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简析莫扎特钢琴奏鸣曲作品k333第一乐章

简析莫扎特钢琴奏鸣曲作品k333第一乐章
简析莫扎特钢琴奏鸣曲作品k333第一乐章

简析莫扎特钢琴奏鸣曲作品k333第一乐章

【摘要】众所周知看,莫扎特作为全球最伟大的古典音乐家之一,他钢琴音乐技艺一直以来都是钢琴演奏者以及学习者无法回避的必弹曲目。伴随着当前科学技术的不断快速发展,特别是音响技术的日益提升,录音技术直接能够展现音乐表演者对音乐作品予以完美再现。一方面,实现了无数的听众音乐欣赏的需求,另一方面也为音乐研究者对一个音乐作品不一样的音乐表演解释对比给予了更大的可能性。换言之,不同的钢琴家就能够从不同的视域演绎出不同的“莫扎特”。本文力图通过莫扎特钢琴奏鸣曲 K333第一乐章为研究对象,浅析莫扎特钢琴奏鸣曲作品K333第一乐章,论述对这一乐章中不同演奏者对于速度、力度、层次、装饰音演奏的理解。

【关键词】莫扎特;钢琴奏鸣曲;第一乐章

前言

莫扎特是古典音乐大家之一,他以异常悠然、流畅、率性的天性,强调了一种特别优雅丰富的感情和柔美细腻的音乐境界,莫扎特的钢琴奏鸣曲纤巧细腻,曲调旋律充满了歌唱性,也充盈了一种静谧的情怀,是钢琴艺术史上屹立不倒的精品。莫扎特终其一生,一共创作十四首钢琴奏鸣曲,其中“k333”可以说是她的代表作。笔者试图以莫扎特钢琴奏鸣曲 K333 第一乐章为研究对象,并且择取了几位钢琴演奏家的音乐风格、音乐作品的音响版本展开对比研究,其中,重点涵括了音响版本演奏技法以及音乐特点的对比研究,对怎样诠释这一经典之作奏鸣曲展开阐述。

1.莫扎特奏鸣曲k333第一乐章概述

莫扎特的这首钢琴奏鸣曲 K333是其在一七七八年创作于奥地利的首都维也纳。斯时,莫扎特年仅二十二岁,是他的中期作品。莫扎特的这首奏鸣曲的主旨所追求向往的是一种诗意、静谧、优美的和谐,他也愈发地开始明白与感受音乐所可以形成的变幻无方的意境。一直以来,敏感的莫扎特面对巴黎变迁中的各种现实,不得不令他更加沉迷于幻想,不得不令他对生活以及他所理解的世界更加报以诙谐的处世态度。他多以美丽的旋律撩动人心,在他手上那种透明的感觉呼之欲出。终其一生,莫扎特对生命的追求始终止于平和、宁静、安详[1]。

k333奏鸣曲整篇曲调极富华丽,润饰的和弦延伸是很能体现莫扎特和声语言的特色,更好的展示出了音乐的气质和个性,第一乐章的重点情景甜美和热情,且尤为清丽可亲,并未运用一种夸大的色彩,曲子典雅的风格也更加有亲切感。

曲式分析:

第一乐章快板(Allegro)四四拍子奏鸣曲式

1 呈示部(1-63 小节)

主要主题 1-8 小节降 B 大调

连接 8-22 小节

副主题 23-30 小节 F 大调

连接 30-38 小节

Coda 38-63 小节

2 展开部(64-9

3 小节)

3 再现部(93-165 小节)

主要主题 93-101 小节 F 大调

连接 103-113 小节

副主题 119-126 小节降 B 大调

Coda 126-165 小节

2.莫扎特奏鸣曲k333第一乐章演奏速度技法研究

毫无疑问,每一个音乐作品都有着自己的音乐属性,这也是一个作曲家所设计的音乐性质所决定的,例如:部分作品更为悠缓抒情,部分作品属于歌唱性,余下的还有紧张、活泼、跳跃等等。达到这个创作目的,每一个作曲家都需要在其旗下的每一个作品上首先规定快慢“时间表”,而这种快慢之间就是“速度”。精准的速度是作曲家创作音乐时做到准确表达的大前提,这种音乐作品中规定的快慢,也被称之为“速度”。从乐谱的版本而言,莫扎特一直都没有给他的作品标上“节拍器”的速度记号,然而从整体上来说,演奏莫扎特的作品必然存在着一个速度定量,换言之,一拍四音往往不会大于126。一般存在120-126间(Allegro)[2]。如果是柔板(Adagio),会慢到一拍48-50,如果一拍有八个音,差不多每一拍100上下,极端的“快”和极端的“慢”的速度都不是很多见。在莫扎特存在的历史时期,节拍器还没有发明,全部的所谓快与慢都并未进行精准的标记,往往只会标注上速度术语,而莫扎特K333奏鸣曲是为Allegro[3]。顾名思义,这首曲子的字面含义可以解释为明快、充满了喜悦情绪的快板。所以,速度术语只是给予某种事关乐曲速度的一个广义的参照,而什么样的速度属于正确适宜的速度呢?因为每一个表演者的经验及其判断往往不尽相同,我们完全有理由知道,演奏莫扎特音乐合理的速度是重要的,但绝非唯一的,只是相对的。钢琴表演者一定要从音乐的表现上入手,按照表演者自觉的理解,找到一种合理的速度[4]。

表1钢琴演奏家演奏速度比较

英格丽·海布勒安德烈·希夫巴伦博伊姆内田光子7分45秒7分20秒7分19秒6分58秒

在多达165小节的第一乐章中,由表格1可看出,四位钢琴家的演奏速度有着明显着的差异。尤其,对比英格丽·海布勒和内田光子更是如此,前者演奏第一乐章一共耗时7分45秒,对比内田光子的不足7分钟而言,这是速度最慢的版本演奏。另外三位钢琴家的演奏速度由慢到快分别是:安德烈·希夫用了7分20秒,巴伦博伊姆用了7分19秒,内田光子用了6分58秒[5]。不难看出,速度并非绝对的,而是需要按照钢琴演奏者的现实需求来进行对速度的不断调节改变,而不同的演奏速度都存在不同钢琴演奏家所需要传递的一种韵味及感觉。

3.莫扎特奏鸣曲k333第一乐章演奏力度技法研究

演奏力度这一技法在所有的音乐展示上有别于别的所有一种谓之绝对力度的标准。以声音比较来说,强弱之间属于相对存在,而就不同的演奏者而言,也就不可能存在某一种形式上的一致的强弱标准,也无法要求每一钢琴演奏者有着相同的应用在钢琴演奏的力度及其幅度[6]。

一七七八年,莫扎特的钢琴曲仍为古钢琴所演奏而成,诚然,古钢琴能够产生强、弱之间的变化,并且还能够形成渐强、渐弱的效应。所以,莫扎特那一时期在乐谱上的力度标记一般有:f, mf, p, pp, cresc, decresc。除此之外,莫扎特音乐中常规力度记号为f、p,然而,因为古钢琴的声音属性相对于现代钢琴来说,其音色略轻,人们所听到的音响效果f往往涵盖了mf, 而p往往又涵盖了pp[7]。据了解,根据那一时期的美学观点,轻和重正像是光和影一样,二者彼此依附着。而这种轻重对比纷呈的手法,在莫扎特的音乐中尤为经典。例如,

在莫扎特的乐谱中,人们时常都会看见f 和p 呈对照性的标记,基于此,并非就代表着强弱的区别,在一定的时候也涵盖着不同的感觉与气氛。不仅这样,莫扎特还特别善于通过渐强、渐弱的力度来展示出色彩、明暗度。前者往往代表明亮,一种紧张度,内在张力的推动。后者就表示暗淡,松弛,缓和,释

放[8]。

那么问题来了,在并未存在标记力度记号的空间,有没有不具备力度的变化呢?莫扎特时时告诫他的学生:“未注明的部分并不意味完全毫无表情地弹奏,必须随着音乐进行产生的波形振动,自然地出现强弱感觉。[9]”

在上述所提的四个钢琴家的音响版本中,每一位都展出了不同的力度变化,而相同的地方在于,四位钢琴演奏者都在上行跑动时呈现出渐强的力度,下行时做渐弱的力度处理。然而力度变化的幅度也往往有所分别。四位钢琴演奏家在第 71 小节-84 小节的演奏中,都展示了不一样水平上的力度的改变,巴伦博伊姆的力度变化幅度最大,让人直接联想到莫扎特歌剧中的戏剧性人物,而这种强烈的力度对比正能体现出他的演奏特色所在,巴伦博伊姆的演奏特点是浪漫色彩浓重,听觉上稍带自由并且非常强调音乐中 f 的力度表现。相比之下其他的三个音响版本的力度变化幅度较小,但也都能感觉到起伏变化,内田光子的力度变化不是很大,其中将右手的柱式七和弦都弹成波音,从而避免这部分的音量过分突出,使整首乐曲均衡,优雅。希夫在这一段跑动的旋律中将音符弹得非常轻盈、精巧。海布勒的跑动音型非常透明、圆润[10]。

4.莫扎特奏鸣曲k333第一乐章演奏层次技法研究

与巴赫的复调音乐不同,莫扎特的音乐作品大多为主调音乐,没有复杂的声部进行,K333钢琴奏鸣曲就是其中的一首。从四个音响版本来看,四位钢琴家都不同程度地突出了隐伏声部,同时对隐伏声部的发掘具有较大的相似性,如第43-44、80-81、117-118小节。

但是相对而言,海布勒较善于在乐曲中勾勒出隐伏声部,只要存在隐伏声部,她都能给予一定的体现,而其他三位钢琴家更注重其和声效果的运用。如

147-149小节。

5.莫扎特奏鸣曲k333第一乐章演奏装饰音技法研究

赵晓生在他的钢琴演奏之道一书中提到:莫扎特的装饰音继承了巴赫的传统。但许多更复杂的装饰音均用实际音符写出,留下记号的仅仅是倚音、回音、颤音等几种。应当遵循的基本原则为:1.长倚音一般具有留音效果,并与主要音符对分时值。2.回音应包括在主要音符时值内,装饰音的第一音应当在拍子上而不是拍子前。3.颤音(tr)可以奏“波音”,或“回音”,也在最多场合奏长颤音。这可由演奏者自行决定。4.上述所有奏法都从所标明的主要音符的上方二度开始。5.回音有时从拍子上开始,有时在拍子后开始,应视情况根据演奏者决定。

6.所有装饰音应当纳入均匀节奏划分中。

在四个音响版本的比较中,所有演奏家的长颤音都是从上方二度音开始,如第 58、160 小节,但是席夫把长颤音的上方二度音的节奏拉长了弹成了长倚音,突出表达了长颤音所带来的连绵丰富的音色。(见谱例十四)

席夫将 79 小节的颤音弹成短颤音,突出表达精巧细致的音色。而其他三位演奏家都将其弹成了长颤音,营造绵长的声音效果。(见谱例十五)

131 小节只有海布勒处理成长倚音,突出灵巧可爱的音乐风格。而其他三位钢琴家都没有奏出倚音。(见谱例十六)

6.结语

综上所述,本文以莫扎特第十三首钢琴奏鸣曲 K333 第一乐章为研究中心,选取英格丽德·海布勒、内田光子、丹尼尔·巴伦博伊姆、安德烈·席夫的录音资料,通过对音响版本的演奏技法特点的研究和音响版本的音乐特点的研究两个大方面对四位钢琴大师对该作品的差异性进行论述,挖掘四位钢琴演奏大师对该作品的不同理解,从而总结这些大师在该作品体现出的特点。

【参考文献】

[1]张前王次招.音乐美学基础[M].北京:人民音乐出版社,2012.

[2]涅高兹.论钢琴表演艺术[M].北京:人民音乐出版社,2013.

[3]魏廷格.钢琴学习指南[M].北京:人民音乐出版社.2014年版.

[4]谢颖.20 世纪钢琴演奏大师[M].上海:上海音乐出版社,2013.

[5]海·涅高兹/著焦东建董茉莉/译.涅高兹谈艺录一思考·回忆·日记·文选.北京:人民音乐出版社,2013.

[6]郑兴三.莫扎特钢琴奏鸣曲研究[M].福州:厦门大学出版社,2014.

[7]张式谷潘一飞.西方钢琴音乐概论[M].北京:人民音乐出版社,2013.

[8]郑兴三.钢琴音乐文选 IM],福州:厦门大学出版社,2012.

[9]彭圣锦.钢琴演奏与风格[Ml.台北:双木林出版社,2014.

[10]友余.键盘上的奇迹一一世界著名钢琴演奏艺术家[M].北京:文化艺术出版社,2013.

莫扎特C大调钢琴奏鸣曲教学心得

莫扎特C大调钢琴奏鸣曲教学心得 廖志坚 莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart)1756年出生于德奥边境的萨尔茨堡,父亲曾任该城宫廷、教堂乐师,从小得到了良好的音乐训练和才能发掘,有音乐“神童”之称。他是“维也纳古典乐派”的杰出代表之一,作品范围几乎涉及所有音乐领域,是举世公认的音乐天才。下面就他的C大调奏鸣曲(K545)做一些教学上的探讨,期望有抛砖引玉之用。 第一乐章:奏鸣曲形式,4/4拍,快板。本乐章为带再现部的二乐段,结构严谨、精致而富于逻辑性,其曲式结构分析如下: 呈示部:第一主题1-12小节第二主题14-26小节 发展部:29-41小节 再现部:42-73小节 第一乐章的精髓是“简单”“自然”和“歌唱性”,第一主题单一而完整的旋律,在dolce 的气氛中进来,惋如一缕清风,轻柔地吹进人的心扉,令人心神怡悦,仿佛置身于一个殿堂之中,不容得有半点杂念,尤其是第4小节中的颤音要弹得要清晰可辨,不能含糊过去,后半拍可以“想长一点儿”,可以把第二拍颤音弹成五连音效果,要有唱歌一样的感觉,内心感觉和手指独立一样重要。5-10小节为快速流畅的音阶跑动,其节奏型是| || |||| |||| |||| ,要把下行的旋律音符即每小节的第一个音a、g、f、e、d弹得强调一些,并有<>的效果,左手休止符要干净,这样才能把莫扎特泉水般的乐思表现出来。 第二主题:先在高音区出现,似乎是由长笛吹出,其难点是短颤音。比较适合少年儿童演奏的效果是把它简化为波音的奏法,接下去高低音互相呼应,声部穿插要清晰可见,如高天流云,色彩斑澜,因而踏板使用要适度,不能一片轰鸣。25小节的长颤音对不少人是一个不小难题,这多半是因为基础不牢才会出现。练习时可以先弹稳左手的“阿尔贝提低音”,边弹边数1、2、3、4,然后右手加入,指法是3指开始,2指结束,然后进入结束乐句,转到属调G大调上,第一段结束。 发展部第一小节,一个坚挺的八度G把调性转入同名g小调,紧接着是各种大小调音阶的不断变化,让人目不暇接:31小节g旋律小调上行,g自然小调小下行;32小节A自然大调上行,d和声小音阶下行等,这种左右手穿插不停的变化,一直持续到第40小节,然后一个C7和弦把乐曲转入F大调,主题再现。 再现部的主题几乎是第一主题的“原封不动”的重现,但却不知不觉巧妙地转到了F 大调。练习中最难的地方是第50—53小节的左手主题再现。就这一处都可能把很多人拦在“山腰”上了,这个地方的左手跑动技术水平绝不亚于车尔尼299前半部分(No.25)的水平。从54小节到结束,几乎和第一段11小节开始往后的一样,不同的是这里是回到了主调C大调上,而第一段却“游离”到C大调的属调G大调上。从这种“鬼斧神工”式的转调技术,可以从中隐约发现巴赫的影子。 第二乐章:回旋曲形式,3/4拍,行板其曲式结构分析如下: A1--16小节,B17--24小节,A25--32小节,C33-48小节,A49--64小节尾声65—74小节第二乐章更像是一个室内乐章,G大调,充满了灵性,表现了作曲家天真无暇的内心世界,是天才音乐家童真的流露。左手通篇都是用阿尔贝提低音(Alberti bass)伴奏,双手紧密无间,天衣无缝。这也是本乐章的弹奏技巧所在。 B段左手分解和弦要匀称流畅,需弹出大提琴般的音色,从20小节—23小节,要把下行旋律的音流弹清楚:|d #c b| a g #f |b a g| a a a|。弹好这种音型要用手腕带,四个音用一次手腕提手动作,整个手腕,臂部的重量落在第5、4指上,掌心略朝外,避免1指过响,

艺术莫扎特钢琴奏鸣曲装饰音解析

艺术莫扎特钢琴奏鸣曲装饰音解析 装饰音只是来渲染装饰哦旋律的一种音节符号,又称之为花音,一般装饰音的时值计算包含在所要装饰的音符内,而常用的装饰音有倚音、颤音、回音、波音等等,形式比较多,在音乐演奏中都蕴含着含多的装饰音,曾经有一段时期,在西欧的一些地区,装饰音是一种重要的音乐旋律风格。莫扎特的钢琴奏鸣曲中也蕴含着装饰音等,他的音乐实现了从哈普西科德风格逐渐过渡到钢琴风格,确定了十八世纪八十年代的钢琴奏鸣曲的世界地位,使得钢琴的成效和音域等方面得到了发展,莫扎特的钢琴奏鸣曲既体现出他自己的生活特点,又在钢琴奏鸣曲中凸显出一种对比的价值,逐渐形成只属于自己的音乐演奏风格。在音乐学习的过程中,要了解相应的钢琴曲风格,这样才能弹奏出更好的钢琴曲。 一、莫扎特钢琴奏鸣曲装饰音的应用首先,倚音在莫扎特钢琴奏鸣曲中有两种形式,第一种形式是,在拍子上弹出的时值,就是整个倚音的所写的实际时长,可以将主要音符与装饰音进行对分弹奏;第二种形式是,在拍子前弹出,这样不计算主要音符放入时值,确保整个倚音的时长。 其次,颤音,在莫扎特音乐曲谱中,颤音都是有所标明的,一般在主要音符放入上方二度进行注明,而这种颤音的标明法,早在巴洛克时期就已经流行起来了。此外,在贝多芬的中期音乐作品中,颤音也在音乐曲谱上有了明显的标注,并将颤音演奏法集中在拍子上才能达到良好的演奏效果。同时,也存在特例,有的曲谱在第一拍前半拍旋律中增加了后半拍的颤音辅助,这样一来颤音就成了辅助音,因此,颤音需要从本位音开始算起。当颤音的时间比较长时,可以有弹满整个音符的时值时,就可以先从本音上进行演奏,在开始演奏时,速度要缓慢一些,随着时间的不断增加,可以适当的加快演奏速度。 最后,回音在弹奏过程中也有明显的标识,一般将回音标在两个音节之间,那么回音弹奏就要放在本位音弹过之后再弹,而回音的节奏分布情况,可以根据音乐的内容进行适当的调整,将时间安排好。在莫扎特钢琴奏鸣曲中,常用的装饰音主要有倚音、颤音和回音,此外也存在着一小节的曲谱中,会同时出现多个装饰音,这就需要钢琴弹奏者具备超强的旋律感,能够将这些装饰音很好的运用在钢琴弹奏中,把握好装饰音之间的逻辑性,将装饰音灵活的融合到钢琴演奏过程中,提高钢琴演奏的水平。在莫扎特钢琴奏鸣曲中装饰音的运用,既要掌握装饰音的相关规律和演奏方法,又要充分把握装饰音在整个音乐演奏中所带来的作用和效果。所以,在音乐学习的过程中,要立足于发展音乐,展现音乐作用

简析莫扎特钢琴奏鸣曲作品k333第一乐章

简析莫扎特钢琴奏鸣曲作品k333第一乐章 【摘要】众所周知看,莫扎特作为全球最伟大的古典音乐家之一,他钢琴音乐技艺一直以来都是钢琴演奏者以及学习者无法回避的必弹曲目。伴随着当前科学技术的不断快速发展,特别是音响技术的日益提升,录音技术直接能够展现音乐表演者对音乐作品予以完美再现。一方面,实现了无数的听众音乐欣赏的需求,另一方面也为音乐研究者对一个音乐作品不一样的音乐表演解释对比给予了更大的可能性。换言之,不同的钢琴家就能够从不同的视域演绎出不同的“莫扎特”。本文力图通过莫扎特钢琴奏鸣曲 K333第一乐章为研究对象,浅析莫扎特钢琴奏鸣曲作品K333第一乐章,论述对这一乐章中不同演奏者对于速度、力度、层次、装饰音演奏的理解。 【关键词】莫扎特;钢琴奏鸣曲;第一乐章 前言 莫扎特是古典音乐大家之一,他以异常悠然、流畅、率性的天性,强调了一种特别优雅丰富的感情和柔美细腻的音乐境界,莫扎特的钢琴奏鸣曲纤巧细腻,曲调旋律充满了歌唱性,也充盈了一种静谧的情怀,是钢琴艺术史上屹立不倒的精品。莫扎特终其一生,一共创作十四首钢琴奏鸣曲,其中“k333”可以说是她的代表作。笔者试图以莫扎特钢琴奏鸣曲 K333 第一乐章为研究对象,并且择取了几位钢琴演奏家的音乐风格、音乐作品的音响版本展开对比研究,其中,重点涵括了音响版本演奏技法以及音乐特点的对比研究,对怎样诠释这一经典之作奏鸣曲展开阐述。 1.莫扎特奏鸣曲k333第一乐章概述 莫扎特的这首钢琴奏鸣曲 K333是其在一七七八年创作于奥地利的首都维也纳。斯时,莫扎特年仅二十二岁,是他的中期作品。莫扎特的这首奏鸣曲的主旨所追求向往的是一种诗意、静谧、优美的和谐,他也愈发地开始明白与感受音乐所可以形成的变幻无方的意境。一直以来,敏感的莫扎特面对巴黎变迁中的各种现实,不得不令他更加沉迷于幻想,不得不令他对生活以及他所理解的世界更加报以诙谐的处世态度。他多以美丽的旋律撩动人心,在他手上那种透明的感觉呼之欲出。终其一生,莫扎特对生命的追求始终止于平和、宁静、安详[1]。 k333奏鸣曲整篇曲调极富华丽,润饰的和弦延伸是很能体现莫扎特和声语言的特色,更好的展示出了音乐的气质和个性,第一乐章的重点情景甜美和热情,且尤为清丽可亲,并未运用一种夸大的色彩,曲子典雅的风格也更加有亲切感。 曲式分析: 第一乐章快板(Allegro)四四拍子奏鸣曲式 1 呈示部(1-63 小节) 主要主题 1-8 小节降 B 大调 连接 8-22 小节 副主题 23-30 小节 F 大调 连接 30-38 小节 Coda 38-63 小节 2 展开部(64-9 3 小节) 3 再现部(93-165 小节) 主要主题 93-101 小节 F 大调 连接 103-113 小节

莫扎特歌剧《魔笛》赏析

莫扎特歌剧《魔笛》赏析

莫扎特歌剧《魔笛》赏析 歌剧《魔笛》是莫扎特最后一部也是最伟大的一部歌剧,它的结构统一,主题发展广阔、性格的刻画及人物的相互关系处理也非常出色。可以说它是一部民族音乐剧,也是一部与维也纳歌剧传统紧密联系的伟大的神话歌剧,在这部歌剧中,无论是曲调语言还是和声语言,无论是人物刻画还是戏剧表现,都十分突出地体现了民族色彩。《魔笛》描述一位王子受夜后委托,带着一支魔笛和一位捕鸟人去神庙解救夜后的女儿。祭司帮助王子认识了夜后的险恶面目,并让王子和少女通过了几道考验后获得了爱情。《魔笛》中有几段非常著名的咏叹调,一首是《我是快乐的捕鸟人》,歌词诙谐风趣,音乐活泼欢快,结构精美紧凑,具有浓郁的德国民间歌谣风格,活灵灵地展现了帕帕盖诺无忧无虑的开朗性格。另一首是夜后的咏叹调《年轻人别害怕》,这是一首极有名的曲调,表现了夜后仇恨光明的阴暗怪异的变态心理,同时也流露出母亲对儿女的疼爱之情。这首歌曲是典型的意大利式的歌剧咏叹调,作品后半段的华彩乐段和长期停留在高音区的乐句,使之成为最难演唱的曲目,即使是对最优秀的女高音歌唱家来讲,也有利考验和挑战。另外,帕米娜的《啊,我知道了》和夜后的《心中燃烧着怒火》也同样具有高难度的技巧和独特的艺术魅力。《魔笛》可以称作是莫扎特第一部真正的德国歌剧,这部用德文演唱的歌剧,这部用德文演唱的歌剧,把德意志民族的优良品质,淳朴感情和清醇美丽的音乐有机地结合在一起。实现了莫扎特振兴德国歌剧的夙愿,开创了德国歌剧以后的发展道路,对新世纪的德国歌剧作曲家具有极其重大的影响。 莫扎特把音乐的创作作为歌剧创作的基础,音乐的独特表现力可以独立表达人物性格和剧情发展,增强歌剧的戏剧性。戏剧性广义为戏剧艺术本身所特有的本性。通过情节性、音乐性、主题性、崇高性和生命性才阐述歌剧《魔笛》的戏剧性。进而从社会环境、个人价值和才能方面分析产生这些特性的原因,揭示莫扎特的创作背景。其中,重点突出了音乐在歌剧当中的地位。这对于肯定莫扎特歌剧创作。推进歌剧在中国的研究和发展有着重要的借鉴意义。 莫扎特作为18世纪伟大的指挥家、演奏家、作曲家,他的音乐涉及各类体裁,广为流传,留下了很多传世佳作,其中《魔笛》更是以其独特的戏剧性征服了大众。 在各种音乐体裁当中,莫扎特对歌剧情有独钟。他最早创作的歌剧是《阿波罗与海辛特斯》,是他为萨尔斯堡大学的学年结业创作的,是一部不够成熟的作品。后来莫扎特以极大的热情投入到歌剧《克里特王伊多梅纽斯》的创作中,这是为宫廷庆典而写作的歌剧。在这部歌剧里他修改了旧的传统歌剧形式,模糊了宣叙调在歌剧中的界限,用咏叹调来表达剧中的戏剧动作。这部歌剧标志着莫扎特歌剧在创作上的成熟。《魔笛》则牢牢地奠定了他18世纪重要歌剧作曲家的地位。 我们先来看一下莫扎特歌剧的几个突出的特点,以便我们结合这些特点对《魔笛》的戏剧性进行分析。 第一,注重情节性。歌剧要以优质的情节取胜。莫扎特的歌剧注重情节的编排,情节的曲折变化符合受众的审美期待。正是在情节上的跌宕起伏、精心布置使得莫扎特的作品有着广泛的受众。 第二,突出的音乐性。莫扎特曾经在一封信中对创作歌剧有过这样的言论:在一出歌剧中间,诗歌必须绝对服从音乐。而他还强调:音乐居于最高的主宰

莫扎特545分析

莫扎特的作品C大调钢琴奏鸣曲(K545)充分体现了他的这些特点。这首作品是莫扎特晚期1788年写成的,是一首非常著名的小奏鸣曲,也是初学钢琴者必弹的,人人熟知的名曲。这首乐曲明朗可爱,技巧简易。此曲共三个乐章,其中第一乐章的主题甚至被用作轻音乐的主题。 [3] 第一乐章采用快板的速度,C大调,4/4拍子,奏鸣曲式。开头的主部主题颇为明朗,副部主题则单纯而快活,两者对比非常明确,展开部是用分解和弦与音阶乐句写成的。 第一乐章的结构分析如下:(乐谱略) 呈示部:第1—28小节 主部:第1—12小节,乐段结构。开始的4小节在C大调上给人轻盈、透明的感觉。第5—8小节是4小节的音阶插句结构形式。从第9小节开始,音乐进行到主调C大调的属调G大调上来,在第12小节以主和弦结束。主部主题给人一种明朗开阔、优美雅致的感觉,体现了莫扎特简易而娴熟的创作技巧。 连接部:第13小节,在低音部以连续的十六分音符进行,G大调,好象是向副部过渡的引子,以便副部主题顺利进入。 副部:第14—26小节,从第14小节开始,副部主题在G大调上进行,音调恰好是主部主题的反方向进行,只是缩紧了节奏,可以看到莫扎特材料运用的简练。第18—21小节是用琶音写成的,也是一种插句结构形式,T6—S—DⅦ6—DTⅢ—TSⅥ6—SⅡ—D6—T的和声进行很有个性。第22—23小节在a小调上出现副部的后半部分,从第24小节又转到G大调上来,运用的材料是副部开头的动机。第26小节在G大调上以全终止结束在主和弦上。整个副部的材料是主部的变化运用,具有单纯快活的特点,形成与主部的鲜明对比。 结束部:第26—28小节,用G大调的重复音型结构在不同音区上以D7—T的形式结束。 展开部:第29—41小节。顺着呈示部的结束部,以相同音型结构转到结束部G大调的同名小调g小调上,然后是一系列的音阶乐句和分解和弦的运用。第31小节前半是g小调主和弦上的音阶进行,后半转到d小调的音阶进行,低音部与高音部交替呼应。第33、34两小节在d小调上采用同音型结构不同音区的D7—t的进行。第35小节在d小调上出现高低声部的音阶乐句,第36小节又转到a旋律小调的高低声部音阶乐句。从第37—40小节,用a小调和d小调通过高低声部的交替音阶乐句形成一呼一应的结构形式。第41小节在d小调的平行调F大调上出现了确定调性的D7,为再现部的出现做了准备。整个展开部在调式调性和材料上,都形成了与呈示部强烈的对比,音阶乐句的起伏呼应形式使音乐的发展有着强大的推动力。 再现部:第42—73小节。 主部:第42—57小节,这里与呈示部不一样的是体现在调性上,它在呈示部主调C大调的下属调F大调上再现主题,体现了莫扎特天才的展示,并扩充了4个小节,让左手在低音部进行低音式的流动,以便回归到主调C大调的属调G大调上来。 连接部:第58小节,明显的变化是调性从G大调回归到主调C大调上来,材料与和声进行与呈示部相同。 副部:第59—71小节,调性从G大调回归到主调C大调上,和声进行T6—S—DⅦ6—DT Ⅲ—TSⅥ6—SⅡ—D6—T仍显特色。副部主题后半稍有变化,在第68小节用了一个减七和弦。第69小节变成了音阶的形式,这种音阶转换形式的运用体现了莫扎特音乐创作手法的独特性。最后仍以主和弦结束。 结束部:第71—73小节。写法基本与呈示部相同,只是调性从G大调回归主调C大调,并完全终止。 这首乐曲旋律流畅,结构清晰,听来令人振奋。可以看出,莫扎特的音乐体现了古典主义时期最完美的风格和对纯真音乐的理想。

莫扎特及其作品简析

莫扎特及其作品简析 曾磊20141387036 数学与统计学院 经老师推荐,我看了《莫扎特传》这部优秀的电影作品,从而更加亲近地接触到这位历史上极负盛誉的音乐家,在惊叹他那过人的天赋和才华的同时,我也更加真切地体会到他的生活的艰辛与不易。我们总是喜欢叫他神童和天才,然而我们却没有看到他的勤奋,他曾与歌剧《唐璜》的乐队指挥库查尔兹一起散步时说过:“以为我的艺术得来全不费功夫是错误的,我确切地告诉你,亲爱的朋友,没有人会像我一样花这么多时间和思考来从事作曲;没有一位名家的作品我不是辛勤研究过许多次。”所以,我们应该坚信:天才出自勤奋,要想成功,必须付出巨大努力!莫扎特也是欧洲历史上第一位公开摆脱宫廷束缚的音乐家,当然结局也是十分悲惨的,在当时的社会条件下,这种举动无疑是极其大胆和勇敢的,因为这意味着艰辛饥饿甚至死亡,然而正是他这种不畏强权,追求自由,崇尚心灵解放的勇敢精神,又为他赢得世人更多的敬重。他曾在给父亲的信中写到:“不能再受这些了,心灵使人高尚起来,我不是公爵,但可能比很多继承来的公爵要正直的多。我准备牺牲我的幸福,我的健康以至我的生命,我的人格,对于我,对于你都应该是最珍贵的。” 莫扎特一生作品丰富,他的代表作有《费加罗的婚礼》《唐璜》《魔笛》《安魂曲》等。影片的开头就是以《唐璜》为背景音乐,《唐璜》是莫扎特的一部歌剧作品,初演于1787年,受到广泛欢迎,这部作品是根据拜伦的同名诗体小说改编而来的,虽然貌似喜剧,实则悲剧色彩浓郁,是古典主义歌剧的代表作。歌剧是一门综合的艺术,但它主要还是以音乐为载体来组织剧情,表现情节的。《唐璜》在艺术风格上有着诸多新颖之处:声部的创新;人物也更具有鲜活性;还有人文性的凸显,他的歌剧中流露出一种对人性不可思议的深刻理解,他始终坚持赋予角色人性化的信条;充斥戏剧性,莫扎特自称这部歌剧为欢快的戏剧,他强调这是内容深刻的音乐悲剧与喜歌剧的统一体。 接着是莫扎特的弦乐小夜曲,G大调弦乐小夜曲,又称《第13号小夜曲》,其最早为弦乐合奏,后被改编为弦乐五重奏和弦乐四重奏,尤以弦乐四重奏最为流行。G大调弦乐小夜曲原有五个乐章,后因第二乐章失传,所以现存只有四个乐章。第一乐章快板,G大调,4/4拍,是一首完整的小奏鸣曲,以活泼流畅的节奏和短促华丽的八分音符颤音,组成了欢乐的旋律,其中充满了明朗的情绪色彩和青春气息。第二乐章行板,C大调,2/2排,浪漫的抒情曲,本章旋律恬静,充满了绵绵情思。第三乐章小快板,G大调,3/4拍,小步舞曲,这一章的主题节奏鲜明旋律流畅,充满了青春活力。第四章回旋曲,G大调,快板4/4拍。这

莫扎特第一钢琴奏鸣曲

莫扎特第一钢琴奏鸣曲 呈示部 主部:主部是由两个乐节构成的开放式终止乐段结构,主部右手材料由m1与m2构成,m1是由一个二分音符与两个四分音符在中高音区,由二分音符的调式主音上行分解主和弦构成,紧接着下行六度跳进到由骨干音为调式导音与主音构成的m2材料上,m1与m2构成一个乐节。主部的左手部分是锯齿状的半分解和弦式的进行。紧接着第二乐节的一个高六度的非严格变化重复。 连接:连接是有右手一连串的由十六分音符为主的上下波浪式的音阶进行,在临近结尾时被冲淡成八分音符的分解和弦式进行,最后结束在属和弦上。 副部:部副一开始先是左手以十六分音符为主的颤音式进行,一直进行到17小节结束,而右手则是以八分音符与四分音符下行由属音分解和弦式进行到主音(G大调),然后紧接着围绕着主音做迂回环绕式的级进进行,最后停在调式导音上,然后紧接着两小节是前面两小节的重复,接下来的4小节织体变化为左右手交替呼应十六分音符分解和弦式进行,但是右手依旧保留了由属音下行级进到上主音的隐伏旋律进行,最后在一段快速的颤音中完满终止。 结束部:结束部主要是右手快速的十六分音符分解,最后完满终止于主和弦上。 展开部 导入:导入部分主要用了呈示部中结束部的材料,然后中途又采用了十六分音符的左右手音阶呼应式进行,分别在5个调上依次进行,最后闯入终止于F大调的主和弦上。 第一中心:在F调上严格再现了主部的部分,音区较之前整体高了纯四度。 第二中心:展开了连接部的材料,分别在F大调、C大调与G大调上进行。 属准备:属准备部分也是运用了连接部快结束时的材料,最后终止于G大调的主和弦上,等待再现部。 再现部:再现部是一个省略主部的再现部。 副部与结束部:较呈示部而言,整体都出现了调性回归,都在C大调上进行,最后完美终止于C大调主和弦上。

莫扎特钢琴奏鸣曲的演奏技巧分析与讲解

龙源期刊网 https://www.doczj.com/doc/0f14423867.html, 莫扎特钢琴奏鸣曲的演奏技巧分析与讲解 作者:宋佳琳 来源:《黄河之声》2017年第22期 摘要:本文通过对莫扎特的生平以及作品的简介,向读者展现了这位被公认为是音乐界 的旷世奇才的创作的一生,并深入的剖析了他钢琴奏鸣曲的音乐风格及演奏技巧。文中以莫扎特较有特点的广为流传的《A大调第十一号钢琴奏鸣曲》(K.331)为例,讲解了此作品在演奏中会出现的难点问题并加以详细的解决方法及练习方法,以点盖面,为广大的钢琴学者及爱好者提供了作品的练习的方式方法,有较强的指导意义。 关键词:莫扎特;奏鸣曲;音乐风格;演奏技巧 一、莫扎特的生平 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特,1756年生于奥地利,4岁开始学习钢琴,7岁便可以在欧 洲各国登台演出了,10岁已经开始尝试作曲,被人们称为“音乐神童”。 18世纪70年代,莫扎特接触到曼海姆乐派,这个时期的作品旋律轻捷明快,主调音乐风格已完全确立,高声部音乐线条十分突出,反映了曼海姆乐派对莫扎特的影响。18世纪80年代初期,由于当时的欧洲狂飙运动,莫扎特的作品受到了运动思潮的影响,因此,在他的作品中在内容忽然表现形式上出现了新的音乐风格和新的音乐要素,例如在奏鸣曲式的作品中,第一乐章,在呈示部出现了与第二主题,这第二主题又是是与第一主题相对立的音乐形象;在再现部中,有时也会做出与呈示部中对主题的不同的表达方式。在乐曲的第一乐章与第二乐章之间,会做出反差比较大的强弱对比写法,使音乐作品有较强的力度变化,充满了戏剧的风格与表现力,这也是“古典奏鸣曲式”进一步形成的重要标志。 莫扎特创作最后十年——维也纳时期,是他最重要的创作时期,他的歌剧作品题材和形式更加丰富,音乐和舞台更加完美的结合起来;在声乐作品中,加强了钢琴的伴奏的成分分,使歌声与琴声象融合得统一而不可分割。 二、莫扎特的钢琴音乐作品 莫扎特作为欧洲古典主义音乐家的代表,他在音乐的历史上占有非常重要的地位,他的钢琴奏鸣曲也是全世界钢琴演奏家所演奏曲目中经久不衰的音乐作品。莫扎特的奏鸣曲没有海顿和贝多芬的奏鸣曲数量多,但却有莫扎特独特的音乐风格与音乐体系。莫扎特的钢琴奏鸣曲为贝多芬和舒伯特的音乐风格奠定了基础,是十八世纪即兴表演艺术的精华所在,个性鲜明独树一帜。作品织体简洁、对位工整,旋律流畅自然,演奏时每一个音都必须精雕细琢,是钢琴演奏和教学的必修课。 三、莫扎特钢琴奏鸣曲《A大调第十一号钢琴奏鸣曲》(K.331)的演奏技巧分析

莫扎特传赏析

莫扎特传赏析 《莫扎特传》这部电影讲的就是这位大音乐家的故事。影片一开始便伴随着急促、充满焦躁与不安的旋律把我们带入一个风雪交加的夜晚,这一切似乎就在预示着悲剧的到来。一个面目丑陋的老头----萨列里,只能选择用自杀来结束自己无法忍受的痛苦与折磨,他的痛苦是因为他亲手害死一个真正的天才,为自己的罪孽而深悔不已。然而梦想一生都会受上帝宠爱的自己,在苟且偷生中目睹莫扎特的作品为世人所称颂流传时候,自己呕心沥血的作品却被人们渐渐的遗忘,这无疑对他来说更是一个沉重的打击。片子是以与莫扎特同时代的奥地利皇帝的御用音乐家萨列里为第一人称展开叙述的。当时,在维也纳,萨列里的地位很高,因此也很自负。可当萨列里目睹莫扎特的表演,特别是莫扎特听了一遍奥皇演奏由萨列里作曲的欢迎小品后,就流畅地复奏并以其中的乐句为主旋律随意地展开各种风格的变奏,让萨列里大为惊讶。在天才面前,他觉得上帝对他太不公。为了生活,莫扎特的夫人背地里拿着莫扎特写的乐谱去找萨列里,希望他能帮她的丈夫谋个差事。当萨列里得知莫扎特漂亮干净的手稿就是原稿而非复清稿时,他认为莫扎特是在上帝面前听写下来的。莫扎特在音乐上的天分使萨列里越来越不舒服,发狂似的嫉妒心终于使他下决心要毁掉莫扎特。萨列里收买女佣去莫扎特家做线人,了解莫扎特的一举一动。又在奥皇面前说出莫扎特的秘密,目的就是要看到莫扎特出丑和难堪。可是内心充满明媚春光的莫扎特,却总是让人不忍去伤害他。后来,萨列里抓住莫扎特生活窘困的软肋,化装成蒙面黑衣人到莫扎特家约稿,许以重金要莫扎特创作一部《安魂曲》。在生存压力面前,莫扎特无奈接受了这个预订。但莫扎特有一种预感,觉得是在为自己写《安魂曲》。最后,也许莫扎特自己预感到时光不多了,他让萨列里在自己面前也听写了一回,由他口授,萨列里记录,通宵未眠,完成了著名的《安魂曲》。当清晨的阳光射入屋子,天才死去,而嫉妒天才的人疯掉。这就是电影的结局。 不得不说,对于一个从小就登台演出,在鲜花和赞美中长大的莫扎特来说,生活和交际方面的无知与幼稚真是让人匪夷所思,他的笑声中都透着“肆无忌惮”、“狂放不羁”,让人很难去接受,就像是一个永远长不大的孩童。或许正是因为他的天真与纯洁他才能创作出那么自由完美的音乐。影片中有个片段令人印象非常深刻,莫扎特趴在球桌上一边把玩桌球一边创作音乐,而且影片自始至终都没有出现莫扎特在钢琴上作曲的画面,学过作曲的人都知道,作曲是一定离不开钢琴的,导演这样做就是为了向我们展示莫扎特惊人的才华。在现实中莫扎特的妻子曾在给朋友的信中这样评价莫扎特:“他作曲就像在写信”。电影里他自己也自信的指着头说:“一

莫扎特钢琴奏鸣曲

莫扎特钢琴奏鸣曲莫扎特所作的钢琴奏鸣曲,虽没有贝多芬般戏剧性的演进历程,却是利用当时新发展的奏鸣曲式作成的最精致最优美的音乐。奏鸣曲式的确立虽是海顿的贡献,莫扎特却敏锐地紧随其后,写出了比海顿更充实、更杰出的钢琴奏鸣曲。海顿晚年的作品,反倒调转过来,跟随莫扎特的轨迹写作。这两位天禀相异的作曲家,在同一时代中相互砥砺,为后起之秀的贝多芬铺起了一条坚实的康庄大道。莫扎特的音乐,与其说是“歌唱性”的,不如说是“歌剧性”的。聆听莫扎特的钢琴奏鸣曲,也同样能够感受到歌剧的影响:性格各异、无限丰富的主题完美地融为一个整体,这正是歌剧音乐的魅力所在。贝多芬在他的典型作品里对乐思的使用是高度节制的,甚至可以基于一个主题构造整个乐章(如《热情》);而莫扎特却从不吝惜他的乐思,美妙的旋律挥之即来,往往在呈示部中就出现了三四个主题,在展开部中更是常常引入新的主题。莫扎特在奏鸣曲式中使用的主题之丰富,在所有的作曲家中都是罕见的。如果说贝多芬通过双主题的对立斗争,着意表现人性中抗争和奋斗的一面的话,莫扎特则是通过多主题的表现手法,刻划人性中开朗乐观的一面,表现生活的丰富多彩。莫扎特的钢琴奏鸣曲大致可以分为早、中、晚三个时期。1777年

以前的8首属于早期作品,其中作者的风格已初露端倪,虽还略显稚气;1778至1785年的6首中期作品风格已趋成熟,表现手法更为丰富,内涵也更为深刻,其中著名的C小调幻想曲与奏鸣曲,悲剧性的境界堪与贝多芬的作品相比;1788年以后的晚期作品形式格外紧凑,并应用了主调和复调相结合的手法,具有高度的艺术性。莫扎特的钢琴奏鸣曲最初是为业余爱好者所作,因此并没有很高的技术难度。也许因为这个原因,很长的一段时间里职业钢琴家极少把它们列入自己的演奏曲目。本世纪上半叶,只有施纳贝尔等少数钢琴家公开演奏过莫扎特的奏鸣曲。然而这些作品的妙处并不在于技术。50年代俄国大钢琴家李赫特访华时,有人问他哪些作品难于演奏;在列举了几部作品之后,李赫特补充了一句:“还有莫扎特,所有的莫扎特都很难。”内在的深刻与外表的含蓄节制相统一,丰富的表情与分寸的把握相统一,这正是莫扎特音乐表演的困难之所在。钢琴奏鸣曲在他的作品里占有相当的分量,也都是不朽的传世之作。他的19首钢琴奏鸣曲的内容深刻、形式多样。主题形象生动丰富,流泻般的优美旋律充满魅力,可以看到典雅的维也纳古典风格的“歌唱性快板”。主题和副题的对比,虽没有贝多芬式的强烈个性对比,但发挥得也式很巧的。第

莫扎特歌剧分析

莫扎特歌剧艺术赏析 2007级商学系国际商务A班53号林淑云[摘要]莫扎特的音乐典雅秀丽,如同珍珠一样玲珑剔透,又似阳光一般热 情温暖,洋溢着青春的生命力。本文介绍了莫扎特歌剧的部分艺术特点,并且对其作品《费加罗的婚礼》进行赏析。 [关键词] 莫扎特歌剧音乐特点费加罗的婚礼 沃尔夫冈·阿玛德乌斯·莫扎特(1756~1791),奥地利作曲家,是维也纳古典音乐第2位大师。一提到莫扎特多数人都惊讶于他的音乐天赋,更对他早逝发出不平之鸣。十八世纪天空最耀眼的古典巨星莫扎特,其在音乐上的全能令人惊呼。提到前奏曲,我们想到巴赫;提到艺术歌曲,舒伯特则是代表;歌剧呢,有威尔第。但莫扎特,却完成了650多首作品,几乎写遍了各种类型的音乐,任何一类他都是个中翘首。 歌剧是莫扎特创作的主流,他与格鲁克、瓦格纳和威尔第一样,是欧洲歌剧史上四大巨子之一。他又与海顿、贝多芬一起为欧洲交响乐写下了光辉的一页。莫扎特的钢琴音乐是他创作中重要领域,主要钢琴作品,有20多部钢琴协奏曲,钢琴奏鸣曲20首,还有变奏曲、回旋曲和幻想曲等。他的《安魂曲》即为宗教音乐的杰出作品。莫扎特是欧洲维也纳古典乐派代表人物之一,他的艺术风格反映了18世纪末的时代精神。在莫扎特的以前,意大利歌剧风靡整个欧洲,德国乃至欧洲各个国家创作的歌剧音乐风格、体裁等都是意大利化的,演唱也是用意大利文,各个国家对意大利歌剧已经达到了膜拜的程度。莫扎特对此极为的鄙夷和愤慨,他曾表示写一部德国歌剧,这是他多年来最为炽热的愿望,可以从德国舞台上把意大利人的统治赶下去。确实如此,莫扎特为德国民族歌剧的发展作出了不可磨灭的贡献,被称为德国民族歌剧的奠基人。 欣赏了莫扎特的部分歌剧,如《魔笛》、《女人皆如此》、《唐璜》和《费加罗的婚礼》,我感受到他的歌剧的一些强烈的音乐特点: 1.莫扎特发展了重唱,并且以重唱来展开戏剧情节和作为音乐戏剧结构的基础。《女人皆如此》是达彭特与莫扎特合作的第三部戏,莫扎特根据该剧本写成的音乐,主题围绕在男女之间的信任,由于出场人物不多,且多是成双成对出场,在戏剧中充满许多各具特色的重唱曲,将人物的个性表现得栩栩如生,令人印象深刻。 2.歌剧中的人物性格突出,莫扎特除了赋予每个人物以不同的特征之外,还根据剧情的发展,使得每个人物在各个发展阶段和不同环境之中,有着不同的情绪和心情反映。以歌剧《魔笛》为例,塔米诺和帕米娜是抒情性的正派角色的形象,土耳其人奥期明的出现带来了异国情调、反映了喜剧角色的形象。萨拉斯特罗则

音乐鉴赏-莫扎特

比起《莫扎特传》我更喜欢影片的另一个译名《上帝的宠儿》,我们把"上帝的宠儿" 简称为天才,或者干脆就简称为莫扎特。莫扎特3岁起显露音乐才能,4岁跟父亲学 习钢琴,5岁作曲,6岁又随父亲学小提琴,8岁创作了一批奏鸣曲和交响曲,12岁就写了第1部歌剧,他无疑就是备受神的恩宠的人。 《莫扎特传》通过作曲家萨列里忏悔的角度来演绎莫扎特短暂而才华横溢的一生中在 维也纳度过的最后十年。这个我们凡人为之炫目的天才,他首先是一个男孩,倒不是 因为他直至散手人寰都年纪轻轻,而是他既便在世间的大部分日子里,他都只是会傻笑,会做狭地和女演员在化妆间滚作一团,会在大庭广众下毫无理由地"羞辱"他的对手,一个对他的前提也许是性命攸关的人——宫廷作曲家萨列里,萨列里这个角色承 载了整个时代的“庸才”们对莫扎特的钦羡、嫉妒、愤懑甚至加害。萨列里清楚地听到,甚至是看到神通过这个粗俗甚至看上去那么漫不经心的小孩说出的天籁。他奇异地发 觉竟然只有他看见了,他恐惧所有的人在那些刹那里都张开了眼睛。于是他诱导这个小男孩犯罪,他得意地发现莫扎特就是一艘可以轻易摆布的帆船,"好风凭借力",他 似乎可以让这个天才毁灭。他似乎可以伤害神在这世上的代言人。 萨列里所做的一切其实算是从另外一种角度诠释了天才是如何和这个世界格格不入的。 首先,天才服务的是万王之王,尘世间习惯于别人三跪九叩的君王几乎都会遭到天才 的藐视。因为天才会觉得在君王面前有坐位,可以对着君王平视并不值得额首称庆。他会从维也纳写信给父亲:"我还是怒气冲天……人们一直在考验我的'忍'。终于'忍'字 败下阵来,我已经不再是个'萨尔茨堡的囚徒'。今天是个值得高兴的日子,我终于自由了……",他再也无法忍受大主教的凌辱,毅然向大主教提出了辞职,成为欧洲历史上 第一位公开摆脱宫廷束缚的音乐家。但他从来没有想过,自由从来只在天上,地上匍 匐的凡人又知道什么叫做自由。 然后,天才的家庭还是凡人的家庭。他的妻子也许都不如他的仇敌知道他的可贵在什 么地方,她评判《安魂曲》和《魔笛》价值的高低只不过是前者预付了很多钱,后者 似乎赚不到什么钱;终其一生,她开始意识到她的莫扎特是天才,但她其实不知道她 的莫扎特何止是天才。 最后,如果仅仅认为莫扎特只是一个天才,那便是对他的极大不公了,正像他和《唐璜》的乐队指挥库查尔兹说的那样,“以为我的艺术得来全不费功夫的人是错误的。我确切的告诉你,亲爱的朋友,没有人会像我一样花这么多时间和思考从事作曲;没有 一位名家的作品我不是辛勤地研究了许多次。”但是,天才的身体尤其是凡人的身体。当萨列里安排的女仆都惊恐地拒绝不再做可耻的密探,由于她发觉夜以继日的工作让 她名义上的主人已经象鬼一样的旺盛,或者说象鬼一样的不可捉摸。当萨列里兴奋地刺出最后一剑的时候,他们都没有意识到,上天已经不想再与凡人分享他的宠儿了, 上帝的宠儿要回家了。

莫扎特音乐创作的背景分析

莫扎特音乐创作的背景分析 奥地利音乐家沃尔夫冈?阿马德乌斯?莫扎特(WolfgangAmadeusMozart ,1756—1791),三岁弹琴,四岁识谱,五岁开始作曲,小小年纪就名满京都,轰动全欧。这个百年难得一遇的天才,“满脑子是音乐”,被誉为“音乐的上帝”。上帝创造了万物,莫扎特则以纯正的心态,笼天地于形内,挫万物于笔端,在他短暂的生命中,以其旺盛的创作精力,向世人奉献了大量充满灵性的音乐作品,这在人类文明史上是空前的。 音乐艺术绝不是原野上一朵独自开放、孤芳自赏的野玫瑰。为了更深地理解、把握莫扎特的音乐,我们有必要揭示莫扎特音乐创作的种种背景。 一、时代背景 莫扎特生活在18世纪的欧洲,正是非洲奴隶贸易最猖獗的时期。因为美洲的土著印第安人数量有限,且由于杀戮已濒于被灭绝的地步,所以那里的甘蔗、烟草、棉花、咖啡和香料等经济作物的种植迫切需要大量的、廉价的奴隶劳动,为的是向欧洲提供更多的原料。所以奴隶贸易的规模直接影响到欧洲国家的兴衰。欧洲几乎所有在海上从事贸易活动的国家(如葡萄牙、西班牙、荷兰、英国、法国、普鲁士、丹麦、瑞典)都在非洲大陆参加了奴隶的贩运这项“贩卖人类血肉”的罪恶勾当。其残忍性,不亚于20世纪的奥斯威辛集中营。 18世纪中叶欧洲国家之间的七年战争(1756—1763年)爆发那年,莫扎特刚好出生。开战的原因是普奥争雄与英法争霸。童年莫扎特巡回演出开始于1762年,正是欧洲战争此起彼伏的混乱时期。 18世纪的欧洲,古希腊、罗马文明的面纱再度被揭开,特别是在被埋没多年的庞贝及赫库兰姆两座古城的重新发现和挖掘,掀起一股埋没和遗失已久的古典思潮,形成了一股新古典主义浪潮,这股新浪潮深刻地影响着艺术创作的风格。莫扎

莫扎特钢琴奏鸣曲全集

莫扎特钢琴奏鸣曲全集 《钢琴奏鸣曲》在莫扎特的作品里占有相当的分量,也都是不朽的传世之作。他的19 首钢琴奏鸣曲(包括一首奏鸣曲)的内容深刻、形式多样。主题形象生动丰富,流泻般的优美旋律充满魅力,可以看到典雅的维也纳古典风格的“歌唱性快板”。主题和副题的对比,虽没有贝多芬式的强烈个性对比,但发挥得也式很巧的。 第一乐章奏鸣曲式,莫扎特运用C.P.E.巴赫所创立的奏鸣曲式,但又有新的发展。加强发展部和两个主题见的过渡段。第二乐章慢板乐章,通常用行板或广板,ABA曲式。莫扎特的任何一个慢板乐章都是极高质量的精品。温暖、真诚、恬静。第三乐章大都是回旋曲或缩短的奏鸣曲式,洋溢着莫扎特独有的轻巧优雅。 莫扎特奏鸣曲的曲式都是较完整的曲式。他在发展部里发挥钢琴的技巧、重视两个主题间的连接段。海顿的奏鸣曲里第一主题和第二主题很像,但莫扎特的不一样,不只是调,性质上也不同。第一主题一般有两个动机,但在他以前的作家很少这样。第二乐章充分表现自己的内心,温暖、纯朴、光明。第三乐章一般纯真欢快。 这些钢琴奏鸣曲基本是3个乐章,规范、有个性、讲究。 No.1,K.545,C大调,简易奏鸣曲,学生早期应该练习,结构小,但很完美。 No.2,K.283,G大调是早期较吸引人的优雅作品之一,学生都要学习这首奏鸣曲。 No.3,K.330,C大调,莫扎特此时是完全掌握奏鸣曲得形式了,句法和内容如此完美。No.4,K.547,F大调。第一乐章的主题光辉,充满活力,像交响乐队的演奏。 No.5,K.279,给人以即兴的感觉。 No.6,K.280,F大调,真正莫扎特风格的曲子,是初、中级程度中比较好的一首。第二乐章用一点淡淡的复调手法。 No.7,K.332,F大调,优雅,适合演奏和教学,第三乐章较辉煌的快板。慢乐章用了大量的优雅装饰。 No.8,K.281,bB大调,第二乐章Andante和第三乐章Rondo是相当富于音乐表现力的。No.9,K.331,A大调,变奏曲,第一乐章是主题与变奏,第二乐章小步舞曲,第三乐章是有名土耳其进行曲。变奏曲和小步舞曲都是莫扎特较好的风格,第三乐章要用不可阻挡的精神,用钢琴弹出土耳其士兵乐队的效果。 No.10,K.333,bB大调是在技巧和音乐上都较完美的作品。吸收C?P巴赫的思想,融合在自己的作品里。尤其是第二乐章和声丰富。以上几首是他在曼海姆时期写的。以后6年没写钢琴曲,写了歌剧“费加罗的婚礼”。 No.11,K.309,C大调,第一乐章是很有精神的快板,第二乐章更接近Adagio的行板,第三乐章是回旋曲。 No.12,K.475,c小调,幻想曲,是由一个幻想曲加一个奏鸣曲组成,曲中的幻想曲是由一个由规律的奏鸣曲式的Adagio和一个发展部 分构成。 No.13,K.311,D大调第一乐章主题光辉,要用莫扎特得触键和语气,此曲经常用到。No.14,K.576,D大调,技术性很强的作品,演奏和教学必弹曲目。 No.15,K.284,D大调,第一乐章奏鸣曲式,经常作为教材用,第二乐章是有波兰舞曲性质的回旋曲,很难表现,第三乐章是变奏曲。以上几首是他在家乡萨尔茨堡创作的。 No.16,K.310,a小调,每乐章都是很好的天才作品除了幻想曲(K.475)和奏鸣曲(K.457)是小调外,这是莫扎特唯一的悲剧性的小调奏鸣曲。甚至在最后的Rondo都要以悲伤的触键,不要弹得太欢快。 No.17,K.533或494,F大调,普通三乐章。No.19,K.282,bE大调,此奏鸣曲以慢乐章开始,接着是小步舞曲和回旋曲,第二乐章的两个小步舞曲有巴洛克时期的感觉。 No. 20,K.457,c小调,幻想曲和奏鸣曲,尽管奏鸣曲是先于幻想曲两年完成,但在第一次正式出版时就放在一起了,也可分开弹,但有明显的连带精神。主题两个动机对比强烈,有贝多芬的气质。 No.21,K.570,bB大调,普通三乐章,用莫扎特轻巧、典雅的触键法。 如果简单分析一下莫扎特奏鸣曲的性质,第一乐章的主题简洁并洋溢着莫扎特特有的轻快优美的风格的有G大调(K.283),F大调(K.332),C大调(K.545),bB大调(K.333)和C大调(K.330)。3首D大调和F大调(K.547)第一乐章的主题光辉,充满活力,像交响乐队的演奏。另外,a小调(K.310)和c小调幻想曲(K.475)加c小调(K.457)时悲剧性的,优美隐藏着悲哀,表现了深刻戏剧性的作品。

莫扎特音乐赏析

古典音乐赏析---莫扎特 音乐,在日常生活中时刻伴随我们,音乐已经不知不觉成为我们生活的一部分,绝大多数人偏爱于流行音乐,它时尚,动感,充满现代的活力与气息。但是提到古典音乐,会想起一个现在很少提的概念 严肃音乐,容易让人产生误会,会认为是比较刻板,沉重的音乐,大多数人认为像这类的古典音乐年代悠久,离我的时代好遥远,比起古典音乐,青年人更喜欢听流行 音乐。一直以来,我也是抱着这种思想,以前我只关注流 行音乐,偶尔在电视上看到交响音乐会,听到古典音乐,只是匆匆扫过,只是觉得气势很磅礴,场面很壮观而已,对古典音乐只是些感性认识,比较肤浅。可是这学期,我 上了音乐赏析的选修课,我开始真正接触到古典音乐,深 入了解,欣赏并剖析。抱着欣赏与学习的态度,通过每节 课欣赏古典音乐,我渐渐对古典音乐产生了浓厚的兴趣与 强烈的情感。我发现古典音乐与我之前感觉的完全不一样,它是完美,优秀,经典的。要真正听懂古典,必须具 备一定的音乐理论知识和西方历史背景知识,这样才能更 理性,更深刻的认识,所获得的审美感受也会更高一个层次。 通过古典音乐赏析的课程,我有了巨大的收获。有人

说:建筑是凝固的音乐,音乐是流动的建筑。音乐是人类灵魂的艺术表现,从古典音乐中寻找精神寄托。在古典音乐赏析的课上,我对著名作曲家有了更深层次的了解,如“交响乐之父”海顿,“乐圣”贝多芬,“音乐神童”莫扎特,“歌曲之王”舒伯特,“钢琴诗人”肖邦,“圆舞曲之王”约翰·施特劳斯等等。对于著名的古典音乐更是欣赏至极,如约翰·施特劳斯:《蓝色多瑙河》、维瓦尔蒂《四季》、贝多芬《第五交响曲“命运”》、比才:《卡门》、莫扎特《g小调四十号交响曲》、巴赫《小步舞曲》、门德尔松《婚礼进行曲》、肖邦《E大调练习曲“离别曲”OP.10》等等 奥地利音乐家沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特(1756—1791),三岁弹琴,四岁识谱,五岁开始作曲,小小年纪就名满京都,轰动全欧。这个百年难得一遇的天才,“满脑子是音乐”,被誉为“音乐的上帝”。上帝创造了万物,莫扎特则以纯正的心态,笼天地于形内,挫万物于笔端,在他短暂的生命中,以其旺盛的创作精力,向世人奉献了大量充满灵性的音乐作品,这在人类文明史上是空前的。 下面我主要针对“音乐神童”莫扎特的音乐进行赏析,莫扎特的音乐甜美、细腻、华贵、含蓄、典雅活跃,富于歌唱性和古典美,风格明朗,旋律优美,结构严谨,突出

莫扎特音乐赏析(音乐鉴赏)

音 乐 鉴 赏 论 文 系别:电子与电气工程学院 专业:电子科学与技术 班级:109811 姓名:栗亚丽 学号:105090840048 指导老师:王侃

莫扎特音乐赏析 【内容摘要】 奥地利音乐家沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特(WolfgangAmadeusMozart ,1756—1791),三岁弹琴,四岁识谱,五岁开始作曲,小小年纪就名满京都,轰动全欧。这个百年难得一遇的天才,“满脑子是音乐”,被誉为“音乐的上帝”。在他短暂的生命中,以其旺盛的创作精力,向世人奉献了大量充满灵性的音乐作品,这在人类文明史上是空前的。莫扎特音乐艺术的古典风格源自新古典主义浪潮的影响,犹如古希腊、罗马的建筑艺术风格一样,崇高、庄严、静穆,且华贵、典雅。莫扎特在乐曲中营造出一种心旷神怡的优美氛围,靠直觉来表述自己内心对阳光、月光和星光下的世界人生的种种印象,具有对称美和稳定的和谐美。 【关键词】莫扎特音乐天才欧洲文明创作艺术 【正文】 莫扎特音乐的本质和灵魂是启蒙。简单易懂的莫扎特音乐语言发展,亦与18世纪启蒙运动的思想密切联系。莫扎特应用简单易懂的音乐语言符号,采用奏鸣曲曲式,运用不同主调之间对立与平衡的全新表现技巧,在短短的29个春秋寒暑一共创作出了626首曲子。这是上帝专门派来赐给人类的如珠似玉的旋律。 莫扎特自六岁起,直到临终,他都是一个疾病缠身的人。也许,没有疾病的痛苦,就不会有深沉的音乐产生。莫扎特的音乐创作生涯都是在疾病缠身的煎熬和拼搏中度过的。疾病所造成的痛苦并没有把他推向颓废的泥潭,走向厌世和悲观主义,相反倒促使、刺激他跑到音乐艺术世界去寻找出路,用旋律、节奏以及和声的语言诉说其生存状态,描述其人生的根本处境,从而得到解脱。在《D大调第五钢琴协奏曲》中,活跃、开朗,有朝气的第一乐章是他对生命的一首赞歌,而在慢乐章的展开部出现了沉思的段落,这是他祈求上帝使他正确对待疾病的一段内心独白。

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