浅析雷诺阿绘画的艺术特色
摘要
雷诺阿是法国印象画派著名画家和雕塑家。他是第十九世纪法国印象派绘画的代表人物之一，且运用灵动的笔触和模糊轮廓线的方式来描绘出一幅幅经典的作品。雷诺阿作为印象主义四大巨匠之一，把一生都献给了艺术，就如他所说的:画画能使我快乐。他将传统技法与印象派技法相结合，他把光和色作了完美的结合，他一辈子都追求于完美中的不完美，他天性乐观，坚韧不拔的精神值得我们学习。
关键词：印象派；雷诺阿；艺术特色
Abstract
Renoir is a famous French impressionist painting painters and sculptors. He is one of the leading figures in the 19th century French impressionist paintings, and the use of clever pen and fuzzy contour lines to describe the elegantly classic works. Renoir as one of the giants of impressionism in four big, the whole life to the art, as he hath said: drawing can make me happy. He combines the traditional techniques and impressionist techniques, he made perfect combination of light and color, in his lifelong pursuit to perfect is not perfect, his nature optimistic, tenacious spirit is worth our study.
Key word：Impressionist;Renoir;Artistic features
目录
TOC \o "1-3" \h \z \u HYPERLINK \l "_Toc391669799" 摘要 I
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前言........................................... . (1)
HYPERLINK \l "_Toc391669802" 一、印象主义的产生1
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三、分析雷诺阿的艺术特 (3)
（一）饱满的构图 (3)
（二）鲜活的色彩 (5)
（三）炫目的光线 (7)
（四）独特的技法 (9)
四、雷诺阿绘画艺术的影响 (10)
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前言
印象派绘画如今在艺术届拥有不凡的地位，这是印象派画家们经过数年乃至数十年的创作、研究、突破、再创作……才有今天的成就。雷诺阿的绘画以日常生活为主，也因此受到许多人的喜爱，他经过极多次绘画实践才对光和色运用自如，他还通过光和色分析明暗关系。他画的花草树木到人物建筑都充满了阳光，他用华丽的色彩描绘出美好的事物，他把自己的一生都奉献给了绘画艺术，绘画就是他生命中最重要的事情，他对绘画的执着给后世的影响极其深厚。作为印象派代表人物之一的雷诺阿，他始终在平凡的世界中发掘美好的事物，表达了对美好生活的向往。本文将雷诺阿的艺术特色作为分析和研究的重点，从而对后世的影响。本文共分为四章，第一章简单说明印象主义的产生和发展；第二章阐述雷诺阿的生平事迹；第三章从构图、色彩、光线、技法四个方面来分析雷诺阿的艺术特色；第四章总结雷诺阿艺术特色对后世的影响。
1、印象主义的产生
印象主义爆发在19世纪60年代的法国，也称印象派，又称为“外光派”，是西方绘画史上拥有划时代意义的绘画流派之一(javascript:;)[1]。
绘画自十六世纪以来威尼斯绘画注重光与色的描写。充满了阳光和空气的英国山水画大师特纳和警员的作品，浪漫画家德雷克的宝藏，他开始在他的绘画与温暖的色彩和强大的笔触，德拉克洛瓦后来的作品提供了一种对印象派的色彩和绘画技巧的理论论证，他们称他为“印象派画家打开“窗帘；巴比松画派的柯罗、米勒与卢梭抛弃了传统画室、走出画室的理论，把自己的画架移到室外画他们身边的景物，为印象主义画家开了先河；写实画家库尔贝的画中仍旧充斥着阳光，有人称他是"印象派之父”，在所有这些大师们的造诣探寻之上，必定发生印象主义画派[2]。1874年4月，很多艺术家在法国巴黎歌剧院四周举行举办了一次"无名画家、雕刻家、版画家协会”的联展，莫奈的印象日出，这是由记者作为印象派画家的展览报道，被攻击的学院，评论家称之为“印象派”，印象派的名称由此诞生[2]。
印象派绘画在这一时期收获丰硕，同时也出现了一些印象派大师，他们创作了许多经典作品，如莫奈的《草地上的午餐》、莫尼特的《日出印象》，德加的《舞蹈课》，雷诺阿的《沐浴者》，等等。
印象派绘画的出现体现了艺术家摆脱传统的愿望。他们擅长察看并再现大自然，捉拿闪烁的生活和颜色，同时也表现了真正存在的现代性，为世界打开了新视野和新道路。
二、雷诺阿的生平
1841年，雷诺阿出生在利摩日的一个穷裁缝的家中，4岁时全家迁居巴黎[3]。
雷诺阿不仅能画一手好画，而且在音乐灵域也十分出色，曾被他的音乐老师著名作曲家古诺吸收进教堂合唱队。由于家境贫寒，家里无力支持雷诺阿继续学习，在13岁时被送进瓷器厂当学徒，为工厂画瓷器，家人为此很高兴，因为他可以养活自己了。雷诺阿画图时那灵活纤巧、轻如羽毛般的笔触，让他在工厂里得到一定的评价[4]。下班后，雷诺阿用自己的钱来提高自己的艺术修养，开阔视野，雷诺阿经常去卢浮宫看那些艺术杰作，画一些古代雕像的素描。然而自从泛起了机械磁器后，雷诺阿的工作量大为削减，就时常为少许特别的定货绘画。不久之后，瓷器厂倒闭了，雷诺阿失业了，但他在一家工艺车间找到了一份工作。这段期间他对华托、布歇等洛可可回家的画作产生了浓郁的乐趣，雷诺阿经常将他们的画复制在扇面上[5]。
随着对绘画的进一步了解，雷诺阿决心要当画家，为此还参加了绘画夜校，但是还需要攒学费，他便为巴黎的二十多家咖啡馆的墙壁上画装饰画，经过几年的努力工作，于1862年，雷诺阿到当时有名的巴黎美术学校格莱尔的画室学习画画，结识了莫奈、西斯莱、巴齐依，并成为了好朋友，这对他今后艺术成长起了举足轻重的作用[6]。他们对这位学院派的老师评价并不高，认为老师的优点就是提供了自由的行动，话少之类的。在学习画画期间，雷诺阿的生活十分艰苦，几乎连绘画的颜料也买不起。或者因为他的那句“画画能使他感到快乐”才坚持的吧，这是他与格莱尔教授所说过的话。据他弟弟后来回忆说，他在外面总是沉默寡言、闷闷不乐的样子，可是一旦画起画来，便立即生龙活虎、容光焕发。
1864年，由于巴黎美术学校的改组，所以格莱尔画室停办，后来，他与莫奈、西斯莱这些年轻画家们走上了自学、自创的门路。他们一起相约到巴黎南郊的枫丹白露森林去写生，有一次遭到别人取笑时，还受到巴比松画派的画家狄亚兹指点。1866年，雷诺阿在《西斯莱和他的妻子》、《阿尔及利亚妇女》、《在安东尼大娘的旅店里》这些作品中确立了自己的绘画风格。雷诺阿仍然把画拿到沙龙展出，但是沙龙不理柯罗和杜比尼的干涉，拒绝了他的画。他仍旧不灰心，和莫奈一起画巴黎街景，与巴齐依一起住，过着拮据的生活。在1868年终于看到了一点希望，沙龙接受了他在枫丹白露森林里画的《丽丝》，受到布丹的赞赏，后来画了西斯莱及巴齐依的肖像画，马奈非常欣赏他的巴齐依肖像。这让雷诺阿对画人物更加痴
迷，以致后面的人物作品多而美，留下了一幅幅经典的画作。
1869年，雷诺阿和莫奈一起到布吉瓦的一个水边度假村的青蛙塘写生，通过莫奈的指点创作了《青蛙塘》这幅作品。在那里他们试图解决在有阳光照耀和阴影的风景里画人的方法。在画中，雷诺阿试图通过画笔记录大自然给他的瞬间印象，这幅画也成了他迈入印象主义的“门槛”。他们的这次写生催化了印象派美学的发展。然而，有人认为印象派过分的强调色彩，却对线条、技法的表现不足。。由于印象派跟传统的绘画风格以相反的方式存在。1870年，雷诺阿参加士兵选拔，在波尔多、比累内等地驻扎，被编入胸甲骑兵队。普法战争结束后，他回到了巴黎。巴黎有他的朋友们，况且爱好喜好绘画的人多，需求大，市场也大，能够随意摆弄各种样子的模特，这个期间，雷诺阿的绘画风格逐渐老练，形成了一种柔美精致的风格。在1874年举行的印象派画家们第一次联合展览会上，雷诺阿展出七幅画作，有《包厢》、《舞者》等作品。还与开依波特建立了友谊。这个时期，很多画家都因为温饱问题选择远走他乡和归隐田园，雷诺阿却毅然决然的留在了巴黎，但也过着跟刚开始出来画画时候的日子，就是因为巴黎有他喜欢的地方。这个时期，雷诺阿卖出十幅作品，每幅作品一百法郎，也让对他作品感兴趣的人看到了商机。在1876年第二次联合展览会中，雷诺阿展出了十五幅作品，其中就有他的经典之作《煎饼磨坊的舞会》、《秋千》。雷诺阿把那种乐观、积极向上的能量表现在画面上，让人印象深刻、流连忘返。此时，他的绘画风格趋于成熟。1880年以后，雷诺阿自称已经“走到印象主义的尽头”而试图回到以前，也没有完全放弃既成的风格，他渐渐的对文艺复兴时期和学院派的艺术风格有了新的认识、新的发现，认为自己的风格应该做个改变，而不是一味的追求光的表现，忽略了其他的东西，比如结构问题。此后，他的作品风格变得越来越单一性，且更注意形体轮廓的问题。他借鉴了安格尔的技法，改变原来的表现手法向传统的表现手法前进。他试图摆脱印象派的影响，尽管此时印象派绘画逐渐被大家认可。1882年，雷诺阿迎来了人生新高峰，他和一个年轻美丽名叫的阿丽丝·夏里加的女孩结婚了。3年后，他的长子出生，温馨的家庭给他宁静的感觉，这个时期的作品也是充满着甜蜜，因为喜欢上用暖色绘画，他深爱着妻子、孩子，觉得特别的幸福，也给妻子和孩子画了幅素描《母与子》，画面上的母亲对孩子浓浓的爱意，以及孩子幸福的笑脸，让他感觉生活如此美好。
1889年48岁的雷诺阿患有关节炎和风湿病发作，他的绘画生涯是关于登封的，疼痛使他感到身体是革命的资本，病痛折磨让他不得不坐上轮椅，但这也阻止不了他要创作的心，看着眼前年轻丰腴、圆润饱满的模特，创作了他跟前期完全不一样的女性形象。这时期他所描绘的人物无论是女人还是孩子，都是鲜活、饱满的，作品总是呈现出充满生命的力量，色彩以暖色调为主。1900年后，雷诺阿的身体每况愈下，使他早年优美细腻的风格逐渐转变，用色越发饱和大胆，笔触也越发夸张狂野。晚年的轮椅生活也让他喜欢上了雕刻。
1918年完成的作品《欲女》，也是在困苦的情况下画出，为了创作，雷诺阿叫人将画笔绑在僵硬的手上作画，当他看到卢浮宫里挂着自己作品的时候，露出了欣慰的表情，欣慰自己有生之年看到了自己绘画生涯的成果，自己的作品还与年少时临摹过的古典大师的作品悬挂在一起。1919年，78岁高龄的雷诺阿与世长辞，直到他逝世的前一秒，手上还绑着画笔，走完这充满意义的一生。他留下的一幅幅经典的画作，以乐观、积极向上的精神来表现出他平凡中的不平凡。
三、分析雷诺阿绘画的艺术特色
（一）饱满的构图
1870年后，雷诺阿的印象派绘画风格逐渐形成，《包厢》便是风格形成的标志。雷诺阿的《包厢》在构图上，画面只截取了包厢的一角，把女士作为画面主体，以后边男士为背景来刻画，雷诺阿精心的设计了女士从脸部到服装的各个细节，笔触时而优雅、时而厚重。经过构图的高明安排，让黑与白对比猛烈的颜色在画面上形成圆满的协调。
《煎饼磨坊的舞会》这幅画的构图是让人看起来有种饱满而有层次感的作品，整个画面描绘的是巴黎的一个露天舞会。雷诺阿想生动地展示阳光对旋转人口的影响，还把画面分成远景、中景、近景三部分来刻画。然而他是使用了极其大胆的手法来画这幅画的，前面坐着的那位女士脸部上半部分是处于阴影中的，阳光只照在她嘴以下的身体，雷诺阿用粗放的笔触画出她那明亮的服饰，画面越往后人物越显得暗沉，通过这样巧妙的构图让观众第一时间就能看到雷诺阿像要表达的意境，画面也不显得“拥挤”，从这幅画来看，他的构图进步不小。
图1.1《煎饼磨坊的舞会》
与《煎饼磨坊的舞会》相比，《船上的午宴》的人物在描绘上更为细腻逼真。我们可以通过画面中的人物三三两两的在一起有吃有喝有说有笑，画面色彩交错有致而又韵律感极强，使这幅画的构图疏密有致、层次分明，给人清新脱俗的感觉。
图1.2《夏潘蒂埃夫人和她的孩子》
雷诺阿的绘画风格逐渐成熟，《夏潘蒂埃夫人和她的孩子》这幅肖像画用华丽的室内装饰来衬托出贵族夫人和两个天真的女儿。这幅画的构图给人一种轻松之感，没有以前的拘谨。妇人坐在孩子们的右边，悠闲恬适地注视着两个女儿，一个乖巧的端坐在母亲身边，另一个则坐在一条大狗的背上，狗默默的趴在地上任小主人放肆的坐着，孩子的纯真表情描绘得极为生动，整个画面充斥着一种富裕家庭所特有的天伦情趣[7]。
雷诺阿的绘画作品《浴女》的构图是最成功的构图之一[8]。在这幅图上人物的姿态各有不同的构图却有一种统一感，不同的变化产生了空间感。既没有纯线，也没有物理张力。雷诺阿在创作过程中加强了素描的部分，强调完整的形体和流畅的线条在画面上层次感丰富，透明的颜色和高光堆成的厚色形成对比。
雷诺阿的《大浴女》，画面构图用严谨的古典造型手法和四周环境的印象派的画法对比，给人一种奇妙感[9]。这种改变正是因为雷诺阿他改变绘画风格——安格尔的古典风格。他非常关注绘画的素描效果，强调人物线条的流畅度，转变风格之后的绘画风格变得单纯简练、构图紧凑平衡。
在与印象派决裂之后，雷诺阿呈现出一个大家前所未见过的形象，弥合了众多观众心中两个世纪之间的分歧。1892年完成的作品《岩石上的浴女》，极其受欢迎，笔触自由，人物姿态和构图深受18世纪流行图像水泽女神的启发。
（二）鲜活的色彩
色彩在绘画中是很要紧的角色，影响观众的心境与感觉的最直接成分。画家都是通过画布上的色彩和形式来诠释大自然给我们带来的快乐，雷诺阿的绘画展示了人们不仅喜欢塑造大自然，还非常享受这种乐趣。并且雷诺阿的绘画以描绘具有空气感的色彩表现著称。
雷诺阿的《包厢》，表现出他早期作品的优雅、细致，精心的处理人物的各个细节，精细之至，颜料的厚度有薄、有厚，相互融合，呈现出丰富的色彩。主体色调由黑、白、玫瑰色构成，把黑色运用得刚刚好，舞台的灯光照射过来，显现出妇人的容颜更加明艳和柔美，构图和色彩的结合，使画面效果有了丰富、丰富的美感，又增添了视觉美感，衬托出了一个活泼的氛围。
图1.3《包厢》
《秋千》这幅作品是雷诺阿还处于印象派画法期间创作的，画面以冷色调为主，不同层次的黄色、绿色、蓝色点缀着画面，人物服饰的蓝色与树木的阴影色蓝色相呼应，左边戴黄色帽子的三人与右边的少女的棕黄发色以及背景树叶的颜色相比较，使得画面看起来没那么单调，使人忽略了以模糊轮廓线描绘的人物。同一时期的《弹钢琴的年轻女子》这幅作品以黑色钢琴和白色长裙形成强烈的视觉效果，这种强烈的色彩对比更加突出人物弹钢琴时的专心致志，雷诺阿把人物发色和背景、地板以及墙上的装饰物也进行了对比，在黑与白之间显得格外好看。
图1.4《秋千》
雷诺阿的代表作之一的《煎饼磨坊的舞会》，也让人看到沉浸在绚丽的色彩中难以自拔，他服从于一个快乐的主题形象和色彩，适当地显示出光与色的结合，组成一个真实、多变的整体效果主要颜色是蓝色和绿色。光和光对人物面部的影响是明显的，充满了光和色彩。阴影是蓝色的，明亮的是红色的。作为一个整体，印象派画家组合维持光和颜色。阴影是蓝色的，明亮的是红色的。作为一个整体，印象派画家组合维持光和颜色。
1877年的《船上的午宴》这幅作品，体现了法国十九世纪中期到晚期的社会变化。这幅画画面色彩明亮，雷诺阿采用冷暖相结合的色彩来调整布局，前面的景由大块白色桌布将画面调亮，背景以淡黄色来暖化整个场面，在白色块服饰和温暖的黄光下产生变化，最靠前的白色桌布与最右边的男子衣服、左边妇人旁边站立的男子衣服以及背景中的少许白色相呼应，但又有所不同，画中人物的服饰之类，色彩错落有致，前后空间，色彩搭配得十分动人，十分美妙，所以人物都着深蓝、白色或者米色的服装，更突出他们的肤色。
图1.5《船上的午宴》
作为一幅山水画的《亚都斯嘉丽塞纳河》，运用色彩效果，展现瞬间色彩变化的效果，轻松的笔触令人印象深刻。肖像画《维多·肖凯像》、《夏潘蒂埃夫人和她的孩子》，作品的特点便是画面颜色的纯净与透明，令人为其愉悦的情调所感动。
在雷诺阿风格的后期往往是安格尔和他的作品，他的作品的风格，《伞》的基调，这是受其影响，画中采用了蓝色和紫色色调为基调，画的主体调在形成一个“蓝”在形成一个“蓝色”和“紫色”，让画面充满节奏感。画面不再是之前的即兴感，多出一丝刻意的安排和装饰性，使整个画面场景显得热闹非凡。
《睡着的妇女》是1897年画的，画面上的女士色彩鲜艳，而且变化微妙，皮肤细腻细腻，女士感觉良好，坚强完整，给人一种连贯感。雷诺阿在人体绘画方面颇有成就，形成了独有的特色。他用明亮的暖色调来描绘女性，尤其是她们的裸体。
（三）炫目的光线
光赋予了人类生命，而雷诺阿给了光另一种生命形态。因为有了光才有这五彩斑斓的世界，光通过照射分解，我们才能看到这多彩的世间万物[3]。光线不光是那时的艺术家办理造型的方法、体现自然的东西，并且仍是表现艺术家主观情感的重要因素。
雷诺阿在创作《青蛙塘》时，通过莫奈的提点以及他们的研究、实践，他们发现了后来举世闻名的印象主义艺术的秘密——物体影子的色彩并非我们通常所想象出的黑色或者棕色，而是环绕在周围的物体反射出来的颜色，这种效果现在被称为漫反射。他在作品中着重表现水与倒影的关系。作品画面笔触松散、简单，使用明亮的颜色，试图捕捉到太阳光照射到树上和水面波光粼粼的效果，是印象派画家描绘水面效果的共同特点。
图1.6《青蛙塘》
雷诺阿在1870年代创作了一系列以都市为题材的作品，其中一幅画作《新桥》，反映出城市生活的喧嚣活力，以及从过去到现在所发生的变化。雷诺阿在画中描绘的城市，是一个光线充足的大都市，充满了视觉上的效果。利用色彩与光线的结合描绘出现代都市那充满活力感觉。
雷诺阿喜欢在阳光下作画，他对空气的追求，对光线的感觉非常强烈，他感受到阳光照射在人物身上，通过人体的光色、光影、光色来表现魅力。1875年创作的《半身像·阳光的效果》这幅作品，充分展现了他运用外光的效果。画面以鲜明的色彩表现出一种在阳光和空气的明朗气氛，给人一种全新的视觉感[5]。
1876年的《阳光下的裸女》，呈现出印象派色彩对女性裸体的具体表现[10]。雷诺阿在外写生的时候研究出自然光与色的关系之后，把模特安排在阳光照射的树丛下，阳光透过树叶的缝隙照射在模特的皮肤上形成斑块。他利用这种光的律动体现色彩的不同，从而达到明亮、
真实的色彩效果。印象派画家发现物体的色彩受阳光和周围环境光色的影响而产生变化，阴影也是有颜色的，阴影的颜色是光色的补色[11]。《煎饼磨坊的舞会》这幅画，雷诺阿也使用了这种光影效果来描绘热闹非凡，色斑跳跃，人物拥挤的景象，雷诺阿还通过光线来区别近景与远景的人物表现。
图1.7《阳光下的裸女》
《米勒小姐像》这幅画以黑色为背景，衬托出画中少女金黄的头发在光线的照射下散发出艳丽的光泽，因为光线照射的原因，少女整体是以暖色来刻画的，与背景形成强烈对比。少女这时处于一个放空状态，眼中有丝丝忧郁、哀伤。
雷诺阿根据前辈的研究，认识了“纯粹风景画”的意义——是没有人物出现的纯粹风景画，恰好是莫奈、雷诺阿他们这一代艺术家进行实验的结果。而雷诺阿创作的纯粹风景画，极为注重单纯的绘画因素，例如，光线在不同时间和季节中的表现，相互融合与影响，鲜亮的色彩，短促不连贯的笔触在画面上一再出现，任何事物或者画面背后的故事则慢慢淡出关注焦点。
（四）独特的技法
在印象派画家中，雷诺阿是一个注重传统和技巧的画家。透明画法是一种油画传统的表现手法，多用于人物形象的描绘。雷诺阿把传统技法和印象派技法相交融，应用科学的色彩原理来表现形体的明暗、空间和质地，把人物形象刻画得非常美丽动人[11]。
雷诺阿早期的肖像画《罗曼·拉柯小姐》，画面中的是一个身着华服且端正坐姿的可爱的女孩子，背景是蓝粉色。雷诺阿用写实的绘画手法来刻画人物，尽管对这幅肖像存在着各种不同的看法，它不能被归属为某一个画派风格的作品。
图1.8《罗曼·拉柯小姐》
《西斯莱和他的妻子》这幅画我们可以很明显的看出他运用前实后虚的绘画手法，通过各个部分的颜色关系来处理人物的形体，使观众看过之后感受不到之前古典派、学院派的死板，给人一种轻松愉悦的视觉感[12]。
雷诺阿早期追求于捕获新颖的色彩和瞬间的转变，注重光色和阴影的作用。雷诺阿的《青蛙塘》就是以自由的手法表达了自己瞬间所感。其中还有《包厢》也是印象派时期的作品，展出于印象派画家第一次联展上，比较有代表性。这幅画作刻画了包厢的一角，画面以一年轻女士为主，女士的肤色和高色调的鲜亮度和服饰的比较，都衬托出女士的清新形象和丰腴的身体。雷诺阿以虚拟背景为背景，后面有一个人，两个人物在图片前后使用空间恰到好处。采用比较强烈的对比手法，微妙的变化，将妇人的整体性刻画得刚刚好，后边的男子采用比较暖、暗、虚的手法来描绘，突出前面妇人的青春活力，起到很好的衬托作用。
1880年代中期，雷诺阿与印象派的关系破裂，他将一种更加中规中矩的技法，更加考究的构图形式运用到肖像画与人物画之中。雷诺阿的作品《伞》画于1881年，那个时候雷诺阿已经开始渐渐脱离印象派绘画风格，所以这幅作品没有之前的那种色彩，而是以素描的形式完成。雷诺阿描绘了春雨绵绵的巴黎街角，他采用重叠的方法，不同方向的弧形雨伞和整个色调显得格外浓郁大气，画中的景物，让画面顿时变得拥挤起来。
有如雷诺阿的经典作品《大浴女》，画面几的女性柔润光滑而又富有弹性的皮肤，婀娜多姿的身体，充满着年轻、青春的活力与朝气[5]。雷诺阿以转变后的古典主义手法来表现出三位女性特点，她们自由自在，无忧无虑，天真浪漫。此时，雷诺阿的绘画技法到达巅峰，由于1881年的意大利之旅，让他看到了拉斐尔等文艺复兴时期的巨匠们的作品，让他更为笃信，他以前走的路是不准确的。此后，他开启了“安格尔”道路，他就非常关注素描效果，强调人物线条的流畅性，这时的绘画风格变得单纯简练，构图紧凑平衡，雷诺阿尝试着早期的古典主义风格。
图1.9《大浴女》
四、雷诺阿绘画艺术的影响
雷诺阿没有因为疾病的困扰而放弃对艺术的执着追求，坚韧不拔的信念影响着我们，他把自己对待病魔的乐观、积极向上的精神带到了画中，他那独特的艺术手法创作出一幅幅传世之作，他把传统技法跟印象派技法相结合，所以他的作品都是温暖的、不谙世事的人物画。他笔下的女性、小孩、花草都充满活力，还被称为女性肉体的赞美者。他把全部的热诚都付诸于笔端，令人感动。
印象主义绘画对当今艺术界产生了深远影响。徐悲鸿非常重视物体写生，认为印象派绘画的取景、用色、写实值得学习和借鉴[13]。林风眠则是看重印象派画家改革一个艺术时代予以赞赏。吴冠中把中国传统艺术与欧洲油画相互融合，力图探寻中国画的革新。
结语
印象派绘画如今在艺术届拥有不凡的地位，中途经历过许多的挫折，但是皇天不负有心人，也许正是因为前期的经历才换来后面的精彩。人生，不就是这样么。雷诺阿作为四大巨匠之一，毕生致力于绘画事业，他画中的大自然生机勃勃，鲜花美丽芬芳，女人丰盈动人，小孩天真烂漫，因此他的画深受着全世界的艺术爱好者的喜爱。雷诺阿的坚韧不拔，乐观，始终如一的在平凡的世界中发掘美好的事物，表达了平民所想，是我们值得赞赏和学习，他的成功与他的乐观积极的心态跟努力不无关联，如今，他的绘画风格与技法成就了许多艺术家。参考文献
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浅谈原始艺术对现代绘画艺术的影响 摘要：原始艺术是艺术史的开端，它的造型语言古老，朴拙，抽象，充满神秘的魅力，让人们好奇和向往，尤其对现当代绘画艺术产生了重要影响。不论从形式语言还是精神内涵上，原始艺术都给我们现当代艺术创作与发展提供了灵感和启发，包括野兽派、立体主义，中国画艺术等，他们都在用自己的方式重新演绎原始艺术精神。 关键词：原始艺术；现代艺术；岩画；水墨画 随着考古学和科学技术的发展，越来越多的原始艺术呈现在人们眼前，引起人们广泛的兴趣。原始艺术是人类最初的思维活动，经过漫长的发展，它的艺术特色鲜明，形成了独有的原始语言，不论从形式还是精神上，对各个时期的艺术影响都非常巨大。本文将从原始艺术的特点，对现当代艺术的影响，艺术创作应怎样融入原始艺术精神为切入点进行探讨。 一.原始艺术的特点 “原始”这个词最早出现于19世纪的一个术语，是19世纪初至二十世纪末流行的一种艺术趋势。原始艺术形成于人类早期发展阶段，它最大的特点是史前艺术与现代社会文明程度平行发展，对西方传统艺术的创新起到了革命性的颠
覆作用。原始艺术普遍具有粗犷，质朴，单纯的特点，充满了野性和生命力，有着极其简洁的线条和浑然天成的色彩，不讲究构图和立体，无论哪一个事物，他们都从它最具有特性的角度去表现，感性的积淀是原始艺术最本质的东西。由于感性大于理性，精神盖过物质，它便古拙，纯粹。古代和现代的各种艺术都是在原始艺术的基础上发展而来的，不同地区呈现不同的特点，人和自然的和谐统一是其最大的共性。 二.原始艺术对现当代艺术的影响 原始艺术可以称得上是西方现代艺术的“范本”。西方的艺术自古希腊到19世纪上半叶，基本上是亚里士多德提出的“模仿论”占统治地位，一直到20世纪初，人们开始把直接表现自然形态转化为通过艺术家的大脑展现艺术形态。一方面，从各个民族，各种艺术类型相互借鉴；另一方面，回归历史，学习研究艺术的起源――人类童年的艺术。原始岩画带给艺术家们新的造型形式语言，打破了传统的三维空间，抛弃了理性的焦点透视，把富有立体感的画面变成了一种平面装饰。法国19世纪末出现的“野兽派”就是深受原始艺术影响的结果。西方现代艺术的奠基人塞尚、高更、梵高、马蒂斯等均受原始艺术的影响，从中吸取营养，激发创作灵感。 马蒂斯是19世纪法国野兽主义绘画的杰出代表，他对
浅析卢梭的绘画艺术特色 摘要 本论文从分析西方画派一巴比松画派状态出发，结合巴比松画派的绘画艺术特色和代表艺术家的思想理论及艺术表达，阐述了巴比松画派绘画艺术在时代发展中的重要性，以及巴比松画派卓越代表艺术家卢梭一生的绘画艺术特色。说明了新时代艺术发展应用西方卓越艺术特色的要求，同时，提出用思想解放的真实性、自然性、写实性。表达出更高的艺术成就。 论文中以法国巴黎南部的一个小村子一巴比松为研究背景，提出了在艺术追求与发展中风景创作与思想超脱相结合的特殊性、重要性。之后，文中介绍了巴比松画派的代表艺术家一卢梭一生中的艺术创作与环境，结合自身思想，以及巴比松画派的画家群体超脱的艺术生活，每个时代都有它的先知。卢梭被大家称作艺术的先行。他完全靠着自己的本能作画，他认为创作者必须获得完全的自由才能在思想上达到美与善的境界“（亨利?卢梭自语）。然而画者最高的追求就是心灵上的自由。他只是坚定的守护着自己的艺术灵感。这种艺术特质是人人都应该拥有的力量。当然，他为了有一个自由的心灵，也为此放弃了很多。最后，这篇文章主要阐述的是巴比松画派自身所拥有的独特风格。并且与现代绘画艺术相结合，表达出其独一无二的创作手法、画面内涵，他无论是在笔法还是形式中都对风景画产生重要影响。希望通过本论文的相关观点能够为现代绘画艺术的成功运用提供参考。 关键词：巴比松画派；卢梭；绘画艺术特色。 引言 本文将巴比松画派与巴比松画派卓越代表画家卢梭一生的绘画艺术特色进行收集、比较、鉴赏。并结合当现代绘画艺术创作的特色与风格进行多次比较，在比较中印证。通过对巴比松画派的历史背景与画家卢梭创作的艺术形态的审美共通点，对其绘画艺术特色形成的原因及LI的、影响和对当今现代绘画发展给予了新的启示。 LI前，就国内外已有诸多学者开始对有关西方风景代表画派一巴比松画派及 其绘画特色表达卓越画家代表的课题进行了深刻的研究，如吴钱宽的《也谈巴比松画派的艺术成就》、刘国芳的《巴比松画派的艺术探索》、刘志兵的《亨利?卢梭作品的艺术特点》等。
徐渭生平及绘画成就简介 明代画坛，高手林立，大家数不胜数，但说到最富创意的花鸟画家，非徐渭莫属，他可以说是明代文艺史上的一座巨峰或是奇峰。 他虽是一个精神病患者，却是16世纪世界上最伟大的文艺理论家。其诗文书画和戏曲，涉猎之广，成就之高，几可与东坡并肩。尤其是他开创的水墨大写意花鸟画的独特画风，扭转了花鸟画在画坛的地位，并最终成为这四百多年来的中国绘画的主流品种。郑板桥自称徐渭“门下走狗”，齐白石“恨不生三百年前，为青藤磨墨理纸”。而他的一生一直与穷困、病态、奇计、猜忌、死亡和暴力纠缠在一起，生活坎坷，命运多舛。中年开始学画，53岁杀妻案刑满释放后才开始潜心文学艺术创作。残酷的社会现实使得这位才能出众的才子成为愤世疾俗的封建礼教的反抗者。悲剧的一生造就了艺术的奇迹，徐渭不仅在绘画上有着卓越的成就，他的诗文、书法、戏曲同样光彩夺目，他是一代奇才的象征。 1 生平简介 “一生坎坷，二兄早亡，三次结婚，四处帮闲，五车学富，六亲皆散，七年冤狱，八试不售，九番自杀，实堪嗟叹！”这是王长安先生概括徐渭的人生经历时所作的一首“十字歌”。它形象生动而准确概述了徐渭独特的一生，简单罗列的数字凸现着一介文人在封建制度的残害下渗出的斑斑血泪。 1.1童年成长的悲歌 徐渭出生在正德十六年（公元1521 年）。徐鏓晚年纳其身边的卖身女仆为妾，终得第三子即徐渭。未料徐渭出生仅百日，徐鏓就过世了。自此徐家的日常家务都由苗夫人主持。 苗宜人视徐渭如同己出，细心教养，并且徐渭他天资聪颖，才华早露。 然而徐渭并没有从此走向求学入仕的康庄大道，十岁时，家中又发生重大变故，家庭经济破产，不得不依附于同父异母的长兄徐淮生活。 1.2青年求仕的躁进 从十七岁到四十四岁，每三年一次的科考，徐渭一场不落，却场场空手而归。 虽然徐渭在科举上屡试屡黜，但其出色的文学才情，已渐为人们所知。恰而嘉靖三十三年（1554 年）进士出身的胡宗宪以御史巡按浙江，需要文事辅佐，正广罗贤才，听闻徐渭才名，便欲召其入幕。嘉靖三十七年（1558）方正式入胡宗宪幕府。 1.3晚年精神还乡之路 七年的缧绁之苦如一场夏日的暴雨冲刷着徐渭的身心，使他终于结束了奔命于科考求仕之途的狂躁热情，开始在绵绵思索中走上了精神还乡之路。 2徐渭之奇 徐渭曾说：“吾书第一，诗二，文三，画四。”这大概是文人惯用的诡计，即把自己最受人重视的艺术放在最末的位置，以抬高其它。其实，他是我国大写意画的宗师，影响及于八大山人、石涛、扬州八怪直至吴昌硕、齐白石，在美术史上有着很高的地位。他最擅长花卉画，用笔放纵，水墨淋漓，气格刚健而风韵妩媚，具有诗一般的抒情性和韵律感，极为人们所珍视。其书法则长于行草，徐文长虽自列为第一，但成就似乎逊于绘画。 2.1自细而粗，由工到放 徐渭的创作状态，是一种无法遏止也难以节制的激情的爆发。因此，徐渭的绘画作品正是他狂态情感的物化和结晶，是个性人格在艺术中的凸现。 他的个人笔墨风格和个人偏好而论，无疑是倾向奇肆纵横的粗放一格的。但在理论上，他却坚持自“细”而“粗”，由“工”到“放”的程序，而绝不将粗放与工细对立起来。徐渭在《书沈征君周画》中说：“世传沈征君画多写意，而草草者倍佳。”但徐渭说他曾见其所作《渊明对客弹阮图》，画中的人物古木作线描，“精致入细毫”，认为“惟工如此，此草者
浅谈近现代中国画艺术的发展 内容摘要: 自1840年英国侵略者发动了侵华的鸦片战争之后,帝国主义列强对我国的侵略更加肆意疯狂.他们通过经济的掠夺,使我国的封建经济制度受到严重的破坏解体.政治、经济、军事、文化也遭到前所未有的操纵与控制.致使我国逐步沦为为半殖民地半封建社会.封建统治的日趋崩溃,失去了对文学艺术的控制,近代再没有皇家出面组织美术活动.然而富有革命传统的中国人民并不麻木的生活在这样的环境中.百余年来,前赴后继,不屈不挠的进行反抗斗争.伴随着时间的脚步,取得了不断的胜利.在孙中山领导的金民主主义革命取得阶段性的胜利之后.在中国共产党的领导下,进行了反帝,反封建和反官僚资本主义的新民主主义革命.终于在1949年建立了社会主义新中国。资产阶级新民主革命给美术带了新生机，是过去为封建社会及其统治阶级服务的美术，改变成为为人民大众服务的美术。中国革命促使美术的性质发生了根本性的变化。从时代的要求来看，近代中国画虽然受到压制和排斥，但是在广泛吸收、借鉴传统中国画及多方面艺术影响的同时，它依然按照自身的艺术规律有生命的发展着。 关键词：传统中国画山水画花鸟画近现代中国画海派吴昌硕齐白石 正文： 在中国古代称绘画或为丹青或为水墨。自从西洋画大量传入后，才对应出现了中国传统绘画的名称“中国画”。受外来艺术的冲击，中国画坛传统绘画一统天下的单一格局发生了变化，逐步向多元化、多样化发展。作为我国历史上规模最大的一次农民革命运动，太平天国在建立农民革命政权，提出反对封建政治纲领的同时，对于文化艺术也很重视。一方面取缔、改造为封建统治阶级服务的雕塑、绘画、打倒“圣人”孔丘的偶像，反对描绘帝王将相、才子佳人及仙佛鬼怪的人物画。另一方面，重视民间美术的宣传作用和组织管理，设有专业的机构，将民间画工、画师以及手工艺人组织起来，进行壁画、建筑、彩绘、年画、石刻等制作。现存太平天国的美术作品尤以壁画为多，浙江绍兴、金华、安徽绩溪、江苏苏州、江宁、宜兴和南京等地有这一时期的壁画遗存。较多表现的是富有装饰意味、喜庆吉祥的花鸟和山水。伴随着历史的推演，中国近现代所发生的天翻地覆的变革，影响到社会的各个方面。同时又也要求中国画适应新的审美需要，在文化知识界展开了对传统绘画的分析批判。 传统的中国画充分表露画家对当代生活的兴趣，尤其在魏晋南北朝时期，肖像画得到了重视，提出了“悟对通神”“览之若面”的要求，事实上这是士大夫阶层要求自我表现的一种反映，也从而使山水画和花鸟画得到了发展。花鸟画的发展要晚于山水画。山水画的发展和当时的玄思想盛行以及玄学之士标榜隐逸有关。在这一时期并未出现独立的山水作品，只是山水多作人物的背景和环境的衬托，较为古拙。由于题材表现技巧的不断丰富，渐渐的使山水画不但从人物故事的背景中独立出来，而且形成风格炯异的两种流派。展子虔、李思训画山水树石笔格遒劲而细密，赋色工致浓丽，开创了金碧山水一派；而吴道子画山水笔迹豪放；王维以诗人画创“破墨”山水，抒写文人情怀；王洽画松石山水则疯癫狂致，创“泼墨”之法；张璪的一句“外师造化，中得心源”的艺术主张从一个侧面道出一个艺术家对山水画的创作的追求与理解，等等。在盛唐之时，山水画启立门户，形成中国古代绘画独特的发展体系。
浅析装饰绘画中的色彩 薛晓妍 摘要：装饰色彩是相对于写实色彩而言的。研究色彩与色彩之间所形成的美感关系，即用“关系色”观念去观察和运用色彩。绘画（这里主要指装饰绘画）能产生各种生理和心理的感受,这就是色彩构成中的色彩心理在装饰绘画中起的作用；装饰绘画也可以用色彩构成中纯粹的色彩与形态,给人以直觉及震撼的感受。当今装饰绘画的色彩观念发生了翻天覆地的变化,已呈现出纯粹化、符号化的特征。色彩成为最富表现力和影响力的艺术语言。 关键词：装饰色彩，装饰绘画，装饰性，对比性 色彩一直是画家与设计家们都十分重视的因素，不同的色彩会使同一个形体具有不同的视觉意义，某些色彩除了审美价值外，还会给人带来特殊的感觉。我们生活的世界是一个色彩的世界，色彩的存在给人们带来了愉悦和快乐，它随时能引起视觉对周围事物的注意。但是，当环境或情绪等因素出现了转变时，色彩又往往能够给人带来一种压抑或悲痛的感觉。色彩就是在使人产生愉快和痛苦之间对人产生着巨大的作用。那么，什么是色彩呢？有人说颜色就是色彩，比如画画用的油画色、水粉色，装修用的涂料、油漆。但是，当夕阳西下天色渐黑时，这些颜料都会失去绚丽的色彩。此时，色彩变成了不可视的，变化微妙、不可触摸的东西，人们发现使物体失去颜色的是光。因此，有人说色彩就是光，有了光各种色彩就能得到显现。然而，同样的光照条件在作用于有不同视觉缺陷的人时，所产生的效果也不尽相同。阳光照射下的雾都伦敦，在印象派出现之前一直是以银灰色的面貌留存在人们的记忆中。可是，观众在首届印象派画展中看到熟悉的雾都被描绘成紫红色以后，走出展厅时却满面疑惑地发现平时常见的雾似乎真的含有了紫红色的成分。从这种对色彩微妙的认识变化中我们可以看到光只是引起色彩感觉的客体，它不等同于色彩。在艺术范围内，对光与色彩的感知必须依靠一双由色彩理论支配的眼睛。 让我们设想以下，如果艺术家们都根据粒子和波长来计算色彩，那结果将是一个什么样子呢？再比如，牛顿的三棱镜色光学说与歌德的明暗色彩观相比，前者是科学的。但是，歌德发现的色彩不仅出现于明亮之处，也会从暗部出现的观点，不是对艺术家们处理暗部色彩时更有启示么？人类拥有无限的想象力和天才的创造力，思维着的大脑会随时影响视觉对色彩的理解。在构成形象的诸多因素中，色彩能够迅速的触动人们的感觉，成为一种活跃的视觉力量。英国著名学者赫伯·里德在《通过艺术的教育》中说：“色彩是形式的外观，然而色彩在艺术上扮演着很重要的角色，因为它对我们的感官 有一种非常直接的影响。真的， 各种色彩相当于我们的各 种情绪。 一、色彩与装饰色彩 考虑到色彩在艺术上的应用，可以看到这样两种事 实：一是以自然色彩为师，试图再现自然色彩的真实面貌 和美感，在表现方法上注重环境色和色彩冷暖关系；二是 以人对色彩的主观理解为依据，侧重在衣、食、住、行等 方面对色彩的利用，并希望因此而提高生产、学习、娱乐、 环境、社会活动的效率和审美意义，追求色彩的实用意义， 力图经济、美观、科学，有益于人的身心和社会道德。这种色彩称为设计色彩或装饰色彩。 图1→
龙源期刊网 https://www.doczj.com/doc/0817628390.html, 浅谈关于数字绘画艺术发展的思考 作者：郭雅璇 来源：《戏剧之家》2018年第20期 【摘要】绘画作为一门几乎可以与人类文明史比肩的悠久门类，在数字绘画艺术时代悄 然出现并迅速发展壮大，成为席卷全球的绘画新学科在发展的过程中面临着许多机遇和挑战。以其涉及领域广，创作平民化，传播途径丰富等特点，现如今各个专业领域中数字绘画拥有话语权。那么，数字绘画艺术是如何在如此短的时间内成为炙手可热的话题的？ 【关键词】数字化；数字绘画艺术；传统绘画艺术 中图分类号：J2 文献标志码：A 文章编号：11007-0125（2018）20-0147-01 一、数字绘画艺术的特征 从创作方式来看，不同于传统绘画的工序繁琐和材料成本昂贵，数字绘画的创作手段更加简单和平民化。一台电脑，一个数位板便可以成为一个创作者的“造梦空间”。这使绘画这门学科走下神坛，为数字绘画艺术行业的繁荣提供肥沃的土壤。加上近几年数字产品的不断创新（如ipad pro具备可使用平板电脑直接绘画的功能等），不管是对艺术有兴趣还是日常娱乐消遣的人们都有机会接触和了解这个领域，更使创作方式平民化走向新的高度。 数字绘画艺术的可延展性是其最重要的特征之一。领域相对于传统绘画艺术的平面线性扩展而言，呈三维发散式扩展。除了我们常见的领域如平面设计、工业设计、室内设计、广告、电影、杂志等，数字绘画艺术仍然在继续发掘新的可能性。近几年有艺术家们开始利用VR技术创作艺术作品，每每都会在社交网络中引来巨大的关注度，足以证明这些新兴科技会给数字绘画带来源源不断的新议题。 平民化和快速占据艺术市场等特征带来的缺陷也日趋严重。特别在我国，大多数人在没有接受过艺术教育和版权意识薄弱的情况下被动地与数字绘画的各个门类接触，抄袭、盗图、侵权等问题屡见不鲜；数字绘画质量参差不齐；数字绘画作品的普遍廉价化；专业数字绘画教育的空白，数字绘画艺术的弊端也在它超高速发展壮大的过程中比以往任何一门新类别更快地显露出来。 二、数字绘画艺术在当前形势的作用 数字绘画艺术以其强大的渗透力和生命力成为商品经济时代下的主流创作方式，在艺术创作方面也不甘落后。虽然数字绘画艺术在发展过程中最大限度地挤压了传统绘画艺术的生存空间，再加上它自身的种种缺陷，但基于总体更符合当今社会的发展趋势需要，传统绘画艺术在数字时代的巨大冲击下“半推半就”地接受了这个新成员。实际上传统绘画与数字绘画并不是站在对立面，而是互相影响的关系。数字绘画艺术的出现为传统绘画艺术提供了更为便捷和性价
华南农业大学
如何理解绘画的艺术语言 摘要： 艺术门类的表现手段称作“语言”，不同的门类有其不同的语言。绘画语言是指画家用一定的手段和工具材料，使艺术作品获得的视觉感受形式。绘画的艺术语言包含了技巧、形式和内容的有机融合,它是一个相互制约、相互渗透的有机整体,画家的感情是靠其特有的绘画语言来表现的,绘画语言不是仅仅停留在技巧和形式的探索之中,而是将技巧、知识、直觉和感情与材料融合为一体而形成的。绘画语言包括线条运用、明暗色调、色彩原理运用、空间、透视、构图和笔触等绘画元素。绘画语言是作品的最后实现阶段，它决定着作品的外在视觉效果。 。 关键词：绘画艺术语言构成要素 一、绘画的艺术语言浅析 我们说艺术是一种语言,是因为艺术已经不依赖于其它语言,不求助于其它语言手段的协助,已经能够独立地成为众多人类语言中的一种特殊表达形式。绘画是一种艺术实践活动,它运用线条、色彩、造型和构图等语言形态,依据一定的形式法则进行搭配组合,完成传达精神内涵的任务。完成绘画作品不仅是表现形式的作用,而且还要有内容的体现,精神的传达,即所谓的绘画主题。绘画的内容与形式,密切相连,是观念、情感和技术的体现。由此看来绘画语言实际上是包含了技巧、形式和内容的有机融合。它是一个相互制约,相互渗透的有机整体,画家的感情是靠其特有的绘画语言来表现的。这种语言的运用,体现了画家自身的艺术表现力,艺术表现力愈强,语言愈具特色。所以,对绘画语言所占有的深度和广度是检验画家艺术水准高低的标准。
二、中西方绘画艺术语言的侧重 由于不同的艺术家对绘画语言具有不同的运用,必然会产生多姿多彩、风格各异的绘画作品来。纵观绘画史,我们可以了解到不同的差异。 从以下两幅作品的对比中我们可以很直观的感觉到中西方绘画语言的侧重： 1.《印象〃日出》莫奈2．《富春山居图》元代黄公望 在欧洲,自达·芬奇开始,就形成了一种传统的写实主义画法,艺术家通过“研究光线揭示形式的方式,通过发展并运用直线透视法来获得景深幻觉的规则,通过研究人体解剖,艺术家给他们的作品注入了一种全新的现实主义感。”他们的艺术作品弘扬了“人文主义”,在绘画的总体风格上,姿势华丽、典雅、宏伟、和谐,写实技术娴熟,形成了我们称之为“古典主义”的画风。区别于古典画风的印象派画家们,用光与色描绘自然和抒发自己的感情,他们擅长表现阳光和色彩。他们对瞬息万变的光色变化非常敏感,注重色彩的表现,画家运用分色技术,将色彩合理组合,使画面变得明快绚丽。印象派画家不再因袭传统的画法,他们的作品则替我们诠释了光色的功用性。在色彩的表现里,印象派画家完美地表现了一种抒情风格,他们很好地运用了绘画语言,给作品注入了抒情性外表美。在西画造型过程中,主要使用形体与色彩语言,即便没有线的使用,其造型行为不会受到重大影响,绘画形态的构架依然能成立。即使用线界定轮廓,如在轮廓之外辅上调子,马上就会成为很立体的画面。可见西画中线依然作为表现形体的一种特殊手段。无论何类画派的艺术家,他们都是借助其独特的语言形式来完成作品的情感体现的。从这个意义上讲,绘画语言的不同运用,则产生出不同风格的绘画作品。 中国画崇尚文、意、趣,而这一切都是通过笔墨技巧来体现出来的。在这里,笔墨本身不是“具象”的,相对具体塑造的艺术形象来说,它是形式的因素,但却有着引起形象的联想和意趣的
艺术随笔Art Essays CERAMICS SCIENCE & ART 【关键词】发展史；白瓷代表；发展前景 浅谈中国陶瓷发展史及现代陶瓷的发展前景 陈良瑜 1、新石器时代： 陶瓷的产生和发展，其实是同人们的生活和生产实践紧密相连的，在大约70万年以前的原始时代，人们就泥巴晾干后用火烧烤坚硬的盛器用于盛水，存放食物等等，这便是陶器产生的初始。最新的考古资料表明，我国境内目前发现最早的陶器遗址是位于江西万年县内的仙人洞遗址、广东英德青塘、灵山滑岩石洞、广西桂林甄皮皮岩。其主要品种有灰陶、彩陶、黑陶和几何印纹陶等，手法粗糙，构图新颖流畅，表现了当时制陶的技术水平。 2、夏至两晋时期：在商朝殷墟的遗址中，出土很多陶片、各种款式陶罐，这些陶器上的纹饰、符号、文字与殷商时代的甲骨文和青器有着密切的联系，陶器在此时已经不局限于盛物器皿，应用范围广泛，大致可分为日用品、建筑、殉葬、祭祀礼品类等。而后秦汉古代的建筑多用木料来架构，不易久存，所以一些伟大的建筑，如秦代的阿房宫和汉代的未央宫，都无法完整保存下来，但仍可在殘存的废墟中发现瓦当及汉砖等遗物，藉以略窥古代建筑的规模。两汉时期，釉陶大量替代铜质日用品，从而使陶器得到迅速 我是众多陶瓷艺术工作者中的一个，从事陶瓷行业多年，我热爱我的工作，我为之骄傲，我也为之努力，正是有老一辈的陶瓷人代代相传，才有今天陶瓷的发展，我愿尽绵簿之力为之传承。 一、中国陶瓷发展史 DOI:10.13212/https://www.doczj.com/doc/0817628390.html,ki.csa.2015.07.008
艺术随笔 Art Essays 发展，由于对于加工技巧的掌握，随之出现图案 及造型生动活泼的陶器装饰品，具有极高的艺术 价值，这是陶向瓷的过渡桥梁。两晋时期到南北朝陶瓷主要成就主要体现是越窑，以青瓷为主极尽装饰之能事，有较高的艺术水平。 3、隋唐五代时期：隋的朝代虽短，但在瓷器烧制上，却有了新的突破，不但有青瓷烧造，白瓷也有很好的发展 ，另外此时在装饰手法上也有了创新，如在器物上另外的泥片一贴花，就是一例。到了唐代，瓷器制作可为以蜕变到成熟的境界，而跨入真正的瓷器时代，因为陶与瓷的分开，在乎质白坚硬或半透明，而最大的关键在于火烧温度，汉代产有瓷器，但温度不高，质地脆弱只能算是原瓷，而发展到唐代，不但釉药发展成熟，火烧温度能达到摄氏一千度以上，所以我们说唐代是真正进入瓷器的代。 4、宋元时期：瓷业在宋代随各地新兴窑场不断出现而发展，涌现出不少驰名中外的瓷窑，所谓五大名窑——定、汝、官、哥、钧就是其中的代表，宋代形成品种丰富多彩、造型简洁优美、装饰方法多样化的特点。官私名窑名瓷风格各异，百花争艳，各现独特风格之美。元代时期也有新的发展，如青花和釉里红的兴起，彩瓷大量的流行，带动以后明清两代的瓷器发展。 5、明清时期：我国的陶艺发展到了明代又进入一个新的旅程，明代以前的瓷器以青瓷为主，而明代之后以白瓷为主特别是青花，五彩成明代白瓷的主要产品，此时瓷胎也趋向薄，细、白的需求，在坯身上记住款式也从此开始，年代、堂号、人名都有，使研究考据有更确实的辨认。 清朝中国瓷器可谓登峰造极，清初的瓷器制作技术高超，装饰精细华美，清代彩瓷在明代的基础上有了很大发展，工艺创新，分化出更多的彩色，墨彩、蓝彩、金彩也出现在五彩瓷器画面上，色彩淡雅是其特点，从而丰富了清代瓷器装饰。 从上述陶瓷在各个时期的发展历程看，它是辉煌的，璀璨的。美来自于生活，从业者是从表现生活的角度，有寓意地间接表现了人的思想和感情，或直接描绘了现实生活的风俗和风貌。不仅表明了我雕塑艺术现实主义传统的久远和我国古代陶瓷制作水平之高，并且还为世人展示了中华民族深沉雄大的民族风格。 宋代早期的产品主要是青白瓷，随着技术的 不断提高，逐渐发展为白釉瓷。明代白釉瓷瓷质 如脂似玉，创造了独具一格的"象牙白"，被视为 中国白瓷代表。其装饰工艺主要有刻、画、印花 和堆贴印花装饰刻花也称画花。德化白瓷具有质 地洁白、细腻如玉、釉面光滑、击声如磬的特 点，故有"中国白"之称。其特制的薄胎产品，薄 如蝉翼，精美绝伦。德化民间雕塑艺人将雕塑与 瓷艺结合，擅长制作白瓷观音，所做白瓷观音仪 态生动，是举世公认的白瓷珍品。德化白瓷不求 色彩之华丽，而是追求单纯、素洁、典雅之美， 对所利用的材料有充分的认识，设计定位与取向 是准确的，充分显示着历代匠师们的创造智慧。 如果说景德镇窑的白瓷是以青白釉称著于世，德 化白瓷则是以乳白色为主，釉层腴润，光色如 玉，显示着冰清玉洁的特质，蕴涵着耐人寻味的 魅力，相比之下具有异曲同工之妙 1：从陶瓷本身而言 为使陶瓷艺术在现在这个社会生存下去，且 获得多姿多彩，首先要实现传统陶瓷向现代陶瓷 的转变。 陶瓷材质的转变和发展 在陶瓷艺术作品中，材料的运用可谓至关重 要，可以直接感受作品的力度及内在结构的审美 空间。从传统材料中可以看出青花、粉彩、古彩 等传统装饰，形成了景德镇传统陶瓷艺术特有的 面貌，决定了其题材风格的独特性，它承载着一 个时代的变迁，用自身的语言范式带给世人长久 的喜爱与眷顾 在现代陶艺的制作中，原料的取材是不拘一 格的。与多种材料的结合、并用、渗透，产生了 相得益彰的艺术效果，使现代陶艺既有丰富的表 现性又有充分的协调性，表面装饰和空间处理也 登上一个更高的层次。现代陶艺注重质地性能， 不讲究是粗糙还是精细的原料，取材也不再仅限 于瓷泥和陶泥，而是有意突破传统陶艺原料的使 用范围，利用泥料的不同特性，发挥各种材质的 潜在美感，只要能经窑烧的泥、沙等材料都可用 来为之服务。 现代陶瓷张扬个性和内涵 二、白瓷代表 三、陶瓷业的发展前景（解困之路） 17 CERAMICS SCIENCE & ART
浅谈中国绘画艺术的独特性 发表时间：2012-07-17T10:51:57.700Z 来源：《新校园》学习版2012年第4期供稿作者：孟庆杰 [导读] 中国画是我们民族卓越才能和辛勤劳动的结晶，是我们民族的宝贵财富. 孟庆杰（长垣县实验中学，河南新乡 453400 ） 中国绘画艺术历史悠久，源远流长，经过数千年的发展变化，创造了丰富多彩的、具有鲜明民族风格的多种手法，形成了独具中国意味的绘画语言体系，相对西洋画来说，有着自己显著的特征。 一、中国画体现了中华民族传统的哲学观念和审美观 在对客观事物的观察认识中，中国画往往不像西洋画一样讲究以形写形、比例匀称。传统的中国画不讲究焦点透视，也不强调自然界对物体的光色变化，不拘泥于外物的肖似，而是讲究“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉，从而抒发作者的主观情趣。它渗透着人们的社会意识，从而使绘画具有“千载寂寥，披图可鉴”的认识作用，又起到“恶以诫世，善以示后”的教育作用。即使山水、花鸟等纯自然景观，在观察认识当中，也不自觉地与作者的审美情趣和社会意识相联系，借景抒情，托物言志，体现了中国人“天人合一”的观念。 二、在艺术手法和艺术分科上，中国画有其独特特征按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔 ”。而写意则是相对“工笔”而言，是用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。 三、中国画在构图、透视方法、用笔、用墨、敷色等方面有自己的特点 中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调 ”的，但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视阈的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。 《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”。观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透视的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。 用笔和用墨，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则钝，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造形体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓淡相生相融，做到浓中有淡、淡中有浓，浓要有最浓与次浓，淡要有稍淡与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源 ”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被当做中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。 中国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉末，耐风吹日晒，经久不变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。 以上中国画的特点，主要是对传统的中国画而言。这些特点，随着时代的进步，艺术内容和形式不断向前发展变化。特别是五四运动之后，西洋画大量涌入，中国画以自己宽阔的胸怀，吸收了不少西方艺术的技巧，丰富了中国画的表现力。但是，不管变化如何，中国画传统的民族的基本特征不能丢掉，中国画的优良传统应该保持并发扬光大，因为中国画在世界美术领域中自成独特的体系，它在世界美术万花齐放、千壑争流的艺术花园中独放异彩。中国画是我们民族卓越才能和辛勤劳动的结晶，是我们民族的宝贵财富.
赏析徐渭“笔底珍珠无出卖，闲抛闲掷荒野中” -行知11绘画新媒体魏茹茹11203435 网页中一搜索“徐渭”，立刻出现，一位落魄潦倒但又放荡不羁的诗人。悲剧性的天才艺术家。看来，徐渭一生的不幸与其艺术成就的卓越是所有人的共识。 在他的晚年绘画作品《墨葡萄》中，画的是山野间的野葡萄，以饱含水分的泼墨法，随意挥洒，点染出藤条和葡萄。藤条错落低垂、葡萄晶莹欲滴。好几幅葡萄图中诗人题了相同的词“半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风。笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中。”表面上比喻所画的葡萄，实际上喻指诗人的才识。诗人用珍珠喻己。“明珠”却无处可卖，蕴含着诗人激愤、苦痛、狂傲的情感，表达了怀才不遇的愤懑之情。字里行间道出他有才能而不能施展的心境，叹息自己纵有才华却不能被人赏识。只能像野葡萄那样在荒野中自生自灭，那串串“闲抛闲掷”的野葡萄正是徐渭的化身。徐渭是晚明时期的代表画家,其庶出的社会地位，饱经磨难的身世命运，怀才不遇的人生经历,畸变的心理冲突以及晚明世风日下的风气，使其长久压抑的情感以绘画的形式得到宣泄,开创了水墨大写意花鸟画派。 徐渭作为明清大写意画派的开山大师,他的绘画艺术是我国文人画发展到明代的一个新的突破。超然物外,寄情山水,借物抒情乃是文人画产生的思想基础。文人画的“以形写神”、“气韵生动”和“怡悦情性”的理论,被唐代张彦远肯定并加以宣扬之后,经五代荆浩、到北宋得到进一步发挥。此际文人名流辈出,对宋代和后世文人画发展产生了极大影响。凡诗、书、画,皆以尚意为高,强调主观心意的重要性,使绘画艺术从重在表现客观而转向表现主观心灵。 这是明朝嘉靖时徐渭写的一首诗，徐渭工于诗、文、书法，又是戏曲专家，同时被尊为泼墨大写意画派的开山鼻祖。但他一辈子不曾及第做官，仅沦落官员下潦，中年还因精神受到打击而一度疯癫，亲手用锥子刺聋了双耳，用槌子击碎了睾丸，然而终于不死，相反的，活到七十有三。 他的写意水墨花鸟画，气势纵横奔放，不拘小节，笔简意赅，用墨多用泼墨，很少着色，层次分明，虚实相生，水墨淋漓，生动无比。他又融劲健的笔法于画中，书与画相得益彰，给人以丰富的想象。徐渭的书法和画法都极为娴熟，功底深厚，他的题字，如他的泼墨写意画，纵横不羁，洋洋洒洒；他的泼墨写意画，融合了精熟的笔法，意趣横生，极富韵味。徐渭生性狂放，性格恣肆，但他在书画、诗文、戏曲等方面均获得较大成功。 明代多狂人,可真正如荷兰的梵高那样发疯，生时寂寞，死后并为后人顶礼膜拜的大家实在不多。徐渭就是这样一个“可怜”的人物。郑板桥推崇他的绘画.甘愿为“青藤门下走狗”。近代的吴昌硕题徐渭的书画册亦说：“青藤画中圣,书法逾鲁公。”齐白石对徐渭更是倾慕备至。他曾说：“青藤、雪个、大涤子之画,能纵横涂抹,余心极服之。恨不生三百年前,为诸君磨墨理纸。诸君不纳,余于门外饿而不去,亦快事也。”
谈谈你对中国瓷器的认识 摘要：瓷器是中国古代的一项伟大发明，在漫长的历史岁月中，勤劳智慧的中国先民们点土成金，写下光辉灿烂的篇章，为人类文明做出巨大贡献。享有盛誉的中华古瓷，已成为世界各大博物馆里的明珠，也将越来越广泛的成为中国和世界各地的专家学者研究的对象，并受到广大收藏者和陶瓷爱好者的珍重。中国素有“瓷器之国”之称，china在英文中是陶瓷之意，而CHINA则是中国。西方人了解中国，正是从陶瓷、茶叶和丝绸开始的。 关键词：陶瓷发展史发展前景 正文：一：陶瓷简介 陶瓷，众所周知，即陶器与瓷器的总称。。中国人早在约公元前8000－2000年（新石器时代）就发明了陶器。陶瓷材料大多是氧化物、氮化物、硼化物和碳化物等。常见的陶瓷材料有粘土、氧化铝、高岭土等。陶瓷材料一般硬度较高，但可塑性较差。除了在食器、装饰的使用上，在科学、技术的发展中亦扮演重要角色。 陶瓷,是人类在生存空间中最早出现的几种艺术形式之一。从初始的以实用为目的,渐渐随着技术的进步而增加了美学的功能,使其成为集实用和欣赏为一体的工艺美术品,最终,陶瓷又摆脱了实用的初衷,成为完全意义上的欣赏品。 二：陶瓷的发展史 陶瓷的产生和发展，实际上是同人们的生活和生产实践紧密相连的。大约在70万年以前的原始时代，人们就发现，将泥巴晾干后加火一烧就变得坚硬起来，而且可以做成各种形状用来盛水，放食物等等，这便是陶器产生的初始。陶器的发明是人类文明的重要进程，它揭开了人类利用自然、改造自然、与自然做斗争的新的一页，具有重大的历史意义，是人类生产发展史上的一个里程碑。下面具体分析陶瓷的发展史。1：夏、商、周朝时期的陶瓷文化 商朝殷虚的遗址中挖出的陶片、陶罐包括很多种款式，有灰陶、黑陶、红陶、彩陶、白陶，以及带釉的硬陶，这些陶器上的纹饰、符号、文字与殷商时代的甲骨文和青器有密切的关系。青器的成本高只能为贵族享用，广大民众的各种生活器皿只能采用陶器。因此可以了解商代制陶工艺也得到普遍的发展，带釉的硬陶在这个时期已经出现了，釉色青绿而带褐黄，胎质比较硬，呈灰白色。 陶器在此时已经不在局限於盛物器皿，应用范围较广，大略可分为日用品类、建筑类、殉葬类、祭祀礼器类。朝廷对於制陶工作也很重视。 2：秦汉时期陶瓷文化 秦汉-古代的建筑多采用木料来架构，不易久存，所以一些伟大的建筑，如秦代的阿房宫和汉代的未央宫，都无法完整保存下来，但仍可在残存的废墟中发现瓦当及汉砖等遗物，藉以略窥古代建筑的规模。3：隋唐朝时期的陶瓷文化 西元五百八十九年，杨坚篡北周并南陈，统一中原，改国号为隋，隋的朝代虽短，但在瓷器烧制上，却有了新的突破，不但有青瓷烧造，白瓷也有很好的发展，另外此时在装饰手法上也有了创新，如在器物上另外的泥片—贴花，就是一例。 4：唐朝时期的陶瓷文化 到了唐代，瓷器制作可为以蜕变到成熟的境界，而跨入真正的瓷器时代。因为陶与瓷的分野，在乎质白坚硬或半透明，而最大的关键在于火烧温度。汉代虽有瓷器，但温度不高，质地脆弱只能算是原瓷，而发展到唐代，不但釉药发展成熟，火烧温度能达到摄氏一千度以上，所以我们说唐代是真正进入瓷器的时代。唐代最著名的窑为越窑与邢窑。 5：元朝时期陶瓷文化 元代入主中原九十一年，瓷业较宋代为衰落，然而这时期也有新的发展，如青花和釉里红的兴起，彩瓷大量的流行，白瓷成为瓷器的主流，釉色白泛青，带动以後明清两代的瓷器发展，得到很高的成就。6：明朝时期陶瓷文化 我国的陶艺发展到了明代又进入一个新的旅程，明代以前的瓷器以青瓷为主，而明代之後以白瓷为
浅谈禅宗思想与中国绘画艺术观念的构建 摘要：禅宗思想对中国传统文化的影响，在美术创作上体现为直接参与构建了中国传统艺术审美的思想体系。现当代，经过对20世纪初新文化运动全盘西化和“85新潮”激进美术运动的反思之后，艺术界出现的“新文人画”现象，实质上是对全盘西化和激进美术运动的反拨，预示着艺术审美思想向传统文化回归的精神诉求。 关键词：禅宗中国画艺术审美 一、禅宗思想对构建传统艺术审美的意义 中国封建理学与禅宗思想对待个体生命意义的自由意识，有着两种不同的学说。存天理灭人欲，天理高于一切，人欲不可违背是理学家回避“自由”问题的一贯主张。而禅宗思想却正视个体生命的不自由问题，认为人生的自由存在于不自由之中，解脱之道即在由迷而悟之中。“悟”是自由与不自由的界限，超越了这个界限人生就达到了自由的境界即“涅檠”。禅宗精神就是超越现实的物质和精神束缚，追求现实生活之外的空灵与思想自由，从而获得精神上的满足。因而，禅宗有别于儒学的特殊思想魅力也就由此形成。 一方面，禅宗“众生平等”、“无凡圣”等否定权威的平民化思想倾向，受到广大寒士阶层的推崇。而另一方面，禅宗却不否定现存的社会秩序，只是强调个体生命存在的个人主义思想，具有非群体化、非政治化的倾向，是悲观哲学，是幻想破灭的产物，比较符合旧时代个人意识相当发达、对现存社会高度敏感的知识分子士大夫被挤压、难以自我主宰的心理感受。这些知识分子士大夫为寻求自救，找回个体的生命自由，希望通过“修持”在无自由的现有社会压迫下求得心理解脱和精神释放。 被理学思想规范着的封建士大夫，理性上无力也根本无心与封建秩序对抗。而主张不触动现有秩序的禅宗精神，正好符合士大夫的要求。禅宗的核心“悟“在形式和作用上与艺术审美最为接近。因此，士大夫尚保存的对自由的本能追求，都大量转入艺术审美方面，直接从艺术活动中来体会自由经验，使禅宗在封建时代，成为艺术家的哲学，较之儒学和道学也最富于艺术精神。 禅宗的出现直接带动了审美思想的发展，并且渗入到具体的艺术创作中，尤其是对纯粹美的发现，对中国式的“气韵生动”的发现，以及对形成人与自然融合之艺术精神体系的重大影响。换句话说，即禅宗思想对中国绘画和重构艺术
浅谈幼师专业中的装饰画教学 幼儿装饰画在幼儿园教育工作中，占有很重要的地位。了解幼儿装饰画的特点，掌握其造型规律和表现手法，并逐步学会将所学知识运用于实际，是每一个幼教学生必须具备的能力。在幼儿师范教学中提倡装饰画教学，有利于幼师生更好地掌握和运用装饰画，给孩子们一个形式上美丽缤纷的世界，也有利于培养和挖掘孩子们绘画的天性，使他们身心健康快乐、全面地发展。首先，我们要了解一下几点： 一、装饰画的概念 幼儿装饰画是按照形式美的规律和法则，在表现手法上侧重夸张变形，并具有一定装饰效果的绘画，都可以称为装饰画。幼儿装饰画在这里专指成人画给儿童看的富有装饰性的画。以幼儿为主要欣赏对象，强调从幼儿审美心理的需要出发，充分运用形式美的规律和法则，夸张变形的艺术手法，对所要表象的对象进行装饰变化。让画面天真浪漫、色彩鲜艳充满童趣，真正为幼儿所喜爱。 二、装饰画的特性。 饰绘画的艺术美是一种综合的美，它包含着对材料质感的敏感，对装饰语言的驾驭，对工艺技能的娴熟和最富创意精神的体现，把人类的精神、情感和信念变成了一种可感、可知、可触的物质形象造型。 1.外形轮廓美 强调造型的轮廓和动态美。形象不求体积而是平面化或浮雕化，所以它不像素描要求形象的边缘表现出立体与深度。 2.色彩单纯美 幼儿装饰画在色彩的表现上不追求条件色微妙复杂的变化，它主要注重物体固有色色块与色块之间的对比调和关系、组合与色调等问题。 3.构图整体美 幼儿装饰画的构图注重画面上下左右面积的经营，不去刻意追求画面的纵深立体效果。在表现中要做到变化中求平衡，开合中求呼应，整体中求丰满和稳定。它可运用中国传统绘画总散点透视构图法和“蒙太奇”式的自由组合构图法，打破时间和空间的限制，将远景与近景、天空与地面、虚景与实景等，按画面需要组合在一起。形成比现实更理想、更浪漫、更丰富的构成效果。
毕业论文（设计）开题报告 ——浅谈“绘画语言”在绘画创作中的表述作用 专业：艺术设计学号：04119127 姓名：李伟中指导老师：黄有柱 一、研究的目的与意义 如果从单纯意义上的美学角度来讲，绘画原本是人类在客观自然面前感性的，发自内心的感触并将其表现出来的一种纯粹的美学感受。这是人们对自己的才智和情意的发现和肯定，以彰显对美的朴素的追求直白的表达，同时也表达对自然感受和自身理想的寄托。在绘画作品中，最重要的因素首先是画的形式和表达对人生存状态的感受，而表现这两方面的首要因素便是鲜明的画面语言，画面语言包括画面的色彩、黑白灰、表现形式的材料、肌理的运用。因为画面以作者表现人的生存状态的直观形象为特点，所以，它是视觉艺术产生的基础。可以说，绘画的画面语言是将客观生活通过画家的主观情感转化成画面直观感受表达的桥梁，充分显示着画家的艺术感觉，同时也是最直观的表现方式。而绘画的主题内容，精神内涵的体现则需要借助绘画语言来实现。绘画语言是画家思想内容表达的载体，是情感传达的媒介，它通过某种特定的艺术形式来展现，属于形式范畴。而在具体的绘画作品中绘画语言作为一种表达媒介又是形象的，具有可感知请，是画家内心对所描绘实物的一种感性处理，是内容和形式的完美统一。因而，对绘画语言的积极探索与研究可以拓展我们的创作思维，从而使作品能够恰如其分的传达创作者的情感诉求。画家在具体的运用绘画语言时，往往会根据自己的人生经历，艺术修养，创作经验和技法等进行个性化的选择，因此，每个画家的作品多具有自己独特的艺术风貌，这种对绘画语言的差异化运用，则形成了不同的绘画风格。 研究目的：绘画是造型艺术中最主要的一种表现形式，是艺术家通过自己独特的艺术语言，将自己内心的思想意识以及对现实生活的感受以直观的形式展现在人们面前，从而进行的一种广泛而有意义的交流和沟通。绘画尽管是属于虚拟的空间，但现实生活中存在的诸多现象都可以在绘画中得到表现和升华。繁杂琐碎的物质世界可以通过绘画艺术而得到完美的再现或重塑，使人们可以通过绘画艺术直观地体会到现实世界与理想世界之间美妙的关系，从而发现归属自己的精神世界和自己独特的绘画语言，这也是绘画艺术的基本特性之一。 研究的意义：但绘画语言的个性并不是一朝一夕形成的，它是艺术家内在素质的外在表现，是艺术家倾其一生提炼的结果。由于这些个性语言的表现是基于各种复杂因素之上的，