,时人称之为三绝:画绝、文绝和痴绝。谢安深重之,以为苍生以来未之有。顾恺之与曹不兴、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。顾恺之作画,意在传神,其“迁想妙得”“以形写神”等论点,为中国传统绘画的发展奠定了基础。老师上课细心地讲述了洛神赋的故事,《洛神赋》是古代有名的诗人曹植用神话隐喻着失落了爱情的感伤的诗篇《洛神赋》,是中国古代文学中的一篇重要作品。曹植所爱的女子甄氏,在他的父亲曹操的决定下,为他的哥哥曹丕夺去。甄氏在曹丕那里,没有得到稳固的爱情死得很惨,她死后,曹丕把甄氏遗留的玉镂金带枕给了曹植。曹植在回归他自己的封地的路上经过洛水,夜晚梦见了甄氏来会他,悲痛之余作了一篇《感甄赋》,塑造了洛神的动人形象,也就是被他美化了情人的形象,甄氏的儿子曹叡将它改名为《洛神赋》。恺之知识渊博而有才气,擅长诗赋、书法,尤其精通绘画。工人像、佛像、禽兽、山水等。当时有“才绝、画绝、痴绝”之称。他的画师法卫协而又有所变化,他的画有敷染容貌,以浓色微加点缀,不求晕饰;笔迹周密,紧劲连绵,如春蚕吐丝,春云浮空的特点。史有以曹不兴、顾恺之、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。精通画论,其“迁想妙得”、“以形写神”等论点,对我国传统绘画的发展,影响很大。

中外美术鉴赏论文

学习和欣赏中外美术作品的心得体会 姓名: * * * 学号: ************** 院(系): ******************** 班级: ********************** 教学班:美术鉴赏3班 任课老师: *****************

学习和欣赏中外美术鉴赏作品的心得体会 【摘要】美术是人类文化的一个重要组成部分,是社会存在的产物,它与社会生活的方方面面有着千丝万缕的联系,作为人文学科凝聚着浓郁的人文精神,它担负着社会功能的角色。古今中外优秀的美术作品,都具有深刻的思想内涵和强烈的人文精神,具备情节美、生活美、意境美,这些作品塑造出的典型形象从不同角度叙述着感人的情节,给人以震撼、给人以感动、给人以思考,使人们从中得到美的启迪和感情的升华。 【关键词】美术欣赏徐悲鸿八骏图 【正文】 这学期,我们学习了了美术鉴赏这门课,通过对这门课的学习,我有了很大的收获和体会,我发现美术是一种富有内涵,表现形式多样,意义深刻悠远的艺术形式。课堂上我也学到了很多知识,让我学会了如何真正的去欣赏一幅美术作品。跟着老师的思路的见解,我不仅领略到了大作的美还领悟到生活中处处充满了美。 我最喜欢的艺术家和作品是徐悲鸿以及他所创作的《八骏图》。徐悲鸿1919年赴法国留学,他的作品熔古今中外技法于一炉,显示了极高的艺术技巧和广搏的艺术修养,是古为今用、洋为中用的典范,在我国美术史上起到了承前启后、继往开来的巨大作用。他把西方艺术手法融入到中国画中,创造了新颖而独特的风格。他的代表作油画《田横五百士》、《徯我后》、中国画《九方皋》、《愚公移山》等巨幅作品,充满了爱国主义情怀和对劳动人民的同情,表现了人民群众坚韧不拔的毅力和威武不屈的精神,表达了对民族危亡的忧愤和对光明解放的向往。他常画的奔马、雄狮、晨鸡等,给人以生机和力量,表现了令人振奋的积极精神。尤其他的奔马,更是驰誉世界,几近成了现代中国画的象征和标志。 《八骏图》是徐悲鸿最著名的作品之一,以周穆王八骏为题材,八匹马形态各异,飘逸灵动,在绘画技法上,是极为成功的中西融合的产物,逼真生动地描绘了马的飒爽英姿。刚劲矫健、剽悍的骏马,给人以自由和力量的象征,鼓舞人们积极向上。八骏图上,八匹英姿勃勃的骏马飞奔向前,姿态各异,匹匹高大雄健、精神焕发。其中的一匹最具特色,它后腿蹬地,前蹄腾空而起,鬓毛迎风飘动,昂首尾,自由奔放。《八骏图》是徐悲鸿送给陈纳德将军的一幅巨作。那时

美术鉴赏论文

美术鉴赏(论文) 题目:由《清明上河图》谈美术鉴赏的意义姓名:李欣 学号:2013300999 学院:材料学院 导师:于凤丽 2015年5月23日

由《清明上河图》谈美术鉴赏的意义 摘要:中国十大传世名画之一。北宋风俗画作品,宽24.8厘米,长528.7厘米,绢本设色,是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品,属一级国宝。《清明上河图》生动地记录了中国十二世纪城市生活的面貌,这在中国乃至世界绘画史上都是独一无二的。自从问世,人们对清明上河图的评价和鉴赏从没有中断过,可见其艺术价值之高以及作者画技的高超。在不断的探索和评价过程中,我们对美术的鉴赏本质也有了一定的认识。 关键字:清明上河图张择端美术鉴赏美术鉴赏的意义 正文:美术鉴赏是对美术作品进行评价和欣赏。美术鉴赏是一种审美活动,它是鉴赏者运用自己的感知能力,情感,审美经验和知识修养,对美术作品进行感受、体验、理解和评价,从而获得审美享受和艺术知识,提高审美能力,陶冶情操的过程。它也是鉴赏者面对足以引起审美感情的作品,两者相互作用而产生的一种心物感应,物我交融的复杂的心理过程。 一、作品基本情况介绍 下面以中国十大传世名画之一《清明上河图》为例,先对作品进行鉴赏,然后结合这幅作品来谈谈美术鉴赏的意义。《清明上河图》宽24.8厘米,长528.7厘米,绢本设色,是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品。《清明上河图》生动地记录了中国十二世纪城市生活的面貌,这在中国乃至世界绘画史上都是独一无二的。作品以长卷形式,采用散点透视的构图法,将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画

卷中,画中主要分为两部分,一部分是农村,另一部分是市集。画中有五百五十余人,牲畜五六十匹,船只二十余艘,房屋楼宇30多栋,车13辆,轿14顶,桥17座,树木约180棵,往来衣着不同,神情各异,栩栩如生,其间还穿插各种活动,注重情节,构图疏密有致,富有节奏感和韵律的变化,笔墨章法都很巧妙,颇见功底。这幅画描绘的是北宋汴京市井生活清明时节的繁荣景象,是汴京当年繁荣的见证,也是北宋城市经济情况的写照,栩栩如生地描绘了北宋都城汴京的日常社会生活与习俗风情。好一派繁荣昌盛的景象啊!该图描绘了清明时节,北宋京城汴梁以及汴河两岸的繁华景象和自然风光。作品以长卷形式,采用散点透视的构图法,将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画面中,画中人物1000多,衣着不同,神情各异,其间穿插各种活动,注重戏剧性,构图疏密有致,注重节奏感和韵律的变化,笔墨章法都很巧妙。这些都体现了张择端的高度的艺术概括力,才使《清明上河图》达到了很高的艺术水准全画分为三个部分: 一、汴京郊野的春光:疏林薄雾中,掩映着低矮的草舍瓦屋、小桥流水、老树、扁舟,阡陌纵横,田亩井然,依稀可见农夫在田间耕作。两个脚夫赶着五匹驮炭的毛驴,向城市走来。一片柳林,枝头刚刚泛出嫩绿,使人感到虽是春寒料峭,却已大地回春。路上一顶轿子,内坐一位妇人。轿顶装饰着杨柳杂花,轿后跟随着骑马的、挑担的,从京郊踏青扫墓归来。环境和人物的描写,点出了清明时节的特定时间和风俗,为全画展开了序幕。 二、繁忙的汴河码头:汴河是北宋国家漕运枢纽,商业交通要道,

美术鉴赏

《美术鉴赏》课程论文 题目:对常见美术作品的鉴赏 学院:资源与环境学院 班级:2015级地理信息科学 学号:2015083006 姓名:李辰 时间:2017年5月16日

摘要 学习美术鉴赏这类课程主要是为了加强美育、树立好的审美观。美术作品是根据现实生活创作出来的,能反映现实生活状况,同时又通过某些手法又高于现实生活,反映了人们对美的追求。本文就简要介绍一下一些常见的绘画、雕塑与建筑类美术作品。 前言 在人类几千年的文明历程中逐步形成了美的概念并且出现了大量的美术作品。这些美术作品有绘画有雕塑还有各式各样的建筑等,这些美术作品都来源于生活并且要高于生活。美术作品就是要通过不同的表现手法来诠释人们对美的理解,对美的向往。它们有的是反映人们对大自然的热爱,有的反应帝王的威严,有的反映人们对英雄的崇敬,有的反映了宗教的文化以及其他特征,可以说美术反映出自然、社会生活的方方面面。美术是通过某些表现手法反映了人们对自然社会的理解以及对美的向往。

1.对绘画作品的鉴赏 i.《兰竹图》 《兰竹图》是“扬州八怪”中的奇才郑板桥所作。兰竹图,纸本卷轴,以半边幅座椅巨大的倾斜峭壁,有拔地顶天,横空出世之势,壁岩空白见平整,峰峻显倔巍,用笔用墨都恰到好处。峭壁上有数丛幽兰和几株筒竹,同根并蒂,相参而生,在碧空中迎风摇曳。虽然从生于岩缝,但不囿于岩壁;自有“竹劲兰若性自然”,“飘飘远在碧云端”那种不为俗屈的活力。兰竹用焦墨挥毫,乱中求证,密中见疏,水墨斑斓,使其表现出欣欣向荣而又独傲萧爽,清新秀逸的风格。郑板桥用竹的自然特性比拟人的秉性情操,字里行间,包含着对友人的深情。 ii.《洛神赋图》 我国十大传世名画《洛神赋图》,曲折细致而又层次分明的描绘了曹植与洛神真挚纯洁的爱情故事,《洛神赋图》长卷采用连环画的形式,随着环境的变化让曹植和洛神重复出现。此画用色凝重古朴,具有工笔重彩画的特色。作为衬托得山水树石均用线勾勒,与画史所记载的“人大于山,水不容泛”的时代特色相吻合。全画用笔细劲古朴,恰如“春蚕吐丝”。山川树石画法幼稚古朴,所谓“人大于山,水不容泛”,体现了早期山水画的特点。此话无论从内容,艺术结构,人物造型,环境描绘和笔墨表现的形式来看都不愧为

美术鉴赏论文.

作为一名XXX专业的大二学生,美术鉴赏这门课程对我的影响很大,不仅仅培养了我基本的审美能力,也开拓了我的视野,让我了解到古今中外的文化艺术,从图案,到画面;从国画到油画;从时装到装饰品。让我知道艺术无处不在,艺术更是源于生活也是高于生活。 美术是没有国界的艺术之一,是全人类社会生活中最共同和最普遍的要求,对于每个人来讲,不论见识多识广,他也不可能观察和体验到社会的方方面面,俗话说"读万卷书,行万里路",鉴赏古今中外的许多优秀美术作品,可以使我们间接的接触到许多个人生活经历远远不能涉及到的广阔领域,可以帮助我们周游世界,漫步历史,扩大知识的领域。其次,美术鉴赏是陶冶人思想情操,提高人精神境界的有效途径之一。美术鉴赏一个重要的性质就是,它是人类特有的一种精神活动,是一种感觉与理解,感情与认识相统一的精神活动。因此,欣赏者欣赏美术作品的过程就是一种"潜移默化"的过程,也是其提高认识,受到教育的过程,是对其思想情操陶冶的过程。所以,美术鉴赏中队美术作品的欣赏过程,其本身就是提高精神境界的过程,它既不同于纯粹的抽象的理论教育,也不同于某种带有强迫性的法纪教育,是陶冶人思想情操、提高人精神境界最为有效的途径之一。 上课的时候老师通过讲课和视频展示的方法来向我们介绍每个方面的艺术,虽然每次放视频只能放一部分,但我

们也听的津津有味。通过视频展示的方式,我们了解到了一些有特点的艺术文化,比如我们的国画、紫砂壶上的艺术和施华洛的水晶装饰艺术等。我比较感兴趣的是一部叫做寻找手艺的纪录片,片中讲述了作者起初拍这部片子的起因,是为了实现自己最初的梦想,最让我惊讶的不仅仅是片里那些惊艳四座的手艺,竟是摄影师是由本来是司机师傅的人担任。这让我感触良多,司机师傅仅仅是对摄影感兴趣,慢慢的竟然拍摄的有了一些大家风范。真是有志者,事竟成啊!虽然在课堂上没有展示完全部的纪录片,但是回去之后我马上就把接下来的几篇纪录片看完了。我认为美术鉴赏这门课最大的好处就在这里,引发我们的好奇,进而让我们自己去探索,去思考,去判断。 在小时候我就听说过齐白石和梵高,但当时仅仅是知道他们的画作能卖很多钱,大家都为了他们俩的画一掷千金。经过美术鉴赏这门课,我了解到了齐白石的虾,鸡,鱼,花为何那么多人追求;梵高的画作表达的有是什么思想。美术鉴赏为我们解惑,擦亮我们的眼镜,让我们对待艺术品的感觉不仅仅停留在它们的价值身上,还看到了艺术家本身的经历、思想、心情等等,还看到了艺术品所在的社会背景与人文背景。

贵州大学中外美术鉴赏期末作业其答案

期末作业: 1.什么是美术鉴赏,美术鉴赏的本质是什么? 2.简述敦煌莫高窟隋唐时期壁画的基本内容及其与社会生活的关系 3.中国传统文人画家的艺术追求和审美理想是什么,并举例分析 4.简述水墨大写意花鸟画家徐谓的艺术成就及其对后世的影响 5.简述齐白石衰年变法后的艺术面貌和艺术成就 6.你怎样理解古希腊艺术奠定了西方古典艺术的基础 7.什么是文艺复兴?文艺复兴的价值和意义何在? 8.简述伦勃朗肖像画的艺术成就和绘画风格 9.简述法国风景画大师了柯罗的绘画风格和艺术成就 10.简述达芬奇的重要作品和艺术成就 1.什么是美术鉴赏?其本质是什么? 美术鉴赏是运用自己的视觉感知、视觉经验和相关知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,获得审美享受,并理解美术作品与美术现象的活动。其本质特征就是综合的审美活动。 2.简述敦煌莫高窟隋唐时期壁画的基本内容及其与社会生活的关系 唐代的壁画里出现了双飞天,就是两个飞天一前一后或者一左一右的位置,飞天的形象圆润,表情祥和。中期的唐朝繁荣昌盛,加上隋唐时期发展起来的净土宗的影响,在壁画中出现场面宏大的经变画《净土变》。到了晚期的唐朝,动荡不定,战乱频起,所以壁画中的飞天表情大多哀伤,表现的多为涅槃的悲凉景象。可能是艺术本身的表现,总会受到社会变化的影响,画师本身的影响,所以在唐朝的壁画,经历过初期,繁荣和动荡三个漫长的阶段。 3.中国传统文人画家的艺术追求美学理想是什么?并举例说明。 画家心中的山水,寄寓了画家远离尘世的理想,融入画家忘情于大自然的自由心境,也渗入了无可奈何的萧条淡泊之趣。 元代中晚期的黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇四家及朱德润等画家,弘扬文人画风气,以寄兴托志的写意画为旨,推动画坛的发展,反映消极避世思想的隐逸山水,和象征清高坚贞人格精神的梅、兰、竹、菊、松、石等题材,广为流行。 4.简述水墨大写意花鸟画家徐谓的艺术成就及其对后世的影响 徐渭的绘画主要以花鸟为主,他以写意画大师为个人最好的艺术成就。当时他的代表的泼墨大写意画非常流行,他的水墨大写意花鸟画绘画艺术占有继往开来、推陈出新的重要地位。他着意追求一种自我释放,一种激情飞扬的大写意。徐渭的绘画不拘于事物表面的像与不像,他注重于画面的精、气、神,善于抓住神气,用大笔铺张。他的画各具魅力,墨葡萄有墨葡萄的生理,螃蟹有螃蟹的神韵,芭蕉有芭蕉的简练,无法中有法,乱而不乱,高度的艺术技巧。 徐渭开写意花鸟画一代新风,是水墨大写意体派的真正确立者,从根本上完成了写意花鸟画的变革,其画风有力地推进了后世写意花鸟画的发展,画史上称为

中外美术鉴赏结课论文

精品文档 中外美术鉴赏结课论文中外美术鉴赏主要是一门对中外美术作品分析、欣赏与品鉴的课程。通过本课程的学习,旨在使学生了解中外美术史上的优秀美术家及其代表作品,不仅拓宽知识面,同时获得美的欣赏,陶冶情操,涵养性情,提高人文素养。以下是的中外美术鉴赏结课论文,欢迎阅读。 也许是冥冥之中自有定数,在大二的尾巴抓住了艺术的犄角,还记得第一次去上《中外美术鉴赏》课程的时候,第一个女老师给我们放映了几百年来外国优秀美术作品中的人物画像,还记得其中的人物画像中的主人公大多数是女性,同时也说明了外方女性人权的发展见证了外方美术史的发展,还有就是老师在课堂上播放了一些满是创意的小视频小发明,其中趣味索然,给人印象深刻,同时也传播了艺术的趣味性,世人离不开艺术,生活离不开艺术,艺术创造美好生活。 外方作品独赏识《日出印象》,1872年克洛德. 莫奈的这幅名为《日出印象》的油画首次展出,这幅画描绘了法国勒阿佛尔港口黎明时分的情景,港口作业区的大致轮廓-- 起重机、吐着烟的烟囱、建筑-- 透过浓密的晨雾和满画面的匪夷所思的破碎笔触,观者所能辨出的就是这些。这幅画儿当时在大多数人眼中简直是一团糟。批评家们更是大为恼怒,他们将这幅画的作者莫奈以及与之画风相近的画家的称为“印象主义”。指责莫乃画风太幼稚,其画作不过是小儿涂鸦而几年后艺术评论来与勒阿佛尔港日出时的情景何尝有半点相似。已,了个180 度转变,好象莫奈好得不能再好了,仿佛印象派画家不仅长与用笔而且捕捉视觉真实的技巧已臻化境,令当代画家相形见拙。 为何莫奈笔下的勒阿佛尔港先被说成一团糟,后来又被称为对港区日出情

景了不起的再现?我们该如何理解此种戏剧化的转变。 莫奈背弃了关于勒阿佛尔港传统的种种表达方法,而更趋向于表现真实的自我感受,传达出自己对日出的鲜活印象,将常识之类搁置一边,竭力捕捉最初朦胧印象,并将其凝固在画布上. 他试着画出的是我们打量世界时实际看到的一切,而不是我们料想我们会看到的东西。因此开始的时候人们自然会抗拒,勒阿佛尔港的日出怎么是这样的呢?可是随着时间的推移,经过观察,人们发现,当船衬着城市的背景出现时,在特定的光线下从特定的角度看去,船似乎真的是在城里行驶,有时海天会浑然一色,我们实难分辨何为大海,何为天空。 而中国的画家独成一派,如下所列中国近现代画家大师石鲁(1919-1982):1919 年12 月13 日生于四川省仁寿县,原名冯亚衍。中国现代中国画家。代表作《金瓜》、《打倒封建》、《说理》。 徐悲鸿( 1895-1953): 现代画家、美术教育家。代表作品《八骏图》、《愚公移山》。 齐白石( 1864-1957): 湖南湘潭人,二十世纪中国画艺术大师,二十世纪十大书法家,画家之一,世界文化名人。代表作品《虾》、《蟹》、《牡丹》、《牵牛花》、《蛙声十里出山泉》等等。 陈逸飞(1946年4月14日-xx年4月10日):生于宁波,浙江镇年毕业于上海美术专科学校,进入上海画院油画雕塑创1965 海人。.作室,曾任油画组负责人。1980 年旅美后,专注于中国题材油画的研究和创作。经过多年的不懈努力,取得了卓越的成就,成为闻名海内外的华人画家。 张大千(1899?1983):1899年(清光绪二十五年己亥)5月10日

中西美术比较谈.

中西美术比较谈 实际上,中国画对西方画的防线,已经给冲得七零八落了,已经防不住了。现在只有冲上去,只有迎面碰撞,不是退让、不是拉开距离,而是越来越近。碰撞、交融以后,不是说就没有中国画的特点了,还是会有我们的特点,特点是消灭不了的。互相越吸收才越丰富。所以在这种情况下,我觉得中西必须是一种互相碰撞,互相吸收,吸收之后再保持我们的特点,这是一条至关重要的路。 感谢有这样一个机会,到北大来谈一谈关于艺术方面的问题。这是我第二次来北大了。第一次是在80年代初,是改革开放不久,到北大来谈艺术方面的问题。那时候好像人也很多,而且听说朱光潜先生(著名美学家——编者注)也要来。我心里就打鼓,有点不敢讲了。今天像朱先生这样水平的人恐怕很多,我心里还是有些打鼓。因为我实际上是个画家,对理论没有研究。当然,我可以说我是个实践者,因此我把我所实践的经验提供给理论家来批判,来作为研究资料。所以今天我讲的都没有什么理论性,可能只是一些自己的体会。 今天我主要是讲中西绘画的比较。总体讲两个方面,两个问题。第一个问题,先讲一讲中西绘画有哪些不同。正好目前美术馆有个展览,是我们油画协会发起的,就是把西方油画中的风景画同中国的山水画这两个画种拿来同时展出、比较。我觉得这个构思很不错。因为中西绘画理论讲了很多了,实践上更应该拿出来比较。以风景画和山水画作为切口,比较合适。因为它排斥了其他诸如社会、政治的因素,在大自然面前大家一律平等。这样进行比较,容易找到问题。所以这个画展很有意义。在评选的时候,包括孙家正部长都参加了。他们觉得这样的构思不仅是学术性的,而且是挑战性的,是国际性、历史性的。因为中西绘画的碰撞是必然的。21世纪中西美术的碰撞与交融事实上已经是否定不了的,已经是客观的存在。那么今天拿出来比较呢,正好是一个好机会。所以我想先从这方面谈起——我倒不是因为说我也是油画协会的,给他们做宣传,而是因为根据我自己学画的经验,是“三十年河东、三十年河西”——东西两方面都搞,始终是在中间来回跑,所以我特别支持(指美术馆展览)。我也给他们写了论文,题目是“邂

美术鉴赏期末考试题目答案

中外美术鉴赏m,作业 1.什么是美术鉴赏?美术鉴赏的本质是什么? (2).美术鉴赏的本质是欣赏,人们在接触艺术作品过程中产生的审美评价和审美享受活动,也是人们通过艺术意境去认识客观世界的一种思维活动。在艺术鉴赏过程中,感觉、知觉、表象、思维、情感、联想和想象等心理因素都异常活跃。人们正是在这多种心理因素的综合作用下,接受、理解并把握艺术作品的,并从中得到某种思想上的启迪和艺术上的享受。艺术鉴赏以具有美的属性的艺术作品为对象,并伴随着复杂的情感运动,实际上是人类审美活动的一种高级、特殊的形式。 2.简述敦煌莫高窟隋唐时期壁画的基本内涵及其与社会生活的关系 隋唐时期基本内涵:隋唐时期的壁画《法华经变》、《宝雨经变》,《弥勒经变》等等。它们均抛弃了早期阴森悲惨的情调,而以明亮、欢快的气氛代替。那飞扬的舞蹈、满是金银珍珠的宝山、轻盈皎洁的池水无不流露出人们对喜庆升平的佛国世界的美好幻想。 社会关系:壁画不仅是艺术,也是历史,更是神与世俗生活的间接反映。壁画在结构布局、人物造型、线描勾勒、赋彩设色等方面系统地反映了我国历史上各个时期的绘画艺术风格,以及其传承演变、中西艺术交流融汇的历史面貌。从艺术上讲,它显示了我国各族画师卓越的创造才能和高度的艺术成就。从历史上看,通过壁画,直接也间接地反映了我国古代各民族、各阶层的劳动生活、社会活动、文化生活。 3.简述宋代风俗画家张择端清明上河图的艺术特点和艺术成就 艺术特点:《清明上河图》中各色人物和建筑的典型造型表现,是该画非常重要的特色,通过对房屋,城墙,街道,桥梁,郊区,树木,车船的细致刻画,加之融合山水画的写意风采,构成了风俗的基础。

相关主题
相关文档 最新文档