论李斯特音乐会练习曲《轻盈》的演奏心得
范榕
指导教师：徐迅毕业专业：钢琴表演
摘要：李斯特是十九世纪时期著名的匈牙钢琴家、作曲家和指挥家，同时也是浪漫主义音乐家的代表人物。在李斯特的音乐作品中，高难度的练习曲是他的代表性作品。这些高难度的练习曲以形象突出、技巧复杂而闻名于世。本文的目的是想对李斯特的音乐作品进行全面的认识，通过对李斯特练习曲《轻盈》的分析，并结合李斯特当时生活的社会历史背景，以及李斯特的作品创作风格对这首音乐名曲进行了全面、细致的演奏分析。本文首先介绍了李斯特的生平经历以及他的创作风格，接着以《音乐会练习曲—轻盈》为例，介绍了李斯特作品演奏的技术难点。
关键字：创作风格；音乐会练习曲；演奏技术；
李斯特是十九世纪时期著名的匈牙钢琴家、作曲家和指挥家，同时也是浪漫主义音乐家的代表人物。这篇文章目的是想对李斯特的音乐作品进行全面的认识，通过对李斯特练习曲《轻盈》的分析，并结合李斯特当时生活的社会历史背景，以及李斯特的作品创作风格对这首音乐名曲进行了全面、细致的演奏分析。先从李斯特生平及其音乐创作风格为开头，从简介，创作风格，他的钢琴演奏技巧为切入点，再论述练习曲轻盈，这里面包含李斯特整体音乐会练习曲的风格，轻盈的创作背景，美学思想对轻盈创作的影响，以及轻盈的演奏技术。
第一章李斯特的生平简介以及他的创作风格
（一）生平简介
1811年李斯特出生在匈牙利的一个小村庄里。由于受到父亲亚当·李斯特
喜爱音乐的熏陶，小李斯特从小就表现出对音乐的热情。他的启蒙恩师是卡尔·车尔尼。。后又跟随巴黎音乐学院的教授雷哈，开始跟随他学习对位法和和声学。随后他在巴黎的一所音乐学院成为了一名音乐教师，先后培养出众多的优秀人才。
在李斯特于巴黎担任音乐教师的这段时间里，他先后结识了三位音乐大家柏辽兹、帕格尼尼和肖邦。根据柏辽兹的原则李斯特创作出了交响名曲《浮士德》。帕格尼尼在小提琴的运用上可以说是神乎其技，在帕格尼尼的绝技的征服下，李斯特刻苦努力，在《帕格尼尼练习曲》中融入了大量从未有过的高难技巧，终于成为钢琴上的帕格尼尼。而肖邦细腻柔情的表演则对李斯特的钢琴演奏曲目增加了一抹柔情，使的他的作品表现的更加生动传神。
在李斯特的一生中，他与卡罗琳公主公主的爱情令人扼腕。1886年，7月31日因急性肺炎在拜罗伊特逝世。
（二）创作风格
李斯特的一生中，创作出题材众多的音乐作品。获得的多数奖励都是和钢琴紧密相连的。考诸李斯特的所有音乐作品，不难看出，他的生活经历和作品的创作背景对他的创作风格产生极大的影响。李斯特的一生总是在和自己内心的某种东西作斗争，所以在他的身上就体现出极大的矛盾性，这种矛盾性就在他的音乐作品中得到真实的体现。同时李斯特努力吸取对自己有利的创作特点，不断的融入到自己的作品中去，从而提高其音乐作品的质量。此外由于李斯特和卡罗琳公主的爱情，使的出身于平民家庭的李斯特的音乐创作中也沾染上了贵族生活的气息，例如李斯特的《音乐会练习曲—轻盈》就带给我们一种贵族们特有的距离感。
总之，李斯特是一位伟大的音乐家，通过对他的生平经历和创作风格的简介对于我们理解《音乐会练习曲—轻盈》具有不可忽视的作用。
第二章介绍音乐会练习曲和《轻盈》的创作背景
（一）简述音乐会练习曲
1 .三首音乐会练习曲～3 Etudes de Concert R．5(1848)：
第一首又称《哀歌》，是一首浪漫式的即兴作品。
第二首《轻盈》是李斯特最精美的音乐会练习曲之一，全曲带有幻想的色彩，充分展示钢琴高音区明亮透明的音响，右手连续的半音阶似微风中上下漂浮的飘带，又反复是自由随意的即兴演奏。
第三首《叹息》(又名《大海》)由于其直接的旋律倾诉而广为流行。2．两首音乐会练习曲一2 Etudes de Concert R．6(1862)：
第一首《森林的呼啸》(又名《林中细语》)饱含着李斯特最优雅，最闪光的主题。是一首明朗乐观歌颂大自然的赞歌。
第二首《侏儒舞》是一首轻盈的断奏谐谑曲，是对门德尔松《仲夏夜之梦》。频繁变化的调性和节奏使这首曲子的基本特点。
李斯特的音乐会练习曲，虽然写作年代不尽相同，标题命名多样，实际上，它们是完美的契合在一起的，成为了一种独具李斯特性质的技术艰深、感情丰富的“标志性练习曲”。它们来源于生活中的细节，来源于李斯特感情的沉淀，是李斯特每一段生活的记录，因此，整体感觉，技术归纳都有相似之处。例如：八度半音阶的大量运用、各类双音(包括三、六度及其他组合的双音)等等。
(二)《音乐会练习曲～轻盈》的创作背景
1848年初，李斯特与魏玛宫廷的关系由松弛变得经常而固定了，生活平静而安逸，有相对的时间和经历从事创作，精神上的压力与创作有莫大的关系，有闲情逸致才有心情随手写些钢琴小品和创作出惊世的佳作。这一时期可以说是李斯特创作的颠峰时期。众多的作品和钢琴曲都表明他的创造性的想象力是无与伦比的。正是在这样的背景下，完成了音乐会练习曲《轻盈》的创作，这一时期的创作规律在乐曲当中有比较明显的体现。
第三章对《音乐会练习曲～轻盈》的演奏心得
从第一小节到第十小节，乐曲由随想式的旋律开始，引子停留在第十小节的延长音上，若有若无，无限遐想，演奏时要放松整个手臂，以肩部为主轴沿途牵动所有的关节到达手指，整个手臂力量畅通无阻，使连线中的每一个音符像水一样自然的流淌出来。弹奏时要小心控制力度，在模进的过程中，将力量转移到后面乐旬开始的和弦上，不仅要弹奏出poco cresc(渐强)效果，而且要用内在的感觉使这些音听起来温柔神秘。
谱例1
在乐曲的第七到第九小节的部分，演奏者的右手需要弹奏出两个声部，要注意两个声部之间整体性的乐感的渐弱处理，不管这个乐曲是否是需要减弱的效果，这首乐曲的弹奏都要以清晰的声音为基础，也就是说要使声音从手中滑出来。中声部的半音下行音阶都是由大姆指独立完成的，这就对演奏者的技术提出挑战。演奏者需要在第一关节支撑住，以指尖触琴键，到达到弹奏的清晰、流畅的感觉，而对于左手来说，三度、五度双音要突出旋律声部。
谱例2
第11小节开始，双手全部采用三连音的音型，延长记号第10小节最后一个音与第1l小节第一个音要连在一起演奏，因为是十六分音符，要感觉是最后一个音将后面的旋律“带"出来一样，三连音平稳圆润的前进，声音要弹的饱满、连贯，左手的伴奏部分旋律音在每一组三连音的音头，较之右手要理性果断一些，配合延音踏板每小节使用，另外，第15小节右手最后一个八分音符上面的顿音标志，要一瞬间将手指的力量发散出来。
谱例3
从第27小节开始，出现了右手六度旋律，主旋律在右手的外声部，同时标明espressivo(有表现力的)，在弹奏双音时，右手整个肩关节一下都要放松，力量透到指尖，在关节处不能停留。如同注入到琴键里面一样。
谱例4
第31到39小节的六度要演奏的appassionato(热情的激情的)声音饱满连贯和旋律的线条性。第31小节开始，要突出每一小节第一个音符，注意旋律的下行级进，左右手共同完成一个旋律句．
谱例5
第40小节是华彩乐段的过渡段，注意声音弹奏的清晰可辨。一个乐句中要体现出poco rinforzando(短小片段突强或急骤渐强)和diminuendo(渐弱)，同时延音踏板要由抖动踏板逐渐抬起，来体现如同短暂旋风般的效果。
谱例7
从第41小节，进入乐曲的半音华彩乐段持续到52小节，是最能代表轻盈特色的段落之一。作者要求将这一段演奏为delicatamente(精致，纤细的) dolicissiom(及其柔和的，甜美温柔的)和coa grazia(优美的，雅致的)。演奏此段时从手腕到手臂要完全放松，手指均匀快速触键，灵巧带过，需要手关节特别松弛，力量才能从肩部贯穿到指尖，要弹得干净清晰，弱而轻巧。左手要均匀并严格控制节奏，每组三连音的音头是下行的半音阶，左手腕做小弧度力量连接，能使声音圆润优美，一气呵成。
谱例8
第53小节开始，音型由快速连音变为分解和弦，情绪要求为leggiero con grazia(轻巧的、优美雅致的)，第55、56小节，双音力量要“放’’下来，同时利用手臂将高音部旋律音“带"出来。左手长时间的颤音要手掌和手腕完全放松，心里要想像的快(如果只用手指弹颤音，手指很快会僵化，失去节奏的连贯性，在肌肉痉挛的状态下告终)只有这样，声音才能清楚、干净和平均。整个部分在力度、色彩方面都与前段有明显对比，演奏时要多加体会，好好把握。
谱例19
第60至65小节，是全曲比较难的一个技术难点，大篇幅的右手跑动三度音程，既要弹得流畅又要弹得清晰，还要不失了音乐感。弹这段的时候右手一定不能紧，肩膀到手腕要完全放松。我采用先把右手三度断奏练习的方法，先慢练再快练，弹奏的时候每句的开头几个三度音都可以使用断奏式的演奏，加强效果，其余的可稍微弱些，也给手指做个休息。左手的六度音程演奏的时候心里一定要唱，因为它是主旋律，要用左手带动右手，使右手的三度音程跑下来不会那么吃力。
谱例10
进入第86小节，是右手部分的三度双音，这一小节的双音在演奏时要注意，在三度音程手指“框架”固定的基础上，以两个音为一组，用“落起’的方法，手腕带出后面的音并稍微渐慢，注意要严格按照作者的指法慢速练习。
谱例11
从第87至第92小节，是最后一部分的华彩乐段，这部分虽然很快，要注意用左手小心控制节奏，要在慢练的基础上多次反复练习，偶尔尝试快速练习。此处同前几段半音华彩乐段一样，在触键方面让指尖做“摸"的动作，体会手指与琴键的“摩擦力"。节奏要稳。第93小节，出现了六度双音，此处要求支撑手腕弹六度的架子，下键的时候，手腕放松，不可以僵硬，手臂辅助手腕运动，力量平稳分配，慢速练习，固定指法。
谱例12
结语
音乐会练习曲《轻盈》是李斯特在成熟时期创作的，是一首充分体现浪漫主义时期的激情，对音响效果、音色变化的极至追求，技巧与旋律并重的钢琴艺术作品，是值得我们仔细探讨和研究的课题。考察《轻盈》的创作时间，不难发现它创作于在魏玛时期，在这个相对平静的社会生活状态下李斯特创作出了《轻盈》。。此篇论文只是对其中《轻盈》从创作背景、音乐会练习曲的了解、和演奏技术方面进行了分析研究，想要真正的了解作品中每一个音符的正确表达，还是要求每一个演奏者在技巧、精神、文化等多方面用心去体会。总之，《轻盈》这个作品是值得我们去学习和研究的。
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李斯特练习曲《叹息》的钢琴演奏与教学 高难度的专业演奏技巧和生动的音乐内容能够提高练习曲的欣赏程度，把练习曲提升到了一定的境界，成为演奏家在音乐会上经常出现的曲目。《叹息》这首作品虽然是练习曲，但它的艺术价值和研究价值是不容忽视的，让人们在领略李斯特作品的炫技之外再次感受艺术之美。本文通过对《叹息》的表现及李斯特音乐作品的分析来体会李斯特音乐创作中的技术、内容与形式的完美统一。 一、李斯特音乐会练习曲《叹息》的演奏分析 （一）创作背景 从19世纪20年代起，直到60年代，李斯特都一直致力于钢琴练习曲的写作。期间李斯特创作的钢琴曲多数都能反映他的钢琴炫技的艺术特点，他把乐曲所要表达的艺术情感和钢琴技术的表现形式做了完美的结合，打破了以往练习曲中的长且单调的传统练习方式，把演奏技巧融入到诗画中，以便更好理解。同时，李斯特还将他大多数的练习曲都附加了标题。如：《钟声》《叹息》《森林的呼啸》《侏儒之舞》《玛捷帕》《英雄》《狩猎》《鬼火》《幻影》等等，栩栩如生、鲜明动人，使之适合在音乐会上演奏，所以这些练习曲又被称为音乐会练习曲。《叹息》（UnSoSpiro），降D 大调，深情的快板，是1849年出版的《三首音乐会练习曲》之三，李斯特以《诗意的随想》为题标注其上，其中包括《哀诉》（Illaments）、《轻盈》（Laleggier）和《叹息》。《叹息》是这一组练习曲中最着名的、最具独创性与歌唱性的作品。 （二）创作风格
李斯特的练习曲不同于其它练习曲光注重技巧练习，也非常注重情感的表达，情感是李斯特练习曲中一大特色。这是一首令人感动的练习曲，折射出作者丰富的情感表达。这首练习曲旋律十分优美，通过一连串琶音跑动进入主题，琶音的跑动以及主题都是用左右手交替完成，对于练习左右手的衔接非常重要。连续不断的分解琶音从头到尾保持着，有如荡漾的涟漪，一条如歌的旋律在其之上由两手交替着奏出，令人产生无限的遐想。虽然是断开的音，但却犹如歌唱一般柔美。就像在云彩的阴影下水面忽明忽暗，在风的吹拂下波浪时高时低。那如歌的旋律被李斯特一会儿放在伴奏音型之下，一会儿又夹杂于其中。乐曲的优美旋律倒是颇有田园意境，优美的旋律中，仿佛乘着一艘小船，在一望无垠的大海上慢慢的飘荡，那会有一种难得的闲逸、清静。大量的分解琶音，和弦的美妙变化带动旋律线的起伏，如同人的思绪，纵然再多的怀念也只能化作一丝丝叹息。随着调性与和声色彩的转移及音区的变换，音乐的情绪也随之起伏变化，层层推动着音乐，使人仿佛置身于一片广阔的天地之中，展现了大海宽阔的胸怀。结尾上不可思议的下行全音阶的大三度和弦，正如黑暗中发出的一声叹息，曲终发生的叹息，孕育着叹息后的升华，仿佛给人意犹未尽的感觉。这首需要两手交替演奏主旋律、并辅以轻柔的琶音伴奏的曲子是李斯特极至浪漫主义的极好体现。这华丽的奏法，是李斯特的后浪漫主义风格和炫技演奏的最好证明。 （三）演奏技巧与节奏 作品《叹息》的节奏是非常灵巧的：主题旋律部分是建立在四四拍的基础上，更加规范化。有趣的是伴奏的节奏更像散落的节奏，演奏时注意（rubato）的节奏特点：作品《叹息》中附点节奏和六连音相对以及复附
李斯特音乐会练习曲《轻盈》演奏要点分析 李斯特的钢琴演奏是多样化的：既有雷鸣般的辉煌响亮，又有喷泉般的玲珑剔透、轻盈敏感；既有完全属于钢琴化的音响展示，又有管弦乐队多层次的交响性效果。音乐会练习曲是他最具代表性的技术作品，而《轻盈》又是音乐会练习曲的典型之作。因此，要弹好这首作品，首先要掌握好其精湛的演奏技巧。 1.引子 引子部分的演奏風格为A capriccio随想的，由六句单音旋律半音的形式上行进入，犹如随风飞舞的落叶，带有摇曳的感觉，富有想象力。 开头要演奏出上行疑问式的音调，既要注意乐句内部的渐强，也要处理好每一句之间的渐强，表现出摇曳的感觉，仿佛一浪接着一浪，并随着左手的进入，慢慢加快语气的重复。到第8小节，变为徘徊式半音下行，由强到弱，逐渐平静下来，落在自由延长记号上。演奏的时候，要把握好指尖的控制力，既要奏出优美静谧的音色，也要同时注意远近距离感的变化，等待主题的出现。 2.变奏一 三连音以接近小快板的速度，很弱的力度下飘出，逐渐打破引子的静谧。在这一段，从第11小节开始，三连音要有四三拍的律动，柔和而均匀地演奏，左手每一小节的音头，力度可稍果断一些，不可每一组三连音都强调音头，以表现出乐句的连续与持续感。 16至17小节的四个小连线，在每一句中，单音进入力度稍弱，作小渐强落到双音，仿佛一浪推着一浪。胳膊的力量要随着手腕移动，演奏出方向感和层次感。同时注意左手的两组音程，也可采用此方法，奏出方向感交替，层次递进的感觉。 3.变奏二 由f小调转为A大调，主题由单音变为六度音程。调性和织体发生了变化，丰富的和声色彩更加丰富，和声力量得到加强。旋律也更加明朗饱满。 这一段是整首作品的难点之一。27和28小节六度音程的连续演奏对手指的要求较高，不仅要下键整齐，还要连贯，富有表现力。练习的时候，一定要从慢练做起，手掌和三关节要撑住，手指要有张力。同时突出外声部。要注意右手大指的控制，不要太强，避免影响旋律的律动和表现力。 第31小节进入连续三小节的半音上行模进，这三组模进是为过渡到第34小节的热情的（appassionato），演奏时要把握好情绪的过渡，即已接近热情，每组模进内部做渐强的同时，也要考虑到三组模进整体的渐强，一组比一组强，以推动音乐达到一个小高潮。左右手逆行的半音对比，加上右手下行回旋半音，以及每一组模进尾音的戛然而止，仿佛要拉住高涨的情绪，给人以期待。
第一首：Prelude.presto 前奏曲 此曲非常的短，一分钟左右，引子主题。 第二首：Molto vivace 甚快板 这是比较平缓、沉闷的一首，两分多钟，显然已经有切入正题的迹象。 第三首：Paysage.Poco adagio 风景 旋律比较优美的一首。虽标为风景，可节奏还是比较压抑。象策马慢行于田园乡下。结尾处略有小高潮。音乐充满了作者无数的"扪心自问"的感觉。 第四首：Mazeppa.Presto 马捷帕 开始有标准的李斯特风格，演奏者也必须开始炫技，因为难度加大。有大量的装饰音。一共有七分多钟中段旋律有些高雅的伤感，平静而又忧伤。最后复转入激烈。 第五首：Feux follets.Allegretto 鬼火 果然非常诡异神秘的一曲！单一主题，用长调。有大量重复的音。比较短，只有4分多钟。曲子蕴涵嘲讽和一种不知名的鄙视 第六首：Vision.Lento 幻影 比较单调，节奏激荡但不快。这一曲是为整个练习曲进入高潮的铺垫。中段音乐比较灵活，如果看现场，可以看到演奏者翻飞的手指，像幽灵在跳舞。后段越来越快，音调也越来越高。最后在最高处嘎然而止。 第七首：Eroica,Allegro 英雄 这是悲剧的英雄，但依然让人无限崇拜。近5分钟长。琴声如歌如泣。低沉的音乐永远也掩盖不了英雄眼神中的希望和怒火。最后给人以光明，音域一下子开阔。这一曲旋律非常优美。 第八首：Wilde jagd.Presto furioso 狩猎 高潮之一。演奏难度非常大的一首。一直非常快，非常激烈。但快速却依然优美，让人如醉如痴。音乐中似乎不光有狩猎，还有风景如画的描写。真正的让人身心放松。这也是旋律非常优美的一曲。 第九首：Ricordanza.Andamtino 回忆 两首最有名的超级练习曲之一。柔情绵绵，平静得近乎沉默的回忆。有11分钟之长。有一段极浪漫的旋律被人称为"古典音乐中最美的一小节"。这是对过去美好的留恋和回忆，丝毫不带任何不愉快的幻想。 第十首：Allegro agitato molto 激动的快板 非常精彩的一首，我个人比较偏爱的一首。基辛也最喜欢这首。钢琴的音色之美在这里得到了最大的体现。这是夹在两首最高潮音乐之间的一首，因此在主题上可以说是什么都有，有一种无言的上进心支配着作曲者。 第十一首：Harmonies du soir.Andantino 黄昏的和谐
刍论音乐会练习曲的产生和形成 音乐会练习曲的孕育背景 九世纪初，欧州文学艺术普遍形成了一种新的潮流， 被称为“浪漫主义” 。浪漫主义作为主导潮流，支配和指导 着大多数作曲家的时期。浪漫主义音乐也同样经历了兴起、 繁荣与衰败的过程，从历史角度可以将其分为早、中、晚三 个时期。 浪漫主义时期的艺术，理性属于次要地位，主要侧重于 感性，都是通过个人的感情、意识等主观感受来表现作者自己对整个世界和现实生活各种现象的倾诉和感觉，因此，抒情性、自传性和个人心理刻画就成为浪漫主义音乐的主要特征之一。浪漫主义的音乐到了中后期，创造了许多适应它的内容要求的新的体裁形式，练习曲就是其中之 二、音乐会练习曲的含义 最初的“练习曲”词来自法文etude,字面意思为：学 习、研究。就是专门锻炼乐器演奏技术的乐曲。一首练习曲常包含一个或几个技术课题，如音阶、琶音、八度音、双音、颤音等等。 音乐会练习曲则是由前者派生而来，并逐渐演变为一种 炫技性的艺术作品而在音乐会上演奏。这种练习曲与19 世
纪初钢琴演奏技术的发展紧密相连，意大利钢琴家和作曲家 克列门第的《前奏曲和练习曲》与《艺术津梁》，是最早的近代干亲练习曲。其后编写的钢琴练习曲者纷至沓来，以后 还出现了小提琴（法国的克鲁采、罗德、阿拉尔）、大提琴 （捷克的波佩尔）以及其他乐器的练习曲。 以上所说的练习曲并不是没有艺术性的纯技术作品，相 反地，有的成为教科书或者被人称为艺术圣品：例如德国的克拉莫、奥地利的车尔尼、捷克的莫舍莱斯、意大利的贝尔 蒂尼等人的作品至今仍被用作钢琴教材；克列门第的钢琴练 习曲取名为《艺术津梁》（原意是“登帕纳塞斯之阶”，帕纳 赛斯是希腊神话中文艺女神所居之山），说明技术锻炼是与艺术互为表里，不可分割的。 音乐会练习曲的形成 练习曲的点滴兴起，加之浪漫派作曲家溶技术性和艺术 性于一炉，将演奏技术的训练和自己的艺术构思结合起来，写出有相当规模的练习曲，就渐渐形成了起初了“音乐会练习曲”。帕格尼尼、李斯特、肖邦、舒曼、门德尔松、勃拉姆斯等都写有这类练习曲，这些名人的练习曲逐步形成了规模，就促进了音乐会练习曲的发展。 让我们举例说说，音乐会练习曲的形成过程: 帕格尼尼是古典主义晚期意大利小提琴家、作曲家，为 音乐史上最负盛名的演奏家之一。帕格尼尼在小提琴界有如
李斯特钢琴练习曲《狩猎》和声技法分析 提要：李斯特是19世纪最辉煌的钢琴演奏家，其音乐创作生涯几乎涵盖了整个浪漫主义音乐盛期。他受意大利小提琴演奏名家帕格尼尼的启发在钢琴上创造出同样的奇迹。其改编创作的《帕格尼尼大练习曲》共六首，《狩猎》是其中第五首。在这首钢琴曲中，李斯特巧妙地将钢琴当作一个交响乐队来进行创作，运用丰富的音色对比，将钢琴作为乐器之王的丰富表现力发挥到前所未有的水平，很好的展现了李斯特钢琴音乐的那种自由洒脱、色调丰饶多变的浪漫主义的风格特点。本文通过对乐曲的曲式结构特别是对其和声技法的具体分析，来探究和声在音乐作品中所起到的重要作用，归结李斯特某些独特的创作风格。 关键词：李斯特;狩猎;和声 “钢琴之王”李斯特作为浪漫主义时期杰出的作曲家、钢琴家，其作品很好的展现了浪漫主义时期音乐的那种自由洒脱、色调丰饶多变的风格特点。李斯特的创作领域主要是钢琴音乐和交响音乐，在李斯特的全部钢琴作品中，高难度的练习曲以技术艰深和形象鲜明而著称。李斯特一共作有两首“狩猎”练习曲。一首是《超级技术练习曲》里的第8条，为李斯特自己创作的。另一首是根据帕格尼尼《24首小提琴随想曲》中的第九首改编的，是改编曲，非原创。本文重点从和声角度研究1840年出版的李斯特《帕格尼尼大练习曲》中的第五首《狩猎》。 一、《狩猎》曲式及和声分析 《狩猎》的曲式结构为回旋曲式，但并不规整。开始的A段在陈述完主题乐思以后，并没有直接跟进第一插部B，而是紧接着又出现一次主题音调，但这次的出现与第一次的略有不同，是对之前主题音调层次的加厚。可以说第二次出现是对第一次的一个重复和扩展。主题音调在全曲中共先后出现四次。中间共有两个插部，插部B和插部C。 （二）主题 作为全曲围绕的焦点，主题有其自己的特性，能表达一定的思想感情、性格特点，并可用作乐曲发展的基础。而这首《狩猎》就有着鲜明的主题。 谱例1 作品开始的A段（第1-16小节）为全曲的主题。整个A段在E大调上陈述，围绕E大调的主和弦音（g1、e2、b2）展开。主题的出现是单旋律无伴奏的，采用左右手交替衔接进行的方式，让人感觉清晰，流畅。 其中，主题的第一句（第1-8小节），作者在乐句的一开始运用了两个十六分音符双音下行的弱起，紧接着进行到由g1和e2形成的三度音程上，组成了一个乐汇；而下一个乐汇又从g1和e2 的三度音程开始，而后又走到g1和e2组
试析李斯特钢琴练习曲的风格 特点--- 以《叹息》为例 试析李斯特钢琴练习曲的风格特点——以《叹 息》为例 [ 摘要]: 李斯特的练习曲具有很强的代表性，不管是创作风格，还是创作手法，都淋漓尽致地表现出了浪漫主义的特征，深刻地影响着浪漫主义时期之后钢琴练习曲的创作，其借鉴意义是不言而喻的。因此，本文以李斯特的钢琴练习曲《叹 息》为对象，介绍了李斯特钢琴练习曲系列的艺术特征，分析了《叹息》独特的演奏风格，以及《叹息》的演奏技法。 [ 关键词] ：李斯特；钢琴练习曲；《叹息》；风格 [Abstract]: Liszt 's etude has a strong representative, whether it 's writing style, or writing techniques,
all thoroughly showed the romantic character, profoundly influenced the creation of piano etudes 'creation after the romantic period, its significanceis self-evident. Therefore, this paper will base on Liszt Piano ' s Etude of Sigh as object, introducing the artistic features of the Liszt's Piano Etude series, analyzing the unique style of theSigh, as well as the performance techniques of the Sigh. [Keywords]: Liszt; Piano Etude; Sigh ; Style 在钢琴乐器制造工艺的不断提高下，钢琴演奏技术也取 得了不同程度的革新，使得钢琴练习曲体裁的创作与演奏不得不跟随时代而变迁。浪漫主义时期，钢琴音乐达到了巅峰，其创作与演奏呈现出了空前的风格特点，这是对传统的传承与 革新，又是练习曲在特定历史时期发展的必然产物。其中，李斯特的三首钢琴练习曲就是一个重要成果，特别是最后一首练习曲《叹息》的成就最高，实现了炫技与情感的完美融合，真正达到了音乐与技术的统一，集中反映了李斯特的艺术创作 倾向，以及巧妙地融入了李斯特的感性思想与理性思想。这一切把李斯特的钢琴创作推向了浪漫主义钢琴音乐的高峰，一举
李斯特练习曲叹息的钢 琴演奏与教学年教育 Document number【SA80SAB-SAA9SYT-SAATC-SA6UT-SA18】
李斯特练习曲《叹息》的钢琴演奏与教学 高难度的专业演奏技巧和生动的音乐内容能够提高练习曲的欣赏程度，把练习曲提升到了一定的境界，成为演奏家在音乐会上经常出现的曲目。《叹息》这首作品虽然是练习曲，但它的艺术价值和研究价值是不容忽视的，让人们在领略李斯特作品的炫技之外再次感受艺术之美。本文通过对《叹息》的表现及李斯特音乐作品的分析来体会李斯特音乐创作中的技术、内容与形式的完美统一。 一、李斯特音乐会练习曲《叹息》的演奏分析 （一）创作背景 从19世纪20年代起，直到60年代，李斯特都一直致力于钢琴练习曲的写作。期间李斯特创作的钢琴曲多数都能反映他的钢琴炫技的艺术特点，他把乐曲所要表达的艺术情感和钢琴技术的表现形式做了完美的结合，打破了以往练习曲中的长且单调的传统练习方式，把演奏技巧融入到诗画中，以便更好理解。同时，李斯特还将他大多数的练习曲都附加了标题。如：《钟声》《叹息》《森林的呼啸》《侏儒之舞》《玛捷帕》《英雄》《狩猎》《鬼火》《幻影》等等，栩栩如生、鲜明动人，使之适合在音乐会上演奏，所以这些练习曲又被称为音乐会练习曲。《叹息》（Un So Spiro），降D大调，深情的快板，是1849年出版的《三首音乐会练习曲》之三，李斯特以《诗意的随想》为题标注其上，其中包括《哀诉》（Il
laments）、《轻盈》（La leggier）和《叹息》。《叹息》是这一组练习曲中最着名的、最具独创性与歌唱性的作品。 （二）创作风格 李斯特的练习曲不同于其它练习曲光注重技巧练习，也非常注重情感的表达，情感是李斯特练习曲中一大特色。这是一首令人感动的练习曲，折射出作者丰富的情感表达。这首练习曲旋律十分优美，通过一连串琶音跑动进入主题，琶音的跑动以及主题都是用左右手交替完成，对于练习左右手的衔接非常重要。连续不断的分解琶音从头到尾保持着，有如荡漾的涟漪，一条如歌的旋律在其之上由两手交替着奏出，令人产生无限的遐想。虽然是断开的音，但却犹如歌唱一般柔美。就像在云彩的阴影下水面忽明忽暗，在风的吹拂下波浪时高时低。那如歌的旋律被李斯特一会儿放在伴奏音型之下，一会儿又夹杂于其中。乐曲的优美旋律倒是颇有田园意境，优美的旋律中，仿佛乘着一艘小船，在一望无垠的大海上慢慢的飘荡，那会有一种难得的闲逸、清静。大量的分解琶音，和弦的美妙变化带动旋律线的起伏，如同人的思绪，纵然再多的怀念也只能化作一丝丝叹息。随着调性与和声色彩的转移及音区的变换，音乐的情绪也随之起伏变化，层层推动着音乐，使人仿佛置身于一片广阔的天地之中，展现了大海宽阔的胸怀。结尾上不可思议的下行全音阶的大三度和弦，正如黑暗中发出的一声叹息，曲终发生的叹息，孕育着叹息后的升华，仿佛给人意犹未尽的感觉。这首需要两手交替演奏主旋律、并辅以轻柔的琶音伴奏的曲子是李斯特极至浪漫主义的极好体现。这华丽的奏法，是李斯特的后浪漫主义风格和炫技演奏的最好证明。 （三）演奏技巧与节奏
龙源期刊网 https://www.doczj.com/doc/2c6907437.html, 浅析李斯特音乐会练习曲《轻盈》 作者：王玺 来源：《北方音乐》2017年第01期 [摘要]李斯特的音乐会练习曲《轻盈》集音乐性与技巧性于一体，技巧高超，却不乏旋律感。与传统练习曲相比，音乐表现力更强。本文将通过作曲家生平、曲式结构及演奏技巧这三个方面进行综合浅析，能够有助于演奏者更好的诠释这首作品。 [关键词]生平；曲式；演奏技巧 一、作曲家生平 弗朗茨·李斯特1811年10月22日出生在匈牙利的雷丁小镇，他是家里的独生子，六岁起就跟父亲亚当学习钢琴，七岁开始作曲，九岁就成功举办了个人演奏会，由此，他也成为欧洲第一位开钢琴独奏音乐会的演奏家，艾斯特哈齐亲王发现了他惊人的才干，资助他去维也纳深造，师从车尔尼和萨列里。在维也纳期间，11岁的李斯特举办两次公演，得到贝多芬的赏 识。1927年，年仅16岁的李斯特因自身疾病与父亲离世双重打击，停止了演出。1830年七月革命的爆发，革命事件使他远离父亲去世所带来的伤痛，投身于艺术创作。至于爱情，虽然曾经拥有，但结果并不是完满的。与第一位恋人在怨恨中分手后，又因为教皇的反对而失去第二位恋人。晚年，亲人、朋友的过世使李斯特的精神悲剧达到了顶点。多重打击使他远离尘世，投身宗教，他开始从事宗教题材的创作。1875年，运筹多年的匈牙利弗朗茨·李斯特音乐学院正式成立，李斯特为首任院长。1886年7月，去世。 李斯特享受着欧洲浪漫主义音乐带给他的光环与荣耀，在他的卓越音乐才华下，隐藏着他对音乐的无限膜拜之情。但是这种崇高的精神特性并没有实现，而是不得不被金钱、身份、地位所牵制而融入到资本主义拜金风潮中。这使李斯特的内心充满了不可调和的矛盾，辉煌表象下隐匿着痛苦。虽然命途多舛，但是他却可以从烦扰痛苦的尘世逃亡理想之国，这就是他的音乐为什么不似莫扎特般轻快，也不似贝多芬般沉重。 二、李斯特音乐会练习曲《轻盈？的本体分析 （一）曲式简析 此曲为单三部一五部变奏曲式，属于自由变奏。首先是主题，然后对主题一次一次地变奏。图式为： T（主题）V1（变奏） V2 V3 V4 V5 V6 V7 V8 V9 V10 《轻盈》全曲除引子、主题外，共有10个变奏。为方便分析，我们把全曲分成五个部分。
试析李斯特钢琴练习曲的风格特点——以《叹息》为例 [摘要]:李斯特的练习曲具有很强的代表性，不管是创作风格，还是创作手法，都淋漓尽致地表现出了浪漫主义的特征，深刻地影响着浪漫主义时期之后钢琴练习曲的创作，其借鉴意义是不言而喻的。因此，本文以李斯特的钢琴练习曲《叹息》为对象，介绍了李斯特钢琴练习曲系列的艺术特征，分析了《叹息》独特的演奏风格，以及《叹息》的演奏技法。 [关键词]：李斯特；钢琴练习曲；《叹息》；风格 [Abstract]: Liszt’ s etude has a strong representative, whether it’ s writing style, or writing techniques, all thoroughly showed the romantic character, profoundly influenced the creation of piano etudes’ creation after the romantic period, its significance is self-evident. Therefore, this paper wi ll base on Liszt’ s Piano Etude of Sigh as object, introducing the artistic features of the Liszt’s Piano Etude series, analyzing the unique style of the Sigh, as well as the performance techniques of the Sigh. [Keywords]: Liszt；Piano Etude；Sigh ；Style 在钢琴乐器制造工艺的不断提高下，钢琴演奏技术也取得了不同程度的革新，使得钢琴练习曲体裁的创作与演奏不得不跟随时代而变迁。浪漫主义时期，钢琴音乐达到了巅峰，其创作与演奏呈现出了空前的风格特点，这是对传统的传承与革新，又是练习曲在特定历史时期发展的必然产物。其中，李斯特的三首钢琴练习曲就是一个重要成果，特别是最后一首练习曲《叹息》的成就最高，实现了炫技与情感的完美融合，真正达到了音乐与技术的统一，集中反映了李斯特的艺术创作倾向，以及巧妙地融入了李斯特的感性思想与理性思想。这一切把李斯特的钢琴创作推向了浪漫主义钢琴音乐的高峰，一举成为钢琴音乐史上的重要创造家和奠基者，开拓了近现代钢琴艺术的新天地。 一、李斯特钢琴练习曲系列的艺术特征 李斯特是浪漫主义时期重要的钢琴音乐家，尤其是他的三首练习曲赢得了业界人士的一致好评，其社会影响也是不言而喻的。李斯特的钢琴练习曲系列具有独特的艺术特征，是一般钢琴作品所不能比及的，这就要详细涉及到他的三部练习曲，分别为《哀诉》、《轻盈》、《叹息》，三者都具有明显个性，且风格各异，尽放光芒。具体地分析，第一首《哀诉》属于即兴作品，具有浓郁的浪漫主义气息，不但旋律短小精悍，而且感情变化多端，但又不失
肖邦&李斯特所有练习曲介绍（钢琴专业珍藏）肖邦练习曲 “练习曲”原是作曲家们为学生练习某种演奏技巧而创作的曲子。它往往是依据单一的音乐动机写成的。这类曲子很多，仅19世纪欧洲作曲家就写有上千首。最早和系统地写钢琴练习曲的是J·S·巴赫。他的《12平均律钢琴曲集》里的“前奏曲，有很多都带有“练习曲”性质；匈牙利作曲家李斯特，也系统地写过一些钢琴练习曲，例如《12首超级技巧钢琴练习曲集》，著名的钢琴曲《鬼火》，就是其中的一首。此外，象克拉莫、玛丽亚等人也写了不少练习曲，巴赫的《12平均律钢琴曲集》以及李斯特练习曲中非凡的想象力以及克拉莫等人为特定技术写的练习曲，都给了肖邦很多启示，促使他创作了27首钢琴练习曲。他把其中24首分成两集，每集12首，编为作品10号和作品25号。另外还出版了一卷没标明作品号的练习曲，起名为《三首新练习曲》。 肖邦的27首练习曲，几乎全都有特定的技术性，除七八首为中速或慢速外，其它都是快速度，它们带有明确的教学目的。但是肖邦的练习曲不同于前人所写的练习曲，没有那种常常流于单纯的、机械的技巧练习和枯燥、平庸的缺点。它们不仅有针对性、较难的技巧练习，有些还有比较深刻的思想内涵，就象是一篇篇短小的音诗。因此，人们常常把肖邦的练习曲，说成是纲琴音乐史上的一种“革命”。 肖邦，12首练习曲，作品10号，1832－1836年间的作品，1837年出版。献给李斯特的夫人阿古尔特伯爵夫人，后来他们的女儿科西玛嫁给理查特·华格纳。虽然作品10和作品25是在同一时间写成的，但是作品25相比起来更像音乐作品，而不是一些技术难题的攻破。 第1首《C大调练习曲》，它明显地受到巴赫的影响，表现在音型上都是分解三和弦和七和弦，它的音调明朗、和声严谨、情绪庄重，接近“圣咏”。所以有人玩笑地他称它为“逃跑的众赞歌”。 第2首《a小调练习曲》它是一首快速的半音阶练习曲，其目的是使右手3、4、5指在力度、灵活性及独立性方面得到均衡的发展，俄国著名钢琴家安东·鲁宾斯坦曾称之为“忧郁的小情绪画”。 第3首《E大调练习曲》它的曲调优美速度徐缓，但又是一种触键练习，乐曲具有深刻的含义。有一次，肖邦听他学生古特曼弹奏这首练习曲后，竟感慨地喊道:“呵，我的祖国!”这句话使后人对他的这首练习曲有了开锁的钥匙，作曲家是怀着思念祖国之情而写出这支曲子的。肖邦本人认为：比E大调练习曲更美的主题他是再也写不出来了。这是一首发自心灵深处的哀歌。朴素的和声、“风笛式”不断重复的低音，都显示出它的民间色彩。中段情绪起伏，带有戏剧性，使抒情的主题显得更为突出。 第4首《升c小调练习曲》作品10号之4这是一首以练习重音为目的的练习曲。手指速度的练习曲，复杂的右手，同时左手有很多大的跳跃。钢琴家彪罗认为，“这是纯粹古典、典
浅析李斯特《帕格尼尼练习曲》第六首的艺 术风格 摘要：本文介绍的是李斯特创作《帕格尼尼大练习曲》第六首的必要前提条件和演奏风格与艺术特征。 关键词：《帕格尼尼练习曲第六首》李斯特钢琴 格尼尼创作的《二十四首随想曲》，对当时李斯特的创作产生了至关重要的影响，开拓了他的国际视野。受帕格尼尼创作的影响，李斯特产生了想把这些随想曲改编在钢琴上演奏的想法，并发誓要做钢琴上的“帕格尼尼”。他从帕格尼尼身上学到的不仅是超群的演奏技巧，还有将钢琴变成管弦乐团中心地位的雄心。李斯特为帕格尼尼写的一篇有名悼文中说：“帕格尼尼的生命之火已经熄灭了，那些辉煌的造物之一已随他而消失，彷佛是大地把他赠予我们，只是为了又匆匆把它索回那样一种奇特的现象，他在艺术王国中只有一次，这是唯一的一次。” 一、音乐中各段落的演奏技巧风格 主题部分：开始标注的是P，此段可以用两种方法来弹奏，分别是双手交替叠加进行和双手同时进行，这就要求手指必须要有很好的独立性，即在弱奏中也可以保持极好的颗粒感，断开演奏，但同时又要在气息中连贯，在每句乐段
的最后一小节要求连起来弹奏。 第一变奏：使用有弹性并且精准的手指来演奏，低声部的主题一定要强调出来，李斯特自己加上的这一声部，让变奏与变奏的主题叠加在一起。 第二变奏：在帕格尼尼的随想曲原著中，8个十六分音符是用一弓一气呵成拉出来的，16和17小节一定要将右手和弦的时值演奏饱满准确。 第三变奏：此段落在原作品中做了非常大的改变，颠覆了原来自由、随想的音乐感。 第四变奏：此段采用了非连音八度来表现曲子的旋律，演奏途中，手要贴近琴键，保持平衡，放松手腕，做微颤，声音要精致。 第五变奏：与变奏四在风格上对立而行，此外还要注意到双音和八度两个动机的对比性质。 第六变奏：要求很高超的弹奏技术。并且始终要用巨大的力量来强奏。 第七变奏：关键点是手指对三连音相当准确的把握，千万不要把三连音最后的一个音符时值缩短，音值要相当的准确，当双手交替弹奏三连音的时候，节奏要相当稳定，此外要注意不要使三连音孤立化，放在主题中要有所表现。 第八变奏：采用双手错位坚定的情绪来演奏，果断的断奏代替连贯的奏法，音位不断升高，和声旋律不断叠加，