环境与艺术
环境与科学3班高羿展20095597
“人类是地球的癌细胞，走到哪里，哪里就拦掉！”这是一句多么可怕的話，人类为了生存，概房子遮风避雨则砍树，求温饱披衣饮食则狩猎，将大自然资源掠取，环境破坏，于是人的聚集处逐渐出现了疮痍，冰箱癌细胞一样的蔓延。癌细胞要治疗，否则地球终将毁灭，于是有了“环境”与“环境艺术”之说。
1、何谓环境
何谓“环境”，环境一语好似熟悉，又不甚清楚。
《辞海》或《辞源》的解释：“(1)周围的境界，(2)人体周围接触事物的状态。”简言之，即你我生活周遭所存在的人、事、物都称之为环境。其并衍生出校园环境、都市环境、生态环境等不同类别的环境。
《环境与艺术》一书，将存在于人类的环境区分为自然环境与社会环境两种。
自然环境指地表物质，如大气、岩石、水、土壤和生物。社会环境也可称为人为环境，虽然人是自然环境生物之一，但人的聚落形成社会，而人的社会活动影响自然，并随着生产力的不断增加与扩大，地球无处不受人为活动的影响，形成以人为中心的人为环境。
人运用其聪明才智，从愚昧时期的恐惧自然，如打雷闪电，以为有雷公电神，因而崇拜自然，拜雷公拜电神；到了解其为大自然的物理现象后，转而思考将雷电使用到人类生活，照亮黑夜。当人类成功地改造了自然，于是开始产生「人是自然的主人，人能主宰一切」的思想，自负地忽视了人类原本对自然环境和自然资源的依赖。加上工业化的生产，制造污染，破坏环境，导致地球暖化、臭氧层破洞、下酸雨等，大自然的物种开始一个个消失。当人类醒悟到每一个物种的消失，就是失去一种珍贵的美的时候，赶紧回过头来寻找环境美的本质。
2、环境美的本质
环境既包括自然环境与人为环境，若以人的审美观点视之，自然环境有美丑，人为环境亦有美丑；美的自然环境与美的人为环境相结合，并不见得可以得到美的整体环境，美的整体环境在于两者的结合其相处和谐统一。如同俊男美女并不一定是天作之合，重要的还在于两人的和谐相处，互谅互爱，才能臻至婚姻之美。
所以环境美的真正本质，在于人与自然的和谐统一。人类不当地球的癌细胞，人的聚落形成的人为环境与周围的自然环境不祇和平相处，还互相滋润，并相得益彰，生态平衡，互持互助，和乐融融。
生态平衡之意，并非对生物不能猎取，而是不得赶尽杀绝。埃及亚斯文水库的兴建，为了工业的发电也为了农业的耕地使尼罗河不再泛滥，原意甚佳；然而数年之后，河流静止，血吸虫与疟蚊肆虐，富饶的河口三角洲因不再有水流冲去土壤盐分，终成盐渍土不能耕作；出海口处的地中海，也因得不到盐分与养分，浮游生物大量减少；相对地沙丁鱼因吃不到浮游生物，而从建水坝前年获量一万五千吨，到现在几乎捕不到鱼；渔民因捕不到鱼，而生活拮据。
长江三峡水坝的兴建，也是不记取历史的生态教训的例子；人定不能胜天，人的对抗大自然，必得大自然的反扑。为什么孔子说天命不可抗拒，为什么老子主张回归自然，为什么庄子总是强调顺其自然，深思哲理，不外乎讲求人与自然的和谐统一。
中国哲学主张的天人合一，天就是自然；天人合一乃是环境美所追求的人与自然的和谐统一与生态平衡，是环境美的真正本质。
3、何谓环境艺术
人因聚落形成的院落、村落，或城市，如何选址择地在大自然环境当中，使天人合一，如何
将人为环境布局与设计得明快舒适，如何美化招牌、雕塑景观，如何植栽公共场所，如何设色户外家具等等问题的思考之后，当人类发现活着不祇为了生存，还要生活得舒适愉快，环境艺术于焉产生。
环境艺术乃是绿色的艺术与科学，是创造和谐与持久的艺术与科学。城市规划、城市设计、建筑设计、室内设计、城雕、壁画、建筑小品等都属于环境艺术范畴。它与人们的生活、生产、工作、休闲的关系十分密切。随着人民生活水平、居住水平的提高，人们对各类环境艺术质量的要求越来越高。环境艺术的理念和实践，就是在这样的背景和基础上在我国崛起和发展的。
环境艺术（Environmentalart）又被称为环境设计（Environmentaldesign），是一个尚在发展中的学科，目前还没有形成完整的理论体系。环境艺术"作为一种艺术，它比建筑艺术更巨大，比规划更广泛，比工程更富有感情。这是一种重实效的艺术，早已被传统所瞩目的艺术。环境艺术的实践与人影响其周围环境功能的能力，赋予环境视觉次序的能力，以及提高人类居住环境质量和装饰水平的能力是紧密地联系在一起的。其实简单概括就是一种场所艺术、关系艺术、对话艺术和生态艺术。"这是当代环境以人为主的民主性特征，人们已经不满足于仅仅是物质的丰富和表层信息变化的享有，更不能容忍那种非人性的压抑人的环境。人们追求深层心理的满足、感情的交流和陶冶，追求美和美感的享受。就发生了人与环境，与社会的关系，并在发展中不断的调节使之处于和谐。
中国古代乡村跟自然山水的关系就十分密切，人们讲究水空的经营，进水空的畅通，出水口封闭，财源才能滚滚而来。获得世界文化遗产之称的红村，以水土著称，把水穿过每家每户，甚至于庭院里的堂屋之前；贵州侗族村口的廊桥，既是交通要道，可以做买卖，又可以进水；还有浙江的风水塔，这种标志性的建筑只有象征意义，并不能使村子多出一些房子，但是在村口变成一个标志性的符号。
山西的窑洞农村的四合院，在大自然的环境里，出门种地，抬头见山，它的四合院都是跟四周的环境紧密相连的，组成一个和谐的环境。就在浙江我们调查，他的院落是开敞的，前面没有厢房，完全融合在大自然中。贵州吊角楼，楼底下是悬空的，周围全是山和水，一片青绿；傣族的房屋也是融合在四周的绿化之中；还有天山脚下的山包，叫作毡包……。它们都是在大的环境里创造了一个美丽的景观。不仅如此功能与艺术的统一表现在乡土建筑和乡土环境，村民的用具、服饰、生产等方方面面。这是门神，整个很热闹。这是广东的一家住宅，外面是对联，门神，打开里面的正房门还是有吉字，门上有八卦、照妖镜``````总之，这种功能与艺术的统一，可以说表现在物质生活和精神生活的方方面面，如果从当前的世界遗产的标准看，他们既包括有自然的遗产，又有文化的遗产，更包括非物质文化的遗产，都应该受到全人类的保护。
近20年来，随着改革开放形势的发展，我国城市化的速度和规模空前地加速加大。城市建设、住宅区的建设速度与规模也是空前的。城市广场、街区、公共建筑、私人住宅开始加强环境设计与装修。环境设计与施工队伍急剧膨胀，每年的产值高达数百亿上千亿之多。这些环境建设都存在着十分迫切的艺术文化要求。而环境艺术的范畴是十分广泛的。不仅包括城市公共环境的城市空间、道路、广场、桥梁、建筑物、建筑群、园林、雕塑、壁画、纪念碑、建筑小品，及至橱窗、广告、栏杆、花池、台阶、道路等人造景观；还包括天空、山脉、地形、水面、河流、树木、草地等自然景观；也包括属于城市公共环境中起作用的但不是固定有形的东西，如人们的行为心理需求、习惯模式、人口构成特点、生产、生活、文化、交际要求等人文因素。它是多种艺术组成的有机整体，而不是建筑艺术、园林艺术、雕塑、壁画等机械的合成，也不等同于某一种艺术。其最大的特点是"环境的艺术化"和"艺术的环境化"，是环境与艺术的互动，可让人通过时间的延续活动去完整地体验文化特性，欣赏它的美感。被称为城市空间的街区、广场、庭院，只要视线有所遮挡，就会产生建筑内部空间
没有艺术，只有艺术家——《艺术的故事》读书笔记 看完了《艺术的故事》，再回过头看书名和内容简介，不由觉得“故事”真的是再适合不过的形容了。它概述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，但是相比于说它讲述了一段关于艺术的历史，更多的是在叙述艺术和艺术家们的故事。 每一个作品都是一个艺术家讲述的一个故事，书中有一半都是图片，作者用图文结合的方式将这些故事用大众的语言娓娓道来。所以从书中，我们不只看到了艺术的发展历程，也看到了各个时代的艺术家们的生平故事。作者给了这些艺术家们新鲜的血肉，而非人物介绍中如“巴勃罗·毕加索（1881年～1973年），立体画派创始人”这样冰冷的文字。艺术家是鲜活的，他们存在于不同的时代地域、不同的文化背景，作为普通人类思考着关于自己与世界的事，他们把自己的思想成果酿造成艺术作品，所以这些艺术作品也是鲜活的，是艺术家们的一部分。 对于艺术的含义，贡布里希认为艺术在不同时代和地区的定义不同，而“艺术”这一概念则是武断地用一个思维框架来套所有艺术家的所有出品。贡布里希认为，仅仅由于一幅画让他想起了童年而喜欢它，没有任何问题。没有错误的“喜欢”，只有错误的“不喜欢”。错误的不喜欢指的是任由偏见蒙蔽自己，丧失了欣赏艺术作品的机会。在序中贡布里希说道，“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”而在书中他又说道，“实际上根本没有艺术其物。只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以达到‘合适’的效果；更难得的是，他们是具有正直性格的人，绝不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有表面上的成功，去经历诚实的工作的辛劳和痛苦。我们相信永远都会有艺术家诞生。” 那么艺术家又是什么？书中提到，“所谓的艺术家，从前是用有色土在洞窟的石壁上大略画个野牛形状，现在则是购买颜料，为招贴板设计广告画。”这两个例子冰山一角，并不能全面的概括一个艺术家的真正定义。但这样的说法，也说明贡布里希对艺术并不持有崇敬而疏远的态度，他认为艺术家是亲近的，艺术也是可以亲近的。他对艺术家们的创作是这么
《艺术与视知觉》读书笔记 第一次听说这本书是在大一，设计老师说到排版的问题，给我们翻阅了一些做的比较好的杂志，里面的图片大多放置在四角顶住两边，至少也是贴着一边，并且也不似我们想象的和文字排版那样留出统一的页边距。老师说这涉及到格式塔心理学，并推荐了这本《艺术与视知觉》。书名一晃而过，可惜我并没有去看过。 第二次听说它，是2011年暑假在中建西南院实习时，项目的老总给我们几个实习生推荐的。可是我依然没有放在心上。 直到这次课程要求，我才鼓起勇气去看这55万字的著作，长期以来一直觉得它名字玄乎，又是大家都推荐的好书，于是我带着敬畏之心开始翻阅。谁想，文章虽然有些地方比较难懂，但却不似枯燥的理论书籍，只用简单的图示和风趣的语言，阐述了本质的问题，这些问题往往是我曾经心生疑惑但不求甚解后忽略的，或者是从未意识到，一朝发现却觉得异常有趣的。 书的内容很多，短时间内我只阅读了第一章《平衡》和第四章《发展》。在读此书前先从我初始它的格式塔心理学开始了解。 格式塔心理学又称完形心理学，其将心理现象视为有机整体，认为整体虽有各个部分组成，但并不等于部分之和儿时大于部分之和，并且认为，整体先于部分并且决定部分的性质。阿恩海姆从完形心理学出发，反对元素主义的审美联想观。他认为，审美知觉并不像元素主义认为的那样是初级的、零碎的、无意义的，而是本身就显示出一种整体性，一种统一的结构，情感和意义就渗透于这种整体性和统一结构之中，而知觉结构是审美经验的基础。 阿恩海姆的知觉概念是建立在一种力的式样（或力的结构）的基础上的，知觉结构是一种特殊的“力的结构”，也就是一种对于力的感受结构。艺术建立在知觉的基础之上，而知觉又是对于力的结构和式样的感知，由此得出的必然性结论便是：力的结构和式样对于艺
设计学概论 课程名称：设计学概论 课程编号： 课程学分：3学分 课程学时：40学时 课程安排：一年级下学期 课程性质：专业必修课 一、课程开设的意义、作用和地位 设计学概论是设计专业的理论基础，课程通过对现代设计概念与类型、设计形态的知觉与心理、设计方法与设计程序、设计批评理论进行的系统、科学、严格地讲授与练习，为以后的专业设计打下良好的基础。 二、教学目的、任务和要求 通过学习，提高专业理论素养，掌握理论思维方法，并能善于用理论指导设计实践，自发的设计行为转化为自觉的创造性劳动。 三、教学内容与教学安排 教学内容：现代设计概念与类型；创造性思维与想象力；设计形态的知觉与心理；现代设计的形式要素与构成法则；设计方法与设计程序；设计批评理论。 第一阶段 1、理论讲授：（1）设计概念；（2）设计类型与相关学科。 2、作品解析与欣赏。 3、作业：读书笔记《认识设计》2000字。 第二阶段 1、理论讲授：（1）现代创造性思维与想象力；（2）设计形态的知觉与心理；（3）品牌 与创业形象创造案例。 2、作品解析与欣赏，互动对话。 3、作业：任选一幅设计作品进行解析《设计形态的知觉心理与创意》。 第三阶段
1、理论讲授：（1）现代设计的形式要素与构成法则；（2）现代设计方法与程序。 2、作品欣赏，学生点评。 3、作业：撰写论文《设计语言与创意》3000字以上。 四、教学方法的原则性建议 任课教师制定的教学教案一定要适合本专业的教学要求，应包含教学方法和内容，培养学生对理论学习的认识态度与阅读设计理论书籍的习惯。利用多媒体课件授课。 五、课程考核方法和标准 评分方法： 1、通过学习和作业练习能完成教学要求。 2、对设计理论与设计实践有独特见解。 3、运用设计理论对设计进行准确批评、并能提出全新创意思维的。 评分主要内容： 1、能否掌握本课程的基本内容。 2、能否按课程教学要求，按质、按量、按时完成作业。 3、能否掌握科学的学习方法，并在完成作业过程中有所体现。 六、教材与参考书目 教材： 《设计学概论》尹定邦著湖南科学技术出版社 参考书目： 《世界现代设计史》王受之新世纪出版社 七、教学大纲编写人、审定人 本教学大纲由环艺专业教师集体讨论审定，钟云燕执笔编写。
《艺术与视知觉》读书笔记 ——之有关“平衡”小悟 第一次仔细阅读《艺》这一类的书籍，仔细阅读时总是反复斟酌试图正确的去理解作者的思路，后来慢慢的对书中某些从未接触过的理论知识产生了兴趣，并且引发了我很多的联想。 “感受只能是‘观看’或‘发现’的结果，而不是‘观看’或‘发现’赖以进行的工具”，在我开始观看后，我认为，它确实是一本很值得阅读的书籍。 我想大多数不太接触艺术的人都常常会认为画作是绝对静止的，认为艺术品所表达的情感仅仅是由色彩、用笔、构图等等来表现的，认为画框仅仅是增加美感，认为画作中中间的物体所占面积大于周围物体是突出物体的重要性等等，在还未阅读《艺》之前我也是这样认为的。 好像从来都没有“视觉式样实际上是一个力场”的这种想法，原来一幅静止的画作中，哪怕是一个小正方形中也可以引申出复杂的“内部结构”，作者也正是通过描述这些“内部结构”中的力的活动来确定知觉对象的生命，来表现出画作的张力的。于是从前认为的“艺术品所表达的情感仅仅是由色彩、用笔、构图等等来表现的”的认识便被推翻了。在读了更多内容后发现不仅是这一点认识被推翻，还有很多诸如原来画框并不只是为了美观，它在某种程度上也保护了绘画之中的力的自由作用不受周围背景的干扰和束缚，又如画作中中间的物体有时所占面积大于周围物体是由于“杠杆原理”，中心受力较小，作者故意增加中间物体的面积以增加其重力达到画面平衡的例子等等。说到书中所提到的“杠杆原理”（即距离影响重力）不禁又想到，作画时所谓的“近实远虚”是不是也能由“杠杆原理”来解释呢？远处的物体重力大，所以对远处的物体忽略细节刻画，近处的物体强调细节刻画，以达到画作中力的平衡，给人协调之感。 书中提到影响艺术品“重力”的因素还有很多，诸如事物与观察者的颜色、作者偏爱、形状和方向、知识等等。其中提到影响重力的“知识”时也涉
19世纪工业革命的发展开始摧毁可靠的手艺传统。最直接的后果产生在建筑上。建筑开始了大批量的生产，只在最后让建筑家加上一点带有文艺复兴时期风格的装饰，表现出冒牌仿古的风格。由于技艺的缺乏，建筑显得太简单而不再具有丰富的艺术内涵。当然也有一些建筑家智慧地在这个时代找到了出路。国会大厦的建筑就是一个很好的例子，既不是冒牌的仿古也不是奇特发明，文艺复兴风格专家查尔斯·巴里爵士的设计保持着浪漫主义的风格，同时也不乏高贵。 对于绘画和雕塑的影响相对建筑较小。只是艺术家们在19世纪依然遇到了谋生的难题。虽然他们依然靠着亘古不变的老路子谋求生计，但是由于艺术的题材极大地扩大，艺术家们在风格、题材选择时往往会遭遇难以和顾客一致的窘境。后果就是，循规蹈矩地迎合公众需要的艺术家和“不为五斗米折腰”的艺术家形成了鸿沟，以至于意志薄弱者寻求在个性的表现上显得出众，从而更加失去了取得公众信任的本钱。 当然，在那些坚持孤独的艺术家中不乏名家，他们不与时代逐渐低俗的趣味同流合污，有决心坚持自己对于艺术的想法，不论结果如何，他们在精神这一点上已经是一个成功者了。 除此之外，绘画题材的观念又发生了转变。辛苦农民与农妇史无前例地成为人物画的主体，而不再是风俗画、风景画的一员。米勒的《拾穗者》就是这样一个表现。以库尔贝为标志，现实主义成为了艺术革命的标志。现实主义的艺术主张以自然为师，坚持真实，而不是空虚的优美与浮华。 此外，马内也开启了绘画明暗强烈对比表现手法的时代。虽然这一想法一开始被否定，但又有什么新思想没有经过否定呢？时间必然是检验真理的最好尺度。 印象主义也在这个时代出现了。它的诞生是因为讽刺，但是却被这个流派的艺术家们拿来当作派名使用。虽然在当时受到较多的批评，但是他们的作品在现代最终得到了认可。
《设计的魅力》 ———读设计学概论有感 设计学类144 储筠尧 设计概论是一门综合性的，多学科相互交叉，艺术，科学与技术相互融合，具有整体的科学表现特征的新兴艺术类学科。艺术的形式美感，科学的核心内容及技术的工艺特征完美地构成了艺术设计的全部内涵。它是创造人类生活的物质产品和精神产品的一门科学。 艺术设计的基本原理可以从设计的艺术性，科学性及技术性等三个方面加以认识，设计的艺术性包括对设计物像的造型形态特征，色彩装饰特征及材料肌理特征等方面的理解与表现。 设计的艺术性是基于对设计物象的基本认识和在设计创造活动中对物的形态特征，色彩装饰盒材料肌理等的理解，依据功能性，舒适性，装饰性，审美性，等需要加以主观的，合理的，符合形式美感法则的创造性活动。在某种意义上，可以说是通过部分创造和改变物的性质。通过造物的方法，形成物品为人所用，获得文化的价值和意义。 设计的目的是适应生活的具体需要，顺应社会发展的积极方向，构成历史性的文化积累，从而证明人类高度文明的具体所在。 设计的创意性特征 设计的的创意性特征体现出设计作品的文化特征与积淀，具
有思想的导向性及象征性，设计的奇妙思想包括对视觉与知觉甚至触觉的冲击，隐喻着深层的文化内涵。创意直接体现设计的生命力。 设计的图形特征 在设计中有文字图形，图案图形，平面图形，立体图形，无论那种形式都是设计表现的重要手段，对设计的成败至关重要。以图形为主的设计具有极强的装饰感和视觉感的冲击力。 设计的产品型特征 设计的产品型特征往往突出产品的使用功能性与舒适性，重点表现在产品的造型形态上。强调符合人体工程学原理及人性化的设计理念，实用与舒适经常作为标准规范。 设计的科学特征 设计的科学性特征严格地界定了产品的规范技术指标，并突出表现在新技术新科技的成果应用上。先进的技术含量代表着时代的发展与时尚，体现综合的科技与经济实力。 设计的工艺性特征 设计的工艺性特征是产品的制造加工的完美展示，是设计的功能性，舒适性及艺术性的具体体现。无论产品的外观造型及内部构造，其精准的工艺技术都将是优质产品的重要保证。 设计的市场性特征 设计的市场性特征是商品创造社会的唯一经济指示，设计的重要任务之一就是要最大限度地创造经济价值。好的设计通常能
一、作者简介 （一）生平 卡米诺·西特（Camillo Sitte）奥地利人，是19世纪末到20世纪初著名的建筑师和城市设计师。他于1889年出版《城市建设艺术》（The Art of Building Cities）一书，当时在技术领域取得了很多成就，而在艺术领域的成就几乎为零，壮观的纪念性建筑往往屹立在缺乏构思的、尴尬别扭的环境之中，该书批评了当时在城市设计中盛行的形式主义刻板模式，认真总结了中世纪城市空间艺术的有机和谐特点，努力探索城镇建设的内在规律。他非常强调城市空间要和自然环境相协调。 （二）影响 他的这些理论都是从大量分析中世纪欧洲城镇的实例中总结出来的，对后代影响很大，形成了“城市的艺术”（Civic Art）这一专门领域。对伊里尔·沙里宁（Eliel Saarinen）的“有机生长理论”产生了极大的影响。“国外许多近现代城市设计著作如《城市艺术》（Civic Arts）、《城镇设计》（Town Design）、《城市空间》（Urban Space）等都引用他的论述。英国建筑师吉伯德设计哈罗新城时，不能不说是受到西特的城市艺术学说的影响。” （三）地位 西特的《城市建设艺术》在西方规划史上占有相当重要的地位，学术界常常将西特和他的这本书与现代城市规划和城市设计的开端紧密联系在一起。“将西特称为现代城市规划和城市设计的第一人，将此书称为现代城市规划和城市设计的第一本经典著作是不为过誉的。” 二、历史背景 西特考察了大量中世纪欧洲城市的广场和街道，总结出这些街道和广场的特点：以人为基本出发点，提供了大量宜人尺度的公共空间，人们乐于在户外交流、活动。而他当时所处的时代是工业革命以来的大发展，城市不再以人为基准点而是汽车，快速路为设计原则。而当时建筑的内部变得日益舒适，从而使人们失去了对在外部空间中进行露天活动的欲望，导致许多人不愿意外出活动。他针对这一现状并结合中世纪的城市原则，归纳出适应当时条件的城市建设艺术原则，提出了一条在城市内形成一种具有文化和情感刺激的室外生活环境的美学途径，同时也奠定了建筑应是反映时代条件的有机的城市形态环境的一部分，注重城市空间形态与形体的设计。 西特认为：如果我们能得到一些建筑物间的开敞空间，步行者就会从漫长的隧道式的街道中得到解脱，小的开敞广场就能使朝向他们的建筑物与之产生一定的关系，这些室外空间就能提供改善了的外观，以及为生活和工作在建筑物中的占有者提供阳光和空气。 三、文章核心内容 本书作者在研究中世纪广场和城市平面的基础上找寻它们美的因素，然后总结一些原则，这些原则被人理解后，就在实际中加以利用。 （一）建筑物、纪念物及公共广场之间的关系 在中世纪，重要的建筑物往往集中于一个地方并有喷泉、纪念物和雕塑的装饰。这一形象能唤起人们的历史记忆并能在内心深处得到共鸣。广场和其周围的建筑物形成一个有机的整体。每个广场都有适当的比例，装饰广场的雕塑等与广场的比例是在一个体系内的，两者相辅相成，整合出一个更高层次上的宜人空间，吸引的大量市民的参与。而当时西特所生活的环境却是另一番景象。各个重要的建筑松散地布置着，广场和其周围的建筑缺乏联系，公共广场也游离于这一整体之外，充其量只是一些停靠机动车的地方，不再有人的参与，严格意义上可以说：“广场已经‘死去’。”此外、广场的比例也
艺术的故事读书笔记_艺术的故事读书心得五篇 《艺术的故事》叙述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，以阐明艺术史是“各种传统不断迂回、不断改变的历史，接下来小编搜集了艺术的故事的读书笔记，仅供大家参考。 艺术的故事读书笔记1 《艺术的故事》是贡布里希爵士编的，书中概括地叙述了从最早的洞窟绘画到20世纪前半叶的实验艺术发展历程。里面的内容很多，绘画、雕塑、建筑均有所涉及。倘若是其它艺术史类的著作，六七百页厚的书籍细看下来多少是需要些勇气的。还好本书通俗易懂，简明晓畅的语言就能表达严肃的题目。与一般美术史不同，这本书既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”。贡布里希认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。在导论中，他就骇人听闻地说：“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”当然，当我们大致读过他所讲述的历史，再看到他说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”时，就会真正明白他的意思。
一般公众已经安于一种观念，认为艺术家就应该创作艺术，跟鞋匠制作靴子没有多大差别。这种观念等于说，一个艺术家应该创作他曾看见过被标名为艺术的那种绘画或雕塑。人们能够理解这个含糊的要求，但是遗憾，那正是艺术家唯一做不到的事情。以前已经做过的东西不再出现任何问题，也就没有任何任务能够激发艺术家的干劲。但是批评家和“博学之士”有时也有类似的误解之过。 实际上根本没有艺术其物。只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以达到“合适”的效果;更难得的是，他们是具有正直性格的人，绝不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有表面上的成功，去经历诚实的工作中的辛劳和痛苦。 贡布里希的讲述完美而亲切，平易近人的作品，艺术理论被以通俗的方式叙述出来，作为例子的艺术品的选用真的很合适。读者和作者也可以取得较好的互动。他所要阐释的是人们不是为了响应某种潜在的“精神”的呼召去改变传统，而是情境的改变使其不得不然。例如说到具有强烈世俗倾向的荷兰绘画，他认为是由于经过了宗教改革，从而使新教统治区内的艺术家已经没有什么自由再画祭坛画了。无论哪种社会，贡布里希所关心的是艺术家所面临的“问题情境”。不是一个统摄一切的“时代精神”，而是许许多多切实需要解决的问题吸引着
《艺术与视知觉》读后感 《艺术与视知觉》读后感 一本书需要慢慢读，反复读，我喜欢设计喜欢视觉传达这个方向，在以后的学习中也会坚持的。下面是WTT收集整理的《艺术与视知觉》读后感，希望对您有所帮助! 艺术与视知觉读后感(一) 最近一直在读《艺术与视知觉》这本书，刚开始接触，自己很难理解。因为里边讲了太多的理论知识，而且书中就对一个问题分析性、针对性很强，介于自己现在的理解能力，一时很难深入看下去。但是它里边谈到了很多自己感兴趣的话题，于是就尝试慢慢的看下去。最后自己觉得还是感受颇深。接下来我就对本书的理解谈谈自己的一下看法。 在书中引言中，作者鲁道夫·阿思海姆就谈到：“视觉形象永远不是对于感性材料的机械复制，而是对现实的一种创造性的把握，它把握到的形象是含有丰富的想象性、创造性、敏锐性的美的形象。”当时在看到这句话的时候就很有感触，我觉得我们现在看到的一切美的事物都是通过眼睛传达到大脑，然后经过大脑的思考，心灵上的有感而发，通过感性与理性的相结合而达到最终的美的效果。所有的这些视知觉都包含
着一种思维，而这种思维中又存在着一种直觉。当我们在发现美、创造美的时候是这种直觉给了很大的灵感。当然每个人的思维不一样，在知觉与视觉上的感悟也存在差异，最后导致对于美的认识、对于美的感悟也是有不同之处的。 书中一共讲了十章：平衡、形状、形式、发展、空间、光线、色彩、运动、张力、表现。每一章都对本章的主题展开了很深入的探讨与研究，从各个角度去分析它，有的通过实验来证明;有的列举建筑、绘画、雕塑等来分析;有的则通过一些实际案例来作对比。所有的这些都是在围绕一个主题在进行讨论，研究它的问题合理性、存在的价值性、给人们造成的怎样的视知觉等等。通过这些可以看出，作者是花了很大的心思在里边，用心去思考问题，以一种认真的态度去对待问题，我想这就是我们现在所欠缺的东西。也是我今后要好好去学习努力改造的地方。下面我结合自己感兴趣的一些话题谈谈自己的一些看法。 首先是平衡，作者在书中提到了很多影响平衡的因素：重力、方向、顶与底、左与右等等，还有心理平衡与物理平衡存在的区别与联系。平衡给人的视觉因素很多，我们在观察一个建筑物的时候，就拿巴黎圣母院来说吧：当你第一眼看上去的时候，感觉是很神圣的，华丽的外表，中轴对称的形式，让人们对宗教产生了一种无言的崇敬。但是有多少人去认真分析这
2011年3月12日《生活的艺术—生活的享受》林语堂 江苏文艺出版社 林语堂先生学贯中西，著有许多不朽的篇章，这篇文章1937年出版于美国，后被翻译为多种语言。林先生在本书中谈了庄子的淡泊，陶渊明的闲适，以及中国人如何品茶，如何行酒令，如何观山玩水，如何养花、蓄鸟、听雨、吟风等，并探讨生命、心灵的价值，抒发其对日常生活中人、事、物的观查感受，并提出自己的哲学理解。 林先生认为人的生活最终不过包括吃饭、睡觉、朋友间的离合、接风、饯行、植树、浇花等平凡的事情，所以哲学家们用深奥的字句来描写这类简单的生活状态，是一种掩概念的极端缺乏和模糊的技巧而已。本书以一种散文的哲学方式，简单而形象的解释了一些东西。因为本书分为十四个章节，内容比较繁杂，所以我选择我比较感兴趣的第九章生活的享受做一次读书笔记。 关于安卧眠床的意义，林先生认为在身体上是和外界隔绝而独隐，一个人睡在床上时，他的筋肉静息，血液的流动比较平顺，呼吸较为均匀，视觉、听觉和脉息神经也基本静息，造成一种身体上的静态，所以能使心思集中，不论对于概念或对于感觉都更加的纯粹。能真正的静下心来，考虑一些事情。还能静听自然和社会的声音。我认为在一个人独处时，我们可以掏出自己内心的一些东西，拿出来进行品位琢磨。远离尘世的喧嚣，也许可以寻找真实的自我，可以享受自然或社会演奏的天籁之音。万物在一动一静中成长，一动一静相互协调，生生不息，做到动静有致，享受人生！ 关于谈话，林先生认为，夜间是最宜于谈天的时候，白天总是缺乏夜间那种魔力。谈天的地点却可以随意，但要做一次真正的谈天，其必要条件是一间关上门的屋子，几个知己朋友，旁边没有我们所不愿意看见的人，那样我们才能悠闲地发表我们的意见。这种亲密的毫无顾忌的谈天，可以谈到出神的忘却身处何处，也不再想到身上穿什么衣服，谈言吐语，一举一动都是任性为主。许多的文学作品也是在谈话的过程中酝酿而生的，文化本身的进步，有赖于空闲的合理利用，谈话是其中的一种方式。也可以说好的艺术作品来源于交流。据我推想，现代社会的聊天虽然更为广阔，大家谈东谈西，但质量可能没有古时高，科技的高速发展，使人们获取信息的能力大大增加，我们每天都能听说各种各样的新的信息，
读《罗丹艺术论—嘱词》笔记 --141627031 王亚琴环艺 最初知道罗丹这号人物是在第一年考研复习的时候，阅读《设计学概论》这本书，书中仅仅提到罗丹是法国19-20世纪最伟大的雕塑家，以及他的作品《思想者》《加莱义民》，再无其他。没想到的是我那一年名落孙山，不得不准备第二年的考研复习，在这期间主要用的教材是《美术史论考研辅导》，在这本书里，我更加详细的了解了罗丹以及他的雕塑们，包括《地狱之门》《丑之美》等等，都有了更加详尽一步的了解。第三次探索到罗丹，是在林逸鹏教授的课上，记得第一堂课林老师就把罗丹的作品《加莱义民》与我们中国的烈士纪念碑的一般造型进行比较，罗丹大师是以粗糙的纹理以及精确的造型表现他的作品，同时输入大量情感，以表达出强烈的心理影响力。而当代中国雕塑，动作死板肢体僵硬表情一致，几乎是没有情绪没有感情的。这就形成了强烈的对比。 在林教授的引导下，我开始阅读《罗丹艺术论》这本著作，本书是罗丹对欧洲雕塑史的科学的总结，也是罗丹本人在几十年如一日探索雕塑奥秘的路途中的经验的总结和提炼。读完这本书，对我对艺术的理解有了更加进一步的理解，也对罗丹那专注于艺术、专注于雕塑的精神感到震撼和敬佩。现在我在这里来谈一谈我在认真阅读完全书后，对嘱词部分的感悟： 首句“罗丹一生，热爱艺术，垂暮之年，犹以忠诚恳切之言作此嘱词，为一般青年艺术家作一详明之指导。”此作是罗丹暮年之作，以深情恳切之语气，给我们青年艺者们以前辈在探索艺术这条道路上的经验之指导，在我们深受感动的同时，也给我们深切的启发。首先是要虔诚地瞻仰在我们艺术这条道路上的前辈们“瞻仰激赏是一杯慷慨的祭酒，是处于高贵的心灵的奉献。”说的是，富有激情的瞻仰前辈伟人的作品是真诚的情感，是瞻仰其高贵的灵魂，并非流于表面。他在告诉我们要从前辈们身上学习经验的同时，不忘提醒我们“要跳出因袭的樊笼”所以他下一句便是“可是留神不要去模仿前人。”“这便是传统自己教你永远要探求现实，禁止你盲从任何大师。”罗丹大师在这里教会了我们正确对待传统，要从传统中学习其精髓，但又不能被传统中的权威所束缚。既要学习，又要发展。“奉自然为你唯一的女神罢。”罗丹一生钟爱艺术，追求自然。在此他又提醒各位青年艺者，效忠于自然，用发现美的眼睛来探索自然。“触到它内在的真。”真就是美，遇见了“真”就一定会找到“美”。“真”是鉴定人生价值的基础。接着又从雕塑的专业角度来详解雕塑家们如何更加明晰的表现自己“牢记罢：只有体积，没有线条。你描绘时，绝对不要注意轮廓，而要着眼于凹凸面。是凹凸面支配着轮廓的。”这里是在告诫艺者们，不要执着于外形轮廓，不要执着于体积，而是要更加把重心放在凹凸面上，着重表达的是物体的凹凸，只要凹凸面表达准确，体积自然出来，轮廓不需要刻意勾勒也能完美的表达物体，表达艺者所要表达的内在情感。当然，要做到这些事不容易的，要“不断的磨练。把你整个的融化在工作里。”这就要求我们一定要热爱自己的工作，要专注自己的工作，就像罗丹专注于他的雕塑们一样。嘱词部分最让我有启发的就是“要有耐性啊！不要向往什么灵感，它是不存在的。艺者的德性只是智慧、专注、真诚、意志。如诚实的工人一般，努力你的工作罢。”罗丹在这里是将艺术的德性与工人的德性等
《生活的艺术》读后感 作者：唐思恺 生容易，活容易，生活不容易。生活对于现代得人似乎非常难，生活让我们很累。人们不停地奔波，因为我们不断的追求。 《生活的艺术》是1937年林语堂在美国专门从事创作后发表的第一本著作。其后成为美国当时的畅销书，并为翻译成十余种语言，其中当然包括中文。林语堂在这本书中表达了他个人对生活方方面面的看法与见解。在中国大陆出版的版本（因为林语堂在书中的某些观点与马克思主义发生一些冲突，编者在整理出版过程中对原著进行了一定的删改）分为十四章，每章都会有一个特定的话题。 ‘我这样地做一个人，文中讲到了快乐问题，有一处文字引起了我的思考——“惠特曼说： 已经满意了。’所以我也以为我现在活着，并且也许还可以再活几十年，人类的生命存在着，那就已经够了。这样看法，这个问题便变为极简单，而不容有两个答语，就是人生的目的除了去享受人生外，还有什么呢？”是的，人的一生说长不长，说短不短。活着的人，每个人都有不同的活法。开心是一天，不开心也是一天，为什么不开开心心地过每一天呢？开心地活着更有价值。日子一天一天地过，我们一天一天地重复着生活，日起日落，其实生活就这么简单。但是如何从简单中得到乐趣呢？那就要 用心去挖掘，去享受每一个美的片段。“生活中不是缺少美，而是缺少发现”，这句话大家都耳熟能详，也不难理解其中的含义。但是能真正做到的有几个呢？在这个物质诱惑的时代，很多人都茫然地追求着金钱、地位。是的，追求自己要的东西固然没错，但是有多少人，等到他真正成为富翁时，才知道那并不是自己想要的……所以，你要明确自己要的到底是什么。生活其实没必要太多的强求，开心就好。 我们不去追求完美的理想，不去追寻那势不可得的事物，不去穷究那些不可得知的东西……最重要的问题是怎样去调整我们的人生，使我们得以和平地工作，旷达的忍耐，幸福的生活。 我们要学会享受生活，热爱生活，积极的过好每一天。第一遍读《生活的艺术》或许我涉世未深，感悟谈不上，感触有一点。或许30 年后，40 年后还可以再读读它，那时候，是否会有更深的体会……篇二：《艺术发展史》读后感 翻译者是范景中教授，1951年生，现任中国美术学院《新美术》和《美术译丛》的主编，曾有《艺术与错觉》（与林夕、李本正合译浙摄影出版社）和《贡布里希论文选》（上海人民美术出版社）等译、编著作发表。 贡布里希在编写这书时，无法印刷在插图里的作品就不选用。这对作者有多挑战我是不知道，但对读者而言，所有拗口的名字，神秘的术语，瞬间几乎都变得平易近人起来。 于是当书中出现类似”雷诺兹的肖像画和委拉斯凯兹的直接布局相比就不那么自然，精心设计的味道要浓的多“这种话时，我们这类初学艺术的人就再不用向以往一样翻白眼了，而是只要按照指示翻两张书页，对比下两张插图，然后就可以心满意足的咂咂嘴，表示，恩，你说的很有道理，我们英雄所见略同。 而就实用方面，我觉得在评判艺术作品时，一方面固然要直面我们的内心，询问这件作品是否真实的打动了自己，（而不是某种附庸风雅的潜意识）。另一方面，对历史上的大师们曾经做到过的，想要做到的，没有做到的，也得有一个粗浅的了解。 因为毕竟有一个很讽刺的现象就是，当年越是伟大的创举就越是容易被后世无限的模仿，也就越是容易被我们习惯和以至于认为平淡无奇以至于熟视无睹。这真是对大师们最大的侮辱了。 经史论课的老师推荐，下到了《艺术发展史》的电子版。刚停下，看完了这本书。是一本能静下来欣赏的艺术。
专业参考书目（应读书目） 西方美学史 （西方）：柏拉图（《柏拉图全集》）、亚里士多德《亚里士多德全集》、狄德罗、康德、黑格尔、尼采、海德格尔、伽达默尔 （东方）：老庄孔孟《论语》、《孟子》、《荀子》、《老子》、《庄子》（做读书笔记） 柏拉图《理想国》、《文艺对话录》 亚里士多德《形而上学》、《诗学》 罗素《西方哲学史》（做平时读物） 梯利《西方哲学史》（做教材） 读书： 侯外庐《中国思想通史》 葛兆光《中国思想史》、 冯友兰《中国哲学史》、《中国哲学简史》、《中国哲学小史》 《美学理论》《美学原理》《现代美学体系》 《精神分析学》 中国美学史： 《中国美学范畴史》（王振复主编） 《历代美学文库》（高等教育出版社） 《中国美学史资料选编》（中华书局） 《中国历代画论》 《中国历代书论》 《西方画论集要》 《中国美学史》（张法） 《中国美学史大纲》（叶朗） 《中国美学史》（刘纲纪、李泽厚） 《中国美学文脉历程》 《美学四讲》（李泽厚） 《美的历程》（李泽厚）西方美学史： 《西方美学范畴史》（朱立元主编） 《西方美学史》（中国社会科学出版社） 《古代美学》《中世纪美学》（塔塔克里兹） 《西方美学史》（朱光潜） 《西方美学史教程》（李醒尘） 《西方美学通史》（朱立元主编） 《西方美学简史》 中国历代诗话： 中国文论类： 《中国文学批评史》 审美心理学 朱光潜《文艺心理学》 腾守尧《审美心理描述》 皮朝纲《审美心理学导引》 叶朗《中国美学体系》 朱启智《曲院荷风》（古典美学） 刘兆吉《文艺心理学纲要》 《百年中国美育》 [英]瓦伦汀（C.W.Valentine，1962），潘智彪译：实验审美心理学。三环出版社，1989。 [苏]列.谢.维戈茨基著：艺术心理学。周新译。上海文艺出版社。 [德]舒里安（W.Schurian，1986），罗悌伦译：审美感知心理学。漓江出版社，1992。 [美] 鲁.阿恩海姆(R.Arnheim，1964)，滕守尧、朱疆源译：艺术与视知觉。中国社会科学出版社，1984。[英] E.H.冈布里奇（1959）：艺术与幻觉。周彦译。湖南人民出版社，1987。 [美]鲁.阿恩海姆(R.Arnheim，1986)，艺术与视知觉。滕守尧译。中国社会科学出版社，1984。艺术心理学新论。郭小平、翟灿译。商务印书馆，1994。 [美]拉尔夫.史密斯(R.A.Smith)，滕守尧译：艺术感觉与美育。四川人民出版社，2000。 [美]贝蒂.艾德华著：像艺术家一样思考。张索娃译。海南出版社、三环出版社，2004。 朱光潜著：文艺心理学。开明出版社，1936第一版。安徽教育出版社，1996校订版。
《设计学概论》读后感 大千世界中多样的造物艺术已经是司空见惯的了。然而，当我们生活在一切需要之物齐全的环境里，对这些无时无刻不接触的造物艺术里的存在以为都是天经地义的。于是便视而不见、熟视无睹。 第一章设计学的研究范围及其现况中提到的：设计学的目的永远是功能性与审美性.笔者认为就飞船的正确。然而，研究设计理论就必须要研究相关的工程学、材料学和心理学1977年英国成立了设计史协会、美术史学上19世纪的两位巨人：森铂和里格尔奠定了见识的设计史研究基础、20世纪的佩夫斯纳和吉迪恩也是及有贡献的美术史家和建筑史家 20世纪80年代，将混沌理论运用到设计领域成了一件时髦的事，反对将设计看作是单一和有次序的观点，主张设计家应当努力探求混沌的文化潮流。但是，对于设计史研究者而言，创造性的混沌不是一场设计运动，而是后现代主义所提出的多元主义理论的一个方面 第二章设计的多重特征：一、设计与艺术的渊源：设计概念产生于意大利文艺复兴时期，最初的意义是素描、绘画，将设计、色彩、构图及创造并称为绘画四要素。设计指控制并合理安排视觉元素，如线条、形体、色彩、色调、质感、光线、空间等，它涵盖了艺术的表达、交流以及所有类型的结构造型 二、设计的艺术含量：从古到今，设计的艺术追求都在设计品中体现出来的。 随着历史发展和社会进步，创造纯精神产品的艺术逐渐从物质生产中分离出来。 当设计解决了物质技术产品的技术课题与使用功能，艺术便成为它永无止境的追求。 在今天，设计不仅以科学技术为创作手段，还以科学技术为实施基础，然而这并没有损害设计的艺术特性，反而使得现代设计具有了科技含量很高的现代艺术特性，这就为艺术拓展了大片的新天地，为生活增加了很多新情趣。三、设计的艺术手法设计的艺术手法主要有：借用、解构、装饰、参照和创造。四、不同设计的艺术特征：定义：就批量生产的工业品而言，凭籍训练、技术知识、经验及视觉感受而赋予材料、解构、形态、色彩、表面加工以及装饰以新的品质和资格，叫做工业设计。 视觉传达设计的构成要素 1 、文字；文字主要有象形、表意和表音三种类型。在人类的信息传达与交流活动中，文字是最普遍使用的视觉符号元素。 2 、标志 相对文字符号，标志表现为一种图形符号，具有更直观、更直接的信息传达作用。 标志有多种类型。按性质分类，标志可分为指示性标志和象征性标志。指示性标志与其指示对象有确定的直接的对应关系，而象征性标志不仅可以表示某一事物及其存在性，而且可以表现出包括其目的、内容、性格等方面的抽象概念。 按使用主体，标志可分为公共标志和非公共标志。公共标志指公共共同使用的标志，非公共标志是指专属某机构、组织、会议、会计、私人和物品使用的标志。 3 、插图：有绘画插图、影像插图和复合插图三种。绘画插图表现手法灵活，富有个性；影像插图比手工绘制速度快捷，真实感强；符合插图制作手法新颖，
《爱的艺术》读书笔记 书名：《爱的艺术》 作者：【美】艾.弗洛姆李鸣健译 出版社：上海译文出版社 类型：自购书 内容笔记： 第一章爱是一门艺术吗？ ·产生在爱这件事情上一无所学的观点的原因 ①认为爱情首先是自己是否能被人爱，而不是自己有没有爱的能力的问 题。 ②认为爱的问题是一个对象的问题 ③人们不了解“falling in love”和“being in love ”之间的区别。 ·学会一门艺术的步骤是什么？ ①掌握理论 ②掌握实践 ③要把成为大师看得高于一切 第二章爱情的理论 （一）爱情是对人类生存问题的回答 ·人是一种意识到自我存在的生命。人意识到自己，他人，人的过去和发展前途的可能性。人对他的单一存在的觉悟，对他短暂生命的觉悟，人意识到身不由就，死的必然，人知道自己的孤独和与世隔绝，意识到面对社会和自然的威力，自己的无能为力。——所有的这一切，使得他的特殊和孤寂的存
在成为无法忍受的监禁。如果人不能从他的监狱中解放出来，如果他不能以这种或那种方式，同他人或周围世界结合在一起。他就会疯狂。 ·人——所有时代和生活在不同文化中的人——永远面临同一个问题。即：如何克服这种孤独感，如何超越个人的天地，实现人类的大同。 ·达到这一目的（人与人之间的结合）的途径： ①纵欲：特点一方式都是强烈的 特点二需要整个身心的投入 特点三需要不断重复 ②同一组人保持一致：参加者为了使自己属于这一部分人而失去了大部 分个性。 在专政国家中，通过威胁和恐怖手段制造同 一状态。 在民主国家中，人们变成一个模式，因为人们总想通过某种方式实现与他人 的结合，如果没有别的更好的方式，那就只 能采取同一人群的同一方式。 ·要求消除所有差别的倾向&平等概念和实践的密切关系： 平等概念的发展： ◎犹太经书，肯定了人的一次存在性。“谁拯救了一个生命，就等于拯救了全世界；谁破坏了一个生命，就等于破坏了 全世界。” ◎西方启蒙运动哲学，平等是指发展个性的条件。康德认为，人永远不应该是实现他人目标的工具，人本身，就是一个
艺术读书笔记4篇 本文是关于艺术读书笔记4篇，仅供参考，希望对您有所帮助，感谢阅读。 《领导的语言艺术》作者：邢春如，出版方：辽海出版社 书籍简介 语言是人类最重要的交际工具，人们借助语言保存和传递人类文明的成果。语言是思维工具和交际工具，它同思维有着密切的联系，是思维的载体和物质外壳以及表现形式。语言是符号系统，是以语音为物质外壳，以语义为意义内容的，音义结合的词汇建筑材料和语法组织规律的体系。语言是一种社会现象，是人类最重要的交际工具，是进行思维和传递信息的工具，是人类保存认识成果的载体。 语言是人类的创造,只有人类具有真正的语言。只有人类才会把无意义的语音按照各种方式组合起来，成为有意义的语素，再把为数众多的语素按照各种方式组合成话语，用无穷变化的形式来表示变化无穷的意义。 人类创造了语言之后又创造了文。文是语言的视觉形式，突破了口语所受空间和时间的限制，能够发挥更大作用。口才是我们在交际的过程中，口语语言表达得十分准确、得体、生动、巧妙、有效，能够达到特定交际目的和取得圆满交际效果的口语表达艺术与技巧。 口才是一种综合能力，不仅包括语言表达，还包括聆听、应变等多项能力。中国著名演讲家、“新中国演讲事业开拓者”、中国第一位演讲学教授邵守义有一句名言：“是人才未必有口才，有口才必定是人才。”有口才的人说话具有“言之有物、言之有序、言之有理、言之有情”等特征。总之，善表达，会聆听，能判断，巧应对，是衡量口才好与坏的重要标准。 口才并不是一种天赋的才能，它是靠刻苦训练得来的。古今中外历史上一切口若悬河、能言善辩的演讲家、雄辩家。他们无一不是靠刻苦训练而获得成功的。 近日，我有幸读了《魏书生教育教学艺术》，对于其中关于如何培养学生自主学习有一些自己的感受和见解，以下为一些读书心得体会。 一直以来我们的课堂教学以教师讲授，学生接受为主。语文课常用的教学模式是：以教师为中心，教师利用讲解，板书和多媒体作为教学手段，以教材为依
《视觉艺术鉴赏》读后感 作者约翰·伯格在这本书中谈到论述观赏女子的各种方法及油画传统中互相矛盾的各个方面和广告与资本主义的白日梦。本书图文并茂，生动详尽的为大家展示作者的观点。 在谈及观赏女子的方法中，作者说道：我们观看事物的方式，受知识与信仰的影响，我们只看见我们注视的东西。我认为我们只是在注视我们选择注视的东西，在观看中自动的屏蔽和取舍不愿关注的，而在我们观看别人的同时，别人也在不同程度的回应我们。视觉的这种交互关系让我不禁发问：人与物之间是人主动观看的么？物是被进入到人的视野吗？由于个体本身的差异性，每个人对于影响的理解和欣赏都不同。在读书中，作者对于艺术鉴赏的专业方法，关于印象派和立体派的区别我还是不太理解，这个还需要好好斟酌一番。 都说男子重行动，女子重外观。女子何以如此注意外貌？这是因为周围异性对于自己的特别关注使得自己开始打量自身的姿态，风度，声音，见解，表情，行为举止。因此女性把自己即是观察者又是被观察者的身份，看做既有联系又有区别的组成部分。作者还说道：女性在男性面前的形象，决定了她所受的待遇。的确，生活中，我们可以看到，女子在男子跟前展示出的是什么样的形象，男子便做出相应的回应。在学习中外广告史的选修课上，老师曾为我们展示广告史的发展中女子形象的变化。其中大多数时代里女子作为被消费的群体，赤身裸体供男人欣赏。而在本书中，作者也在本段阐述中插入大量裸体画，用于讲解其观点。而我一直不太理解的是如何区分正常的性文化或人体艺术和色情文化？创造裸体绘画的目的何在？但我想性是人类生活中不可避免的一种客观存在和需求。而人们需要另一种文化去表达它，那便是裸体艺术，它只是将正常生活搬上了绘画中，而性爱的主角就是看画的那位作品的拥有者。裸体本身就是在展示人类本质上最原始的性冲动，但却区分于黄色文化，这种艺术仅供欣赏。文化西方的开放性使我们更能理解裸体艺术的存在，这种艺术形态也是对于其文化形态的客观反映。 最后说说广告与资本主义之间的千丝万缕的联系，广告在大街小巷上随处可见，它大多数是与商业利益挂钩的，而在资本主义社会，广告更是利益的表现方式。其存在利于大众消费，刺激消费，拉动国民经济的增长，最终促进了国家财政税收的增长。因此广告的作用不容小觑，为了促使消费者买账，各大广告商使出了浑身解数，比如可口可乐公司和百事可乐公司，其每年在广告投入上可谓是出血本，但回报更高。高价请明星代言，多种媒体形式的广告展播，为其增彩不少。以百事可乐为例，最初一直处在低谷，活在可口可乐的阴影下，但近几年，它调整方案，启用新一代百事新星并不停换标以应对金融危机，利用“明星效应” 大获全胜，在可乐市场的角逐中赢得了一席之地，它的成功是资本主义市场中广告运营成功的典例。各种各样的商业广告都在传达这样的信息：我们只要消费，就会更富有！它充分调动起人的思维和灵感，运用感性诉求和理性诉求去征服消费者，去购买，去成为可爱的人儿！而广告本身也在不断创新，与时俱进。广告语言也必须突出广告本身具备的实质感，它绞尽脑汁，挖空心思的的想把大众的钱放进厂商的口袋，无所不用其极的夸大甚至造假，但这是我们必须面对的，而我们所做的也只能上表象意义上的鉴别，资本主义已经不能脱离其发展，否则便是自掘坟墓，自取灭亡。 那么这本书能让我们读者学到什么呢？对于我来说，开拓了思维，学习到视觉艺术鉴赏的方法和其中存在的一些矛盾。一本好书，不求它给你带来多么丰富的知识，但求它给你带来多重思考，so i got it! 与君共勉。篇二：视觉大挑战读后感 视觉大发现读后感 一看到《视觉大挑战》这本书，我就被书里面40张卡片给吸引住了，艾玛，每道题都太有挑战性了，这脑力严重不足啊，赶紧叫来老公一起研究，有的题目连我们都有些吃力，这套题得好好收藏，当然里面也有不少适合小孩子的，赶紧一起来看看吧，感谢幼儿园老师提供给我们这么精彩的逻辑挑战书。此次获得的是这套题中的《逻辑大挑战》，咱必须得承认，
《艺术即经验》读书笔记 杜威在《艺术即经验》一书中谈到了“一个经验”的概念，并将之界定为:“我们在所经验到的物质走完其历程而达到完满时，就拥有了一个经验。”该界定显示出“一个经验”至少具有两重含义。一是完整性，即“走完其历程”。二是圆满性，即“达到完满”。完整性和圆满性共同构成了“一个经验”的内涵。 应该说.在幼儿园教育活动中，教师大多能尊重幼儿对完整经验的需要，比如.给幼儿讲一个完整的故事，让幼儿唱完一首歌，帮助幼儿完整地经历一次科学探索活动，等等。然而，不少幼儿园在追求幼儿经验完整性的同时，往往忽略了幼儿所获经验的圆满性。例如，在美术活动中教师会不断地催促幼儿完成其作品;为了在活动结束时让幼儿得出答案，教师会缩减探索的时间，给予幼儿过多的直接帮助.等等。在这种情况下，虽然表面上看来，教育活动是完整的，教师引导幼儿获得了完成某一个教育活动任务的经验，但这种经验却是肤浅的，不具有累积性。在有限的时间内试图完成一个完整的任务，常常会在关注幼儿经验完整性
的同时，以牺牲幼儿经验的圆满性为代价。 那么，如何在幼儿园的教育活动中使幼儿获得的经验既完整又圆满呢? 一是分解。分解就是把原先过于庞大的“一个经验”分解为一个个小的“经验”。比如。要让幼儿了解水的特性，就可以让他们通过几次活动分别来探索水的颜色、味道、流动，物体的沉浮等不同特性。对一首歌曲的学习，可以通过体验理解歌词、初步学会演唱、歌曲演唱与表演、音乐游戏与创造等几个层层叠加的活动分步骤地逐渐达成。在这种情况下，幼儿每一次都获得了相对完整的一个小的“经验”.而每一个小的“经验”的不断累积便构成了既完整又圆满的一个大的“经验”。这就好比我们成人在读长篇小说和看电视连续剧时的经验历程模式。 二是留白。留白是国画创作中的一种构图方法，以收到虚实相映，形神兼备的艺术境界。幼儿园教育工作的留白就是在教育活动设计时间歇性地预留一部分不做任何